香奈儿口红怎么辨别真假

1、口红盒子不一样，仔细观看便能发现哪个是真的哪个是假的。

还是先从包装盒上入手，外包装盒子从三个角度都给了大家对比实拍了，总体看左边假货包装盒子颜色发黄，用纸显单薄，质感显得不上档次。右边正品盒子在颜色上都要显得更正，文字清晰，印刷质感强于假货。

2、管身部分的识别。

区别还是在质感上：用手拿着有明显区别，山寨货略轻，且管身上“CHANEL”字体稍粗一点点；右边正品管身“CHANEL”字体清晰，尤其字母“A”对比明显，而且正品要略显沉一些，质感好。

3、LOGO部分的辨别。

正品的标志精致程度明显比左边假货的更好。另外在大小上感觉右图的圆圈比左边的更大一些，还有标志上的磨砂假货比真货更深，但是正品比假货的要均匀一些，整体质感和精致度就比假货更强了。

4、管底部部分的对比。

一是颜色上，左边颜色淡些，右边的标则为深红；二是字体，假标上的字体要粗一些，正品的字体则较纤细；排版上也有问题，假货的文字排版比正品多了一排，在“N4”的下方还有右边的字体有点凹凸感，左边的则是光滑的。

5、管身的内壁。

内壁部分对比至少有两个不同点，一是白色塑料的内壁层厚度不同，右边的内壁明显要厚一些，右边假货的则为的单薄；二是卡扣部分，真假卡扣是两种不同的工艺，从形状上可以可出区别，假的卡扣要简易得多。

6、膏体的对比。

在膏体底座部分也有出入，左边的矮短，颜色发暗，右边底座稍高，颜色透明。

　　从一万八千年前山顶洞人的骨针，到基督教文化中亚当夏娃的无花果叶，我们人类就此开始了漫长的穿衣史。事物的发展总是物极必反。经历了几千年的穿衣史，人类终于厌倦了繁文缛节的“穿”衣，而开始了“脱”。原来的外衣被脱却；曾经是内衣的角色又变成了外衣，似乎像节肢动物的蜕皮一样。

　　1、维多利亚时代的贵妇

　　人类衣服渐渐脱去的过程相当缓慢。我们不可能想像上古的吉布森少女装（Gibsongirl）一夜之间会脱成比基尼泳装。像维多利亚时代的贵妇在穿着极不科学的紧身胸衣和大撑裙外，还须穿九件衣服和七至八条裙，若要外出还须加一件厚重的羊毛披肩和一顶插上羽毛、花朵、丝带及面纱的大帽子。据统计，体面的淑女至少背负10磅—30磅重的衣饰。我们不难想像，若将路易十六或伊利莎白一世那一件又一件的华贵衣袍都卸去，他们将会变得多么羸弱和寒碜。在这一段历史里，服装的某些功能被夸张到畸形的境地，人们把“穿”衣的行为变得如此冗长与困难。

　　2、女人也是两足动物

　　人类身上衣物的清减始于二十世纪。故事当然应该回到“衣多为贵”的穿衣史的终结，即十九世纪末与二十世纪初。但必须强调，使人类选择脱衣的绝不是衣着者们自身的主观意愿。有这样一则寓言：风和太阳打赌，说谁能让行人脱下衣服。求胜心切的风使劲鼓吹，却未能奏效，行人反而将衣服裹得更紧了。而太阳轻轻地洒下热浪，不一会行人就脱却了上衣。其实，让人类脱下衣裳的“太阳”，正是现代工业文明。人们顿悟，这么多的衣服已不适应现代气候。现代化的机器生产方式改变了人们的生活方式、价值观念乃至衣着方式。现藏于布鲁克林博物馆内的一件对襟长袍，外加长斗篷，这是二十世纪初的海水浴衣，即如今的“沙滩装”，其层次与繁琐令人咋舌，可见上世纪初人们面对脱衣问题，远比今天的想像要困难得多。当淑女们的曳地长裙刚离开地面，舆论界便戏谑道：“原来女人也是两足动物。”

