可可香奈儿，传奇一生之美！

美，有不同的定义，不同的形态，

而让人印象深刻的美，总是经过岁月的沉淀，却依旧刻骨铭心，那便是她用一生所精心设计的符号。

她说：我是如此热爱黑色，它的力量，穿越时空，横扫万物。

当我读完她的故事，我觉得她说的黑色，就是那种神秘感，就好像没有人能够真正了解她的喜怒哀乐，因为她深不可测，因为她刻意隐瞒了她不愿意呈现的故事；

我觉得她所说的黑色，是那种能带给她力量的东西，就好像黑洞一样，你看不到底，可她却是包容的，无比地包容，然后用这样的黑色，引领衬托出属于每个人独有的时尚。

她是一个传奇，是独立女性的代表人物之一。独立，需要很强大的内在勇气，我很佩服她，在美国经济萧条时期，依旧选择去好莱坞，追寻自己的梦想，在人人自危的时候，她还要拼一拼。而持续不断努力的人总是会获得额外的奖赏，萧条的经济背景并没有影响她的执着，反而是她的执着，重新点燃了**界关于设计的时尚符号。

她是美丽的代名词，植根于内心永恒不变的热爱。就像大家所看到的，她永远都会拿着一把剪刀，一遍一遍地改她的服装，领口，袖口，每一个细节都是她所在意的，一直改到她想要的感觉。无论你看到20岁的她，50岁的她，70岁的她，她的美总是让人惊叹，深褐色的眼睛，灿烂的笑容，还有一个像20岁女子般勇往直前的活力，即使在她去世前的前一个晚上，她还在争分夺秒地设计她的最新女装，她还是会说，明天她还是会来工作。只是，后来我们才知道，那是她生命中的最后一个晚上。

她从来都相信自由的力量，深深地爱着自己。在她年迈的时候，公众，媒体看到别的新潮都大肆赞扬，而对她的设计冷嘲热讽，把她和她的作品当做过时的设计。

她说，她的存在从来只是引领，她相信她真正懂得每一个人内心里所追求的自由，她自己就是最好的代言人，并持续引领时尚。

多年以后，她不仅概括了时装艺术，又彰显了舒适和从容，她坚守着米色的衣着之美，因为那是代表她自由的颜色，最是自然，不经渲染；她还是会抹着标志性的红唇，因为那是血的颜色，因为我们的内外都充满热血，所以要露出来一点点。

时光印刻着她的传奇，

时尚流传着她的符号，

她成为了我们永远的香奈儿。

本名原名为Coco Chanel & Igor Stravinsky，即指香奈儿女士及史特拉汶斯基，这两位二十世纪最具影响力的艺术家：一位革新女性时尚，一位催生现代音乐。这段鲜为人知又刻骨铭心的恋情，短暂却轰烈，催生了他们传世的不朽作品。 影片讲述了时尚女王香奈尔和俄罗斯音乐家斯特拉文斯基的一段浪漫爱情故事。 1913年，巴黎，香奈儿专心投入已成名的事业并与富裕的亚瑟卡柏热恋中。同年，斯特拉文斯基作曲的《春之祭》在法国巴黎香榭丽舍大街的剧院中首演，他以特立独行的艺术气质引起了巨大的争议，现场几乎酿成了一场大暴动，演出以失败告终。史特拉汶斯基为此伤心不已。当时已在时尚界获得巨大成功的香奈尔也在现场，她非常欣赏斯特拉文斯基的音乐天赋，剧中的音乐给香奈儿留下了不可磨灭的印象。 七年后，1919年，赞助香奈儿开店的恋人亚瑟卡柏在巴黎车祸意外身亡，香奈儿为此痛不欲生。1920年，斯特拉文斯基流亡到巴黎，在芭蕾舞团老板迪阿基列夫的引荐下结识了香奈尔。香奈尔因欣赏史特拉汶斯基的才华，大方邀请走投无路的斯特拉文斯基一家居住到她的别墅，使他潜心创作，斯特拉文斯基很是感激。 在一天天的相处中，斯特拉文斯基和香奈尔爆发了炙热的爱情。这段爱情使伊戈尔恢复了创作的激情，再度创作的《春之祭》成为音乐史上的经典，而香奈尔也充分显露了其敢爱敢恨、坚毅灵敏的女性特质，不为人知的是，那段激烈且难分难舍的恋情，不但间接催生香奈儿经典5号（N°5）香水，也造就了日后不朽的香奈儿时尚王国。但是这段轰轰烈烈的恋情注定不能善终，因为他是有家室的人。两位艺术家的爱情从此深藏在彼此心中，直到生命的最后一刻。

