时尚界向来是没有硝烟的战场，在30年代的巴黎，有两个女人的名字不得不提：香奈儿和夏帕瑞丽。如今，人们大多都只知道香奈儿的大名，殊不知在当年，夏帕瑞丽才是圈子里真正的红人儿。 夏帕瑞丽是香奈儿一生的劲敌。 出逃前半生 夏帕瑞丽（Elsa Schiaparelli, 1890-1973）成长于意大利的一个贵族家庭里。自幼缺乏父母关爱的她，曾和家中的厨子哭着说：「 ”或许，我并不是他们亲生的。” 她在家中最大的乐趣，便是跟着她的天文学家舅舅，看星星、读星象。童年对浩瀚夜空的好奇和热爱，长大后都一针一线地缝在了夏帕瑞丽的衣裳上。 夏帕瑞丽设计的北斗七星晚礼服／1937 ▼ 冷漠的亲情硬是把姑娘养成了叛逆少女。父母逼着自己嫁给一个俄国老头，倔强的夏帕瑞丽哪里肯妥协？于是她离家出走，跟着通灵大师克罗尔逃亡天涯。 夏帕瑞丽的年轻岁月跌宕起伏，几乎没有存留多少影像。 丈夫名义是通灵师，实际上却是FBI通缉对象。夏帕瑞丽受够了跟着他逃亡的日子，带着他们一岁大的女儿，再次离家出走。 相依为命的夏帕瑞丽和女儿Gogo。 出征巴黎 夏帕瑞丽带着女儿前往巴黎，白天在古董店里打工，晚上则常常光顾著名的「 ”屋顶上的牛”餐厅。也正是在那里，她遇到了生命中的贵人，巴黎时装设计师中的头号人物——保罗·波烈。 保罗·波烈在1914年的设计手稿，如今看来也毫不过时。 「 ”屋顶上的牛”广告：这是全巴黎第一间爵士乐主题餐厅，也是当时巴黎前卫艺术家们的据点，夜夜众星云集。 ▼ 完全不懂缝纫技巧的夏帕瑞丽，得以凭借师傅的提拔和她天马行空的创意，在巴黎时装界占下一席之位。1927年，她推出自带「 ”3D效果”的假领针织衫，掀起巴黎一股运动风，连Vogue也刊登了这位时尚新人的设计。 1927年Vogue上的夏帕瑞丽插画：夏帕瑞丽独特的视错觉针织衫，是当年最时髦的单品。 夏帕瑞丽穿上自己亲自设计的古希腊风视错觉晚礼裙，裙子上的褶皱都是画的图案。 好莱坞女星玛莲·黛德丽穿着夏帕瑞丽，她也是夏帕瑞丽的忠实顾客之一。 这个来自意大利的古怪女人，颠覆了巴黎对时装的定义。她的每个新系列，都充满猎奇的元素。在夏帕瑞丽以前，时装只是布料子；但在她以后，时装被玩成了艺术。 夏帕瑞丽的「 ”眼睛”帽，眉毛是梵克雅宝的钻石配饰。 1935年夏帕瑞丽天马行空的设计手稿： 的洛丽塔小阳伞、玻璃褶皱扇、报纸印花棉布帽和复活节彩蛋化妆 惊艳的粉 如果看过伍迪·艾伦的《咖啡公社（Café Society）》，就知道上流雅士的繁华夜生活，是30年代最经典的场景。 《咖啡公社》 「 ”不管你身处何处，整座曼哈顿岛都活跃着社交的夜生活。那段时期始终令我着迷，那是纽约市史上最令人兴奋的年代之一。” —— 伍迪·艾伦 一场盛宴，怎能缺少一袭华衣？为了适应风潮，巴黎时装界流行起了晚宴服。而夏帕瑞丽的「 ”令人震惊的粉（Shocking Pink）”，成为名媛们挑选礼裙时最爱的颜色之一。 1934年Vogue封面便是夏帕瑞丽的Shocking Pink晚礼服。 夏帕瑞丽是第一个用夹克搭配晚礼裙的设计师。 这一抹张扬的粉，灵感原是来自美国名媛黛西·法罗拥有的一颗粉钻。在1952年版的《红磨坊》当中，莎莎·嘉宝穿着的粉色晚礼裙，便是经典的夏帕瑞丽粉。 获得奥斯卡最佳服装设计奖的《红磨坊（1952）》中，莎莎·嘉宝身上穿着夏帕瑞丽的Shocking P 夏帕瑞丽Shocking Pink晚礼裙／1937: 2012年大都会举办的Met Gala以夏帕瑞 一山不容二虎 夏帕瑞丽来势汹汹，把香奈儿打个措手不及。提起这位竞争对手，香奈儿甚至连名字都不乐意说出口，只称呼她为「 ”那个做衣服的意大利女人。”她甚至在一次舞会上，猛地一推夏帕瑞丽，让后者险些丧命于火烛中。 风格迥异的香奈儿（左）和夏帕瑞丽（右），一个优雅，一个张扬。 然而，香奈儿有多恨她，艺术界就有多爱她。达利为她设计时装图案、安迪·沃霍尔为她设计手套广告、毕加索把她的新系列画进画中…夏帕瑞丽把艺术变成时装，用时装诠释艺术，成为第一个掌握了「 ”可穿戴艺术”的女性设计师。 达利与夏帕瑞丽在法国／1950 夏帕瑞丽香水瓶上的达利画作／1943 「 ”太阳王”香水瓶身由达利设计。 「 ”太阳王”香水以法王路易十四为灵感。 达利和夏帕瑞丽合作的「 ”龙虾”裙：当初设计完成时，达利竟然想要在龙虾上抹蛋黄酱，就算是夏帕瑞丽也接受不 温莎公爵夫人身穿着的「 ”龙虾裙”，是达利和夏帕瑞丽最著名的合作之一。 达利与夏帕瑞丽合作设计的鞋帽，晚礼服上的口袋是嘴唇的形状。 艺术家让·考克多为夏帕瑞丽设计的「 ”眼泪”胸针／1937：珍珠象征眼泪。 毕加索画中出现的夏帕瑞丽设计／1937：帽子和胸针都是夏帕瑞丽当年的作品。 如今我们总是见到高定品牌与艺术家合作，而夏帕瑞丽在30年代便把这种概念玩了个遍。她超越了时装设计师的传统定义，艺术家们把她视为同行，每天的头条几乎都有夏帕瑞丽的身影。在她的全盛期，她拥有8间工作室，手下管理400多名员工。 《时代》杂志／1951:夏帕瑞丽是《时代》杂志封面人物中的第一位女性设计师。 「 ”夏帕瑞丽女士比大部分的同时代设计师们都要疯狂和富有创意，她就是少数常常会被人用‘天才’来形容的设计师。” —— 《时代》 活在巴黎的意大利人 由于常年为工作奔波，加上年轻时两次的出逃经历，让夏帕瑞丽非常渴望拥有一个属于自己和女儿的家。在巴黎稳定下来后，她买下了一座公寓，而家中摆满不少造型独特的古董家具。 夏帕瑞不仅在设计中玩艺术，私下也是艺术收藏的爱好者。 平日在家中，她酷爱穿着中国旗袍，时常倚靠在那张造型奇特的拿破仑三世风格双人沙发上，构思设计。 夏帕瑞丽在巴黎的公寓中，躺在拿破仑三世风格的紫罗兰色双人沙发上／佳士得 双人沙发原应为紫罗兰色，墙上是巨大的奥比松挂毯。 夏帕瑞丽家中的路易十六时期奥比松挂毯／佳士得 夏帕瑞丽家中收藏不少造型独特的19世纪三角桌／佳士得 夏帕瑞丽的家中，有一件拿破仑三世时期著名瓷器镶嵌工匠Julien Nicolas Rivart的作品 除了古董家具，夏帕瑞丽时常收到艺术家们为她创作的画和雕塑，她都一一放置在家中或是工作室里。 夏帕瑞丽的经典鸟笼，窗边的两件白色柱灯，是瑞士雕塑家贾科梅蒂为她创作的。 贾科梅蒂为夏帕瑞丽创作的白色柱灯／1935 所有的画作里，她最爱毕加索为她创作的《笼中鸟》。她曾在自传中说道：「 ”鸟笼里，白色的天鹅沮丧地低下头，望着 的苹果；另一只黑鸟则愤怒地挥舞着翅膀，想要对天发出挑战。” 夏帕瑞丽的私人收藏中，她最爱的画是毕加索的这件《笼中鸟》 夏帕瑞丽之所以最爱这幅毕加索，是因为她在两只鸟儿的身上看到了自己的影子：望着苹果悲伤的白天鹅，或许象征着夏帕瑞丽的年轻时光——享受着贵族生活，却失去了自由；而她的内心，同样困着一只愤怒的、想要挣脱一切枷锁的黑鸟。 毕加索的《笼中鸟》在夏帕瑞丽家中 巴黎再无第二个夏帕瑞丽 夏帕瑞丽的「 ”可穿戴艺术”像是飓风一般，把高冷的时尚界带到凡间。如今时装界的许多传统，都是夏帕瑞丽的功劳：她在自己的时装屋里举办新系列发布会；她还是第一个为自己的时装系列定主题的设计师，用时装讲述故事… 夏帕瑞丽在芳登广场的店内 Vogue／1951：经典的夏帕瑞丽，张扬、古怪又不乏优雅。 夏帕瑞丽的魅力和才华，在30年代的光影之间得以一瞥。最令人可惜的是，二战后，夏帕瑞丽从美国返回巴黎后不久，便决定隐退江湖，专心写作。时尚界就此失去了夏帕瑞丽的身影，而失去劲敌的香奈儿也得以东山再起。 隐退的夏帕瑞丽手上不再拿着包包，而是自传。 战后的巴黎再一次充斥着光影声色，但夏帕瑞丽的名字渐渐被人忘记。她的隐退似乎也应证了自己曾经说过的一句话：「 ”当人们不再抄袭你的时候，就说明你已经落伍了。” 不知后来重回人生巅峰的香奈儿 是否会偶尔怀念与夏帕瑞丽棋逢对手的日子？ 想看更多艺术八卦吗？快来关注公众号LicorneUnique！
你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？
于我而言，我觉得这个设计属于是比较
大胆但是又在情理
