朝鲜年度时装秀 重现”香奈儿60年代风格【图】

导读： 朝鲜是世界上政权控制最严格的国家之一，世人对这个国家更是充满着无数的好奇。因此，在这个“与世隔绝”的国家里也会举办年度时装秀这件事，震惊了许多人。时装秀复古风格让人看呆，原来封闭社会也可以有时尚!一起来看看前卫的“平壤style”吧!

英国《每日邮报》11月2日报道 新加坡摄影记者于9月份访问朝鲜时，探访了在平壤举办的年度时装秀，拍摄了一组在时装秀上的朝鲜模特和近千名追求时尚的女性。今年这个年度时装展的举办日期是2014年9月15日至17日。这位摄影师希望通过他的拍摄，来打开一扇能揭开朝鲜神秘面纱的小窗。

朝鲜时装秀让人看呆

自2013年8月以来，阿兰姆·潘曾四次被允许进入朝鲜采访。在这四次探访中，这位38岁的摄影师用手中的相机记录下了他眼中的朝鲜。他拍摄到了朝鲜的真实情况，与当地人一起互动交流甚至还在平壤观看了一场时装秀。

在阿兰姆·潘的最后一次朝鲜之旅时，他有幸参加了第十二届平壤时装展，他用镜头记录下了模特们在伸展台上的样子，感受到了朝鲜最新流行趋势。并且评价这些款式有点过时的衣服“很有香奈儿的风格，而且颜色非常大胆”。

阿兰姆·潘表示，“男士时尚似乎看上去都一样，大多都是单色的服装。但是，女性时尚看上去是一直在发展的，平壤并不是被隔离的。我以前看到过的报道都说，朝鲜法律规定女性不能穿长裤或是穿颜色鲜艳的衣服，这个时装秀绝对是一次惊喜。甚至在马路上，我注意到女性的穿衣打扮的方式变得更加特别。”

“参加这个展会的主要是当地的服装店主，他们把号码牌用大头针别在衣服上，以此排序。“那天在展厅里起码有超过1000人，非常的拥挤。”

在朝鲜，长期以来不管男女在穿着上都受到限制。朝鲜所谓的时尚，是被世人所熟知的“时尚警察”以及穿着符合规定的服饰的居民，还有出现在“外国人”眼前的特定的东西。比如与美国有关的蓝色牛仔裤，长期以来被视为禁忌。

但是现在，这个国家的女性已经可以在城市里穿长裤了，而长裤的款式都是经过国家批准之后的。阿兰姆·潘表示，这种潮流趋势已经从平壤传播到了朝鲜乡村了，乡村的女性也开始倾向于“时髦的”打扮了。在他所拍摄的照片中可以看到一些女性身穿长裤和高跟鞋。

据悉，这些在时装秀上展示的服装，不久后将在朝鲜的商店出售。

现在这个国家的女性可以穿裤子了，但据传闻,在过去保守的朝鲜,女人只能穿裙子,不能穿裤子。这又是怎么回事呢，请看下一页为你揭秘。

朝鲜年度时装秀

朝鲜女人为什么不能穿裤子

金日成曾经说过：“裤子是男人穿的。”所以在朝鲜，无论春夏秋冬，朝鲜妇女都会响应领袖号召，坚决只穿裙子， 裤子。当然，在隆冬季节，聪明的女同志会在长长的朝鲜大裙子里边穿上棉裤以抵御严寒。

一些老有所为的退休阿妈妮，会在马路上以的眼神监督每一个过往行人，上面看他们是否佩带主席像章，下面看每一个女人是否穿裙子。

有一则趣闻说，生活在朝鲜的中国女人和日本女人到了街上，八成会有一个朝鲜老太太箭步如飞地跑过来，以迅雷不及掩耳之势一把拽住，大声训斥道：“同务(在朝鲜，人们称和自己平级或比自己级位低的人为同务，比自己级别高的人为同志)，你作为一个女人能穿裤子吗”

知道这个风俗之后，她们入乡随俗出门只穿裙子，仍不免挨到训斥：“同务，你没看今天的《劳动新闻》吗你怎么能随便穿一条膝盖以上的裙子!”