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个

时尚插画的黄金时代

早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。

AlexMerry作品

除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。

精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

本影片是一部非常励志的剧，看完这部**对品牌有一个全新的认识，被香奈尔创新、无畏、自由、浪漫以及拥有山茶花般独立女性气质所触动，所塑造的香奈儿坚强有棱角，很正面。**用插叙方法演绎了一个出身贫寒，感情被欺骗和歧视，一度落魄的姑娘，凭借着她的天份和果敢独立，进化成为时尚先锋的传奇故事。

1）**用插叙方法演绎了一个出身贫寒，感情被欺骗和歧视，一度落魄的姑娘，凭借着她的天份和果敢独立，进化成为时尚先锋的传奇故事。在那个女性完全依附男性的时代，本在大农场里过着富太太的生活，可是日复一日的生活状态，让她很想拥有自己的事业，她开始制作非传统定义的女性帽子和服装，渐渐受到大众的喜爱和认同，告诉今天的我们：时尚永远不会过时，自由从来不会过时。衣服永远是要和人融为一体的，撑起衣服的不单是骨架子，还有气质

2）看完这部**后，我不经想起曾经读过的一段话："何为人生的悲剧：因瞻前顾后而背叛的初衷，因顾忌名声而割舍的情爱，应害怕落败而放弃的冲试，因圆滑世故而涂改的个性，应贪图庸惠而委屈的人格，应趋炎附势而轻视的友谊。”也许香奈儿之所以获得举世瞩目的成功，正是因为在面对人生一次又一次的重大选择时，她都勇敢地站在了这些悲剧的对立面。

3）女性自由、独立，坚持自我，坚持自己的思想判断，不为他人所控，并拥有优雅的品味，是香奈儿女士一生所追求的坚持。在认识到成为情人只能成为附属品之后，她毅然选择了自己工作，寻找独立性，最终成就了香奈儿品牌。

“几乎她每一次对自己过往的讲述，都会有些不同，让这些讲述本身就成为故事背后的故事。”

其实提起香奈儿，每个人都有不同的解读。有人认为她优雅，有人觉得她妩媚，更重要的是追求自我。无论是得个人经历，还是向我们诠释了一个女人如何 通过独立，自信，努力成就自己的精彩人生

所以写香奈儿传记非常具有挑战性，因为香奈儿为了隐瞒自己的过去， 编造了具有一个巨大的秘密， 又充满谎言的迷宫。于是，皮卡蒂将事实与猜测穿插文中， 只需让读者细细体会、自行在心中勾勒出，自己心中香奈儿的轮廓。

简介

《可可·香奈儿的传奇一生》的作者，是英国著名传记作家贾斯迪妮·皮卡蒂， 曾担任英国版《VOGUE》专题总监、《观察家》杂志高级记者，现供职于《星期天邮报》，是知名的时尚专栏作家。

这本书详细向我们解读了可可·香奈儿从无名的小裁缝到时尚女王，在两次世界大战时期的辗转逃离，到最终病逝在巴黎丽兹饭店的故事。

香奈尔，法国先锋时装设计师，著名法国奢侈品牌香奈尔的创始人。 她结 合现代主义，借用男装化的风格改变现代女装。简洁，却很高雅，设计很华丽。

香奈儿被誉为20世纪时尚界重要人物之一，也被时代杂志评为20世纪影响最大的100人之一。她创造出的经典作品，有 条纹水手衫、Jersey针织衫、小黑裙、No5香水、斜纹软呢套装、双色鞋、255格纹手袋。

01 父母的不负责任

⑴父母的不负责任，让她寄情于墓园

父母永远是孩子第一位老师。原生家庭对一个人的影响起着决定性命运的作用 。父亲阿尔伯特是个在集市，贩卖商品的 小商贩 。在母亲让娜临盆之际，害怕承担责任的 父亲选择消失。

