求“对古典音乐的认识”论文一篇

写作思路及要点：结合实际完成小论文

正文：

古典音乐 ，是音乐的一种类型。古典音乐有广义、狭义之分。广义是指那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

狭义指古典主义时期，1750年（J·S·巴赫去世）至1827年（贝多芬去世)，这一时期为古典主义音乐时期，它包含了两大时间段：“前古典时期”和“维也纳古典时期”。“最为著名的维也纳乐派也是在“维也纳古典时期”兴起，其代表作曲家有海顿、莫扎特和贝多芬，被后世称为“维也纳三杰”。

所谓古典，其实就是指西方自文艺复兴以后至我们所在年代前五十年作品的总和。古典音乐里的这个古典和“古典时期”的古典二字完全不一样。古典音乐，已经是一个文化范畴的概念。

是西方并逐步意味着全球的主流音乐的一部分。确实如此，时至今日，西方古典音乐如同摩天大厦，而它周边的是大片没有影响力的小房子。前后的差距使西方古典音乐已经可以用全球主流音乐，乃至为主流文化的代名词了。古典两字已经不代表时间或者历史性，而是一个文化概念。

但无论它如何强大，作为并非古典音乐原发地文化的我们，对古典音乐也不能盲目接纳。我个人认为，称之为音乐的东西，应该有这些特征：

具有优美或者奇特的旋律，具有崇高的情感力量或者神秘情感的隐藏能力，带来愉悦或者引发思考。能符合这些特征的，我才称它为音乐或者古典音乐（有别于流行或者现代音乐）。

所以，我喜欢上古典音乐，就是因为那些旋律和情感，最早给它打动的，是十几年前开始留意听古典时，被柴可夫斯基的《斯拉夫进行曲》吸引，开始喜欢上古典。之后，阶段性断断续续地有去听，但都不系统，一直到现在。

不过，作为古典音乐，如果要了解其大致全貌，是比较困难的，因为我们都是业余人士，非专业者那样用时间去欣赏。古典音乐是需要一定“训练”才能欣赏的音乐。这种训练包括对音乐原理，乐器，音乐发展的历史，对作家本人，甚至对演绎的艺术家指挥家都要了解一些。

古典音乐来源于早期宗教的需要，文艺复兴之前，音乐主要是教堂祢撒，比如圣格列高利咏叹。换言之，音乐最早的形式是“声乐”，为何是声乐？因为来自人的声音，才是这世界上最原始，也最能打动人的声音，所以也是最好的“音乐”。当然，那年代器乐确实还没有发展起来。

事实上，现在重新听文艺复兴时期的帕克斯特里纳的圣颂合唱，依然具有恒久的魅力，如果你听古典或者浪漫久了，不妨试试去听他的作品。宗教音乐来自这些当年虔诚的信徒之手，来的更简单纯朴又具有情感。

他们对后人影响巨大，后世的伟大作品里都有他们的影子（比如亨德尔的祢赛亚，巴赫的B小调祢撒，贝多芬的庄重祢撒，柏辽兹的以利亚到现代布列顿的战争安魂曲）

了解古典音乐的源头，就等于明白音乐最基本的特征（或者基本“硬件”）就是要有优美旋律和崇高情感。没有这些要素，再伟大的作品，也不是我需要的，当然没有一部伟大作品里没有旋律和情感。又或者说，旋律是一个广义，文艺复兴的音乐几乎“见不到旋律”，只有节奏。

从斯拉夫进行曲开始，到格里格的皮尔金特组曲，到斯美塔纳的伏瓦塔河，我充分感受到音乐的美。我尚且不知道他们来自何方，何许人也，甚至不了解他们的作品的名字。我没有被那些比他们更“流行’的贝3，5，9打动多少前，就喜欢上这些优美旋律的作品。

扩展资料：

古典音乐儿童教育：

1、古典音乐可以养成儿童高尚的情操和博爱的情怀

古典音乐是美的艺术，是对自然、宇宙、生命美的赞叹，是人类心灵深处智慧和人格的流露，它蕴含着人性的柔美和天地的壮阔，喜欢古典音乐就是崇尚智慧的卓越和人格的高尚。

2、古典音乐可以促进儿童心灵的健康

音乐是情感的艺术，古典音乐中所具有的优美的旋律、丰富的情感和缓急有序的节奏，能与儿童内心的情感产生共鸣，并随着音乐的节奏舞之、蹈之，因此而身心愉悦、舒展、健康。

3、古典音乐可以开启儿童的想象力和创造力

古典音乐不仅是声音的艺术，而且也是灵性的艺术，丰富的音乐语言是人类理性和情感的最抽象表达。可以弥补语言文字教育和科学教育的不足，启迪和拓展儿童时间和空间的观念，从而培养儿童非凡的想象力和创造力。