之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，
打破了装饰堆砌的审美
，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。
所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。
可以突破，但是原本的根基不要动摇
。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。
这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上
事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。
过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。
因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；
手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。
事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。
从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。
上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在
他就是ChristianBérard。
Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。
ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友
刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。
ChristianBérard
01是时装插画亦是艺术
ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。
上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper'sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。
他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。
它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。
是融合了新浪漫主义的诗意风格~线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的勾勒得很传神。
他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。
Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。
毫无疑问，
Bérard提升了时尚插画的艺术水平，
不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「
为他打开了一个新的世界。
」而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。
02服装设计的多面手
Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。
下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。
后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。
除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。
Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的**多次设计戏服。
1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。
相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。
他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。
Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。
我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！
03全能美学设计师
除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。
Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——
就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。
于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L'EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。
Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。
如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。
那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场
Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。
前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。
Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。
Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。
如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔
他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？
Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。
有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。
最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。
04设计师们的「Bébé」
Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。
上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~
Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「
能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。
」据说正是Bérard所说的一句「Isn'tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响
众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。
但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般
香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）
Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年
Bérard为香奈儿创作的时装插画
而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线
ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画
ChristianDior1947年的时装首秀
不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。
Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：
是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。
Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。
我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「
感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉
」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。
Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。
1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。
对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。
巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。
时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。
AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40's为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。
Berard为Ascher设计的面料
AnnaSui1995SS
在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。
Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。
ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。
当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！香奈儿香水有7个基本的香奈儿香水系列 1．芳香-花香系列 种类最多，也最受女性欢迎的香味。除了玫瑰和茉莉香味较为浓郁之外，其它的都非常淡雅。 2．清新-草绿香系列 这是一种比芬芳-花香系列更刺激、更清亮的绿草清香味。由嫩草香、羊齿香、藻香和柑橘香混合而创造出一种绿野草的清凉感觉。是九十年代最流行的香味之一。这种香精的挥发性比较高，因此多用于室外运动时使用。 3．古典-旭蒲鹤香系列(Chypre) 旭蒲鹤香奈儿香水是世界上最古老的香奈儿香水之一。相传是欧洲十字军东征时，从塞浦路斯岛带回来的。这种香奈儿香水的香味干爽、沉静、令人迷恋。 4．摩登-现代香系列 这一系列的香精是在十九世纪末发现的，是从酒精及某些特殊植物中经人工合成方式提炼出来的。因此它提供了一种自然界没有的，很有个性的略带前卫的花香，如果和天然花香系列的香精配合起来，还往往能产生一种令人惊讶的效果。如世故练达，成熟迷人的香奈儿五号香奈儿香水就是以这种香味为主的。 5．神秘-东方之香系列 香气浓烈、刺激而长久，具有典型的东方神韵色彩。所含的麝香、龙涎香、香草香、檀香的成分比较高，因此适合晚上使用，给人一种朦胧、高贵、典雅、神秘的气质。她也是一直流行不衰的香味，如1889年出品的世界级香奈儿香水Jicky现在还可以买到。 6．阳刚-烟草/皮革系列 具烟草与皮革的香气，多为男性使用。1978年出品的埃扎罗和YSL1988年出品的爵士香奈儿香水都属于典型的烟草-皮革香型。一些女性香奈儿香水也大胆启用这种香味 7．清扬-草原牧野香系列 Fougere这个法语常用于形容一种清新、神气、带有藻类味道的香味。这种香型常用于男性香奈儿香水之中，富含薰衣草香。世界上第一个流行的这种香奈儿香水，是法国大师保罗巴贵所设计的FougereRoyal,近代着名的有埃扎罗香奈儿香水。
每逢年末，礼物便成了相互安慰心灵的一种最好方式。
那些时尚品牌在这个礼品季，尤其粉墨登场。那么多时尚品牌里，香奈儿无疑是最有魔力的一个？
她是如何成为大众心里的顶级时尚品牌呢？从法国著名小说家、剧作家保罗莫朗的《香奈儿的态度》一书，站在创始人香奈儿自己的视角切入，那些对身边万事万物的态度，或许可以了解很多。
1 香奈儿是一个牧羊女，熟悉草料、原野、皮草、灌木丛、清洗马鞍的香皂等一切自然中的味道。香奈儿以此、以原野和自然，对城市进行报复的时代。
2 香奈儿：我讨厌卑躬屈膝、低声下气、毕恭毕敬。我讨厌掩饰思想、屈服或不按自己意愿行事。 无论此时或之前，我每一个行动、性格中无时不闪现骄傲。
3 香奈儿：骄傲是我坏脾气的关键所在，是孤僻与独立的原因，也是我成功力量的秘诀。骄傲犹如一条阿利安娜之线，能时时引我找回自己。
4 香奈儿：骄傲的人只知道一种至高的利益，那就是自由！但是想要自由，就必须很富有。
5 童年时的香奈儿，离开了姨妈们的栗树园，维希简直就是仙境。虽然，事实那里也丑陋，但对于新鲜的儿童的眼睛来说，依然是神奇的、美好的。维希，是香奈儿的第一次旅行。第一次旅行和异地成长，教会了我如何生活。
6 香奈儿是一个自学的人，学得很杂乱，与任何优秀的天才相处却不拘束，因为她有自己的生活、生命独特的感知。香奈儿言，因为我独自领悟出了书本上学不到的知识，人们总能通过书本上学不到的东西而取得成功。 思考：这话的意思，读书可以拓宽视野，但成功更需对话、接地气、创新 。
7 在初恋mb带香奈儿到波城的旅行，让他认识了一个英国人，卡佩尔。她毅然跟随车站而到巴黎，从此开始了传奇的一生。
8 开始人们总想着赚钱，而后又会被工作吸引。工作、事业、功业的吸引力，远远大于金钱。金钱最终不过是经济独立的象征。
9 香奈儿说：并不需要用钱去买什么东西，从未渴求过什么，除了温柔。 当需要购买的只是自由，我会不惜一切代价买下它。 金钱能吸引我，因它满足了事业心和虚荣心。
10 成功的秘诀就在于，我一直在辛苦地工作。我工作了五十年，和所有人一样努力，甚至更努力。 证券、胆量或机遇，什么都无法替代工作 。
11 我与新的世纪同龄，因此这时代必将向我表达它在服饰方面的表现。时代真正需要的，是简单、舒适、整洁，不知不觉中，我恰好为这个时代提供了它的一切所需。 思考：跟随时代真正的需求、真正长期的潮流，而努力工作 。
12 我用廉价低成本的毛皮代替昂贵华丽的毛皮，我主张黑色，经典简约。 思考：低成本切入时代需求，并以优雅塑造全新的审美观 。
13 四分之一世纪以来，服装方面香奈儿一直创新。在别人绘图制作模型时，我在寻找真人模特。香奈儿对服装观察细心极致：一件上好的裙子适合所有人穿，但合身与否，一切都取决于肩部，肩部合身整体和谐；所有动作起身都是背部，用料要掠夺；裙子后身应该留长；脖子显长的东西都很美。等等。
