克劳迪奥·阿巴多是哪里人

克劳迪奥·阿巴多

克劳迪奥·阿巴多（ClaudioAbbado）1933年出生，当代著名的意大利指挥家，位列“20世纪十大指挥家”之列。曾任米兰斯卡拉大剧院艺术总监，维也纳国立歌剧院艺术总监以及柏林爱乐乐团艺术总监。曾罹患胃癌，但以惊人的毅力和勇气恢复健康并重登指挥台，后担任瑞士卢塞恩节日管弦乐团艺术指导，2014年1月20日逝世，享年80岁。

中文名：克劳迪奥·阿巴多

外文名：ClaudioAbbado

别名：阿巴多

国籍：意大利

出生地：米兰

出生日期：1933年6月26日

逝世日期：2014年1月20日

职业：著名指挥家

毕业院校：维也纳音乐学院

主要成就：20世纪十大指挥家

代表作品：意大利歌剧、马勒交响乐及部分现代派作品，浪漫主义时期交响曲。

简介

概述

意大利指挥家。生于米兰。曾在米兰威尔第音乐学院学习钢琴及作曲，又在维也纳音乐学院学习钢琴、作曲及指挥。1958年在美国参加库谢维茨基指挥比赛获奖。1963年又获米特罗普洛斯国际指挥比赛头奖，因而闻名于世。1965年，他被邀请参加萨尔茨堡音乐节，担任维也纳爱乐乐团指挥。他常以客席指挥身份出现于欧洲各地。1968～1971年被聘为米兰斯卡拉歌剧院、维也纳爱乐乐团的常任指挥，1977年曾一度辞去斯卡拉歌剧院之职，以抗议意大利政府不重视歌剧，旋又复职，任该院艺术指导。1979年任伦敦交响乐团首席指挥，1982年创办斯卡拉爱乐乐团，1989年任柏林爱乐乐团首席指挥，2003年任卢塞恩节日管弦乐团艺术总监。阿巴多的指挥富有戏剧性效果，尤擅长于意大利歌剧，特别是G威尔第和G罗西尼的作品，是当代很有影响的指挥家之一。

人物生平

阿巴多于1933年6月26日生于米兰一个音乐世家，家庭3代都涉足到艺术。8岁学音乐；16岁那年，指挥大师伯恩斯坦在米兰就认为阿巴多有一双天生的、作指挥的眼睛。于是，他决心以音乐为生，正式进入威尔第音乐学院主修钢琴、作曲，并随指挥家沃托（AVotto）学指挥。当时指挥大师朱利尼为学生乐队上合奏课，阿巴多从中学了许多乐队指挥方法，获益良多。

毕业后，他又赴维也纳深造，起初（1955年）他在萨尔茨堡从师古尔德(GGould）学习钢琴。次年，他与梅塔结为终身挚友，在梅塔推荐下，阿巴多进入维也纳音乐学院随斯瓦洛夫斯基（HSwarowsky）学习指挥。1958年，阿巴多在意大利边陲小镇黑雅斯特（Trieste）首次指挥歌剧《3个橙子的爱情》(普罗科菲耶夫曲）演出。同年，这两位指挥家好友到了美国唐格尔伍德参加库塞维茨基国家指挥比赛，结果阿巴多获得一等奖，梅塔获得二等奖。不过，胜利并未给他带来声誉，阿巴多在美国并不如意，毅然回到意大利，也仅是搞些音乐学院室乐课程的指导工作。偶尔也指挥一些交响乐歌剧，这时期他熟识了不少20世纪的音乐作品两年后，他应邀参与纪念斯卡拉蒂诞生300周年音乐会，首次在米兰斯卡拉歌剧院登台指挥演出，并组成米兰独奏家室乐团，到全国各地巡回演出。30岁，阿巴多赴纽约参加第一届米特罗普洛斯国际指挥比赛荣获第一名，在一个乐季中作为纽约爱乐乐团伯恩斯坦的助理指挥。在一次偶然的机会中，卡拉扬在电视中看到阿巴多的指挥，便邀请他于1965年8月14日在萨尔茨堡音乐节中首次指挥维也纳爱乐乐团演出马勒《第二交响曲》，这次成功的演出为VPO对他终身指挥的任命铺平了道路，这才奠定了他在国际乐坛的地位。

有了殊荣，给他带来了名气，也给他带来了合约。35岁，首次在斯卡拉歌剧院指挥歌剧演出（贝利尼《凯普莱特与蒙泰古》），并获任乐团首席指挥（9年后升为音乐总监）。在18年中，他大胆实行改革，大力扩充演出剧目，除了传统剧目之外，还指挥上演了一系列的现代歌剧，如里盖蒂的《伟大的死亡》、潘德雷斯基的《失乐园》、诺诺的《在爱情激烈的阳光下》、《褊狭的1960年》、勋伯格的《月光下的皮埃罗》、贝尔格的《沃采克》、《璐璐》、施托克豪森的《星期四》等。另外，他实行"走出去，请进来"的政策，面向民众，深入基层，培养了一大批新一代的观众，在歌剧大众化上取得了可喜的成绩，为歌剧院恢复了威望。阿巴多这个人，胸襟宽阔，落落大方，请来了同行梅塔、穆蒂、克莱伯、马泽尔等，阿巴多没有同行是冤家的恶习，被人们传为佳话。在他任职期间，还率领该院赴慕尼黑（1972）、维也纳（1973）、伦敦（1976）、华盛顿（1976）、巴黎（1979）等地演出。此外，他还经常在萨尔茨堡音乐节、爱丁堡音乐节、柏林音乐节和佩萨罗音乐节客席指挥。当他1986年离开斯卡拉歌剧院时说：“我没有任何愧意和遗憾”，的确他为斯卡拉歌剧院立下了汗马功劳。38岁，阿巴多与不设常任指挥的VPO订立了终身指挥合约，嗣后，带领乐团展开了一系列的世界性巡回在演出，如1973年在日本、韩国、中国；1976年在美国、德国、英国；1987年在美国、日本等。

1979年（46岁），阿巴多接替普列文出任伦敦交响乐团（LSO）首席指挥，在1983年至1986年期间成为LSO的音乐总监，曾带领乐团赴世界各国演出。作为音乐总监兼指挥，自1978年起，阿巴多经常有计划地联同欧洲共同体青年乐团在欧洲各国演出；1981年，他是欧洲室内乐团艺术顾问，录有不少唱片；1982年，他创办了斯卡拉爱乐乐团，把处于次要地位的意大利的交响乐团艺术提高到一个新的阶段（穆蒂曾于1996年9月率领斯卡拉爱乐乐团来香港演出）；1986年，他又创办了马勒青年乐团，并兼任音乐总监；次年，他还创建了维也纳现代音乐节。除此之外，他还是芝加哥交响乐团、克利夫兰乐团、阿姆斯特丹皇家音乐厅乐团、世界乐团等极受欢迎的客席指挥。

1984年（51岁），阿巴多首次指挥维也纳国家歌剧院演出威尔第的歌剧《西蒙·波卡涅格拉》，两年后，出任该院音乐总监。在维也纳，他指挥演出的贝尔格《沃采克》、罗西尼《在阿尔及尔的意大利姑娘》、《兰斯之旅》（ⅡViaggioaReims）、穆索尔斯基《霍万兴那》、R·施特劳斯《埃列克特拉》、威尔第《假面舞会》、《唐·卡洛斯》、瓦格纳《罗恩格林》、莫扎特《唐·乔万尼》以及舒伯特被人遗忘的歌剧《菲拉布拉斯》（Fierrabras）等，反应热烈，好评如潮。