这一传统直到去年才有所改变。2009年，朝鲜劳动党机关报《劳动新闻》在题为《穿着应方便且好看》的报道中，建议女性们穿“端正的裤子”，并一条一条列举了“可以穿的裤子”和“不该穿的裤子”。报道中说，“紧贴在女性下身的裤子和喇叭裤，不是我们提倡的款式。”

在朝鲜因为女子全部穿裙子，无论春夏秋冬都是如此，男子才穿长裤。因此，他们又把男子叫“裤子”。

据讲，朝鲜女性俗称男性为“裤子”。童男子们被尊称为“新裤子”;离过婚的则被戏称为“旧裤子”;再次离婚的就被贬为“破裤子”;离过三次以上婚的就是“烂裤子”喽!新裤子是多数朝鲜姑娘的目标。

另外，有三种“裤子”最受女娃们青睐，它们就是军裤、党裤、学裤(即军人、党员干部和有高学历的男子)。朝鲜姑娘都渴望着成为这三类“裤子”的配偶。

当然，也有例外的情况。比如朝鲜现役女军人在训练时，就必须穿上裤子，只有这样，才能有效防止女兵们春光乍泄。

1996年一次金正日偶然的谈话，竟成了一道最高命令，朝鲜禁止女性骑自行车了。

不仅如此，因为 裤子，朝鲜女性曾经一度不能骑自行车。1996年，金正日一次看到骑着自行车的女性后表示“朝鲜的女人们传统上穿裙子，但是穿裙子骑自行车很难看。”于是有人就下达了“禁止女性骑自行车”的可笑禁令，朝鲜到处都能听到“将军同志讨厌女人骑自行车的行为”的议论。

直到2007年，曾发生因女性骑车被扣车，一怒下跳河自尽的事件，朝鲜才开始解除该禁。

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

在生活中还是有很多让人忘不掉的时尚走秀，真的是让人觉得难忘啊，有些人已经忘记了秀场为了给人们留下持久的印象，2015年香奈儿春夏秀在巴黎大皇宫举行，这座宏伟的宫殿被布置成巴黎的街景，一群超模高呼口号时装秀它已成为展示合唱团才华的舞台，无论是福音音乐、嘻哈音乐还是布鲁斯音乐，都有着迷人的旋律，他对黑人音乐的赞颂无意中创造了历史。

2017纽约时装周蕾哈娜ss18时装秀，演出结束时，蕾哈娜骑着摩托车，创造了一个令人难以置信的场景，这是一场不同的比赛时装秀，这个想法在当时非常先进，给每个人留下了难忘的记忆，迪奥迪奥高阶1998春夏时装秀，在这个时装秀年，巴黎历史悠久的卡尼尔宫歌剧院的主楼梯被改造成了一个表演舞台，有管弦乐队、探戈舞者和世界顶级歌剧演员时装秀出现并带给观众一个戏剧性的幻想之旅。

超级名模德文·青木（DevonAoki）看起来很奇怪，但给人留下了深刻的印象老佛爷爱，老佛爷她拉着她的手，两次离开了香奈儿时装秀，这就是其中之一：2008巴黎时装周香奈儿高阶春夏时装秀，巴黎几乎所有的时尚人士都来见证让·保罗·高蒂埃最后一件成衣的制作时装秀在这样一个历史性的时刻，设计师优雅地完成了这场告别秀，回顾了经典作品，并向知名时尚杂志的编辑致敬，同时也标志着一个时代的结束。

Kenzo2014春夏成衣系列的发布以华丽的水幕拉开序幕，秀场就像雨中的日本庭院，这一次，设计师以海洋为灵感，成衣上有五颜六色、起伏的波浪线和灵巧的跳跃鱼，服装上的图案以版画的形式呈现，现代主义绘画的引人注目和宣传，香奈儿的每一场大型演出都让时尚迷们翘首以待，因为除了华丽的时尚，还有每次都能带来惊喜的酷炫主题场景，这一次“老佛爷”卡尔·拉格斐卡尔·拉格菲尔德将海滩的美景带入了巴黎的宏伟宫殿。