　　3、夏柰尔的减法设计

　　早年的网球装是长袖衣，长裙和帽，直到第一次世界大战前，一位叫兰格林的人将网球女装的裙下摆稍稍改短，立即引起舆论界的惊呼，称为网球场的“裸腿之战”。最早的解脱应该归功于一位对东方艺术狂热的爱好者，法国时装大师，保罗波烈（PoulPoiret）。他在服装的传统与现实冲突中，率先让女人脱去了紧身胸衣（corset），那种令女性保持43cm细腰的胸衣，实际上已成为一种损害健康的枷锁。穿，原本应是在人体上进行包装，美化，但最终导致对人体的束缚。而沉重衣物褪去的历史，则一开始就从人类自己罗织的樊笼中解放人体。波烈脱去了紧身衣，却无法摆脱对华贵、浓艳的审美喜好。所以，当夏奈尔（Chanel）那种极具现代感的减法设计出现在世人面前时，波烈曾讥讽她的设计是“高级的穷相”。所谓“穷相”，无非是指夏奈尔的设计脱却了铅华，就像当时的建筑设计，完全丢弃了洛可可、新艺术运动的装饰，剩下的就是“功能”。

　　4、T恤来了

　　20世纪20年代建筑界掀起了“功能主义”（functionalism），在服装界亦表现得颇为彻底，具体而言，脱去所有浮华。事情好像倒了个儿，原来穿上的，如今脱下；原来长的，现在剪短。服装造型愈来愈简洁，裙子下摆离地愈来愈远。到二十世纪50年代，伊夫圣洛朗的名为“梯形”的成名之作，红遍巴黎。这是一款极为简洁的梯形裙，可爱的圆领，两只大口袋；没有蕾丝，没有丝带，简洁得近乎“贫寒”，但这正是一发而不可收的潮流。其实，要论解脱得彻底，当数T恤衫。近年来时装界时兴“内衣外穿”，而T恤恰是开此风气之先河。这种紧身的针织圆领衫，据说原系法国军服的内衣；又说美国马里兰安纳波利斯码头工人所穿，被美国青年当作便装穿着。特别是好莱坞影星马龙白兰度在《欲望号街车》的T恤形象，令T恤风靡全球。如今针织T恤比比皆是，成为内衣外穿最普遍的形式。

　　5、剪刀裁出迷你裙

　　二十世纪60年代无疑是服装减负史上重要的时期。一位来自威尔士的英国女子，玛丽奎恩特（MQuant），她一剪刀裁出的迷你裙，开创服装史上最短小的裙子。这种玉腿毕露的“迷你”风迅速迷倒了全世界。一方面是现代人越穿越少的态势；另方面，一位法国学者佛鲁吉尔（JCFlugel）提出了更为惊人的预见，他预言：人类终将抛弃衣服这个拐杖，回到裸体。显然目前尚难证明其预言的科学性，但在60年代一片反叛的喧嚣声中，确有一批先驱者脱光了衣服，实践了裸体。这就是当时沸沸扬扬的“裸体文化”、“天体运动”。显然，他们“脱“得太彻底。许多到过天体营的人都表示：裸体的人类身体比穿衣还无趣。

　　迷你裙趣味档案

　　历史上第一个将迷你裙推上全球流行最前线的，是设计师MaryQuant，那是1965年，也被称为Mini之年！

　　六十年代末期，迷你裙方兴未艾之际，伦敦有许多餐厅不接待穿裤装的女士，这引发人们玩起了一种颠覆成规的游戏：女孩们故意中规中矩地在迷你裙下穿上长裤，外罩长大衣，来到餐厅用餐。当门口的接待员拦住她们并为难地解释餐厅的规定时，这些大胆狂放的女子便会在众目睽睽之下，脱下长裤，交给一旁早已满脸通红的衣帽间人员，然后昂首阔步地迈入大厅，完全不理会旁人的议论与跌碎了一地的眼镜片。