这样，大器晚成的阿巴多，凭着百折不挠的意志，独揽了维也纳、柏林主要音乐团体的指挥大权，终于立足于世界乐团（歌剧院）的峰顶上，成为继卡拉扬之后乐坛上的新"帝王"。为了表彰阿巴多在音乐上的贡献，各国授予他的赠衔无数。他在伦敦皇家歌剧院指挥演出穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》，荣获最佳歌剧奖；意大利政府颁发给他最高国家奖章；维也纳爱乐乐团赠予他尼柯莱金奖；国际马勒协会授予他金奖等。

阿巴多的指挥，集众家之所长，集名师之大成，以此揉成自己的指挥特点。他的指挥，具有鲜明的意大利风格，热情、明快、如歌、流利、敏锐，双手极富有魅力，眼睛里有音乐。他的曲目十分广泛，古往今来，种类繁多，包罗万象。对罗西尼、威尔第等意大利作曲家的歌剧作品，他的演绎尤为出色，堪称一绝。他也擅长指挥德、奥、俄的交响乐以及现代作品。他是一位尊重总谱的指挥家，没有准备好是不会站到指挥台上的，《沃采克》就排练了40次，为了掌握勃拉姆斯的《德意志安魂曲》，他足足花了10年时间研究。从不爱自我宣传、与世无争的阿巴多，于2002年与柏林爱乐乐团合约期满之后不再续约。

大事年表

1933年出生于一个艺术世家。祖上三代都是艺术家。

1941年开始学习音乐。

1949年得到指挥大师伯恩斯坦鼓励，立志终身从事音乐。

1955年，在米兰威尔第音乐学院学习作曲和钢琴。

1956年，进入维也纳音乐学院跟随斯瓦洛夫斯基（HSwarowsky）学习指挥

1958年，阿巴多在美国唐格伍德的库塞维茨基国家指挥比赛中获得一等奖。

1963年，阿巴多赴纽约参加第一届米特罗普洛斯国际指挥比赛荣获第一名，随后获得伯恩斯坦推荐，在纽约爱乐一个乐季中作为助理指挥。

偶然，指挥大师卡拉扬在电视中看到阿巴多的指挥，遂邀请他于1965年8月14日到萨尔茨堡音乐节中指挥维也纳爱乐乐团演出马勒《第二交响曲》，这次成功的演出是阿巴多职业上的转折点。

1968年，成为斯卡拉歌剧院乐团首席指挥。

1971年，与维也纳爱乐乐团签订终身指挥合约。

1973年，率领维也纳爱乐乐团在日本、韩国、中国巡回演出。

1979年，阿巴多接替普列文出任伦敦交响乐团首席指挥。

1981年，他成为欧洲室内乐团艺术顾问。

1982年，创办斯卡拉爱乐乐团。

1986年，出任维也纳国家歌剧院音乐总监。

1988年，第一次指挥维也纳新年音乐会，获得广泛好评。

1989年，阿巴多接替卡拉扬出任柏林爱乐乐团首席指挥。

1991年，第二次指挥维也纳新年音乐会，但由于曲目选择等种种原因与乐团方面发生龃龉，此后阿巴多逐渐减少了与维也纳爱乐乐团的合作。

2002年，阿巴多在柏林爱乐乐团的岗位上退任。

2002年，阿巴多经疗养后复出，并出任卢塞恩节日管弦乐团艺术总监。

主要任职

1968-1986斯卡拉歌剧院（LaScala）音乐总监

1978创办欧共体青年交响乐团（EuropeanUnionYouthOrchestra）并任总监

1979-1988伦敦交响乐团（LondonSymphonyOrchestra）音乐总监

1986创办青年马勒交响乐团（GustavMahlerJugend）并任音乐总监

1986-1991维也纳国立歌剧院（ViennaStateOpera）音乐总监

1989-2002柏林爱乐（BerlinPhilharmonicOrchestra）音乐总监

1992欧洲室内乐团（ChamberOrchestraofEurope）音乐总监

1994萨尔兹堡音乐节（SalzburgEasterFestival）艺术总监

2003瑞士卢塞恩节日管弦乐团（LucerneFestivalOrchestra）艺术指导

人物逝世

意大利指挥大师克劳迪奥·阿巴多于2014年1月20日在博洛尼亚家中逝世，享年80岁。

意大利总统纳波利塔诺在得知消息后说，阿巴多的逝世对于他个人和整个意大利，乃至整个文化界，都是巨大的伤痛。

芝加哥交响乐团音乐总监里卡尔多·穆蒂说，阿巴多书写了几十年来各大国际音乐乐团的指挥史。

阿巴多1933年生于米兰，曾在米兰音乐学院和维也纳音乐学院学习，后曾担任米兰斯卡拉歌剧院乐团、伦敦交响乐团和柏林爱乐乐团首席指挥，以及斯卡拉歌剧院和维也纳国家歌剧院音乐总监。

阿巴多一直致力于支持和培养年轻音乐家，一生之中创立了许多青年交响乐团。2013年8月，他被意大利总统纳波利塔诺任命为终身参议员，随后他宣布捐出其所有终身参议员薪水，用以在菲耶索莱音乐学院设立奖学金。

阿巴多2000年确诊胃癌，后战胜病魔。他数月来重病缠身，夏天之后取消了所有演出计划。当地媒体报道，13年8月他在琉森音乐节上最后一次指挥时，身体状况已非常恶劣。

个人作品

克劳迪奥·阿巴多ClaudioAbbado是DG、SONY的台柱子，自1967年以来录有大量的优质唱片，DG版代表性CD有：贝多芬《交响曲全集》、《钢琴协奏曲全集》VPO贝尔格《3首弦乐小曲》、《璐璐》组曲、《沃采克》VPO柏辽兹《幻想交响曲》CSO比才《卡门》LSO勃拉姆斯《交响曲全集》、《德意志安魂曲》BPO勃拉姆斯《匈牙利舞曲集》VPO布鲁赫《第一小提琴协奏曲》CSO布鲁克纳《第一交响曲》VPO肖邦《第一钢琴协奏曲》LSO肖邦《第二钢琴协奏曲》CSO德彪西《佩利亚斯与梅丽桑德》VPO欣德米特《画家马蒂斯》BPO马勒《交响曲全集》CSO门德尔松《交响曲集》LSO莫扎特《第十四、二十六钢琴协奏曲》、《费加罗的婚礼》VPO穆索尔斯基《霍万兴那》VPO普罗科菲耶夫《罗密欧与朱丽叶》BPO普罗科菲耶夫《亚历山大·涅夫斯基》LSO拉赫玛尼诺夫《第二、三钢琴协奏曲》BPO拉威尔《西班牙狂想曲》LSO罗西尼《塞维利亚的理发师》LSO罗西尼《意大利姑娘在阿尔及尔》VPO勋伯格《古雷之歌》、《华沙幸存者》VPO舒伯特《8首交响曲》、《罗莎蒙德》COE舒伯特《费拉布拉斯》VPO斯特拉文斯基《扑克游戏》LSO柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》BPO威尔第《安魂曲》VPO威尔第《阿依达》、《假面舞会》LASCALA瓦格纳《罗恩格林》VPOSONY版代表性CD有：德沃夏克《第八交响曲》BPO马勒《亡儿之歌》BPO门德尔松《仲夏夜之梦》BPO莫扎特《C小调弥撒曲》BPO穆索尔斯基《鲍里斯·戈杜诺夫》BPO罗西尼《兰斯之旅》BPO舒曼《钢琴协奏曲》（OP。92)BPO舒曼《浮士德场景》BPO肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》BPO柴科夫斯基《交响曲全集》CSO。