14 我买的最多的是书，为了阅读。书是最好的朋友，最糟糕的书也会告诉一切道理和情况； 最拙劣的小说同样也是人类经验的纪念碑 。是书，读都好！
15 好朋友米西娅， 只关心她不懂得东西 ，然后她几乎什么多懂。既是破坏、又是创造的女神，经常小毁灭行为后废墟里心安理得地睡去。
16 人们总是谈起身体的保养，但是精神的保养更重要。美容，应该从心和灵魂开始。精神态度、出场艺术、品味、直觉、生命意义，这些无法快学。
17 俄国人为我展现了东方色彩，每个欧洲人都应曾臣服于“斯拉夫的魅力”。 了解其他民族男女个体的思想，深入接触，事实可以发现新世界 。
18 米西娅从未离开谢尔盖。对欧洲的天才讲，他是杰出的伯乐。他是一位魅力朋友，香奈儿喜欢他生活的匆忙、他的激情和他的破烂衣衫，却又是个奢华的传奇。谢尔盖搅动了思想世界、颜色世界、情感世界，同样也搅动了纸币世界。欧洲艺术界、商业界的顶尖混合大师。
19 我不知道毕加索是否天才，说经常与自己往来的某人是天才，往往很困难。但我相信，几个世纪以来，有那么一条看不见的纽带联系着所有天才们。另外，我认识许多知名人士，过时或成长中的 ，谈及他们主要是喜欢他们的群体超过其他群体。和他们交往了20年，给我带来了很多欢笑 。
20 香奈儿与伊里布关系充满激情。但是她又非常讨厌激情，充满激情有时候会忽略他人感受，只顾自我。
21 我从未在广告上花过一分钱。为了维持广告，让时尚陷入荒谬，极度没有意义。
22 金钱或许是一种邪恶的东西，但是文明需要。是的，不应该为赚钱而兴奋，应该为花钱而兴奋。赚钱不过是我们明智决策的一种物质证明。财富并不是继续，恰恰相反，财富可以用来解放我们。财富，是解放的必须品。钱，并不代表美丽，它仅代表舒适。
23 我唯一喜欢挥霍的事物是我的力量。我很乐于用全部的力量去游说或赠与。金钱给生活以点缀，但金钱并不是生活。
24 我邀请上流社会的朋友们一起旅行时，总是我来支付费用。因为当他们确认自己的快乐全属免费时，他们便会变得很风趣，很迷人。
25 背叛男人的方式有很多，但是欺骗男人方式却很少：轻率愚蠢购物、白痴行为、因虚荣的恩怨、难忍的口气。她们把她们喜欢的男人置于极低位置。
26 四分之一世纪以来，我一直在创造时尚。我创造只因为我要出门，只因我是第一个享受新世纪生活的女人。为什么大型客轮、沙龙、大酒店从来没有适应其真正的用途？那时因为他们的设计者们从来没有经历过风暴，从来没有出入过各个阶层的生活。
27 时尚并不是一种艺术，它是一种职业。如果艺术利用了时尚，对时尚而言，那是无上的荣耀。时尚是一个潮流的问题、是一个速度的问题。
28 我想我为什么进入这一行业，为什么革新？我并不是为了创造我喜欢的东西，最重要的是为了使那些我不喜欢的东西马上过时。
29 时尚的革命应该是有意识的，应该是令人难以察觉的逐步变化。我从不从先验或抽象的思维出发，从未在十个月前就能决定下一季节的裙子长短。
30 为了以优雅的方式表现出不礼貌，首先需要有很好的教养，那就是威斯敏斯特的方式。5月9日，我临别洒了杯茶。
31 我向您讲述的一切更能表现我的缺点而非有点。我有一些迷人的优点，同时也有让人难以忍受的缺点。从一开始我便说过，我是极其骄傲的。
32 应该到别的地方去。应该做一些其他的事情。我已经准备好了重新开始。让死亡见鬼去吧！坚持活下去！总之，有生之年，我不会休息。
33 香奈儿并不美丽。但她的思想观念和行为方式都居有让人难以抵挡的魅力。这种“牧羊人的复仇“已经扩展到了社会领域。睿智的香奈儿，总有她不提及者，保持着率真、单纯和独有的天分、某种的神秘。
当下最红、最引人注目的时尚插画在此！
当红时尚插画师HelenDownie作品
时尚插画作为元老级视觉传达媒介，在新时代不仅没有停止发展，更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品，你知道几个？
时尚插画的黄金时代
早期，时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说，那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
Harper'sBazaar杂志封面
时尚插画与时尚品牌的碰撞
到了数码时代，摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结，但时尚插画行业并未因此沉睡，而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作，便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌，经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是，这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇，她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似，让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
HelenDownie作品
虽然已是一位母亲，但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛，奇特又充满童趣。
HelenDownie作品
然而，这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前，此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海，凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现，实属罕见，所以当艺术墙面的一发布，立刻就引起了网络上的一阵骚动。
AlexMerry作品
除此之外，Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖，让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面，观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出，时尚插画的风格早已不再单一。
AlexMerry作品
说起时尚插画与品牌的跨界合作，那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上，品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作，可见他作品的受瞩目程度。
JamesJean与OliverSchrauwen作品
此次，JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品，就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时，作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格，与Prada未来感的时装风格相结合，显得相得益彰。
JamesJean作品
同年在Prada的女装秀上，品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师：StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外，还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时，也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日，时尚插画作品早已不再墨守成规，只要你愿意动笔，人人皆可创作出属于自己的插画作品。