微风拍打着波浪，秀场客人一进来，就好像置身于度假胜地，driesvannoten的模特秀场坐在T型台上，就像一条布满苔藓的林间小路，让人感觉它不是在繁忙喧闹的巴黎时装周现场，而是在森林幻想中旅行，遇见一群无忧无虑的森林精灵，在SoniaRykiel秀场，与其他品牌不同的是，模特们不再是一张冷冰冰、不苟言笑的脸，而是在表演的同时带着一个大大的、温暖的微笑，实际上SoniaRykiel传达了让女性快乐和有趣的理念，该品牌的荣耀只能在照片中重现。

古驰 (GUCCI) 品牌故事：时装界堪与 LVMH 集团争一日之长短的，相信现在只有GUCCI Group。GUCCI 品牌由意大利皮具手工艺人 GUCCIo GUCCI 先生创立于1906年，1938年 GUCCI 先生于意大利 Via Condotti 开设首间 GUCCI 专门店，开始其时装霸业。一如大部分国际名牌，GUCCI 的崛起也要感谢明星效应。 六十年代的好莱坞明星多次被拍摄到用 GUCCI 的手袋，间接为 GUCCI 作了宣传。当中捧场者包括著名好莱坞影星奥黛丽·赫本及当时的美国第一夫人杰奎琳·肯尼迪 (Jackie Kennedy)。由于杰奎琳·肯尼迪经常采用 GUCCI 的手袋，此款袋更被冠以“Jackie O”的名字。GUCCI 最辉煌的时期可说是由汤姆·福德 (Tom Ford) 于1994年开始担任 GUCCI 创意总监的日子。Tom Ford 被形容为当代最才华洋溢的时装设计师，在时装界享有很高的名望及权力，风头一时无两。他亦改写了 GUCCI 在80年代因授权多个小企业生产而导致 GUCCI 品质下降的负面形象，180°扭转了 GUCCI 濒临破产的困局，令古驰品牌一跃成为90年代举足轻重的时尚大牌。Tom Ford 创新地采用优质高科技面料设计 GUCCI 时装，领导了时装界对布料要求的新方向。Tom Ford 在职期间曾多次引领时尚界潮流，令“GUCCI”与时尚划上等号。如95年 GUCCI 秋冬时装秀，名模Kate Moss 在T台上以一身 GUCCI 天鹅绒低腰裤及丝质恤衫，配衬粗黑眼线的 look，迅速成为国际明星名人模仿的对象。而 Tom Ford 于2004年宣布离职，消息轰动了整个时装界，当时曾有人认为 GUCCI 皇朝从此结束。而代替 Tom Ford 的 Alessandra Facchinetti，更是在设计了两季服饰完成05秋冬作品后，因与 GUCCI 高层意见不合而离职。幸好，现时 GUCCI 已找到适合人选重整霸业，晋升 Mark Lee 为CEO， 邀请 Frida Giannini 负责女装及配饰设计，而男装则邀请了 John Ray 操刀。John Ray 和 Frida Giannini 接任后，新一季 GUCCI 男装、女装作品也备受到外界赞赏。而 Frida 为05年 GUCCI 秋冬季所设计的 La Pelle GUCCIssima 皮具系列，以奢华理念重塑 GUCCI 品牌两大经典标识─“双G”及“Horsebit”图案，并以50、60年代为主题设计，为 GUCCI 带来自 Tom Ford 离职后最大的惊喜。而 Frida 亦于06年春夏季再度推出 Lavender GUCCIssima 系列，获得时尚传媒界的热烈赞赏。 虽然GUCCI 男女装设计还是萦绕 Tom Ford 的影子，但他们也算是成功带领 GUCCI 走出了 Tom Ford 的阴影，证明 GUCCI 皇朝依旧。不过，能否如 GUCCI Group 主席 Robert Polet 所扬言，要在七年内把业务发展至时装界 No 1，则仍需拭目以待哦！夏奈尔 （Chanel) 品牌档案： （1）创始人：Gabriellechanel 夏奈尔 （2）注册地：法国巴黎（1913年） （3）设计师：1913年-1971年，Gabriellechanel（加布里埃·夏奈尔） 1983年起，Karllargerfeld（卡尔·拉格菲尔德） （4）品牌线：chanel夏奈尔 （5）品类：1913年开设女帽及时装店制作服装；1921年起开发各式香水：如1921年的no5香水和no22香水，1924年的cuirderussie香水，1970年的no19香水，1974年的cristalle香水，1984年的coco香水，1990年的egoiste男用香水，1996年的allure香水；另外还有各类饰品，化妆品，皮件，手表，珠宝，太阳眼镜和鞋各类配件。 品牌识别： （1）双c在chanel服装的扣子或皮件的扣环上，可以很容易地就发现将cocochanel的双c交叠而设计出来的标志，这更是让chanel迷们为之疯狂的“精神象征”。 （2）菱形格纹：从第一代chanel皮件越来越受到喜爱之后，其立体的菱形车格纹竟也逐渐成为chanel的标志之一，不断被运用在chanel新款的服装和皮件上。后来甚至被运用到手表的设计上，尤其是“matelassee”系列，k金与不锈钢的金属表带，甚至都塑形成立体的“菱形格纹”。 （3）山茶花：chanel对“山茶花”的情有独钟现在对于全世界而言，“山茶花”是chanel王国的“国花”。不论是春夏或是秋冬