人物争议

负面意见

部分乐迷认为阿巴多尊重原谱的指挥风格令乐曲变得较为沉闷乏味，演绎编制大型的乐曲并不理想，只适合指挥一些小品。

与此同时，有乐迷指出阿巴多接任成为柏林爱乐乐团首席指挥后，并没有致力训练乐团，以致该乐团的质素出现下降。不过，关于此，亦有许多人持完全相反之意见。

此外，亦有人认为阿巴多的指挥动作即兴性太强，令人难以触摸。

正面意见

阿巴多的支持者则认为阿巴多尊重原谱的指挥风格是对作曲家的尊重，把乐曲内容准确的呈现，甚至有人把阿巴多形容为“第二个托斯卡尼尼”。

虽然阿巴多并没有如柏林爱乐乐团前几任首席指挥那样致力训练乐团，但是他却大大扩大了乐团的曲目范围，与新派作曲家合作亦较频繁。

另外，阿巴多录制的唱片较以往受欢迎，尤其是他与卢塞恩节日管弦乐团合作录制的马勒《第二交响曲》更被普遍认为是该乐曲其中一个最出色的版本，乐评家李欧梵教授在《我的音乐往事》一书中提到他曾被此录音感动至流泪。

个人评价

似乎是为了印证人们对于大师的偏爱，关于克劳迪奥·阿巴多的纪录片《倾听寂静》在加拿大蒙特利尔**节上获得了2004年最佳纪录片大奖。尽管蒙特利尔**节在世界五大**节中名气没有戛纳**节、威尼斯**节那么响，但在国际上也享有盛誉。这部长76分钟的片子，将大师尚未结束的一生浓缩成了一支时而激情澎湃、时而舒缓悠扬的协奏曲，让观者通过音乐之外的方式，重新认识大师。然而克劳迪奥·阿巴多，这个沉默的思想者，这个在众多人心目中有着无与伦比的优雅的意大利贵族，却有着一副满是愁苦的表情———当音乐随着大病初愈的大师看似力不从心、实则婉转的手势缓缓流出时，大师的表情看起来有点狰狞———陶醉到完全忘我。当身为柏林爱乐乐团音乐总监的阿巴多于2001年对外界宣布罹患胃癌之后，结果既出人意料，又似乎在意料之中。而一贯回避媒体的阿巴多似乎也意识到余生无几，第一次主动走到镜头前，向人们诉说。我们看到的依然是一个沉浸在音乐之中的阿巴多，他在片中对乐手们说：“你们才是我的特效药。”这是一个因为成就和病痛而略显放松的长者。我们也看到了那个年轻时说话前总要羞涩地笑一笑的阿巴多，他真的很腼腆，说话之前，总要将眼帘轻轻放下，窃窃地扭转头，再慢慢抬起眼看着对方人们甚至可以说，他一点也不擅言辞。

在这个媒体无孔不入的时代，阿巴多是默默无闻的，当人们将他在音乐领域所达到的高度同他在媒体上的曝光率两相比较的时候，人们会发现，阿巴多根本就活在另外一个世界。所以在指挥界的“天皇巨星”卡拉扬逝世后86天，柏林爱乐乐团的120位乐手经过秘密投票，将卡拉扬握了34年的指挥棒交给当时56岁的意大利人时，人们确实有那么一点惊诧。

当然，柏林爱乐选择阿巴多，远称不上爆冷，但在卡拉扬曾经为自己列出的一长串名单中，阿巴多并不是最耀眼、最强势的一位却是事实。朱利尼、祖宾·梅塔、小泽征尔谁似乎都要比阿巴多更为人们熟知。然而，很多人都慑于卡拉扬那种王者的威慑力，谁都清楚，在卡拉扬之后接手柏林爱乐将是一件出力不讨好的差事———至少在“明星效应”上，这是一个无可企及的高度，继任者稍有闪失，就将身败名裂。然而，阿巴多沉稳内敛的性格成就了他。他内涵深厚、思虑深潜，当许多人都借助媒体的力量行销包装、名利双收的时候，阿巴多却逆向而行，赢得了世人对他的专业的尊重。

阿巴多接过了指挥棒，但卡拉扬时代的阴影仍然笼罩在他的头顶。卡拉扬是柏林爱乐的统治者，他君临天下，唯我独尊，他与乐团的交流方式是单向度的，乐手对于他的一切，只能照单全收。而阿巴多并不这样。他似乎深谙这个时代的潮流，他似乎明白沟通才是最好的管理，于是阿巴多行事圆融，同乐团之间的相处非常和睦，在乐团的12年里，柏林爱乐这个世界顶级乐团可谓政通人和。阿巴多认为：“指挥应该理解并尊重个性与自己有别的演奏家或歌唱家，尤其是参与歌剧演出时，这一点更加重要，因为每个人对于一部作品，都会有自己的理解，而理解每个人不同的想法，并和他们进行沟通，就是指挥应尽的责任。”

一、 肖邦：“军队”波兰舞曲

这首乐曲作于1838年，因《军队》而著名，这是由于曲中的第一、二两主题的旋律，具有极为豪放、勇敢的军队性格之故。全曲必须以严格的速度来演奏。事实上，这是肖邦所写的最华丽、最灿烂的波兰舞曲之一。传统的波兰舞曲就是以风格雄浑、豪放而著称的，显示出波兰这个民族的尚武精神。在这首波兰舞曲中更是集中体现了这一点。欣赏这首波兰舞曲时，我们仿佛看到了古代波兰的勇士们，那强健的体魄、豁达的胸怀、深刻而动人的虔诚融为一体，闪烁着骑士精神。 乐曲的构成为"ABA"三段体： 第一段：A大调。在这一段中，作者充分运用了色彩性变调，生动地刻画出一群威武雄壮的波兰勇士，身着铠甲，腰佩战刀，雄赳赳地大步向前(片段1 )。 第二段：从D大调至降B大调到C大调的频繁转调。本段之前有一个号角般宏亮的过门，紧接着出现的本段主题具有斩钉截铁般果断、刚毅的性格(片段2 )。 第三段为第一段的严格再现。 有一位钢琴家评价道："这首波兰舞曲是划分一个时代的分水岭。李斯特曾在他的所有演奏会中弹奏过此曲。乐曲正如标题所提示的，无比辉煌、壮丽，波兰的气质显得更加高贵。这一舞曲也多少具有一些戏剧性。它的每一个音、每一个节奏，都闪烁着生命与力的光辉。" 关于此曲有这样一段轶事：一天夜里，肖邦在屋中独自弹奏此曲。正沉思于乐念之中，他突然产生了幻觉，感觉到一群波兰武士及贵妇人的行列侵入他的房中。于是肖邦在惊慌之际，拔腿逃出房间，整夜不见回来。

二、拉赫玛尼诺夫：帕格尼尼主狂想　

“帕格尼尼主题狂想曲”是俄罗斯作曲家拉赫马尼诺夫于1934年完成的一首钢琴与管弦乐队作品，编号43。这是他最优秀的作品之一，根据意大利小提琴家帕格尼尼第24首小提琴随想曲的主题而作，称为“帕格尼尼主题狂想曲”。作品的结构是一组变奏曲。其中广为流传的是其中的第18变奏曲，也就是影片里使用的这部分乐曲。这首变奏听上去委婉动人而又热情奔放，最受人喜爱，以至于成了整部作品——“帕格尼尼主题狂想曲”的代名词。

三、李思特：爱之梦

１８５０年，钢琴皇帝李斯特将自己的三首歌曲改编成三首抒情钢琴曲，题作《爱之梦》。其中以第３首最为著名，一般提起李斯特的《爱之梦》，指的就是这首乐曲。

乐曲的歌词是由德国诗人弗莱里格拉特所写，名为《尽情地爱》。大意是：“爱吧！能爱多久，愿意爱多久就爱多久吧！你守在墓前哀悼的时刻快要来到了。你的心总是保持炽烈，保持眷恋，只要还有一颗心对你回报温暖。只要有人对你披露真诚，你就尽你所能让他时时快乐……”

李斯特根据这首诗创作乐曲，他没有局限于歌词提供的内容。因为，原诗的情调低沉，表现生离死别的伤感情绪；而李斯特钢琴曲的形象却焕发着充沛的热情。以后，钢琴曲《爱之梦》又被改编为管弦乐曲以及小提琴或长笛的独奏曲目。