　　6、爆炸比基尼

　　精简衣物的历史中最具冲击力的应该是比基尼泳装的诞生。1946年6月30日，美国在被其托管的南太平洋上的一个名为比基尼的珊瑚岛上空，引爆了和平时期的第一颗原子弹，比基尼从此震惊、闻名世界，并成为英语“耸人听闻”、“惊天动地”、“轰动效应”等词汇的同义词。在比基尼岛第一颗原子弹爆炸的第18天，法国的一位名叫路易斯瑞尔德的泳装设计师，于1946年7月18日在巴黎推出了一款由三块布和四条带子组成的泳装，这种世界上遮掩身体面积最小的泳衣，形式简便、小巧玲珑，仅用了不足30英寸布料，揉成一团可装入一只火柴盒中。这种泳装面世令世界震惊的程度不亚于那一颗原子弹爆炸。别出心裁的瑞尔德不失时机地利用比基尼岛爆炸原子弹的影响，果断命名这种两片三点式泳衣为“比基尼”。在这种泳装出现之始，地中海沿岸国家视其为瘟疫；意大利明令禁止；西班牙海岸警卫队驱逐穿比基尼泳装者；甚至美国也曾为比基尼抓过人。

　　7、内衣外穿潮流

　　二十世纪80年代，一批前卫的时装设计师决定混淆内外衣的界定，这就是“内衣外穿“的潮流。这是一个大胆、蛊惑的年代。美国著名歌手麦当娜在其巡回演唱的舞台装完全以内衣表现，该片在1991年戛纳影展时，麦当娜穿着纯白丝胸罩与束裤出席，着实是对以往传统服装观的彻底反叛与藐视。

　　8、淡极始知花更艳

　　这样到了上个世纪90年代。当巴黎、米兰或纽约的时装大师再一次剪短上衣的下摆，使女士露出了肚脐时，舆论不再惊讶。同样，当T型台上的模特穿着透露的时装时，仿佛人类的衣服又被脱去半层皮，再次显示了人们对衣服的眷恋与困惑。倒是一位来自德国汉堡的姑娘，以其品牌JILSANDER，旗帜鲜明地树起90年代的简约主义。这种风格为纷繁的世纪之末抹上了极淡极雅的一笔。回首百年，我们不难看出：从穿到脱，这不只是简单的衣着行为的逆行，而是现代人类社会发展的必然。

　　比基尼女人的态度

　　BBright欢乐的，闪亮的

　　IInternational国际化的，世界性的

　　Kknowing知性的，智慧的

　　IInternational国际化的，世界性的

　　NNature自然的，本性的

　　IInternational国际化的，世界性的

　　这里，比基尼只是比基尼女人的态度：B-I-K-I-N-I。

时尚 大牌就是女人们的半个江山

而在江山背后执掌的便是那些大牌的 时尚 总监们

他们或灵动肆意，或崇尚自然

而他们的设计理念

推动了整个叱咤风云的 时尚 界

谈起香奈儿人们的第一直觉是永远高雅、简洁、精美的风格。Coco Chanel的格言“风格永存”，简洁优雅的基因一直流淌在香奈儿的品牌血液里。

NO1

Coco Chanel

在五花大绑中解放女性身体

说Coco Chanel一手主导了二十世纪前半叶女人的风格、姿态和生活方式并不为过。

她善于突破传统，早40年代就成功地将“五花大绑”的女装推向简单、舒适。

维多利亚风格/爱德华时代女性着装

香奈儿所设计的女装

Chanel提供了具有解放意义的自由和选择 ， 将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。

抛弃紧身束腰、鲸骨裙箍，提倡肩背式皮包与织品套装。

无论是带有强烈男性元素的运动服饰、两件式的斜纹软呢套装、打破旧有价值观的人造珠宝、带有浓郁女性主义色彩的山茶花图腾，都能展现出屡屡挑战旧有体制创造出来的新的 时尚 。

NO2

Karl Lagerfeld

加入年轻元素，崇尚优雅自然

Coco Chanel逝世后Chanel萧条许久，墨守成规持续消磨着昔日 时尚 巨头的活力。直到1983年德国设计师卡尔·拉格菲尔德成为香奈儿品牌的总设计师，将香奈儿的时装推向另一个高峰。