除了被设计成各种质材的山茶花饰品，经常被运用在服装的布料图案上。

你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？

于我而言，我觉得这个设计属于是比较

大胆但是又在情理

之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。

香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，

打破了装饰堆砌的审美

，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。

再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。

所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。

可以突破，但是原本的根基不要动摇

。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字

最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。

这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上

事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。

过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。

因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；

手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。

事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。

从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。

上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在

他就是ChristianBérard。

Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。

ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友

刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。

ChristianBérard

01是时装插画亦是艺术

ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。

上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper'sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。

他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。

它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。

是融合了新浪漫主义的诗意风格~

线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的动态勾勒得很传神。

他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。

Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。

毫无疑问，

Bérard提升了时尚插画的艺术水平，

不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。

ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「

为他打开了一个新的世界。

」

而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。

02服装设计的多面手

Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。

下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。

后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。

除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。

Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的**多次设计戏服。

1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。

相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。

他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。

Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。

我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！

03全能美学设计师

除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。

Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——

就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。

于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L'EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。

Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。

如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。

那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场

Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。

前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。

Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。

Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。

如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔

他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？

Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。

有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。

最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。

04设计师们的「Bébé」

Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。

上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~

Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「

能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。

」

据说正是Bérard所说的一句「Isn'tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响

众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。

但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般

香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）

Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年

Bérard为香奈儿创作的时装插画

而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线

ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画

ChristianDior1947年的时装首秀

不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。

Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：

是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。

Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。

我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「

感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉

」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。

我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。

Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。

1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。

对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。

巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。

时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。

AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40's为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。

Berard为Ascher设计的面料

AnnaSui1995SS

在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。

Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。

ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

1973年，巴黎时装周正式开始，这些曾经藏匿于沙龙里的时装创意，也终于进入大众的视线。1980年代到1990年代，秀场越发豪华，超级模特诞生。一场时装秀已经不仅仅是新款时装的展示，更是品牌理念、设计灵感全方位的表达。

社交媒体时代到来后，时装秀成为最热门的话题，当年怕被太多人看到，在新时代是怕没有人看到。2020年，这一切戛然而止。全世界迎来一场始料未及的挑战，生活停摆，社交被切断，时装秀也被迫喊停。

站在时代的分岔路口，得到与失去不过一念之间，回望过去，多么精彩美好。当一切回归正常之后，更多数码技术的加入，我们还能等来如过去一般的盛大吗？

1991秋冬高级成衣系列

Versace

20世纪最后一个十年，范思哲用一场时装秀开启了全新的篇章。这场秀之后常常被叫做 “自由！90年代”（Freedom!’90），因为四大模特——琳达·伊万格丽斯塔，辛迪·克劳馥，娜奥米·坎贝尔和克莉丝蒂·杜灵顿在秀中间，一起手挽着手，唱着乔治·迈克尔（George Michael）那首名为《自由！90年代》的歌。