4、古典音乐可以培养儿童的直觉能力

音乐是直觉的艺术。音乐之所以是直觉的艺术是因为音乐直接理解和抽象表达自然、宇宙、生命内在和谐的规律，科学所要求的素质正是表现在对这种和谐规律的敏感和把握，这就是科学的直觉，它与音乐是相通的。古典音乐是开启儿童直觉能力最好的方法之一。

　　爱的罗曼史　　高山流水阿。　　广陵散。　　叹。　　很复古的　　抒情的：　　你可以试试　　肖邦的小调的华尔兹比如a小调e小调b小调的十五号B小调　　激动的：C小调华丽大圆舞曲　　贝多芬的大都偏热血沸腾的：　　有67号命运（不是大家都知道那个）降E大调第三交响乐55号舒缓的有F大调第六交响乐68号　　严肃的庄严的：D大调第九交响乐125号　　活泼的：F大调第八93号　　拉赫马尼诺夫？老柴？歌剧？我是歌剧专业的　　开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。　　我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。　　《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获影片。这部**重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（**为了个性鲜明和矛盾的突出，了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么不自己这样的天赋。　　而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的和控制。　　还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。有无奈，有，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说怎会有如此悲伤的旋律！　　好听的**背景音乐可以说贝多芬始终是一个与命运的人。由于他长得丑，几次被心爱的女人，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是的宠儿。在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。　　后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。　　同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲——德沃夏克的《新》。尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

汉诺威音乐学院是全世界排名前10的音乐学院，在此深造的不仅仅有大家都知道的钢琴王子李云迪，中国人还有15岁的钢琴天才沈文裕，台湾的钢琴神通严俊杰、陈淑伟等等。它的键盘专业在世界上可以说无人能出其右，钢琴专业里面有四五位世界著名的大师，譬如李云迪的老师Arie Vardi，沈文裕的老师 Karl-Heinz Kämmerling（他是该校仅有的两个获得联邦德国总统勋章荣誉的教授之一，另一个是手风琴专业的Elsbeth Moser教授，是一个很疯狂的女人），严俊杰的老师Vladimir Kranjew 等等。其中多人还是世界著名钢琴大赛如老柴、拉赫马尼洛夫的评委会主席。汉诺威的手风琴、弦乐、管乐等都享有世界声誉。相对而言，它的戏剧类比如声乐、舞蹈等不是很出色。对了，我国上海音乐学院杨立青院长即是汉诺威音乐院的钢琴硕士兼作曲博士。

正因为汉诺威院大师林立，因此也是人才辈出。比如说，在某年的肖邦大赛中进入决赛的前六名中，来自汉诺威的就占了三个名额。再比如沈文裕参加的伊丽莎白大赛，前三名全被汉诺威音乐学院包揽。在国际大赛中，奖项被汉诺威音乐学院包揽的事情经常发生。

　　汉诺威音乐学院不大，最早成立于19世纪，1950年音乐和戏剧合并在一起，其实他的全名硬挨是汉诺威音乐戏剧学院，目前学生只有1400多人，350名来自世界各地的教师。学院由大大小小近30个专业组成。其学位制度也已经从以前的德国传统的Diplom学制改为现在的Bachelor和muster学制。舞台表演专业来说比如所有器乐，其最高的头衔是Diplom(Solo)，即演奏家头衔。该院还设有我们平时所谓的少年班，招手的全是如沈文裕一般的音乐天才。

(出自于博客 德国音乐之路)

如果你要老柴的小提琴协奏曲，我可以发一个给你。

巴赫：G弦上的咏叹调 、勃兰登堡协奏曲

亨德尔：皇家烟火音乐、弥塞亚、D大调第五号大协奏曲、G小调第六号大协奏曲、C大调大协奏曲“亚历山大的盛宴”、水上音乐

海顿：创世纪（咏叹调与合唱）、好多交响曲、奏鸣曲（我也不记得多少部了）

维瓦尔第：小提琴协奏曲《四季》（其中《春》第一乐章最有名）

贝多芬：九首交响乐（当然三“英雄”、五“命运”、六“田园”最著名啦）、小提琴奏鸣曲“春天”“克鲁采”、D小调小提琴协奏曲（四大小提琴协奏曲之一）

莫扎特：第20、21、23、27钢琴协奏曲（20、21的第二乐章优美……唯美）、第40、41交响乐、弦乐小夜曲（共四个乐章，都很熟悉的）、D小调幻想曲、魔笛、费加罗的婚礼（序曲很好听）