GraceCoddington作品
先锋时尚插画
除了与时尚品牌跨界合作外，还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时，将时尚插画的绘画形式进行延展、探究，揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条，与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出，他一直奉行着现代主义的美学理念。
VelwynYossy作品
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合，用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大，赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
ErnestoArtillo作品
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上，而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说：“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样，我会寻找当中的平衡，也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
ErnestoArtillo作品
纵使时尚插画的黄金时期已逝去，但不可否认的是，时尚插画依然在时尚领域占有一席之地，并同时饱含极高的艺术价值。
时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业，而当下受到追捧的插画作品的不断涌现，更是增添了时尚插画继续前行的可能。
JamesJean时尚插画作品
了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品，大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡，也许就是你。
精彩回顾：
[编辑、文/陈卓]
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一时尚插画的开始时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亚伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二十九世纪的时尚图样（Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。三二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》（Gazettedubonton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的****，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（CharlesMartin），爱德华多·加西亚·贝尼托（EduardoGarciaBenito），乔治·巴比耶（GeorgeBarbier），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（UmbertoBrunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。在美国，大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发，《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（HelenDryden），乔治·沃尔夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape），莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（EduardoBenito），查尔斯·马丁（CharlesMartin），皮埃尔·布里索（PierreBrissaud）和安德烈·马蒂（AndreMarty）。四时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。五时尚插画的毁灭与复兴到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章，或从事广告活动。1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹（AntonioLopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代，先驱插画师EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！在前一段时间火爆的国产大片《哪吒》中，主角哪吒由魔丸转世，不仅一出生就被人们厌恶，三年后还要遭遇一场雷劫，直面死亡。但是，哪吒并不甘心接受这样的命运，他不仅跟太乙真人学习法术，还结识了唯一的朋友敖丙。在雷劫到来时，他拼死抗争，大喊出——“我命由我不由天”，催下了多数观影人的热泪。正因为他的执着和努力，最终命运为他改变。
其实，关于这句“我命由我不由天”，早在100多年前，就有一个女人说过类似的话。原话是这样的：“我从不是一个女英雄，但我选择了我想成为的样子，而我现在正如自己所愿。”
这个人到底是谁呢？她就是可可·香奈儿。她不仅是世界著名时尚品牌香奈儿的创始人，也是被《时代》杂志评为20世纪影响最大的一百人之一，可以说是当之无愧的时尚界女王。
每个成功人士都带有他们那个时代的鲜明烙印，他们的成功一半靠自己的奋斗，还有一半靠时代的机遇，所以对于我们普通人来说，是没有办法完全复制他们的成功。但是从他们的经历中，我们依然可以获得一些启发，能够清楚地认识到“自己想要成为的样子”，并且努力去活成“自己想要成为的样子”。
如果你期待自己的人生有新的改变和开始，那就不要错过这本《香奈儿的态度》。它不是一部普通的人物传记。
全书以可可·香奈儿的独白为主，主要讲述香奈儿对人生、金钱、世界的理解和感悟，囊括了她的童年、事业、爱人、朋友等生活的各个方面。
本书的作者是保罗·莫拉。据说，他是在法国康邦街的一场圣诞餐会上结识了香奈儿，从此两人开始了长达半个世纪的友谊。
本书来源于某个冬夜，两人在度假胜地圣莫里兹的一家旅馆里意外重逢，当晚开始了一场促膝长谈，保罗·莫拉在旅馆的便笺纸上记下了当时谈话的内容，便成了《香奈儿的态度》原稿。
可可·香奈儿过世5年后，《香奈儿的态度》这本书才正式出版。当时，香奈儿的接班人，有“老佛爷”之称的卡尔·拉格菲尔德还专门为该书手绘了所有插图。所以，想要真正了解香奈儿的思想和理念，这本书不应错过。
接下来，我就为大家来解读《香奈儿的态度》的精华内容，一起来探究香奈儿的成功秘诀——她究竟是如何活成自己想要成为的样子。我们从三个重点内容来解析可可·香奈儿有哪些值得我们学习的地方：
首先，我们来了解一下香奈儿是如何认识自己的，她通过逆向思维来辨识出自己的喜好，明确自己未来的人生目标；
之后，我们来谈一谈金钱，看看香奈儿拥有怎样一套金钱观？为什么说她的金钱观是成熟的，她能理性看待周围的世界？
最后，我们学习香奈儿善待人生的态度。正如古诗：“人有悲欢离合，月有阴晴圆缺，此事古难全”，香奈儿在追求人生目标时，是怎样学会取舍的？
相信通过这本书的学习，会帮助你形成自己独立的生活态度，包括认识和对待自我、金钱以及人生。在拥有这种独立的生活态度后，你才可能有很大机会真正实现“活成自己想要成为的样子”。下面，我们来一起解读这本《香奈儿的态度》。