父母

母亲让娜是个沉醉于爱情的姑娘，当初为了和父亲在一起， 不惜与家庭决裂 。她的母亲伤心欲绝，再加上抚养孩子压得喘不过气， 早早离开人世。 香奈儿一生只享有了6年的母爱，父亲更丢下她和4个兄弟姐妹。

所以6岁的香奈儿在墓园流连忘返。 因为她认为每个孩子都有自己的隐秘空间，可以躲在那里玩耍和做梦。

因为只有在坟墓前， 她觉得自己是女皇。 所以 ，她对两座无名氏的墓很喜欢， 会用花朵装饰。 她会缝制一些布娃娃，带到墓园，和她不说话的朋友一起玩。但到了晚上，她会害怕， 她怕鬼魂们来找他。

⑵清苦的修道院生活

①因为一条裙子痛哭

“15岁那年，她获准可以为自己定做一件连衣裙。她做了一款紧身的紫色呢绒裙。裁缝在底部加了一点塔夫绸的荷叶边装饰。内里是紫罗兰色！”帽子上，加了一小枝紫藤。她非常兴奋地等待穿上它，去教堂做弥撒。但出发的早上， 修女却叫住了她，让她把衣服脱下来，送回裁缝那里去她哭得不行，发誓要离开。”

修道院

在修道院生活期间，修女身穿的宗教服饰，给人呈现出来的纯朴和素净，阳光透过修道院彩绘玻璃，呈现的色彩，南法秋收时，金**麦穗…… 这一切都成了她日后设计 的灵感来源，促使她提炼出自己的风格。

02 不愿提起过往

所以，香奈儿一直不想提“孤儿院”三字。她编了很多故事， 证明自己被爱。她 说父亲只有30多岁。但他已经40多岁 。她说父亲抛妻弃子是一种浪漫 。她说父亲最疼她。事情上， 父亲根本不管她们的死活。

她说自己被留在一个“阿姨家”，而姐姐妹妹被送到“修道院”。因为在孤儿院里， 香奈儿饱受折磨 ，17年里，她的父亲从没露过面。所以她不被父母关爱，也没有人来看望她，更没有人送钱来。因为她品尝够了悲伤和恐惧，想自杀不知道多少次了。

03 离开修道院的生活

⑴选择离开修道院

虽然原生家庭使她感到绝望，使她没有一点安全感，但是她靠独立自主，自力更生来改变自己的生活。

所以，在修道院这段经历对香奈儿的一生影响深远。从小被遗弃，不被期待，还有对父母的思念。她选择不妥协，也不想屈服于命运， 就像她相信自己不会就这样，度过一生一样。

她选择离开修道院的时候，已经18岁。因为过了18岁这个年龄， 修道院只会收留继续做修女的女孩 。于是她带着这种信念，在18岁那年，香奈儿走出了封闭的、远离尘世的修道院。

⑵被人看不起

香奈儿虽然无家可归，身无分文，也找不到父亲，但她坚决不想做修女。她被亲戚们带到一所教会学校，在那里， 她成了人人看不起的小村姑。 不让上钢琴课 ，只能穿穷人的制服和旧鞋子。

因为条件不允许，作为一个孤儿，她必须学会自食其力，有一技之长。 所以在上学期间，她坚持缝纫，她与表姐用边角碎料缝制领子和袖口。

⑶突然喜欢看言情小说

为逃避生活的乏味、无趣， 香奈儿很喜欢看言情小说。 她与表姐经常把新出版的小说 放在阁楼里 ，整夜翻看小说。

于是，在她的脑海里产生了， 她想过的日子是言情小说里那种，而不是姑姑家这种无聊的日子。

⑷去裁缝店工作

因为她的成长，更令她对爱情 充满幻想色彩。 后来，教会学校的校长，帮她找了份工作，是在一家针织品商店当缝纫员。店里名媛贵妇进进出出，但她们的眼神给人以 轻视的感觉， 那种的感受让香奈儿感到厌恶。但是骨子里的骄傲不允许她被人轻视， 她暗暗发誓，一定要出人头地。

