插画师灵感-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

想要去原创一副插画时，怎么去获得灵感

原创需要大量的灵感积累和素材参考。建议你平时带个小本本记录,一旦有灵感的时候赶紧写下来,不然后面会忘掉的。。参考素材也是另一种方法,平时多看看其他大神的作品,自然而然会有灵感。

有时候灵感一闪而过捕捉不到,所以是一个需要长期积累的过程。需要大量阅读书籍和资料。

原创一副插画之前要先构思好主题,你要画什么风格,表达什么故事情节之类的。

之后去根据这些主题寻找相关的素材,再整理合集。确定好大概方向,比如你的场景背景、人物角色设定,男的女的,服装是怎样的。。这些你都要分别去找对应的素材参考。

然后开始画草稿,画草稿的过程中还要注意构图、视角等,不要让画面显得太死板平面,最好能有点动态和空间的。。。经过不断修改的最后确定好了才开始画线稿。。上色和渲染之类的。。

以上是个人见解,~~

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

如何成为插画师成为插画师的条件

在成为一名插画师之前,你需要掌握一些基本技能和知识。首先,你需要有绘画技能,对色彩、构图等基本概念有一定认识,还需要了解一些常用的绘画软件和工具。

其次,你需要有创作灵感和思考能力,能够从不同的角度看待一个事物并加以描绘。同时,你还需要有不断学习和探索的心态,保持对新技术和流派的关注,并逐渐形成自己的风格和风格特色。

除此之外,你还需要具备良好的沟通和交流能力,能够与客户沟通并理解其需求,快速反应并提出创意解决方案。最后,培养好的职业素养和品质,保持良好的职业操守和自我要求,追求高品质的作品和服务,才能获得客户和市场的认可。

总之,成为一名插画师需要不断学习和探索、有创作灵感、良好的沟通交流能力和职业素养,只有具备这些条件,才能更好地展示自己的才华,并在插画艺术领域取得成功。

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高叉泳装的动漫服装

在ACG(二次元)中,也经常可以看到女孩子穿高开叉形状的衣服,人们一律统称为“高叉泳装”,不过事实上这些服装不一定具有普通泳衣的作用,很大程度上是单纯的视觉美感,将其称作“高叉紧身衣”或“高叉制服”更恰当些,当然这些服装的设计原理是来自高叉泳装的。

无论在三次元还是二次元,高叉紧身衣一般都会搭配着靴子,因为她不是纯粹意义的泳装,而是一种视觉产物,靴子的取舍会影响到对半体服的审美。如何在高叉紧身衣搭配靴子的这个基础上,利用其他装饰点缀这套衣服很考究设计者的想象力。

事实上在ACG界,高叉紧身衣是由美国动漫发展起来的,而且范围更广、热度更高,日漫只是受了其影响,在美漫中很多女英雄都有这样的打扮,如心剑忍者PSYLOCKE、神奇女侠WonderWoman、神奇女士、蝙蝠女Batgirl、神力女郎PowerGirl、暴风女Storm、女反派Livewire等等。

在日本方面,高叉紧身衣长期没有一个系统的概念,虽然经常有这类打扮的女角登场,但并没有固定的统称。随着日漫的发展,很多动漫名词开始被系统化,如指代校园泳装的“史库水”,适合小女孩身材的宅系衣服称为“萝莉服”,而英式女仆装扮则以“女仆装”统称,高叉紧身衣的概念被系统化大概也是时间问题。

高叉紧身衣的特点是性感和帅气,她并不以“暴露”为目的,而要突出英气勃勃的感觉,区别于一般的卖肉,她可以吸引男性观众的眼球,也可以让女性观众为之着迷,很多穿高叉紧身衣的美少女都拥有相当数量的女FANS,如

《街霸》

里的CAMMY等。

和某些讲求暴露的内衣不同的是,高叉紧身衣很多时候反其道而行之,故意在很多被认为“应该露”的地方加布料,尤其经常保留靴子和手套,让女孩子“帅”的一面得以体现。

比如

《轮回的拉格朗日》

里的兰,她的衣服除了是体操服形状,任何方面都显得很庄重,半体服为长袖而且是高领,脚穿靴子,衣服的款式和布料,显然是以制服的标准设计的,所以兰的衣服看起来颇像制服。