首先，我们先来看第一个重点内容：如何学会认识自我。
大多数人刚从学校走出时，并不知道自己适合做什么工作，或者想做什么工作。通常听到最多的是“爸妈叫我做的”“这份工作好像工资挺多的”等等，但到底是不是自己真正想做的，或是适合自己的，不亲自体验一段时间根本没有办法确定，而且即便亲身体验过了，也无法准确判断是否适合自身。你是不是也遇到过这样的难题呢？那我们看看香奈儿是如何确定自己的职业。
众所周知，香奈儿第一次创业是从帽子开始的。那个时代的女帽样式繁复，而且上面镶有很多装饰，例如羽毛、挂饰等。
香奈尔对这类帽子非常不屑，不仅用“圆面包”来形容，还嘲讽说，它们是用羽毛、果实等各种琐碎饰物构成的宏伟建筑。
这些还不算什么，最让她无法容忍的是，这类帽子大多无法让人把头完全套进去，也就是说，戴上这类帽子后，得用脑袋顶着帽子，几乎谈不上什么实用性。
有次，她去参加一个上流女人的宴会，她干脆把帽子上的羽毛都拔了，只留了一根。当时，女主人非常生气，私下宣称，以后的宴会都不会再邀请香奈儿。但就是从那次宴会开始，香奈儿的帽子引来了大批的关注。
后来，她向她当时的情人鲍伊·卡佩尔提出，想外出工作，想做帽子。卡佩尔觉得这主意还不错，就替她在康邦街租下了一间店铺。于是，香奈儿的帽子生意正式开张了。
她以特制的平顶草帽作为设计灵感来源，款式简洁、线条明快，最重要的是实用。当时，她对自己的帽子评价为单薄、简朴，“仿佛预示了此时还没有任何征兆的一个白刃时代的到来”。受到好奇心的驱使，人们开始光顾香奈儿的店铺，并逐渐接受了她的帽子。
只用了短短一年内，香奈儿的女帽生意非常成功，她再也无需情人卡佩尔用证券向银行做担保，因为她赚的钱已经足够支付一切。
对此，香奈儿说：“我并不是为了创造我喜欢的东西，重要的是为了使那些我不喜欢的东西马上过时。”她的朋友于勒·雷纳尔评价她“有明确的好恶之分”，她则戏称自己“命中注定是一个工具”，而且是非常专业的清理工具。
她说，当看到她厌恶的东西时，立刻会将其清除出自己的记忆，要赶出自己的大脑或是“能够想起的范围”，而最佳的清理方式就是创造她个人喜欢的东西，这种思维就是逆向思维。
简单地说，就是从她个人不喜欢的东西出发，倒推到她个人所喜欢、偏爱的东西。这种思维能帮助她很快明确自己想要做什么，并迅速地行动起来。
之后，她的生意很快从女帽延伸到服装、香水、珠宝等，但不管是做帽子还是设计服装、香水等，香奈儿都是沿用同一种思路——逆向思维。
按她自己的话说“我为我自己发明了运动装；不是因为其他的女人们要做运动,而是因为我自己要做运动。”
先给你介绍一下时代背景。19世纪以前，欧洲上层社会的贵族妇女穿的都是裙衫，这种服装设计的核心就是紧身胸衣或者紧身马甲。
它将女性的身体束缚成一个标准样式，但是却在很大程度上限制住女性的行动，她们必须要昂首抬头，保持标准状态，体态丰满型的女性甚至连呼吸都感觉困难。
不仅如此，女性的子宫和腹腔都受到严重的变形和扭曲。
为了让女性彻底摆脱紧身胸衣的噩梦，获得身体上的真正解放，香奈儿设计出毛织紧身上衣，放弃了腰身设计，以全新的外形来解放了女人的身体；
同时为了步行和户外活动的方便，她还将裙子改短，让女人们彻底从紧身胸衣中解放出来。
一开始，她的设计遭人非议，但她却无视舆论的压力，大方地穿着自己的服装去骑马、散步。被无数双眼睛质疑，顶着压力，最后干脆不在乎外界的看法，就这样香奈儿的理念被越来越多的人所接受。
香奈儿在谈到自己的职业选择时，曾表示自己对服装设计这一职业是一无所知，她也从未觉得自己是在服装界掀起了一场革命。
她想要的就是衣着上的简单、舒适、整洁，但那个时代的服装并没能满足她的需求，所以她干脆凭借自己的双手去创造。
转眼到现代，对于我们来说，不管是职业选择，还是人生规划，一开始或许完全不知道应该怎么选，这时不妨借鉴下香奈儿的逆向思维，从自己讨厌的入手，倒推回去，再从自己偏好的、感兴趣的方面出发，没准会更容易地找到自己的目标。
古语有云：“反其道而行之，方可颠倒乾坤”。在认识自我时，不妨换个角度，反其道而行之，也许局面一下子就豁然开朗了。打破常规，打破固有思路，才会对自我有新的发现，新的认知。
除了凭借逆向思维来认识自我，香奈儿对待金钱的观念也非常值得现代人学习。
香奈儿对金钱的观念，刚开始时来源于她的姨妈。当香奈儿很小的时候，她们就不断向她灌输说“你不会有钱的”“如果有个农民想娶你，你就应该感到很幸福”之类的话。
但是，香奈儿品性孤傲，并不是那类逆来顺受的女孩子，她从这些话中反而意识到了金钱的重要性，她得出结论：没有钱自己什么都不是，而有了钱就可以为所欲为。
为了摆脱自己将来“嫁个农民”的命运，她不断地告诫自己：金钱就是一种万能的钥匙，所以必须想方设法去赚钱。
但是，在之后的工作中，她对金钱的观念开始改变了，并逐渐形成了自己的一套成熟的金钱观。
在与作者保罗·莫拉的交谈中，她谈到“想要自由，就必须很富有”，但是“金钱最终不过是经济独立的象征”，对金钱的盲目崇拜更是“一件可憎的事情”，财富的意义不在于“积蓄”，而在于“可以解放我们”。
因此，她不渴望不劳而获的钱，也不希望有钱之后就尽情挥霍，而是希望通过工作来实现经济独立。
通过辛勤工作，获得金钱，才是最靠谱的财富道路。为了实现这个目标，她一直辛苦工作了近50年，和其他人一样始终在努力，甚至比他们还要努力。
她曾骄傲地宣称：“没有人比我更努力工作”“没有任何事情比无所事事更让我疲惫”。
在她工作时，通常是前面站着一排模特，身边会围着一圈员工，而她做的就是不断用别针和剪刀去调整模特身上的衣服。
香奈儿以追求细节的完美而著称，通常一套衣服要调整十几次，包括衣服的长度、袖子、褶边等，等到所有模特身上的服装都修改完后，在场的几乎所有人都已经筋疲力尽。
据说有一套服装，前后修改了将近40次，才最终定版。每逢推出服装新品时，香奈儿和员工们通常一周要干满七天，比咱们现代996还多一天，堪称是标准的工作狂。
即便是1971年 1 月 9 日这一天，一个星期六，这是香奈儿去世的前一天。她仍然忙于工作，为了即将推出的最新作品。
试问，我们总想着实现经济独立、财务自由，可有谁像香奈儿这样努力和拼搏吗？想必答案是很复杂的吧？的确，香奈儿在事业上倾注的全力，这也使她收获到了自己内心的满足。
同时，这份满足也不都来源于工作，在她看来，一个人的工作和生活应该做到泾渭分明，不应该为了工作而牺牲正常的个人生活和自由，因此，她极力维护个人生活和自由的权利。
她讨厌上流社会的交际应酬活动，加上每天高强度的工作，所以在工作结束后，她通常选择直接回家休息，拒绝一切不必要的交际应酬，晚上几乎是足不出门，以确保充足的休息时间。
但是，在这类上流社会的晚宴和招待会上，通常会有大量的时尚信息流出，对她的工作有着极大的帮助；
为了及时获取相关信息，她选择开出高薪，雇请了一些国外、国内的贵族，让他们去参加晚宴和招待会，第二天再将在宴会和招待会上收集到的信息告诉她。
你看，在她看来，金钱不仅是“生活的点缀”，还能用来解放个人的生活。她讨厌应酬交际，认为它侵占了自己正常的个人生活和自由，但交际应酬又是她工作中重要的一部分，是帮助她获取金钱的有效途径之一。
当两者出现矛盾时，她以金钱为手段，雇人去替她参加宴会，成功解决了个人的工作和自由之间的矛盾。
你可能会想，她那么有钱才会想到雇人去替她做事，为她省时间。没错，但我们介绍的是香奈儿的这种思维方式啊。我们也可以运用这种思维，去解决生活中的一些麻烦。
比如：你是个上班族，工作一天身体已经疲惫，这时候又急于赶时间去某地赴约，挤地铁3元，打车20元，你选哪个？
这种问题其实我们会经常遇到，愿意花钱去省时间做更重要的事，或者愿意花钱去让自己别那么疲惫不堪，其实都是和香奈儿的金钱观一样的。
回过头来读这本书，香奈儿不仅利用金钱维护个人生活和自由，还以金钱为途径，去认识世界和他人。