詹尼·范思哲（Gianni Versace）设计强调女性的线条，总有一种蛇蝎美人的气质。这场秀开场一系列黑色的紧身连衣裙和连身裤，金色头发的模特们演绎出都市女性的活力与性感。之后紧接着一系列彩色套装，对80年代的浮夸致敬，又引领着90年代的热闹，最后以做工精良的装饰性短外套和紧身胸衣结束。

1994 春夏高级成衣系列

Chanel

能够想象作为优雅法国女人的代表可可·香奈儿女士穿着朋克风格的马丁靴吗？或者能够想象可可·香奈儿穿着超短裙的样子吗？又或者可可·香奈儿穿着直排轮溜冰呢？

这场秀可能没有近几年火发射场那样令人惊艳的设计装置，T台方面也只是最传统的样子，但从时装层面，这个系列应该可以被认为是，法国老牌时装屋第一次与街头文化结合。

模特甚至穿着一双香奈儿的直排轮，出现在T台上了。这样象征着青年文化的街头运动，居然跑到了时装秀场上，成为当时轰动一时的话题。作为创意总监的卡尔·拉格菲尔德（Karl Lagerfeld）打破了优雅的黑白配色，打破了传统定义下的女性优雅，将丰富又耀眼的颜色带进高级时装中，也将嘻哈文化中的装饰放进系列。

这些创新的设计在日后都成为了品牌的新经典，再一次说明了态度和风格可能才是时装最重要的东西。

1995秋冬高级成衣系列

Thierry Mugler

这是品牌20周年的一场秀，异常热闹，创造了无数经典的时装时刻，被视为整个90年代性感时装的最高点。在这场秀中，品牌回顾了蒂埃里·穆勒（Thierry Mugler）那些最经典的设计。

对于时装的态度，穆勒本人在一次采访中说：“亲爱的，这一切都是为了得到一场完美的性爱而已。”可见“性感”在穆勒设计中的地位，他将女人最撩人的一面呈现出来。这场秀太多作品，其中包括如战衣一般的金色盔甲，还有那条转身露出股沟的优雅晚装。极致的创意，不管不顾的性感，成为那个时代最完美的注脚。曾经饱受争议，如今回头看看，这样的大胆自由，十分令人羡慕。

谢幕最后，所有的模特穿着或优雅、或像外星人一样的衣服，在T台上跟着音乐跳舞，拉着设计师一起，扭动身体，掌声雷动。这种人挤人的热闹，今后是不是很难再有了？

1998春夏高级订制系列

Christian Dior

在巴黎歌剧院里百年大理石楼梯上，约翰·加利亚诺（John Galliano）将所有模特打扮成20世纪初参加舞会或沙龙的样子，以意大利怪异美人玛切萨·卡萨提（Marchesa Casati）为缪斯，以世纪之初的俄罗斯芭蕾舞团为灵感，上演一场穿越时空的歌剧秀。所有评论界都对这场秀赞不绝口，甚至有人说这场秀已经超越了时装本身，超越了想象，而是一场梦。

设计师在采访中，只是害羞地说，想要通过剪裁和面料，让人们回到某个华丽时代。每一位模特从这个18世纪就已经存在的大楼梯走下来的时候，眼中都有了属于自己的情节和情绪，那些华丽庞大的衣服似乎因此都有了内容、有了故事、有了生命。

谢幕时候，所有模特错落有致分布在楼下上，天空落下缤纷花瓣，时装秀结束，一个绚丽的时代来了。因为裙摆巨大而坐在楼梯末尾的情景，是不是让人不自觉地想起了女演员詹妮弗·劳伦斯（Jennifer Lawrence）2013年在奥斯卡颁奖礼现场的“经典一摔”？这也算是一场跨越的时空的戏剧巧合吧。