而另一方面,高叉紧身衣的性感特点,让兰的曲线身材完全在这套衣服的衬托下体现了出来,胸口的美感丝毫不逊色于那些暴露的分段泳装,而且更加唯美。很多时候女孩子把胸部藏在衣服里,更能予人一种性感的视觉效果。

兰这身打扮给人的视觉之美,在那些美漫中的女英雄身上也往往能够得到呈现。

美国比较开放所以很早以前就有了高叉紧身衣,而日本则要晚了很久。早期影响力较大的应该是

《超级街霸2》

(即

《16人街霸》

)里的CAMMY,当时她的衣服很简单,基本上就只是一件绿色的高叉泳装,再加红色蓓蕾帽、红色手套、和一双军靴。

简单归简单,却让CAMMY赢得不小的人气,成为日后

《街头霸王》

系列最受欢迎的角色之一,特别在欧美地区CAMMY一直不乏COSPLAY的扮演者。

简单也意味着她不能再被复制,所以以后CAPCOM出品的其他作品,对高叉紧身衣都着重于半体服的修饰,而这一特点,在CAMMY本身也得到了反映。在《街霸ZERO》(即

《少年街霸》

)中

,CAMMY的衣服被更换为蓝色的高领长袖紧身衣,看上去更像是体操服,头上的蓓蕾帽也换成了船形帽,左手上多了一条袖标,胸口处还打着领带。不得不说这条领带可谓点睛之笔,让人看到她时会不由自主地将视线停留在胸口上,一条领带巧妙地将“性感”和“帅气”溶合在了一块。

CAPCOM的另一部作品《神界之战:盖亚传说》(类似于

《大富翁》

的游戏),女主角是一位会使用魔法的公主,而她变身后的衣服正是高开叉风格的,和CAMMY的款式很相似,不过把领带换成了十字架,脚上穿的则是中世纪西方骑士的长筒铁靴,配合手中那把西洋剑,好不威风凛凛。

应该说公主的打扮和后来的兰还是有点相像的,是介于CAMMY和兰之间的装扮,可以看作是高叉风格在日本ACG界的一种演化吧。

和CAMMY同一时代,还有一位高叉风的少女颇有影响力,她就是

《超时空要塞7》

的女主角米莲。凭借着《超》系列的名气,《超7》顺理成章地进入了漫迷的视野,尽管作品本身颇受争议,不少人认为《超7》违背了本系列的一些创作原则,但米莲酷酷的打扮还是让人留下了很深的印象。不同于CAMMY的泳装款式,米莲的衣服更接近摩托服,拥有一种皮制感,显然这是为了配合乐队而设计的。

有些高叉紧身衣比较露,如神力女郎(PowerGirl)的白衣就有这样的特点,还有

《魔幻战士》

里的BUKI、《铁腕女警》里的巴蒂、而最明显的则是

《罪恶王冠》

里的G祈了。当然,高叉紧身衣的原则有别于某些ACG中恶俗的比基尼,所以这些美少女的衣服都没有越过正常的性感底线。

以上这些高叉紧身衣至少还是连身的,有些衣服则略有拼凑感,如

《技之旅人》

的女主角小巧的衣服就是这样,不算上手套,上衣是由胸甲、Y形裤、和肩甲三部分组合而成。总的来说这套衣服还是达到了其他高叉紧身衣相同的视觉效果,只是女主角摇乳的设定实在很画蛇添足,违背了高叉紧身衣的设计原则,而且实际上并不能增加性感程度。