她曾经表示，认识和判断一个人最好的方式，就是通过他花钱的方式，甚至还对身边的女友说“永远不要嫁给有零钱包的男人”。当然，在现代人看来，这种说法难免有些偏激，但就她生活的那个时代而言，确实有着一定的道理。
不得不说的是，香奈儿不仅借助金钱，实现了我们现代人所梦寐以求的个人自由，而且还将金钱的价值发挥到了最大。
想要实现像香奈儿那样“活成自己想成为的样子”，除了有一定的经济基础外，更要拥有一套成熟的金钱观。古人云：“君子爱财，取之有道，视之有度，用之有节。”
意思就是君子喜爱财富，应该通过正当的途径来获取，要用理性去认识和看待金钱，在使用金钱方面也要保持理性，有节制地消费。用一句话概括，就是对待金钱，我们要保持理性的态度。
而香奈儿所秉持的金钱观，正与之不谋而合，她对待金钱一直保持理性的认识和态度
不但通过正当途径来赚取金钱，还能以金钱为途径去认识世界和他人，更通过金钱上的理性消费，来帮助自己解决生活中的各种难题，真正做到了让金钱来解放个人生活，维护个人自由。
以上就是第二个重点内容：学会了解金钱，拥有成熟的金钱观，才能理性看待周围世界。最后，我们要学会的是香奈儿善待人生的态度，要懂得取舍，学会适时放手。
香奈尔在说完“我从不是一个女英雄，但我选择了我想成为的样子，而我现在正如自己所愿”之后，她又补充说：“即使我不被爱，不讨人喜欢又能怎样”。
这不仅因为她所处的时代，即便在现代，人们对香奈儿等评价都很苛刻，她曾多次被人以“小三”“情妇”“*荡”等来形容。
她终身未婚，有过好几段浪漫情史，男人喜欢她的机智、聪慧和美丽，却始终无法接纳她的独立和成就。
在书中的最后一个篇章里，专门谈到了香奈儿和英国首富威斯敏斯特公爵的感情经历。
她和威斯敏斯特公爵的感情维持了近10年，她亲自为他挑选服装，同他一起旅行、狩猎，她温柔地称呼他为“最后的国王”，但公爵需要的是一个温柔顺从的妻子，最重要是能为他产下继承人，香奈儿无法做到。
到后来她甚至对“公爵夫人”这个封号产生了恐惧和烦恼，她说“上帝知道我渴望爱情，但若要我在心爱的男人和我的服装之间做出选择，我仍会选择服装”。
最终，她选择放弃了男人，坚持自己内心的初衷，与事业结伴一生。
在香奈儿那个时代，成功的事业和美满的婚姻是势如水火，无法相融，为了追求自己所热爱的时尚事业，香奈儿最终舍弃了俗世女子的婚姻家庭。
她失去了男人的爱情，却最终赢得了后人的尊重，并让全世界改变了对时尚的认知、对女人的认知。在她的时尚王国里，从帽子、服装再到香水、皮包等，无一不成为其他设计师抄袭的对象。每年年初，香奈儿会推出两套服装系列，而她的同行们则推出四套，以便于抄袭她的式样。
对此，香奈儿只是淡淡地讥讽道：“多么僵化，多么懒悄，多么官僚主义啊！他们对创造如此缺乏信任，对仿制又是如此害怕”。
有次，香奈儿出席某个俱乐部的大型宴会，有一半的贵族太太穿着很像她设计的晚装，但是仔细观察，却没有一条出自她的店里。
某公爵夫人还信誓旦旦地说，自己的裙子就是从她店里买的。还有几个相识的太太不敢过去和她打招呼，凑在一起嘀嘀咕咕地讨论自己穿着的衣服来自哪里。
香奈儿正好路过听到，她插嘴道：“我都不能确定自己的裙子是不是自己的店里的。”
当时，整个法国的时尚行业竞争颇为激烈，只要某位设计师的最新作品问世，并有流行之势，巴黎街头的大小店铺就会在一夜之间，出现各类同款服装。
因为当时时尚界内这种抄袭风气太泛滥，所以各大时装设计师们组织起来，成立了一个名为PAS“专营权俱乐部”，说白了，就是一个反抄袭联盟。
香奈儿对此是不以为然，她直言道：“通过不给四万五千个小时装店活路来保证二十几个大时装设计师的特权，这样做真的有必要吗？”
她将此类做法比喻成“给速射炮安装刹车”，认为是反现代、反诗意、反法国的。在她看来，这些所谓大时装设计师的思想，正是由这些小店铺来阐释的。
所谓设计师的某个理念或是某款设计，并不是完全属于某个个体的，往往会受到其他人、其他国家以及其他民族的理念、设计的影响，这种影响不仅是相互交叉的，而且是潜移默化的，也是合理存在的。
所以，香奈儿从来不关心抄袭的问题，正如她自己所言：“四分之一个世纪以来，我一直在创造着时尚。”
在她眼里，将时间花在反抄袭上都是“无用”“幼稚”和“低效”，“时尚越是短暂易逝便越是完美,人们不必去保护巳经逝去的东西”。
她将自己的所有精力和时间用于创造上，最终成为了一代时尚女王。
好了，今天的解读就到这里。下面为你总结一下《香奈儿的态度》的全部精华内容：
我们要学会认识自己，这里可以借鉴下香奈儿的逆向思维，通过逆向思维来明确自己未来的人生目标。香奈儿在时尚方面的才华，就是从一顶她讨厌的帽子中发掘出来的；
我们还通过认识金钱来认识世界，应拥有一套成熟的金钱观，才能理性看待世界。香奈儿对待金钱的态度成熟而理性，她承认金钱的重要性，更认为金钱的意义在于“解放我们的生活”。
她很重视金钱，是个标准的工作狂，但却又不盲目迷恋和崇拜金钱，甚至为了维护个人的自由，愿意付出相应的金钱，真正做到了她自己所说的——用金钱来解放生活；
此外，还要学会善待人生。在追求人生目标时，千万不能强求圆满，要学会取舍、学会放手，懂得“有舍才有得”。
香奈儿在爱情和事业发生冲突时，她最终听从内心的意愿，放弃了爱情，选择了事业，最终成功打造了她的个人时尚王国。
通过以上的学习，相信可以帮助你形成自己独立的生活态度，对待自我、金钱以及人生有着成熟而理性的认识。只有拥有了这种独立的生活态度，才可能有很大机会真正实现“活成自己想要成为的样子”。
在现代社会中，大多数女人已走出家庭，走上社会，有一份亮丽体面的工作，甚至独力撑起了家庭的半边天，实现经济独立对她们而言并非难事。
可是，为什么还有很多女人依然迷茫，她们在情感上、生活中存在着种种依附和羁绊，自觉无法“活成自己想要的样子”，甚至有的连自己想要活成什么样子都无法确定。
除了在经济上实现自力更生外，女人们更要学会独立思考，对自我、金钱、人生有一套自己成熟的认知，面对外界的质疑声，能坚持自己独立的生活态度。
今时今日，香奈儿早已离开人世，但她依然以她自己的思想和态度，向世界解释着什么是时尚、什么是爱情、什么是自我……
她以她自己的精彩人生，告诉我们只有拥有自由而独立的思想和态度，才能真正实现“活成自己想要成为的样子”。
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香奈儿经典创意海报香奈儿经成为一种时尚界的骄傲,也是这个地球上女人最想拥有的品牌，香奈儿的宣传海报也是比较经典的，下面是由我为大家整理的香奈儿经典创意海报，希望你会喜欢!
香奈儿经典创意海报
香奈儿经典宣传海报
香奈儿的经营理念
无论是经典的香奈儿(Chanel)、在传统与时尚中博弈的保罗·史密斯(PaulSmith)、“快速时尚”风潮的Zara，还是以中国元素走向世界的“上海滩”，这些看似千差万别的服装(服饰)品牌却总能以自己独特的生存方式不断改变着时尚世界。具有悠久历史和独特产品的常青树品牌以其核心单品为生存基础，为适应传统市场的老化以及新兴市场的多层次需求，纷纷利用各自优势寻求可持续发展。
时尚特性：奢华与简洁并重
香奈儿品牌的特别之处在于实用的华丽，从生活周围撷取灵感，创造出一种简单舒适的时尚哲学。正因为如此，在今天人们可以毫不费力地辨别出香奈儿的品牌风格——两件式的斜纹软呢套装、带有强烈男性元素的运动服饰、象征康朋大街的菱格纹、打破旧有价值观的人造珠宝、双色镶拼的羊皮鞋、带有浓郁女性主义色彩的山茶花图腾以及奢华与简洁并重的香奈儿No5香水。
营销策略一：产品“精英化”
香奈儿产品独特的魅力令人向往，高高在上的价格却让普通消费者望而却步，但品牌的定位却越来越精英化，甚至还加大了其产品中最奢华的系列的份量，以吸引更多“超有钱人”的腰包。香奈儿品牌已经处于奢侈品品牌的顶端，高品质和高价格是它维持品牌形象和存在价值的唯一途径。在面对全球低迷的经济背景之下，香奈儿的全球总裁穆林·琪凯特则决定为其标志性的菱格纹手袋做一个全球性展览——流动的艺术。尽管有人认为在这个时候推广全球最昂贵的手袋是不明智的，但穆林认为，就算在经济最不景气的情况之下，人们也不会放弃对美好事物的追求，因为这可以振奋大家的士气。