2000秋冬高级成衣系列

Chalayan

一位奇怪的设计师，穿梭在传统和未来之间，似乎从来不在意潮流，也不是单纯设计只用来穿着的衣服。两个世纪转换的之间，侯赛因·卡拉扬（Hussein Chalayan）创造了太多不可思议的时装秀，主题往往很深刻。其中，就包括这场发布在千年之初的系列。

出生在土耳其的卡拉扬，从小生活颠沛流离，不断的搬家在他幼小的心灵上留下了不可磨灭的印象，而这场秀就在讲述关于搬家、关于离开的故事。卡拉扬的经典瞬间很多，这个家具-时装系列，可能是这些经典中最著名的瞬间。

秀场的设定不是传统的T台，而是一个舞台，模特们穿着简单的衣服从后台走出来。来到家具旁边，开始拆沙发套穿上，甚至把茶几拉至腰间变成裙子。这一切都不像是真的，似乎一个超现实主义的**，或者是动画片。这场秀让衣服本身变成一个行为艺术，而那条茶几裙子，更是告诉所有人，衣服的另外一个可能性。

2003 春夏高级订制系列

Christian Dior

在这个系列之前，设计师约翰·加利亚诺刚刚完成了自己为期三周的中国和日本旅行，回来之后他也立刻把自己旅行中的感觉带进了整个系列。看这场秀的视频，常常会被从T台深处冲出来的武林高手吓一跳，那种“打妖精”的恢弘气势让人印象非常深刻。

除了模特以外，约翰·加利亚诺在中间穿插了武术表演。这会让人觉得在看一部武侠动作片，那些穿着讲究的模特就是传说中的女侠。传统中式服装以平面化的结构为主，但加利亚诺的设计却偏偏非常立体。他将中国元素，变化着放在一件又一件巨大的高级定制上，东西方文化在这个系列中融合。

2013春夏高级成衣系列

Louis Vuitton

让人眼花缭乱的方格纹，最初的灵感来自法国当代最重要的艺术家之一丹尼尔·布伦（DanielBuren），他位于巴黎皇家宫殿内的名为“两个平台”的装置艺术，成为了当时创意总监马可·雅克布（Marc Jacobs）的创作起点。

“两个平台”中不一样高度的圆柱集合，也代表了这场秀三个不一样的创意维度，分别是：迷你裙（mini）、迷笛裙（midi）和迷嬉裙（mixi）。简单来说，就是三种不同长度的裙装。看似非常简单的概念，但在设计师手中变化出32对完全不同的时装款式。秀场的设计也跟布伦合作完成，其中有4部手扶电梯，模特们从巨大的电梯上下来，然后是一条用半透明亚克力做成的黄白格子T台。

模特出来的方式也全是两人一组，这样的形式也非常符合当季的主题，其中有迷你裙与迷嬉裙的组合，也有迷你裙和迷笛裙的组合。两位模特像是一面镜子的两面，在非黑即白的二元世界中，分别成为不一样的人。从时装款式到概念，再从秀场设计到展示方式，这都是一场被记住并且被思考的秀。

2014春夏高级成衣系列

Rick Owens

与其说这是时装秀，不如说是一场非洲战舞的表演。40位体形各异、肤色各异的舞者，穿着瑞克·欧文斯（Rick Owens）最新款的时装，跳着遥远部落里最传统的舞蹈。

根据不同颜色的衣服，舞者们被划分成四个不同的方阵，轮番从后台踏步走出。多元化的模特在今天的秀场上已经成为必需，但在当时还是相对少见的。这场秀上的舞者，从体形到走路的姿态都不是标准的模特，包括她们脸上的表情，都是祖鲁族舞蹈要求的“勇气脸”。

欧文斯一直都说，他想要设计一种衣服，能够集合优雅与粗糙于一身。通过这个系列，他又一次证明了世界上真的有这样的矛盾体。原始的部落舞蹈美学，和巴黎高级时装之间，在这场秀上不分彼此，甚至彼此影响。欧文斯也再一次证明了，不是所有优雅的衣服都会束缚身体的运动，看看这些舞者扩张的动作就能明白。