⑸选择在咖啡店唱歌

白天，香奈儿是服装店里身着朴素的小裁缝，到了晚上，她就化身为“灰姑娘”，穿上美丽的衣裳，在咖啡店里唱歌。

因为在穆朗城，不少军团都在驻扎，包括第十轻骑兵团。经常见到 年轻的军人，穿鲜红的裤子 。在那儿，香奈儿引起超过至少半打的军官的注意。

因为香奈儿16岁就已经很漂亮了，有一头浓密的长发，长着拳头大的小脸。那漂亮的模样，让她散发出一股莫名的吸引力。军官们开始邀请她去 参加茶会、音乐会。

她也登台表演，唱了两首歌。一首是《喔喔喔》，一首是《谁见过可可》为了欢迎她，军官们模仿公鸡打鸣，集体喔喔叫。她沉醉其间，乐此不疲。 从此，香奈儿有了一个别名：可可。

因为圆亭咖啡店里，没有人知道她悲惨的身世，更没有人追问过往。所以在这里，更自由，只有有着动人歌喉和拥有曼妙舞姿的香奈儿。

04 自认为遇到自己的爱情

她人生中最重要的第一个情人是一个绅士，但也是个花花公子，名叫艾提安·巴勒松。香奈儿就像溺水的人，突然抓住了救命稻草一样， 对他寄予了厚望，对爱情的期待，她果断地辞掉了工作， 跟随着艾提安去到了他的庄园。艾提安给香奈儿提供了如公主般的贵族生活，这一次，她也终于摆脱了那个衣着破旧的小女孩的形象。她热切盼望着两人的婚礼，恨不得马上成为“高贵的公主”。

然而，在艾提安·巴勒松眼里， 她只不过是一个失足的少女。这种不平等的关系深深刺痛着可可·香奈儿，特别是在艾提安接待上流社会的朋友时，她只能与下人一起吃饭。

她感受到上流社会的奢靡，但是锦衣玉食的日子没过多久，香奈儿感到厌倦。 因为这样的日子，并没有给她带来满足感。于是香奈儿向艾提安开口： “我要工作 。”

因为她想要 独立的经济和人格， 艾提安第一次拒绝，并向她发了脾气。因为他只想用 物质来诱惑她， 想要她成为他古堡里的 “金丝雀” 。她的心感受到了深深的刺痛。

因为“这个世界上，如果这种生活拒绝了你，那就去寻找另一种在等待着你的生活。” 她在一段可能失 去自我的感情中转身离开。

05 勇敢追求爱情，开始自己的女装时尚事业

⑴初识

离开艾提安，她遇到了人生中的挚爱—-“男孩”亚瑟·卡柏。他 是香奈儿在赛马会 上认识的，他 英俊潇洒，睿智，深受周围人的欢迎。

和富家公子不同，他拥有丰厚的家产， 却不肆意挥霍，他热爱工作和文学 。香奈儿在马上的 飒爽英姿也 让卡柏刮目相看。因为在那个年代里，从来没有一个女子，不穿裙子，而穿着简单舒适的马裤在赛马场上驰骋。

在月光下，香奈儿向卡柏倾诉自己想到巴黎开一家女帽店的梦想。于是，香奈儿再一次 勇敢追求爱情 ，和卡柏一起到巴黎。卡柏温柔细腻，他尊重她，也明白她心里的需求，他也给她无限的激励，他耐心地教她会在社交中的生存之道， 发掘她身上的各种潜力。

⑵开始女装时尚事业

在恋人的支持下，她的女装时尚事业在马勒塞布林荫大道起步了。

香奈儿将大部分的时间都放到了工作中，她认真地学习 如何经营店铺 ，她要凭借自己的双手创造财富，想要坦然地和卡柏并肩而立。当事业一步步走上巅峰， 香奈儿终成了巴黎时尚的代表，再没有人会嘲笑她。

⑶恋人结婚

但是卡柏结婚了，新娘不是她 。那是一个宁愿砍掉自己的腿，也不离开香奈儿的男人。她以为终于遇到一个爱惜自己男人，但可笑的是，在自己需要他， 想要他给自己提供帮助的时候，他却能随时离开。