营销策略二：品牌“年轻化”
2002年，曾担任过法国欧莱雅、美国盖普及BananaRepublicCEO的43岁的穆林·琪凯特成为香奈儿公司全球总裁，她的目标是通过取悦于新一代奢侈品买家，从而带领这个强大的品牌更上一层楼，为了实现这个目标，她采用了奢侈品零售业罕见的消费者导向型发展策略，并且借鉴了盖普公司的“填补市场的缝隙”经验。拥有欧美时尚品牌经验的穆林让香奈儿的营销更进一步，加上与设计师卡尔的合作，创下了150亿美元的品牌价值。
营销策略三：占领新兴市场
随着西方社会经济的低迷，奢侈品也受到严重冲击，而以俄罗斯、中国以及巴西等为代表的新兴国家市场成为奢侈品销售新的增长点。2009年岁末，由设计师卡尔·拉格菲尔德领军的香奈儿品牌高级手工作坊系列来到中国上海，为全世界奉上了跨越东西半球、贯穿中西文化的香奈儿“巴黎——上海”系列，这是继2008年推出“巴黎——莫斯科”系列后的又一新兴市场拓展计划的一部分。2010年伊始，香奈儿又在另一新兴国家巴西推出了奢侈冲浪板系列。不得不说，在全世界应对金融危机的保卫战中，香奈儿为众多奢侈品牌振奋了士气的同时，也为自己开辟新兴市场抢得了先机。
营销策略四：保持高贵的渠道形象
在冲绳逛街看到一个b开头的牌子，很像香蕉的英文，水原希子拍的海报，是啥牌子应该是迪奥的Beauty系列。
水原希子牵手Dior_eauty成全球首位亚洲代言人
水原希子3月1日受邀出席Dior_eauty东京新品发布会，并获官宣正式成为该品牌全球形象代言人。
所以应该是这个Dior的海报，本来她代言的品牌就只有之前IT集团旗下的B+AB（主营服饰）和刚刚代言的Dior_eauty系列。
刚刚代言加上产品预热宣传，所以应该是Dior_eauty的广告。
香奈尔女装更为人所知的名字是香奈尔（或香奈儿，Chanel），是由可可·香奈尔（Gabrielle Chanel）在1909年创办的巴黎女装店。这家小商店开始只卖女士的头饰，而在一年内搬迁至康邦街（Rue Cambon）。小店的辉煌来自于它的旗帜香奈尔五号香水（1921年五月，当香水创作师Ernest Beaux呈现给香奈儿女士多重的香水选择，香奈儿女士几乎毫无犹豫地选出了第五款，之后成为香奈儿五号香水。），以及广受欢迎的香奈尔套装——一个优雅的设计，包括齐膝短裙和干练的短上装，传统上用毛线织成，黑色裁边和金色纽扣，配穿大串珍珠项链。
历史
1910年，CHANEL夫人替原本穿着裙子打球的女人们设计了运动的裤装，之后又抛弃束腹，设计了以男性服装为元素的宽松上衣。这些特立独行的行径使这位离经叛道却热爱山茶花的夫人，成为当时女性主义启蒙的重要起源。
自从香奈尔五号于（Chanel N°5）1923年面世以来，可可·香奈尔的时尚风靡伦敦和巴黎的社交圈，购买者趋之若鹜。香奈尔选择住进了丽兹宾馆，而她所居住的套间至今仍称为“可可·香奈尔套房”。
1971年CHANEL夫人逝世。德国设计师卡尔·拉格斐（Karl Lagerfeld）在1986年才开始接任CHANEL设计大权。
年轻的（Karl Lagerfeld）在第一季时就剪破CHANEL雪纺长裙的裙摆，搭配CHANEL外套，再加上鲜艳夸张的假珠宝饰品，让习惯CHANEL优雅传统的时尚界非常震惊，后来事实才证明（Karl Lagerfeld）叛逆的天才与特出就与年轻时的CHANEL同出一辙，并将CHANEL王国领向另一个颠峰。 不论是正式的TWEED套装、休闲的CRUISE WAER 甚至是礼服，CHANEL一眼看来并不突出的剪裁，实际上对身材有非常精致的修饰效果。饰品部分，CHANEL是第一个打破“珠宝迷思”的品牌，提倡将真假珠宝搭配在一起。 因为CHANEL夫人的喜爱，“山茶花”便成为CHANEL饰品中最主要的造型。以闪亮金链与双C标志吸引了全球女士爱慕的CHANEL皮件，搭配时非必要与套装整体搭配， 其实只要发挥个人搭配巧思，CHANEL可以展现出过人的优雅，并展露属于个人的风格。
http://wwwchanelcom/
可可·香奈尔（Gabrielle Bonheur "Coco" Chanel，1883年8月19日－1971年1月10日）是法国先锋时装设计师，香奈尔（Chanel）品牌的创始人。她现代主义的见解，男装化的风格，简单设计之中见昂贵，成为20世纪时尚界重要人物之一。她对高级定制女装的影响是她被时代杂志评为20世纪影响最大的100人之一。[1]
[编辑] 生平
香奈尔自己描述的童年有很多个版本。不过可以确定的是旅行商人艾伯特香奈尔和他同伴珍妮德弗勒在法国小城索米尔生下的第二个私生女。她的父母在她出生后，于1883年结婚。她一共有两个姐妹：朱莉（1882年-1913年）和安托妮特（1887年出生），还有三个兄弟：阿方斯（1885出生）、卢西恩（1889年出生）和奥古斯汀（1891年出生）。1895年，在她12岁的时候，母亲去世了，她父亲不久以后也抛弃了家庭。小香奈尔在欧巴津天主教堂的孤儿院度过了7年，在那里她学会了缝纫。
她在25岁认识了法国面料商艾亭奈·巴桑，成为他的情妇。巴桑在事业上帮助香奈尔起步。之后她又结识了英国工业家阿瑟·卡伯，卡伯全力支持夏奈尔的事业。
香奈尔的第一家商店于1910年在巴黎坎朋大街（Cambon）21号开张了，接着于1913年在多维尔开了一家流行女装商店，于1915年开了一家女式时装屋。接着，她于1918年将坎朋大街的总店搬到31号。
1921年，香奈尔发明了香奈尔五号（Chanel No5）香水，这款香水面向全球销售，笔直的瓶身和同时代其它的香水瓶设计有很大不同。“五”据说是可可的幸运号码，而这个号码最后被命名为香水的名字是因为这是第五次尝试。1924年，皮埃尔·沃特海姆在香水业务上成为她的合伙人。沃特海姆拥有百分之七十的股份，香奈尔得到了百分之十的股份，另外百分之二十的股份由她朋友巴德拥有。香奈尔五号成为可可的一件烦心事，因为她尽管获得巨大成功，却从里面收获很小。今天沃特海姆家族继续控制了香水公司。玛丽莲·梦露在1950年代宣布香奈尔五号是她最爱的香水。据统计，每30秒钟就有一瓶香奈尔五号售出。
香奈尔套装于1923年推出，是及膝的短裙和裁剪考究的外套组成的优雅套装，通常选用黑色羊毛面料，金色的纽扣，在搭配时配以大颗珍珠项链。香奈尔的经典小黑裙也十分流行，简单大方的设计，多功能的用途使它同时适用于白天和晚上，转换的关键是饰品的搭配。尽管保守的黑裙在香奈尔之前就有，然而她设计的小黑裙兼顾了时尚和舒适。1923年，她在《巴莎》（Harper's Bazaar）杂志上发表评论，“简单就是所有真正的优雅的基调。香奈尔的设计永远保持简单和舒适的风格”。
关于昵称“可可”的起源目前还不明确。很多资料表明这个名字来源于拉龙德的一个咖啡馆，是很多法国军队的军官和居住在巴黎蒙帕那斯区艺术家喜欢光顾的地方。香奈尔当时还是一个夜总会的歌手，表演了一首名为“Qui qu'a vu Coco”的歌曲，之后大家就以可可称呼她。也有资料说那首歌的名字叫“Ko Ko Ri Ko”。
她一生未婚，私生活多姿多彩，在爱汀讷·巴尔森之后，她又相继和艺术家保罗·艾里伯，威斯敏斯特公爵，流亡法国的俄国狄米拉公爵，英国运动员博伊·卡佩尔传出恋情。她有30多年时间以巴黎的丽兹酒店（Hôtel Ritz）为家，包括纳粹占领巴黎的时期。在那段时期，她与德国官员汉斯·冈瑟·冯丁克拉格交往密切，汉斯安排她继续留在旅店里。她在坎朋大街拥有一套公寓，在罗克博鲁尔（Roquebrune）小镇有一套别墅。她在瑞士的洛桑度过了晚年，她也被埋葬在那里。她的墓碑上雕刻着五个石头狮子的头。
1969年，香奈尔的故事被凯瑟琳·赫本搬上了百老汇的舞台，作曲是安德列·普列文和阿兰·杰伊·勒纳。法国女演员玛丽-弗朗斯·皮西尔也曾经在银屏上扮演过这个角色。
香奈尔在巴黎的设计工作室，如今在卡尔·拉格斐管理下，仍然是当今时尚界顶级工作室。
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