2015春夏高级成衣系列

Jean Paul Gaultier

如果提到时装秀的戏剧性，这样让·保罗·高缇耶（Jean Paul Gaultier）在2014年9月上演的时装发布本身就是一出戏，从舞台设计到模特的出场方式，都是一部正经戏剧应该有的样子。这场秀选择在欧洲最大的**院大雷克斯剧院（Le Grand Rex）举行，在这之前，设计师就已经宣布，要暂停品牌高级成衣部分，而专心在高级定制和香水的业务上。

从60年代开始，只有品牌因为商业压力暂停高级定制，高缇耶则成为暂停高级成衣系列第一人。所以这场戏剧一般的秀，对于品牌来说也代表着一个时代的结束。

开场就是一段50年代风格的歌舞，有演员有歌手，好不热闹。中间一大段还是传统的T台走秀模式，结尾就又好玩起来，直接变成了选美大会。所以这场秀也被称为2015年让·保罗·高缇耶**选美大赛，在这场大赛中，参选**都穿着高缇耶的经典设计。

大赛最后，只剩下安娜·克里夫兰和可可·罗恰，经过戏剧性的颁奖仪式，大家再次欢乐地唱歌跳舞。虽然是一种结束，但高缇耶还是像每场秀结束时候一样，微笑着谢幕。

2018度假系列

Louis Vuitton

每年都有时装大师离开我们，今年这个人是日本设计师山本宽斋。在他有生之年最后一次出现在主流 时尚 圈，就在路易威登2018年的度假系列上。品牌在位于日本深山中的美秀美术馆中发布新系列，模特穿梭在如梦幻境的建筑之间，设计上也有跟山本宽斋的神交。

山本宽斋是世界时装 历史 上第一位在欧洲走秀的东方设计师，他用一生时间，将张狂的设计、丰富多变的日本传统元素带到西方世界。他用自己的疯狂震撼了欧洲，成为华丽摇滚之父大卫·鲍伊（David Bowie）最亲密的伙伴。他在70年代的大胆设计，曾经启发过一众后辈，其中就包括路易威登现任创意总监尼古拉·盖斯奇埃尔（Nicolas Ghesquière）。

这个度假系列，品牌找来山本宽斋，一起合作演绎了设计师最为擅长的歌舞伎主题。这个系列也成为了这位东方时装先锋的绝唱，时间在前进，而像是山本宽斋大胆表达的人却越来越少，我们失去的不仅仅是一位时装设计师而已。

2019春夏高级成衣系列

Gucci

2015年初，亚历山卓·米开理（Alessandro Michele）被任命为古驰创意总监，从第一季开始就颠覆了所有人对品牌的想象，之后一季比一季好。他将复古、怪异、艺术、情绪一起结合在时装中，每一场秀都吸引着全世界的眼光。

2019年春夏，他将古驰带到位于巴黎9区的夜店Le Palace。原址建于17世纪，70年代传奇夜店Studio 54在纽约掀起了的士高舞厅与夜生活狂潮，促使有“夜晚的王子”之称的法布里斯·埃马尔（Fabrice Emaer），于1978年收购剧院并将其改造，成为当时巴黎最负盛名的夜总会，明星、名流、设计师每晚在此流连，结识新朋友或是寻觅创作灵感。

在这座巴黎传奇夜店中，米开理用意大利实验剧场先锋莱奥·代·贝迪尼斯（Leo de Berardinis）和佩拉·佩拉加洛（Perla Peragallo）的作品开场。中间又请来英国女歌手，也是时装偶像的简·铂金（Jane Birkin）用法语演唱一首温柔抒情歌。最后，模特们在舞台上汇聚一堂，厚重的幕布慢慢拉上，结束一场关于美好记忆的时装秀。

2020秋冬高级成衣系列

Balenciaga

因为 科技 的发展，声光电技术的运用，能够让时装秀整个视觉更加炫酷，比如这场发布于2020年初的巴黎世家时装秀。大型的室内空间，天花板上是可以变化颜色的光电屏幕，投影出海洋、火焰、天空、光线和城市影像。地板侧一层薄薄的水洼，映照着半空中的屏幕。天地投影，像是一个无尽空间。模特走出来，脚踩在这层水洼之上，打破的是天地之界限。