虽然有败笔,但小巧的衣服还是设计得很成功的,某些高叉紧身衣就很不妥当了,如

《天翔少女》

众女角的驾驶服,很没质量的卖肉,显得太刻意,空有形状,原本的特点几乎荡然无存。

小巧的衣服说明了一点,就是高叉紧身衣的材料不一定只是由布料组成,有时也可能以铠甲的形式出现,如

《风色幻想》

里的雪,她的衣服就是活脱脱一套帅气的铠甲,华丽闪耀的色彩相当美观。

士郎正宗明显对高叉紧身衣有偏爱,多次出现在自己的插画中,就连素子也穿过几回。而《EVA》动画版

凌波零

和明日香的驾驶服虽然没有露腿,但很多手办、和同人图中是有露腿的。

列举了很多代表人物后,我们可以看到高叉紧身衣还可以有很大的发挥空间,也许说她的概念直到现在都还不够系统,只待一步步被完善。一件半体服,她可以简单得像最初的CAMMY,可以帅气得像兰和美漫的女英雄,也可以华丽得像雪,但不管如何,帅与性感是此类服装不变的主题。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

比基尼是怎么来的，是谁发明的？

1945年6月30日美国在太平洋一座名为“比基尼“岛上进行一次核爆试验,这颗原子弹空前的威力让全世界为之震惊。

18天以后,一位名为路易斯里德尔的法国服装设计师推出一款以“比基尼”为名的泳装,它采用了胸罩式的上衣和三角泳裤,然而,即便是在比基尼问世的当时,人们的泳装都是非常保守的,女人只敢穿着立领,平脚的紧紧包裹着身体的“泳衣”到海边游泳。

因此,里尔德设计出的这款泳衣没有人敢试穿,就连巴黎的专业模特也敬而远之。

首位穿上比基尼并供记者拍照的模特名叫米歇琳娜贝尔纳迪尼,在当时的服装界是一项爆炸性的创新。尽管这种新款式在问世后的一段时间里引起了很大争议,甚至在有些国家遭到了禁止。

但正是由于这些冲突,才使人们的观念有所变化,社会文化得以发展。在早期的轰动平息下来后,作为女性们在海滩上和游泳时穿的泳衣,比基尼迅速风靡,取代了连体泳衣。1997年,美国职业排球运动员加布里艾尔瑞丝身穿泳装促进了自己的体育事业,她所在的排球队参加了第一次世界沙滩排球锦标赛,女选手们第一次穿上比基尼比赛。

位于北纬1135、东经16525’的比基尼环礁,属于马绍尔群岛的一部分,从1946年到1958年之间,美国总共在马绍尔群岛海域进行了60多次原子弹和氢弹的爆炸试验,其中规模最大的一次便发生在比基尼小岛上。

与此同时,时装界在当时亦发明了一种和女性内衣相差无几的泳衣。因为这种泳衣相当暴露,完全突破了当时人们的传统思想底线。

发明者认为其影响力无异于一次核爆,故取名叫作“比基尼泳衣”。

比基尼的发明者是两位法国时装设计师一雅克,海姆和路易斯里尔德。海姆是一位来自法国戛纳的女性服装设计师,她最早比基尼的发明者是两位法国时装设计师一雅克,海姆和路易

斯里尔德。海姆是一位来自法国戛纳的女性服装设计师,她最早设计出了一种很小的泳衣,并且为它取了一个原子弹”的名字。之后海姆的这一创意便被里尔德所超越,因为他在海姆的设计基础上,将泳衣的面积又继续减小,并且重新为它取了一个“比基尼”的名字,由此获得了更大的成功。

现在人们将海姆和里尔德共同视为比基尼泳衣的发明者,不过历史上最早设计出这种内衣的却是古罗马人。早在1600年前的一幅壁画中,便已经出现了穿三点式泳衣的女性形象。

比基尼是世界上遮掩身体面积最小的泳衣,通过胸罩护住乳房,背部除绳带之外几乎全裸,三角形泳裤的胯部尽量上提,最大幅度地露出了臀腿胯部。它的样式小巧玲珑,所用布料很少,揉成一团甚至可以装进火柴盒里,堪称世界上最暴露、最具诱惑力的泳衣。

在海姆和里尔德推出的泳衣诞生之前,泳装的款型一直都十分保守,所以里尔德料定这种可以凸显女性完美身材的泳衣会在时装界引起巨大轰动。

里尔德推出的第一款比基尼泳衣上印着的是一张报纸上的头版板块精明的设计者暗示他的大胆设计将会在世界报纸上占有大量版面。由于穿上这款泳装上镜的话,无异于赤身裸体地在全世界人面前展示自己,所以当时巴黎的许多专业时装模特都对这种泳装望而生畏。