舒伯特：A大调五重奏“鳟鱼”（第三乐章“幽默曲”最有名）、D小调第十四弦乐四重奏“死神与少女”

柏辽兹：幻想交响曲（第二乐章四把竖琴绝无仅有）

门德尔松：仲夏夜之梦（有熟悉的婚礼进行曲）、E大调小提琴协奏曲（三个乐章都很有名，四大小提琴协奏曲之一）

勃拉姆斯：第一（又称“贝多芬第十交响曲”，第四乐章旋律模仿欢乐颂）、二、三、四交响曲

肖邦：19首夜曲（前三首最著名）、第一叙事曲、4首即兴曲、多首诙谐曲、多首圆舞曲、多首大圆舞曲（有名波兰舞曲、波罗乃兹）、升C小调幻想即兴曲、多首练习曲、第一第二钢琴协奏曲（第一协奏曲的第二乐章柔美至极，唯美）

舒曼：童年情景（第七首“梦幻曲”最经典，还有“竹马游戏”、“在火炉边”等）、狂欢节

李斯特：匈牙利狂想曲（第二、第六首较有名）、钟、爱之梦、献辞、E大调第一钢琴协奏曲（很特别，加入诙谐曲）、B小调钢琴奏鸣曲、旅行年代（欧贝曼山谷、埃斯特哈奇庄园的喷泉）

柴可夫斯基：第一钢琴协奏曲、天鹅湖（推荐：圆舞曲、四小天鹅）、胡桃夹子（推荐：花之圆舞曲、糖梅仙子之舞）、睡美人（推荐：玫瑰柔板）、第六交响曲“悲怆”（每个乐章都令人难忘）、钢琴套曲《四季》（“六月”船歌最经典）、如歌的行板、弦乐小夜曲

德沃夏克：第九交响曲“自新大陆”（第二乐章很著名、其他三个乐章也很熟悉）、斯拉夫舞曲

德彪西：夜曲、大海、牧神午后（根据象征派作家马拉美同名作改编）

拉威尔：鹅妈妈组曲、波莱罗 、茨冈

斯美塔那：我的祖国（第二乐章“伏尔塔瓦河”很有名）、被出卖的新娘

格里格：A小调钢琴协奏曲、培尔·金特组曲（较著名的有晨曲、阿尼特拉舞曲、在山神庙、索尔维格之歌）

西贝柳斯：芬兰颂、悲伤圆舞曲、小提琴协奏曲

拉赫马尼诺夫：帕格尼尼狂想曲（变奏18较著名）、第二钢琴协奏曲（第二乐章很美）

里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭（小提琴主题伴随四个乐章）、西班牙随想曲

圣桑：动物狂欢节（其中“天鹅”最著名）

小约翰·施特劳斯：蓝色多瑙河圆舞曲、蝙蝠序曲、春之声圆舞曲、维也纳森林故事圆舞曲、埃及进行曲、皇帝圆舞曲、电闪雷鸣波尔卡、南方的玫瑰圆舞曲、前进波尔卡、安锐波尔卡、拨弦波尔卡（与约瑟夫·施特劳斯共同创作）、吉卜塞男爵、晨报圆舞曲、维也纳糖果圆舞曲、维也纳气质圆舞曲、天佑皇帝约瑟夫一世万岁进行曲（有德国国歌片段）、游览列车波尔卡、享受生活圆舞曲、爆炸波尔卡、你和你圆舞曲、柠檬树花开何处圆舞曲、音乐美酒和女人圆舞曲、艺术家生涯圆舞曲、闲聊波尔卡、奥菲欧四对舞

约瑟夫·施特劳斯：奥地利村燕圆舞曲、水彩画圆舞曲、无忧无虑快速波尔卡、小磨房波尔卡

老约翰·施特劳斯：拉德茨基进行曲、中国人加洛普

瓦格纳：漂泊的荷兰人（前奏曲）、罗恩格林（第一幕序曲）、纽伦堡的名歌手（序曲）、帕西法尔（序曲、圣星期五的奇迹）、汤豪舍（前奏曲）

马勒：第一进行曲、旅行者之歌（声乐套曲，古斯塔夫·马勒作词）

R斯特劳斯：查拉图斯特拉如是说 作品30（开头被选为一**配乐）、唐璜 作品20 、梯尔·艾伦斯皮格尔的恶作剧 作品28

法雅：爱情魔术师

布鲁克纳：第四交响曲（降E大调“浪漫”）

普罗科菲耶夫：罗密欧与朱丽叶（芭蕾舞剧选曲）

埃尔加：小提琴小品爱的致意（又称爱的礼赞）、威仪堂堂进行曲、新颖主题变奏曲“谜语”