《爱之梦》引用原歌曲的旋律，首先出现一段轻声吟唱、情意绵绵的旋律，这就是乐曲甜美的爱情主题，其中含有爱的柔情和愉悦。乐曲中段伴随着情绪的不断高涨，难以抑制的爱的热情终于爆发出来，原来含情脉脉的内心独白，发展成大胆而炽热的爱情倾诉，散发着火一般热情。乐曲进入高潮，表达了对纯真爱情执著的追求。尾声部分重复爱的主题，在梦一般美丽的感觉中，恋恋不舍地结束全曲。

四、莫曲扎特：第二十一钢琴协奏　

本曲完成于1785年，同年在维也纳的克鲁克剧场首演，由莫扎特本人担任钢琴主奏。这是一首热闹且充满庆典色彩、印象明亮的协奏曲。莫扎特久在颓丧、失败的心情底下挣扎，而这首曲子给人的感觉是明朗的、开朗的，可见莫扎特创作K467时的心情是如何地轻松。本曲那进行曲般雄壮的开曲气氛，以及充满奔腾般诙谐精神的终乐章，还有中间乐章始终优美如歌的行板，都体现了这位音乐天才的妙笔。不仅如此，曲中还充分体现了主奏者的钢琴演奏技巧，但并非纯粹的炫技之作，莫扎特以其独有的无可比拟的均衡感，使得听众根本找不出管弦乐与主奏乐器（钢琴）之间合作上的丝毫破绽。

作者：季大人 2007-12-20 10:46 回复此发言 2世界十大钢琴曲 全曲共分为三个乐章：

第一乐章：庄严的快板，奏鸣曲式。第一主题是果断有力的进行曲，由弦乐齐奏开始，接着管弦乐加入，颇具分量的定音鼓也加进，交织出宏伟的交响画面，色彩十分明朗堂皇。之后主奏钢琴与引子同时登场，再度呈示第一主题。乐章的第二主题令人感到趣味盎然，间或也夹杂了些许忧伤的心绪，但基调是轻松自得。钢琴在展开部展示了绚烂的技巧。

第二乐章，行板，三段体式。在拨奏的低音提琴衬托下，加弱音器（mute）的第一小提琴带出非常宁静、优美的歌谣风的主题，主奏钢琴加以接引，反复唱和。担任主题伴奏的三连音节奏在整个乐章中几乎不曾间断，直至乐章结束。整个乐章宁静、优雅、令人陶醉，恍若置身幻境。这是莫扎特最受欢迎的乐章之一。

第三乐章，活泼的快板。充满生命力的第一主题由乐队反复两次之后，钢琴紧接其后再度呈示主题，曲调转变成明快的节奏，与乐队互相呼应。在乐章的中段，管弦乐伴奏与钢琴主奏不断交替出现，相映生辉。最后钢琴以排山倒海之势的上升音阶，充满愉快欢乐直冲终点，华丽地结束全曲。

五、 柴可夫斯基：第一钢琴协奏曲　

这首协奏曲，作于1874年，原题献给当时著名的钢琴家、莫斯科音乐学院第一任校长尼古拉鲁宾斯坦，因鲁宾斯坦粗暴地指责这首作品庸俗、琐碎，改献给布娄。1875年10月25日由布娄指挥首演。共3个乐章：

1 极庄严而不太快的快板。降B大调，在4把圆号演奏的降B小调引子后，大提琴与第一小提琴主奏降D大调主题，钢琴以华彩发展，这个主题据说是柴科夫斯基在卡缅科集市上，从一个盲乞那里采集到的歌曲旋律。第二主题以降A大调先出现于单簧管，钢琴加以反复。在发展部，第一主题纠缠上新音型，以钢琴为主形成变化。主题深情、真挚，如梦般甜美。

2 朴素的小行板，降D大调，三段体。行板主题为牧歌风格，先由长笛独奏，再以钢琴接替，然后交给大提琴、双簧管。中段速度为最急板，变成匆忙的随想曲。第三段再由钢琴以独奏行板主题，加上颤音与音型装饰变奏。是柴可夫斯基最优美的抒情篇章之一。

3 热情如火的快板，降B小调，回旋曲式，在4小节引子后，钢琴主奏开始回旋主题，接着小提琴以降D大调用八度奏庄重抒情的对比主题，两个主题的纠缠发展形成高潮。终结部以降B大调形成辉煌的结尾。主部主题是乌克兰歌舞曲《亿万卡，快来唱春歌》，音乐表现春天来了，农时即将开始的欢快、奔放的情绪，副主部是十分抒情优美的同时也充满生机，音乐洋溢着青春和难以抑的内心喜悦。

音乐欣赏

如果说贝多芬的《命运》的开篇是将人们心灵重重扣入地下的震撼，那么就可以说柴可夫斯基的《第一钢琴协奏曲》的开篇是将人们的心灵带入缥缈太空的强音。

六、勃拉姆斯：匈牙利舞曲第五号

《匈牙利舞曲第五号》本曲是勃拉姆斯所有作品中最为流行的一首，其粗犷而豪放的旋律具有明显的匈牙利“查尔达什舞曲”的特征，给每一位听众都留下了深刻的印象。这里选用的是管弦乐曲改编版，更能突出原曲所要求的那种磅礴气势。乐曲的结构十分严谨，第一段为升f小调，具有民间舞蹈的风格，速度变化上的自由体现出不同的情趣；乐曲的中段转为明快的升F大调，速度变化依然自由，单纯的旋律与和声所表现的是一种欢快的情绪；乐曲的第三段是第一段的严格再现。曲调具有典型匈牙利民族的粗犷豪放性格，此曲运用乐器的多种演奏技巧更体现出泼辣狂舞的特征

七贝多芬第十四钢琴奏鸣曲“月光”

作于1801年。其标题据说出于莱斯达布，对此曲第一乐章“犹如在瑞士琉森湖月光闪耀的湖面上荡漾小舟”的形容。此曲呈献给朱丽叶妲�6�1桂察(Giulietta Guicciardi，1784—1856)。桂察蒂当时是贝多芬的学生，贝多芬曾对她一见倾心。这首奏鸣曲是贝多芬沉浸在爱情之中的产物，有人认为，此曲是贝多芬对挂察蒂爱心的写照。

作者：季大人 2007-12-20 10:46 回复此发言 3世界十大钢琴曲 3个乐章：1持续的慢板，升C小调，三段体，由不断流出的三连音符来表达无边的幻想。在第一主题开始的中间部，三连音曲折有致地走向高音域，呈现躁动不安的情绪，然后主题又平静地走向第三段。2、行板、降D大调，三段体，不属小步舞曲也不是谐谑曲，按李斯特形容，是“两个深渊之间的一朵花”，与第一乐章迥然不同的轻快表情和中段那种恍恍惚惚的情绪结合得极为和谐。3激动的急板，升C小调，奏鸣曲式。其第一主题有力而多少有些粗犷，这个主题的发展充分表达出一种激越、奔放的情感。尾奏相当大，首先出现第一主题而进入减七和弦的琶音，然后出现第二主题，接着是幻想性的琶音而迈向花奏，经过短暂的慢板后表情越来越激增而收尾。

八、肖邦：“英雄”波兰舞曲

这是一首充满战斗力量和英雄气概，以《英雄》而著名的波兰舞曲，作于1842年。肖邦的波兰舞曲根据其内容可分为两类，其一是以强壮的、雄纠纠的节奏，叙述波兰往昔封建时代的繁华；另一类则为忧郁的情绪，反映在沙皇俄国压制之下苦难的波兰。这一《英雄》波兰舞曲为前一类中的杰出代表。本曲气势磅礴，一气呵成，简直就是一首波澜壮阔的交响诗。因此有人认为本曲是作者用来描述十七世纪的一位波兰民族英雄抵抗外敌入侵的光辉史诗。肖邦的作品中有各式各样的英雄形象，本曲的主人公无疑是最具代表性的，肖邦在这一形象中倾注了自己全部的爱国热情。