就在一众模特不敢尝试的时候,一位名叫米查尔伯娜蒂妮的舞者却勇敢地在世人面前展示了比基尼泳装的魅力以及自己的完美身材。当她穿着比基尼在游泳池中嬉戏的照片被记者们刊登在各大报纸上之后,给世界带来的震惊程度绝对不亚于原子弹爆炸。

人们在对西西里岛一处古罗马遗址进行发掘时,发现了这组壁画,人们称它为“比基尼女郎。

这款泳衣诞生之后,曾经引起了许多保守者的反对,地中海沿岸国家纷纷视其为“伤风败俗”的瘟疫,意大利曾经明令禁止人们穿着比基尼,西班牙海岸警卫队也驱逐过穿着比基尼泳装的海滩游泳者,就连一直以开放、自由著称的美国也曾经因为比基尼泳装而抓过人。

但是这仍旧抵挡不住那些大胆而又爱美的姑娘们对比基尼的狂热喜爱,当法国女孩们纷纷穿上比基尼在海滩上享受海水、阳光的时候,“那些点缀了海滩的顽皮姑娘”迅速成为法国南部、地中海沿岸的一道亮丽风景线。

在早期的轰动平息下来后,作为妇女们在海滩上和游泳时穿的泳装,比基尼泳装迅速取代了连体泳装。昔曰的放荡”,今日的风情古希腊、古罗马时期,社会风气开放,人们崇尚自然之美,无论是在海中游泳也好,还是在公共浴池沐浴也罢都没有那么多禁忌,女人和男人一样拥有享受海水和沙滩的权利。从中世纪开始,出于宗教原因,人们开始用一系列在今天看来愚蠢无比的理由阻止女人们游泳甚至是洗澡。

芭比波朗属于中高档次的化妆品，是雅诗兰黛公司的品牌。

芭比波朗是雅诗兰黛集团的一个化妆品品牌，虽然是专业彩妆品牌，但是在护肤品上也有涉猎。芭比波朗目前在国内的名气并不大，其实它早已经在美国占有一席之地了。

芭比波朗由彩妆大师Bobbi Brown1991年创立，属于专业彩妆保养品牌，1995年被雅诗兰黛收购，芭比波朗在彩妆界和好莱坞、时尚世界都享有盛誉，自然彩妆的概念大放异彩，干净、时尚，首创裸妆概念，被彩妆界誉为高端专业彩妆品牌。

芭比波朗的粉底液最擅长营造裸妆感，轻薄自然的同时遮瑕度也非常高，同时作为虫草养肤粉底液的它还具有很强的养肤作用，每天卸妆后的皮肤也不会黯淡无光，而是非常莹润滋养。长时间使用下来也不会对皮肤产生额外负担。

蒙娜丽莎倒过来看是别的样子。这幅画隐藏了许多秘密，最令人惊讶的是它倒过来看时，有些人发现达芬奇的蒙娜丽莎原来是达芬奇的自画像，而另一些人把画翻过来发现了一只大猩猩。蒙娜丽莎的肖像有一个神奇的地方，那就是，无论从哪个角度看，它都会微笑。许多科学家研究过蒙娜丽莎的肖像。科学家用多光谱扫描研究了它，发现它是一个动态的微笑。

经过科学家的仔细分析，83%的微笑是快乐的，6%是恐惧的。这是为什么？为什么达芬奇要画这幅蒙娜丽莎？它包含什么秘密？这幅画表达了什么？科学家还通过数字技术发现了蒙娜丽莎的画像，这幅画像被另一幅达芬奇的画所覆盖。

蒙娜丽莎没有眉毛，但是正常人有眉毛。有人说这可能是因为当时法国流行无眉化妆品。还有人说，没有眉毛，脸可以达到黄金线的比例，使人看起来更好。有些人发现，当人们看蒙娜丽莎的眼睛时，他们会发现蒙娜丽莎的眼睛实际上在动。如果你看着它，你的眼睛会慢慢转向看着你。专家说这不是童话，它可能与视觉神经有关。