新款时装因为夸张的肩线设计，被评论界称之为“魔鬼的肩膀”。秀场上的某些模特将眼睛弄成了全部的红色或是黑色，使眼神里散发着非人类的光芒，就像是吸血鬼一样，近看更是让人心里发毛，这特殊的小细节，也让现场氛围更加诡谲。

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撰文／卢笛 编辑／叶超William Yeh

设计／Shengyu 新媒体设计/Dean

一则悲伤的爆炸新闻是人们都一时间陷入悲伤的氛围之中，那就是在美国有一名著名的超模，他的名字叫做什蒂纳坦纳特在2020年12月22日不幸历史。那么在这个时候我们可以看出生前的史蒂纳坦纳特对于表演来说都是非常惊艳的。

我们都不陌生的是巴黎时尚的老佛爷，而很荣幸的是这个超模，也就是史蒂娜塔纳特，实际上来说他是在美国的第11代，也就是德文郡公爵的孙女。其实这个人是非常优秀的，也就是说史蒂娜谈到特，他其实是在温彻斯特的一家艺术学院曾经就读，它主要的从事是雕塑艺术，又因为他是著名公爵的后代，所以它身上流着有著名的苏格兰贵族的血统。于普通人不同的是，她英俊的外表之外，还透露着给人一种特殊的感觉，所以在模特圈是比较吃香的，所以他最后也选择了模特的路程。

而他与别人不相同的是，她的短发个出头，出了她精灵的气质。他的眼睛与别人的也不同，熊熊有神的一双蓝眼睛更给别人一种特别的感觉，由于他非常的纤瘦，也就是说它的棱角是非常分明的，这种感觉给人的感觉是非常不错的。这些一系列的优点也促就了他在事业上能够有很好的发展，所以他在演艺圈也是有很不错的辉煌的。然而她的辉煌也不是一蹴而就的，在他受到摄影师的宠爱之后，他成为了香奈儿，也就是著名的设计师，老佛爷的宠爱她被老佛爷所钟爱，所以她经常出现在香奈儿的广告以及时装秀之类。在2012年，也就是伦敦奥运会上，他更是非常优秀，直接成为了奥运会闭幕式中的九位模特之一，这对任何来说都是非常优秀的。

我们现在也已经过了以瘦为美这样的刻板标准，已经脱离了这样的审美趣味，所以的话很多超模也没有必要过度的追求自己的身形非常瘦。控制自己的饮食，以至于自己出现不良甚至身材走形的情况，过度的追求瘦并不代表能够追求到美感，所以在保持健康的情况下。你自己合理的饮食和休息，健康的生态美才是目前的主流审美。

其实很多明星为了工作都是需要进行不规律的作息的超模也是一样，他们日常很有可能在走秀之前没有时间去吃饭和休息，甚至是有的时候不吃饭和休息都要转到下一场去，接着走秀，拍照，这样的话，实际上也是对自己的身体有一定伤害的，无论什么时候都应该有一些保障自己身体基本健康和营养需求的东西和措施在自己的身边，帮助自己维护好自己的健康和生命力，提高这方面的意识据了解，超模史蒂娜坦娜享年50岁，但是官方并没有透露超模史蒂娜坦娜的真正死因是什么，家人希望大家可以尊重她的隐私，希望大家也不要追究超模史蒂娜坦娜的死因，并且超模史蒂娜坦娜的追悼会将会之后公布日期，对于她的突然离世，很多人都表示非常惋惜，只能希望她一路走好。

还有不少网友们猜测她的死因可能因为和前夫的感情不和而引起的，所以导致她对生活失去信心，当时她和丈夫确实非常恩爱，但是之后因为各种原因导致两人离婚，离婚后史蒂娜坦娜状态确实不怎么好，现在看到史蒂娜坦娜刚结婚的照片，真的觉得她太美丽了，我觉得大家还是给予她最后的尊重，不要再深究史蒂娜坦娜的死因到底是什么了，让她安静的离开吧。