乐曲的构成为复三段体：

第一段：降A大调。在音量逐渐增强的序奏之后，无比辉煌的英雄主题进入，充满着信心与力量，是一种不屈不挠的战斗精神的体现(片段1 )。

　　第二段：从E大调起经过各种转调又回到降A大调。肖邦利用钢琴描绘出一段惊心动魄的战斗场面：左手在低音部以十六分音符八度双音奏出均匀而清脆的马蹄声，越来越快、越来越强，仿佛革命力量汇集成为千军万马之势；右手则在高音部奏出雄壮的进军号声，表现出一往无前的英雄气概(片段2 )。

　　第三段：降A大调。是第一段的再现，但通过变化使整体气势更加宏伟，最后在胜利凯歌中结束全曲。

　　一位钢琴家评价道："这是肖邦钢琴作品中的顶峰，发挥出了最为壮大的气势，具有最为完美的结构。这首优美的作品最先打动我们的是：宏大的构想，高扬的乐念，强壮的效果灵感。正如所有赞美着过去的辉煌作品一般，肖邦使人们听到了穿戴铠甲的波兰祖先们的脚步声，看到了波兰先辈们的雄姿。

九、莫扎特：第八钢琴协奏曲

莫扎特的钢琴协奏曲是其器乐协奏曲的精华，齐奏声部和独奏声部的和谐平衡达到完美的境界。像他的其他体裁的作品一样，虽无激烈紧张的矛盾冲突，但却充满了戏剧性的对比、出人意料的转换、不同感情的对照。无论在艺术反映速度的敏捷上，还是在骤然产生的意境的明确以及急剧转换的形象的清晰上，他的钢琴协奏曲都是十八世纪即兴表演艺术的精华所在　

十、圣桑:第二钢琴奏鸣曲　

作于1868年，为安东�6�1鲁宾斯坦而作，该年5月13日由安东�6�1鲁宾斯坦首演。共3个乐章：

1．持续的行板，g小调，速度钢琴有幻想化的序奏，主部为奏鸣曲式，亦由钢琴先表情丰富地呈示第一主题，反复后进入经过部，再由钢琴呈示降B大调第二主题。短短的呈示部小结尾后进入发展部，钢琴奏华丽、优美的分散和弦。达高潮后，乐队再现第一主题，大提琴以上弦乐加以突出，钢琴以第一主题与经过部材料作华彩，省略第二主题而直接作小结尾再现，最后回想导入部而结束。

2．小行板，自由变奏曲式，6/8拍，一开始呈示出浪漫可爱的主题，之后以浪漫性的情感任由幻想的进行发展，把它作成即兴的变奏。第一变奏中的和弦还是保持着主题原有的状态，在内声部与低音部加上新的动态；第二变奏则变得稍稍自由。是将主题放于中声部开始，在这里导入以新的音型，并以此作为这一变奏的中心动机，后半段出现以主题为基础的新性格的旋律。第二变奏之后，是主题的又一次出现，结尾音乐像是依依不舍的仍旧留有主题的踪影。

3．谐谑曲，g小调，3/4拍，三部曲式，极为快速而明晰地。乐章开始时的和弦导入的4小节，是这个乐章的核心，提示了这个乐章的性格。中间部分是以切分音为主，虽然是以降E大调开始，但与第一段的对比性较为薄弱。最后是第一段的再现。

4．急板回旋曲，g小调，在引子之后钢琴有力地呈示第一主题，第二主题也由钢琴呈示。呈示部结束后，下面的发展部先由第一主题发展，再第二主题构成华丽的发展。再现部按原型，最后是长大的华彩。最后速度越来越快地将全曲做华丽的结束。

唐璜并不是最难钢琴曲

公认的世界第一难曲是拉赫玛尼诺夫的第三钢琴协奏曲(LS说的第二号明显错误),拉3号称"大象之作",它的音符比莫扎特所有27部钢琴协奏曲的音符加起来还要多!!!英国一位学者曾说演奏拉3在体力上的付出等于“铲十吨煤”!整个20世纪能把这部作品弹出色的人,即使是在钢琴大师中,也是非常罕见

李斯特的《唐璜》在世界钢琴曲中难度可排第四，麦可斐尼西在三十多年前创作出来的“EnglishCountry-Tunes”可排第二

世界难度钢琴排名第4：李斯特《唐璜的回忆》 李斯特根据莫扎特歌剧《唐璜》改编的钢琴曲《唐璜的回忆》是李斯特众多改编曲中的精粹,技术之艰深,场面之宏大,在原作的丰富表情上制造出惊人的气势。 莫扎特的歌剧《唐璜》本来长约两个半小时，被李斯特改编后，成了简短的钢琴曲。钢琴曲没有删除歌剧中的一个音符，整首曲子无论是节奏还是技巧，都是难度非常高的。《唐璜的回忆》被称为是最难的钢琴曲之一，鲜少有人弹奏。

这个就复杂了。

1、古代希腊的声乐：

古希腊是包括音乐在内的欧洲文化艺术的发源地。古希腊音乐对于后世的影响，并不在于某首乐曲的流传，而在于它引导和激发了音乐的发展与繁荣。在古希腊具有至高无上地位的音乐中，声乐荣幸地在诸形态中占据了头把交椅。虽然音乐理论在这一时期取得了不凡的成绩，但这一成就大多是通过声乐得以展现的。

古希腊的声乐作品主要是合唱，无论何种合唱都只限于齐唱或者是八度重唱。作为一种大胆而复杂的表现手法，他们在男声中加进童声，至于再多的声部则用器乐伴奏的形式来加强。除了合唱（齐唱）外，古希腊悲剧的演出中也出现了独唱，甚至许多独白都是用独唱来表现的，这成为后来歌剧中宣叙调的雏形。

古希腊声乐作品的主流是抒情歌曲，体裁主要为悲歌、颂歌、婚礼歌、祭祀歌、情歌、饮酒歌等。这些声乐作品的体裁与古希腊的政治文化生活紧密相关。声乐首先在宫廷和寺院里兴起，前期的古希腊文化，从本质上讲是贵族文化。作为音乐主要形态的声乐，在当时首先是为贵族服务的。宫廷供养了合唱团，为国家典礼和贵族娱乐用，寺院里也设有合唱团，他们采用被称之为“交替合唱”的轮流演唱方式，为礼拜和其他宗教活动歌唱。古希腊以节庆活动为主要表现场所的声乐演唱，大约有以下几种常见的旋律和调式，这就是具有朗诵特点的宣叙调；具有诗歌韵律特点的鲜明的节奏；与爱情、劳动、大自然等有关的丰富流畅的旋律等，这些特色都与古希腊声乐作品的题材有关。

古希腊声乐作品的题材，主要取材于以下几个方面：

（1）取材于神话。

古希腊神话史诗不仅是当时声乐作品的主要题材，而且对欧洲歌剧的形成有着直接的影响。“音乐”（music）一词就是来源于古希腊神话中的文艺女神缪斯（muse）。古希腊神话认为，音乐起源于神，阿波罗、安非翁、奥菲欧等神和半神，是最早的音乐发明者和演唱者。古希腊人认为音乐是有魔力的，它能治病，净化灵魂，在自然界产生奇迹，也能给人带来幸福或厄运。

（2）取材于诗歌。

在古希腊，音乐和诗歌几乎是同义词，二者息息相通。古希腊人认为音乐在本质上与言语相关，而诗歌是有节奏、有韵律的言语。古希腊的诗歌是用以吟唱的，诗人和作曲家往往是合二为一的。