蒙娜丽莎实际上是个魔鬼，你相信吗？蒙娜丽莎的画曾经被一位画家偷走。然而，他发现蒙娜丽莎背后有一个魔鬼，所以画家惊呆了。隔壁邻居发现了，把蒙拉丽莎带回了家。但他也发现蒙拉丽莎是魔鬼。最后，蒙拉丽莎又回到了巴黎的卢浮宫。

2006年6月20日 世界上最昂贵的油画纪录被刷新 这幅奥地利著名画家古斯塔夫·克利姆特的作品日前以135亿美元成交价被化妆品巨头罗纳德·S·劳德收购，创下迄今单幅油画最高拍卖价纪录。之前保持着这一纪录的是西班牙艺术大师毕加索的名画《拿烟斗的男孩》，它曾于2004年5月在纽约索斯比拍卖行以104亿美元的价格被拍卖。

　　画家可能恋上画中人

　　《黄金画作》是犹太糖厂东主夫人阿德勒布洛赫鲍尔(Adele Bloch-Bauer)的肖像，画中人庄严端坐，眼神迷离，红唇富有美感。为配合布洛赫鲍尔的华贵形象，克里姆特特别在背景及衬裙用上灿烂的金色，更花上3年才完成画作。美术史专家普遍认为，于1918年逝世的克里姆特可能恋上布洛赫鲍尔夫人。

　　二战被纳粹德军抢去

　　布洛赫鲍尔家族的90岁后人阿尔特曼，透过佳士得拍卖行把《黄金画作》卖给美容界巨子劳德(Ronald S Lauder)。他形容道﹕“这是我们的蒙娜丽莎，简直是毕生最重要的投资。”该画作将安排在其开设于美国曼哈顿的新画廊(Neue Galerie)展览。

　　《黄金画作》连同4幅克林姆名画，包括《阿德勒布洛赫鲍尔二》(Adele Bloch-Bauer II)、《Beechwood》、《苹果树》(Apple Tree I)及《Houses in Unterach on Lake Atter》，于二战期间被纳粹德军从布洛赫鲍尔家抢走，辗转落到奥地利政府手上。另外4幅克里姆特名画合共约值1亿美元。

　　布洛赫鲍尔夫人于1925年死于脑膜炎，她与丈夫并无子女。其夫于1945年过世前立遗嘱，将所有财产留给兄弟的3名子女﹔其中只有阿尔特曼仍在世。她与奥政府展开8年诉讼，美国最高法院裁定奥国政府归还画作。至今年1月，当局将全部5幅画作归还给阿尔特曼。

　　资料：

　　克里姆特(1862-1918)生于奥地利维也纳附近一个金匠家庭，因父亲生意淡薄，故家境清贫。他于1879至1883年间入读维也纳美工学校，接受室内装潢的训练，并展开绘画生涯。其主要作品包括油画、壁画及素描等，以刻划女性身体为主，因意识大胆而于上世纪初被视为离经叛道。

　　他的作品糅合埃及、米诺、古希腊及拜占庭文明，且深受欧洲中世纪晚期及日本浮世绘影响，开创了独特的画风。他擅于运用抽象元素表达情感，强调脱离传统、自由创作的价值。他于1918年1月中风，同年2月死于肺炎。

　　最早使用的国家是荷兰。

　　1、600年前起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。

2、14世纪末，尼德兰的两位画家凡 ·爱克兄弟（杨·凡·爱克及其兄胡伯特·凡·爱克）找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。不少专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》（现藏于比利时根特城的圣·巴冯教堂，由23幅画组成。）被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。

3、尼德兰：指莱茵河、马斯河、斯海尔德河下游及北海沿岸一带,相当于今天的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部的一部分。

一般认为，油画艺术起源于欧洲文艺复兴时期，大约是1400年至1600年。

但最近据说有个叫做谷口知美的日本油画专家通过研究发现，阿富汗巴米扬洞窟墙壁上有一幅创作时间大约是公元650年左右的油画，不过这个可能改写人类油画历史的说法，并未得到艺术史学界的最后证实。