卡尔·拉格菲尔德被称为时装界的凯撒大帝。

他提倡复古摩登美学， 在保持香奈儿简朴优雅风格的前提下增添活泼趣味，使之变得更加年轻、现代和成熟。

卡尔拉格菲尔有着自由、任意和轻松的设计心态，他将原来的黑色、米色等无彩色系转变为艳丽色调，并缩短裙长以露出膝盖。

摇滚、运动等元素的注入使他在貌似原汁原味的同时带入自己的风格，让人耳目一新。他总把两种对立的艺术品感觉统一在设计中，既奔放又端庄如神来之笔。

另一个不得不说的便是新颖的秀场主题与别具匠心的布景。无需多言，只需回顾历年秀场设计就可以感受到堪称大型艺术表演的Chanel秀场。

Gucci建立于1921年，经历三代人的血雨腥风，在1995年结束家族经营模式。彼时Gucci陷入家族内部争斗市场份额大幅缩减，品牌形象急需整顿。

NO1

Tom Ford

将性感带入慵懒

1994年Gucci迎来了品牌史上的重要关键人物—设计师Tom Ford。

Tom Ford入主Gucci后大胆地赋予了品牌崭新的摩登性感形象，展现恰到好处的慵懒与颓废面貌。

此外，他亦更新了品牌的广告策略，以充满争议的性暗示氛围，紧抓话题焦点，重塑了品牌的市场定位，不但扭转了当时所面临的销售困境，让原本走在衰亡之路上的Gucci起死回生，一跃成为当时举足轻重的摩登代表。

NO2

Frida Giannini

将gucci带入优雅时代

设计师Frida Giannini于1995年正式执掌Gucci，并且带领Gucci迈向了下一个十年，这段时间被大家称为优雅时代。

Frida原先是Gucci配饰设计师，擅长以女性视角优雅诠释品牌 历史 中的瑰丽经典。

马衔链、双G Logo图腾和红绿直纹饰带，于她的设计中一再被翻玩；女人味十足的衣型线条则留有Tom Ford时期的现代、性感。

NO3

Alessandro Michele

复古文艺，大胆反叛，推广极繁主义

Alessandro Michele颠覆了大众以往对Gucci的认知。

就像是Michele在笔记中谈到的：“每件服装都颤动着智识的张力，抗衡着制式。这是一场对墨守成规的反叛，争取差异是种不可剥夺的权利。”

Michele对时装设计的概念更像是他信手拈来的灵感剪贴板，充满趣味性与各种可能。

过去成熟的风格被年轻的设计取代，复古、文艺、超现实甚至古怪的气息则萦绕于每一季作品中，而极繁主义的表现手法也愈演愈烈。

其复古美学的主张备受千禧一代追捧，属于Gucci的新时代自此在时装界诗人Alessandro Michele的带领下华丽展开。

NO1

Hubert de Givenchy

赫本风，优雅永存

1952年2月2日Hubert de Givenchy首度在巴黎推出个人的作品发表会。

在这场以白色棉布为主，辅以典雅刺绣与华丽珠饰的时装展中，他的创意才华令在场人士惊艳不已，同时也奠定了纪梵希在时装界的尊崇形象。

几十年来品牌一直以“优雅的风格”而著称于世。

NO2

Riccardo Tisci

加入混合元素，追求年轻时髦

Riccardo Tisci于2005年赴任，并放弃了他的几位前任的高调的奇幻设计。Riccardo Tisci主张精致的剪裁，数码印花以及宗教元素等等。

他钟爱动物及动物纹路，如2010春夏的斑马纹，2011春夏的豹纹，还是2011秋冬的罗威纳犬，2013秋冬的杜宾犬；他也让铆钉元素大放异彩，让纪梵希成为年轻消费者的宠儿。