2、古代罗马的声乐：

与古希腊的声乐艺术相比，包括声乐在内的罗马音乐几乎没有留下哪怕是差强人意的资料，我们只能透过古罗马的历史及其与声乐相关的其他姊妹艺术或文化的发展，去寻觅这一时期声乐艺术的痕迹。

公元前3世纪，罗马帝国向外扩张，至公元前146年希腊沦为罗马行省。随着希腊和地中海地区的艺术珍藏被掠夺，大批的歌手、乐师被俘虏，“希腊化时代”的音乐与建筑、哲学、宗教仪式、文化商品等一起被输入罗马帝国，并很快取代了意大利本土音乐。这一时期，虽然以铜管乐为主的器乐得到了空前的发展，但声乐依然是音乐的主要表现形态之一。

古罗马的声乐与音乐的其他表现形态一样，处于“两极分化”的状态。

一方面，声乐成为统治阶层消遣娱乐的工具，另一方面，声乐又在街头巷尾、乡村田野找到了自己赖以扎根和生长的土壤。在古罗马的民间艺术活动中，婚礼歌、饮酒歌、士兵歌等，是社会下层的“保留曲目”。这些歌谣反映了人民的生活和情感，并对这一时期的抒情诗人产生了重大影响。

二、中世纪的声乐艺术：

1、早期基督教歌曲：

早期的基督教音乐，就是以合唱为代表的声乐。

中世纪的基督教音乐或者说基督教声乐，在欧洲声乐史上占有十分重要的地位，对以后欧洲声乐艺术的发展，甚至对现代的宗教歌曲，都具有十分重要的影响和极为密切的渊源。

最早的基督教歌曲起源于犹太教音乐。犹太教音乐用于功能各不相同的圣殿和会堂的各类宗教活动，早期的基督教音乐是从耶路撒冷经小亚细亚向西传播到欧洲，此间一个重要的中转站是拜占庭（即伊斯坦布尔）。在中世纪的绝大部分时间内，拜占庭作为东罗马帝国的首都，不仅是欧洲最强大政府的所在地，而且是融东西方音乐为一炉的文化中心。拜占庭最优秀和最有特色的声乐典范作品，是根据圣经内容进行诗意发挥的赞美诗，赞美诗是最初的宗教歌曲。

2、圣咏歌曲：

圣咏按内容可分为圣经唱词和非圣经唱词；按演唱方式可分为“交替式”、“启应式”和“直接式”；按音符与歌词音节的关系可分为“音节式圣咏”和“花唱式圣咏”。

圣咏的主要形式有：

（1）、交替圣歌。这是一种数量最多的圣咏形式，风格相当质朴，有的旋律十分优美，实际上是完全独立的歌曲。

（2）、应答圣歌。它是与交替圣歌属于同类的圣咏歌曲，应答圣歌一般是一个短小诗节，在祷文之前由独唱者咏唱、唱诗班重复，独唱者由唱诗班或会众应答。

（3）、阿里路亚。由一个叠歌和一节诗歌组成，然后将叠歌重复。通常的唱法还要加上较为华丽的花唱，在阿里路亚中有大量无歌词的旋律。

3、声乐与早期复调音乐：

古代和最初的教会歌曲都是单声部音乐，中世纪的一大发明就是于9世纪产生的复调音乐。

复调音乐有两大类：

一类是民间复调音乐，这种复调音乐是民间艺人出自音乐本能自发形成的，而不是从某种音乐理论中演绎出来的。

另一类是学者复调音乐，它继承了民间的自由创作，但更偏重于音乐理论上的探索。

复调音乐的产生，遭遇到维护宗教教义和坚持以往歌曲创作惯例的保守势力的抵制和否定，他们以古代科学的名义，藐视复调音乐。直到14世纪，安廷斯从理论上证实了三度音具有完全和弦的特性后，复调音乐才逐渐为人们接受。

复调音乐的作曲方法被称为“奥尔加农”，原指礼拜歌曲中附加的器乐部分。复调音乐在其以后的发展过程中产生了变位调，即“第斯康特”。12、13世纪间，几乎所有的复调音乐都是宗教音乐。宗教歌曲和世俗歌曲在风格上并没有多大的区别，二者的歌词都是用复调谱写的，需要指出的是，在13世纪末，出现了一种可以看作是当时文化生活缩影的声乐形式，这就是采用复调音乐的经文歌。 经文歌是情歌、舞曲、叠歌和教会赞美诗的组合体。在经文歌里，融入了形形色色的宗教思想和世俗观念。

4、世俗歌曲：

作为中世纪声乐艺术另一大分支的世俗歌曲，在11世纪末开始兴起。这一时期，由于商业的发展和城市的完善，歌曲逐渐冲出宗教寺院和封建城堡的束缚，进入城镇、集市和乡村，世俗歌曲应时而生。

早在11世纪，在一些放荡不羁的僧侣和学生中，最早的世俗歌曲就以手抄本的形式传唱起来。酒、女人和讽刺是歌词的三大主题。歌曲的风格十分犀利，不拘小节，这些早期的世俗歌曲和宗教歌曲之间的旋律分界线还不十分清晰，但是旋律基本上是新创作的，特别是歌曲的内容出现了离经叛道的倾向，歌词的语言也不再是基督教的拉丁文，而是采用了各地的方言。

12世纪中叶至13世纪末，法国南部的普罗旺斯一带出现了吟唱世俗歌曲和民间歌谣的行吟诗人，这是一个以职业歌手兼乐手为主的阶层，其中也有贵族甚至君主。在这个身份纷杂而情趣相同的圈子里，很多人通常具有作曲家和诗人的双重身份。这些行吟诗人从民间歌曲中吸取营养，丰富和激发创作灵感，有的还能自编自演自唱。由一部分行吟诗人和流浪艺人组成的演出群体，采用了巡回流动演出的方式，到处传唱世俗歌曲。

三、 文艺复兴时期的声乐艺术

1、14世纪法国、意大利的声乐：

14世纪是文艺复兴运动的初期或是文艺复兴前的过渡期。这一时期，人文主义思想开始萌芽，声乐艺术的发展趋势仍然处于宗教歌曲向世俗歌曲转变的渐进过程，但这一进程显然加快了步伐。

2、15世纪英国和勃艮第地区的声乐：

15世纪中叶，在欧洲大陆北部地区的法国勃艮第公爵的势力范围内，歌唱活动十分活跃。勃艮第的音乐活动主要是小教堂里的歌咏活动，14世纪末至15世纪初，欧洲各地的教皇、国王纷纷建立起配有精良音乐设施的小教堂，并以高薪争相聘用著名歌唱家、作曲家为时髦。对此，当时有人评论说，荣誉和金钱的报酬之高，足以刺激天才的产生。勃艮第时期的主要声乐作品，包括弥撒曲、圣母颂歌、经文歌和法语歌词的世俗尚松。

3、宗教改革时期的声乐：

16世纪初，欧洲新兴资产阶级发动了一场大规模的宗教改革运动，对以罗马教皇为首的天主教会进行了猛烈的抨击，强烈要求实行宗教改革。德国是这场改革运动的发源地。

4、16世纪民族民间风格的声乐：

16世纪欧洲歌坛出现了一种新趋势，这就是民族民间风格歌曲的兴起。新尚松，也就是歌谣曲，是16世纪法国最具特点和最兴盛的歌曲体裁，这些新尚松的歌词都是法文的，曲调具有鲜明的民族特色。与14世纪的法国尚松相比，16世纪的新尚松有两大显著的特点：一是内容更加具体，形象更加鲜明。二是曲调更加具象，造型更加生动。