⑷失去恋人

正当她以为向爱情妥协，就会得到他的回归。在某天早上，卡柏送完香奈儿，转身驾车回去工作的时候， 发生了车祸。 最懂她的人彻底从世界上消失了。

“我失去了卡柏，我失去了一切。他留给我无尽的空虚，我这辈子都无法填满。” 卡柏走后，香奈儿爱上了黑色。她相信，黑色有一股神秘的力量，就如卡柏一样庇护着她。

06 追求完美，拥有独特的时尚感觉

⑴追求完美

“辉煌的时代，但也是衰退的时代，⋯⋯装饰抹杀了线条，过渡窒息人体，就像热带雨林的寄生虫窒息了树木。女人不过是炫耀财富、貂皮、毛丝鼠皮以及一切过于奢侈的材质的摆设”。“是我创造了让女人能生活、能呼吸、感觉舒适、看起来年轻的时尚”。

香奈儿将每一件外套都设计得极 为合身 ，又可以让女人们随意摆动手臂或者把手插进口袋里，又可以行动 很自由 。

她有着自己的天赋才华和对时尚的把握，香奈儿不会画图，她的设计完成基本就是 她亲自裁剪、手工制作，再反复修改、最终成稿。

那么多产品的设计和完成，都是 她在剪刀和一针一线之间完成， 她经常为 寻找到合适优质的面料而废寝忘食 ，她为每一件服装不停忙碌，直到身边所有人都累 得筋疲力尽， 因为她每套衣服都要调整十几次，如调整褶边、袖孔或者袖子， 直到完美地无可挑剔。

她也许会说：“这儿再做一个褶，要一个聪明利落的褶。” 有一个套装前后修改了35次，才令香奈儿满意。

⑵独特的眼光

除了有勤奋和能力，香奈儿具有独特的眼光，最善于不走寻常路，她 穿着裤装 ，像个假小子一样打扮，那时候的女人都留着长发， 她却剪短了头发，让自己散发独具一格。

成年后的香奈儿一生都在 追逐自由， 并把这种理念深刻地运用到了她的设计中。从香奈儿设计出的种种产品中可以看出她独具一格的设计风格。她知道自己有 化繁为简 的天分，所以她不断推出一款又一款的设计，让自己成 时尚标杆，从不满足，也从不止步，一直到生命的最后一天。

07 晚年重出江湖

即使在晚年的时候，隐居14年的可可重出江湖的时候，也用香奈儿 的套装引领了时尚潮流 。

无论是做为商人，还是是营销手段，都让现代的营销人也自叹不如。明星的营销效应，巴桑以及卡佩尔为香奈儿，带来了新的视野和新鲜的世界，重要的是她们还有优秀的社交人物资源。所以，第一次卡佩尔为香奈儿举办了小型的 时尚展览会，为她的事业打开了市场。

第二次也是借助他们的关系，当红的明星的一举一动都是巴黎的贵族们追崇的时尚，自从她用了香奈儿的帽子在剧中， 便一炮而红。

香奈儿果断的形势判断，在二战期间，法国经济萧条，却预测到战争不会太久，而且大批量做了很多品质优良，质感舒服，价格低廉，此举却得到了大众的拥护。那些匆忙逃离到巴黎避难的夫人们因 资金稀少，变成了价格低廉，款式新颖的拥护者。

08 卷土重来

香奈儿还拥有卷土重来的气势，在瑞士隐居了将近8年，香奈儿对很多事情也是置之不理了。迪奥开始与香奈儿竞争， 于是香奈儿又重出江湖。

树叶有话说

第一次回归的时候受到了重挫，但是她不甘心。她认为人生就是不断地冒险，失败不算什么，就是这样一个倔强的老太太，终于在一年之后重新夺回了香奈儿的霸主地位。

这是何等的荣耀，她那么倔强的尊严，都不允许它低下头来。香奈儿从来都不会太批量生产，每次都是限量生产，而且从来不会降低品质，对细节的追求更加是吹毛求疵的阶段。也正因为这种专业，使得香奈儿的品牌成为经久不衰的经典。

她活出了女性的倔强，独立，尊严。就像香奈儿5号的香气，带着香皂般干净的气味，也象征着香奈儿的精神：简约、低调的奢华。

就像与其在意别人的背弃和不善，不如经营自己的尊严和美好一样。

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