NO3

Clare Waight Keller

回归优雅细致，简洁大方

2017年英国设计师 Clare Waight Keller 从 Chloé 跳槽到Givenchy，成为纪梵希的第一位女性艺术总监。

她接手了男装和女装，并在2018年1月推出她入行以来第一个高级定制时装系列，使Givenchy时隔八年重回时装周。

Clare主张去街头化，将纪梵希一如既往的优雅与自身偏爱的简洁风格结合，主张细致设计与精心剪裁，以极简彰显女性的优雅，推出一系列惊艳之作。

时间退役她得到来自皇室的认可——为梅根·马克尔和哈利王子的婚礼设计婚纱。

NO1

Christian Dior

经典New Look的诞生

1947年Christian Dior推出第一个时装系列， 名为“新风貌”（New Look）旨在重建战后女性美感。

该风格打破了第二次世界大战后女装保守古板的线条，Dior改进裙长为不再曳地，并强调女性隆胸丰臀、腰肢纤细、肩形柔美的曲线，打造沙漏裙。

随后又在1951年用硬衬布设计出椭圆形的廓形，在1953年推出郁金香造型，1954年推出垂直造型。

NO2

Yves Saint Laurent

打造别致廓形，加入异国元素

1957年到1960年1958年的首次时装秀就展示了带有窄肩设计的及膝摇摆裙，并将该廓形称为梯形线条。

同时圣洛朗热爱东方异域文化，将不同的民族元素带入Dior的设计中去。

NO3

Marc Bohan

飘逸感材质和花卉元素，展现性感魅力

Marc Bohan是Dior任职最长的服装设计师，1961年Yves Saint Laurent入伍Marc Bohan临危受命为Dior设计总监，直到1988年。

他擅长使用具有飘逸感的材质和立体感的花卉元素来展现女性的性感魅力。

NO4

Gianfranco Ferre

大气廓形，优雅性感

Gianfranco Ferre将简约大气的廓形裁剪带入Dior品牌, 他钟爱夸张的领型、袖口以及蝴蝶结结构来装点女性着装，为Dior带来一种冷峻而又不失优雅性感的魅力。

他所设计的系列在花花公子和文艺复兴时期做出了巨大贡献。

NO5

John Galliano

将优雅大方的“new look”转为狂野奢华

1996年到2011年“海盗爷”John Galliano担任Dior设计总监，将优雅大方的“new look”转为狂野奢华。

在品牌年轻化的驱动下，海盗 爷 吸取东方风格与英伦狂野 ，贯穿整个设计时期的惊险、戏剧、疯狂与大胆为Dior打造不可复制的辉煌。

2004年的秋冬高级定制系列中，John Galliano复现辉煌浮华的维多利亚时期，夸张的羊腿袖、宫廷印花、宝石珠宝纷纷登台，模特甚至被加冕带上女王头冠，奢华至极。

风靡多年 时尚 不减的马鞍包也是John Galliano的杰作。

NO6

Bill Gaytten

层次细腻，精于调和

相对于John Galliano原有的张狂和戏剧感染力，Bill Gaytten的设计更具商业吸引力，他注重对于细腻的层次效果以及轻薄材质间的拿捏，将素雅与性感相调和。

NO7

Raf Simons

重回庄重优雅时代

Raf Simons更推崇极简风格和实用主义，让Dior的风格回归最初的优雅和庄重，同时增添了现代女性的摩登感。

他将品牌回溯到Dior先生的时代，将花卉、纤细腰型等DNA元素重新带入到年轻群体的 时尚 消费，简约廓形搭配魅力细节的设计手法以及柔和配色，为Dior增添了几分仙气。

NO1

Yves Saint Laurent

打破女性禁忌，大胆启用中性风

反叛、大胆，甚至惊世骇俗是大众对圣罗兰的初印象。

不论是为香水取名black opium还是启用黑人模特，又或者推出世界上第一支真正意义上的纯口红，都宣扬着他的特立独行。

他既师承法国高级时装的精髓，也勾勒出以全球流行文化为灵感的更现代的时装设计，创作出蒙德里安裙、波普风、吸烟装等一系列经典。

他鼓励女性打破禁忌，大胆释放自己，寻找属于自己的风格。

Yves Saint Laurent说： “Chanel解放了女性，而我赋予她们权力。”