四、17世纪至18世纪上半叶的歌剧和其他声乐艺术

1、意大利歌剧：

歌剧的兴起，首先在意大利。

意大利歌剧，可以分为佛罗伦萨歌剧、罗马歌剧、威尼斯歌剧和那不勒斯歌剧。这些不同区域、不同时期、不同风格的歌剧，所产生的影响也各不相同。

（1）、佛罗伦萨歌剧：

（2）、罗马歌剧：

（3）、威尼斯歌剧：

2、吕利和法国歌剧：

3、珀赛尔和英国歌剧：

4、德国歌剧：

5、康塔塔和清唱剧：

五、 正歌剧时期的美声唱法

美声唱法，出于意大利语bel canto一词，意为“精美的歌唱”，至于什么才是“精美的歌唱”，美声唱法包括哪些清晰明确的内容，却在很长时期里难有一个统一和权威的说法。虽然美声唱法是在17世纪初与歌剧一起问世的，但作为一个专业名词却整整推后了200多年，只是在19世纪中叶，美声唱法才正式成为一个特定意义的名词，去指代从17世纪起在歌剧舞台上出现的“华彩优美”的声音，美声唱法是一种强调声音华彩优美、具有咏叹性风格、体现高难技巧的发声唱法。

六、18世纪伟大的作曲家及其声乐作品（上）

这一时期，产生了一批世界级的音乐大师，无论是音乐修养、才华和造诣，还是作品的优秀程度，他们的影响和成就远远超过了以往任何一位杰出的音乐家。

1、　维瓦尔迪、拉莫和他们的声乐作品：

2、巴赫及其声乐作品：

以《圣约翰受难曲》和《圣马太受难曲》的成就最高。

七、18世纪歌剧的变革

1、18世纪上半叶的喜歌剧：

2、喜歌剧论战：

3、格鲁克歌剧改革：

八、18世纪伟大的作曲家及其声乐作品（下）

1、海顿的声乐作品：

海顿的声乐作品创作大致分两个时期。前一时期是在埃斯特哈奇的宫廷中，以歌剧为主；后一时期是在维也纳，以清唱剧为主。

2、莫扎特的声乐作品：

莫扎特短暂的一生中，写下了600多部音乐作品，涉及了几乎所有的音乐体裁。他的主要成就是歌剧。

在莫扎特的20多部歌剧作品中，最杰出、最具影响的是《费加罗的婚礼》、《唐·璜》与《魔笛》。

3、贝多芬的声乐作品：

贝多芬是继海顿、莫扎特之后，最伟大的作曲家，不同的是，声乐艺术创作不是他的主要领域，贝多芬的声乐作品有一部歌剧《菲岱里奥》、一部声乐套曲、两部弥撒曲、《第九交响曲》及一些抒情歌曲。

九、19世纪的声乐艺术

从18世纪末起，浪漫主义作为文学艺术中的一种潮流，已经初见端倪。而作为一种音乐风格，它的历史可以追溯到17世纪。以维也纳古典乐派的最后一位大师贝多芬的去世为标志，从19世纪20年代起，古典主义式微，浪漫主义崛起，并很快形成了一种遍及全欧的潮流。

这一时期，在声乐艺术方面代表了典型的浪漫主义风格并取得令人瞩目的成就的是音乐会歌曲和歌剧。浪漫主义的音乐会歌曲主要是德国艺术歌曲。

1、舒伯特的声乐作品：

在舒伯特的艺术歌曲中，最优秀的作品有《纺车旁的马格利特》、《野玫瑰》、《鳟鱼》、《听、听，云雀》、《摇篮曲》、《魔王》、《圣母颂》、《小夜曲》、《谁是希尔维亚》、《流浪者之歌》、《致音乐》、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》和《冬之旅》等。

2、舒曼的声乐作品：

。

舒曼作为仅次于舒伯特的浪漫主义歌曲作家，在音乐才华、创作手法、作品风格等方面，都与舒伯特有许多相似之处。舒曼是一位具有强烈创作欲望和无穷创作灵感的作曲家，他对生活的感悟是敏锐而独到的。他的艺术歌曲大多数以爱情为题材，他最著名也是最受欢迎的声乐套曲《诗人之恋》是根据海涅的长诗《悲剧——抒情插曲》写成的。另外一部声乐套曲是《妇女的爱情与生活》。

3、勃拉姆斯的声乐作品：

他的声乐作品有以下几个特点：

（1）直接继承了舒伯特、舒曼的艺术歌曲的传统，在歌曲这一短小的艺术形式里面，表现出极完美的技巧和极丰富的情感，歌唱部分和钢琴部分结合的十分完美；（2）热爱民族文化，他的作品和德奥社会生活及民间艺术有着密切的联系；（3）他是公认的最后一位古典主义音乐大师，他把自己看作是伟大传统的捍卫者；（4）他的歌曲着重抒发个人的情感，以描绘纤细、敏感、复杂、内省的情绪见长，具有室内乐的鲜明特征。

4、合唱艺术：

19世纪，合唱艺术进入了一个崭新而活跃的时期。合唱艺术的蓬勃发展，主要得益于以下几个方面：

首先，由于资产阶级民主平等思想的巨大影响和席卷全欧的中产阶级革命的强烈冲击，在法国大革命时期，巴黎率先举办了音乐节，音乐节不仅成为欧洲大革命的副产品，而且越办规模越大，加上平民百姓为欢庆革命胜利经常举办的各类音乐文化活动，使合唱艺术迅速赢得了广大人民的喜爱。合唱艺术显示出越来越重要的地位，发挥了越来越巨大的作用。其次，音乐节的领导者、组织者往往是著名的作曲家。门德尔松、舒曼、勃拉姆斯、李斯特、柏辽兹、斯美塔那等，都在音乐节上亲自指挥过合唱。再次，随着资本主义的发展，劳动阶层有了比过去相对多的时间，可以自由地去参加他们所喜欢的音乐活动。最后，教育的发展和技术的进步也是合唱艺术迅速崛起的一个重要推动力。

以弥撒曲和安魂曲为主的教堂合唱音乐，到19世纪可以分为两类。一类是纯粹的教堂合唱，它的思想主题和音乐基调都体现了宗教色彩，是为教堂仪典服务的，但在音乐创作上也不可避免地受到了浪漫主义风格的影响。另一类是以教堂合唱的形式创作、但具有非宗教特色的合唱曲。

十、19世纪的歌剧

随着意大利正歌剧的衰亡，19世纪欧洲的歌剧开始进入大歌剧和喜歌剧的时代。在这一历史性的转变过程中，浪漫主义音乐起到了十分重要的推动作用。

1、韦伯和德国浪漫主义歌剧：

2、罗西尼及其歌剧作品：

在罗西尼的歌剧中，最杰出的具有代表性的作品有六部：《意大利女郎在阿尔及尔》、《塞维利亚的理发师》、《灰姑娘》、《贼鹊》、《塞米拉德米》和《威廉·退尔》。

3、唐尼采蒂、贝利尼和意大利歌剧：

罗西尼的直接继承者是唐尼采蒂和贝利尼。在罗西尼和威尔第之间，这两位杰出的歌剧作曲家建起了一座过渡与连接的桥梁。

唐尼采蒂是一位高产作曲家，共写有70多部歌剧、100多首歌曲以及一些器乐曲。他的歌剧体裁多样，风格不一，成就也不等。著名的有正歌剧《路克雷齐亚·波尔吉》、《拉美莫尔的露契亚》，喜歌剧《爱的甘醇》等。

贝利尼在其短暂的一生共写有11部歌剧，其中以《梦游女》、《诺尔玛》、《清教徒》最为出色。

贝利尼的音乐风格以浪漫抒情为主，旋律十分优美洗炼，表情丰富，善于表达温柔、哀伤的情感，有小夜曲的意境和韵味。同时，他能出色地创造出有爱国激情和英雄气概的群众合唱与进行曲，他的这类爱国歌曲已经被意大利人民传唱至今。

4、梅耶贝尔和法国大歌剧：

梅耶贝尔是19世纪法国式大歌剧的创建人和主要代表人物。他的主要歌剧作品有《恶魔罗贝尔》、《新教徒》、《预言者》和《非洲女郎》。

5、格林卡和俄国民族歌剧及声乐作品

俄罗斯拥有丰富的古老民间歌曲的宝藏，俄罗斯的歌谣具有音域较窄、主题较短的独特风格。大多数既可以演唱，也可以作为舞蹈歌曲，还是一些小型戏剧的唱段。俄罗斯最早的歌曲以宗教歌曲为主，不过这类歌曲与民歌十分接近。俄罗斯人具有天赋的乐感，盛产极其低沉的男低音，这些都为宗教合唱歌曲增添了与欧洲其他民族所不同的特色。俄罗斯世俗歌曲的历史要短的多，直到

17世纪末的彼得大帝时期，才在音乐生活中占据一定的位置。

十二、19世纪至20世纪初的声乐教育

1、19世纪至20世纪初声乐教育的基本模式

19世纪欧洲声乐教育大致有三种模式，即模拟教学法、教材教学法、器官教学法。

2、兰佩蒂学派

3、加西亚学派

4、其他的歌唱理论和歌唱方法

（A）“关闭唱法”和“面罩唱法”

（B）马凯西及其声乐教学

十三、19世纪末至20世纪前叶的声乐艺术

19世纪末，浪漫主义音乐作为一种潮流走到了它的尽头。在世纪之交，受现代哲学、自然科学、艺术美学中激进观念的影响，在音乐理论和实践中，出现了诸如自然主义、印象主义、象征主义、表现主义等形形色色的现代音乐流派。欧洲传统的音乐概念受到了挑战，欧洲音乐乃至世界音乐进入了各显其能、各领风骚的实验时期。19世纪末至20世纪前叶欧洲音乐的这一总体趋势，必然会对声乐艺术的发展产生重要的影响。

　　 1、意大利的歌剧作品：

（1）马斯卡尼、列昂卡瓦罗、焦尔达诺和他们的歌剧作品：

彼得罗·马斯卡尼曾先后在凯鲁比尼音乐学院和米兰音乐学院学习，后在一些巡回演出的小歌剧团担任指挥。1889年，马斯卡尼以新创作的独幕歌剧《乡村骑士》参加了一次创作比赛，荣获一等奖。1890年5月，《乡村骑士》在罗马首演，大获成功，这部歌剧的成功使马斯卡尼一举成名。此后他又写了十多部歌剧，但都比《乡村骑士》逊色。令人遗憾的是，这位杰出的作曲家是法西斯主义的忠实信徒，他在1935年为迎合墨索里尼创作了歌剧《尼禄》，这使他名声扫地，包括托斯卡尼尼在内的许多正直的音乐家立即与其绝交。第二次世界大战结束后三个月，他在孤寂中死去。

（2）普契尼及其歌剧作品：

贾克莫·普契尼，19世纪下半叶意大利真实主义歌剧的代言人，1893年，亲自参与脚本创作的歌剧《曼侬·莱斯特》在都灵上演并大获成功，成为他的成名之作。在这部歌剧中，普契尼初步形成了歌剧创作的基本风格和个性特征，为他进入创作高峰积累了经验，奠定了基础。此间，普契尼寻找了两个最佳的歌剧合作伙伴——脚本作家伊利卡和吉阿科萨。普契尼和他们一起创作了他一生中最成功的三部歌剧，也就是人们熟知的《艺术家的生涯》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》。这三部作品成为普契尼所有作品中成就最大、流传最广的经典之作，并给他带来了世界声誉。但令人啼笑皆非的是，《蝴蝶夫人》在首演中，观众嘘声四起，这部歌剧精品成为普契尼唯一遭到严重失败的歌剧，而在意大利之外的几乎所有国家，这部歌剧却受到热烈欢迎，普契尼作为贵宾，出席了巴黎、纽约等大都市的首演。

2、法国的声乐作品：

普法战争结束后，法国于1871年成立了民族音乐协会。在这个协会的推动下，法国交响乐和室内乐的数量和质量都有了显著的提高。19世纪末20世纪初，在声乐艺术上取得成就的法国作曲家主要有福雷、德彪西、拉威尔等人。

加布里埃·福雷，他是法国音乐协会的创始人之一，1909年担任法国独立音乐协会的第一任主席，1905年至1920年担任巴黎音乐学院的院长，并被选为法兰西艺术学院的院士，他是抒情歌曲和室内乐作曲家。他的作品篇幅短小，创作风格严谨洗炼、优美玲珑、明澈亲切、含蓄细腻，具有法国传统的贵族气质，有“法国的舒曼”之称。他一生创作有近百首抒情歌曲。

克劳德·德彪西是同时期法国最富有创造性的作曲家之一，他的独特创作风格被称之为印象主义音乐。德彪西作为世纪之交的伟大作曲家，对20世纪世界音乐的发展具有深远的影响。他的声乐作品数量不多，只创作了一部歌剧《佩里亚斯和梅利桑德》。

莫利斯·拉威尔，青年时期曾随福雷等学习音乐，并在巴黎音乐学院求学长达15年。同德彪西一样，拉威尔主要接受了象征派、非学院派和东方音乐的影响，但他并没有成为纯粹的印象主义音乐的作曲家。他一生共作有两部歌剧，即《西班牙时刻》和《孩子与魔术》。

3、德国、奥地利的声乐作品：

19世纪20世纪之交，德奥声乐艺术的总体倾向是后浪漫主义。理查·施特劳斯是有代表性的德国作曲家和指挥家，1900年后，主要以歌剧创作为主，完成有《贡特拉姆》、《火荒》、《玫瑰骑士》等，由于施特劳斯具有世界声誉，德国纳粹党在未经其本人同意的情况下，任命他为德国音乐局局长。此后，施特劳斯度过了几年自相矛盾、委曲求全的日子。他和纳粹党保持了既抵制又合作的关系，在此期间创作的几部歌剧均被利用，1945年第二次世界大战结束后。施特劳斯自我流放到瑞士，1947年，他被非正式地恢复了名誉，1948年获准回国，同年去世。

4、俄国、（前）苏联的声乐作品

在声乐领域有所贡献的作曲家主要有拉赫马尼诺夫、斯特拉文斯基、普洛科菲耶夫、加吉别科夫等。在19世纪下半叶的平民知识分子革命时期和20世纪初的十月革命时期，俄罗斯的歌曲创作进入了一个高峰期。

拉赫马尼诺夫的主要创作领域是钢琴曲和交响曲，但他的歌剧作品和声乐曲也很有影响。共写有3部独幕歌剧和80多首歌曲，其中大部分是艺术精品，在俄罗斯歌曲艺术中占有重要的地位。

斯特拉文斯基，美籍俄罗斯作曲家，生活经历复杂，创作风格多变，是20世纪较有影响的重要作曲家，也是西方现代音乐的主要代表人物之一，他的作品以舞剧音乐和器乐曲为主，其中最具有代表性的有印象主义风格的交响诗《烟火》，带有里姆斯基—科萨科夫色彩的舞剧音乐《火鸟》和《春之祭》，新古典主义舞剧音乐《普契涅拉》、《圣诗交响曲》、无调性序列音乐作品《哀歌》、《追思圣歌》等。

普罗科菲耶夫的主要代表作品有4部歌剧：《谢苗·科特科》、《修道院中的订婚礼》、《真正的人》及《战争与和平》。

加吉别科夫是阿塞拜疆民族音乐专家和现代专业音乐艺术的奠基人，亲自创建了阿塞拜疆第一所音乐学校，组织了第一个民族歌剧小组、合唱团、民乐团。他对阿塞拜疆民族音乐最大的贡献是，开创了以记谱音乐和即兴演唱相结合为特点的“玛卡姆歌剧”。