NO2

Hedi Slimane

前卫摇滚，暗黑反叛

2012年Hedi Slimane担任YSL男装的创意总监。他大刀阔斧地把Yevs Saint Laurent改成了Saint Laurent Paris，虽然得到了品牌的支持，但也引来了很多不满。

他在四年任期内的前卫做法推动了品牌的摇滚精神，并复兴了其高定时装系列。

星星、亮片、格纹、皮裤、机车夹克和渔网袜这些鲜明的标志与YSL传统风格的结合使设计更加贴合千禧一代，颓废反叛的摇滚青年形象帮助品牌全面年轻化。

NO3

Anthony Vaccarello

强势性感，致敬经典符号

Hedi离开后接任YSL的是毕业于比利时La Cambre设计学院的时装设计师Anthony Vaccarello。

他的作品中更多的是一种意大利时装般的强势和性感 。他在廓形上追求结构的严谨和贴合身材的版型，黑色则是他最爱运用的颜色。

不同于Hedi的激烈与张扬，Anthony的作品细腻丰富，裁剪精良，追求法式时髦。

皮质胸衣、经典的smoking、80年代风格的夸张肩部设计以及恰到好处的裸露，无一不是对品牌经典符号的致敬，因而有 时尚 评论家称赞“Yves回来了”。

Jonathan Anderson

英式矜持，中性美学

2013年Jonathan Anderson出任Loewe创意总监。

在他的带领下，罗意威重新定义了其延续了168年之久的传统手工艺和创新精神，在保留传统的基础上以崭新的面貌开启品牌的未来。

罗意威以制作顶级皮件闻名全球，其产品一直受早期占领西班牙的阿拉伯人传统风格影响。

如今在Jonathan Anderson的创意指导之下，罗意威自创立以来的核心价值——工艺、创新及无与伦比的皮革制作工艺得到了重新演绎，并将现代 时尚 与文化意识融入其中。

Anderson首先将Loewe的logo进行改造，使其变得更骨感、轻灵与 时尚 。

紧接着他又推出了一款由40块顶级头层皮拼接成的Puzzle Bag，让他奠定了在罗意威无法撼动的 时尚 地位，也让罗意威真正的起死回生。

Anderson凭借天马行空的想象和中性美学理念弥补了Loewe成衣上的短板。西班牙传统风格的明快热烈与英式矜持碰撞，迸发出新的活力。

Anderson坚信性别区分的存在不应该束缚衣服本身，男女服饰也不应该存在有清楚的界限，衣服最终是服务人本身。

而从2013年起，Loewe的广告大片基本以“二重奏”的双人组呈现，一男一女，或者似男似女，均诠释相近或者同样的时装，开启了Loewe的中性时代。

Anderson手中的Loewe是联系了“过去、现在与未来”的思路，是保留了其皮具匠心的，虽然存在了不少变化，但是Loewe的品牌精神一直都在。

Phoebe Philo

极简主义，干练冷静

有句话这样说——“Chloe girl是半熟女孩必经之路，Celine women才是摩登女郎终极目标。”

Chloe

Phoebe Philo担任Celine创意总监的时期成功地将Celine打造成一个sophisticated摩登酷女人的品牌形象，将极简穿搭和实用主义带向新高度。

正如Phoebe对自己风格的定位——"Powerful and Strong—a kind of contemporary minimalism"。Phoebe着眼女性的力量与强壮，以干净的裁剪、大廓形、冷静展现出一种现代极简主义风格。

利落干练、色彩细腻、不失棱角，Phoebe Philo执掌Celine的时期所塑造的风格被称为极简十年时代——也是Celine的黄金十年。

Maria Grazia Chiuri

& Pierpaolo Piccioli

浪漫复古，仙气十足

2008年Maria Grazia Chiuri 与 Pierpaolo Piccioli作为黄金搭档被任命为 Valentino的联合创意总监。

他们的设计轻盈、优雅、充满文艺复兴式的浪漫色彩，一直带着仙境般的浪漫和富有张力的设计风格。二人对薄纱、刺绣、纹饰等元素的运用得心应手，工艺之美干净纯粹。

看了这么多“兴风作浪”的创意总监

与他们的高光时刻，

你有没有钟意的风格呢？

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