霍尔斯特：行星组曲（“木星”乐章很著名的！熟悉的旋律在三分十五秒出现）

穆拉文斯基生于一个贵族家庭，家族的先人们曾在拿破仑战争中为沙皇效过力。穆拉文斯基家族有音乐传统，他的姑妈，耶夫金尼娅 姆拉文娜曾是马琳斯基歌剧院的首席女高音，在里姆斯基哥萨克夫的一部歌剧首演时担当女主角，曾经令得柴可夫斯基嫉妒十分。因为姑妈的身份，六岁的穆拉文斯基常有机会去马琳斯基歌剧院观看演出。据说他是在埃米尔 库帕的指挥棒的激励下走上指挥之路的。

布尔什维克革命时期，贵族的家庭成员被禁止进入音乐学院学习。穆拉文斯基的另一个姑妈，亚利山德拉·寇隆苔（ALEXSANDRA KOLLONTAI）是革命政府的福利部长，她向亚历山大·格拉祖诺夫（ALEXSANDER GLAZUNOV）推荐了她的侄儿，穆拉文斯基才能够被“保送”进入音乐学院学习。师从尼古拉·玛尔寇（NIKOLAI MALKO）和亚历山大·高克（ALEXSANDER GAUK）。高克培育出了整整一代的指挥家， 他的老师是亚瑟·尼基什（ARTHUR NIKISCH）。 穆拉文斯基的音乐指挥生涯始于马林斯基歌剧院，马琳斯基歌剧院后来被重新命名为国家歌剧舞剧学院大剧院。一九三一年夏天音乐学院毕业后，他首次亮相就与列宁格勒爱乐交响乐团合作。一九三四年之后，他常到乐团担任客座指挥。一九三七和一九三八年音乐季的开幕式上他被委以指挥的重任；该音乐季的晚些时候，时值斯大林肃反运动的高峰，他首演了肖斯塔科维奇的第五交响曲。此次音乐会意义非同凡响，对观众来说，肖斯塔科维奇的第五交响曲是在描述他们的生活，他们的经历和他们内心的恐惧。由于当时肖斯塔科维奇受到报纸头版的指责，演出他的曲目似乎是在要求穆拉文斯基为其平反并使其得以新生，成功与否，就看穆拉文斯基如何指挥了。演出取得了巨大的成功，观众群情激昂。曲目进行到广板的时候，男人和女人们都放声哭了。曲近结束，观众们再也坐不住，他们站起来，跟随着穆拉文斯基的指挥棒在头顶挥动的节拍，用暴风骤雨般的掌声和乐队一起完成了曲目最后的音符。

我们应该感谢他二十世纪五十年代中期的巡回演出和录音，直到那时，穆拉文斯基才被西方所了解（虽然他只有一次造访过英国和美国）。他对乐团巡回演出时的要求十分简单：“在外演出应该比在家好。”他的许多录音大都是巡回演出的实况录音；在布达佩斯演出了巴托克，在柏林演出了勃拉姆斯和贝多芬，在维也纳演出了莫扎特和布鲁克纳。然而，一九五六年出访时演奏的柴可夫斯基交响曲是他被公认最好的诠释。 彼得 赫沃兹（PETER HEYWORTH）在观察家报上如是说：“他的解读带有超常的力量和激情… 一种在西方的诠释里找不到的令人叹服的宏大。”维也纳日报报道说：“列宁格勒爱乐乐团是最高级别的乐团… 耶夫捷尼·穆拉文斯基是这个乐团的伟大的指挥和导师。”正是在这种气氛下，德意志留声机（DEUTSCHE GRAMOPHON）唱片公司为穆拉文斯基录制了柴可夫斯基的交响曲。穆拉文斯基是无法比拟的，其他的录音相比之下显得缺少悲凉感，力量感，情绪的把握尺度和令人折服的才能。 穆拉文斯基现存的录音大都为现场录音。他演奏的莫扎特，贝多芬，勃拉姆斯或西贝柳斯让我们能更加清楚地了解他对音乐制作的用心良苦。听者仿佛觉得自己置身于整个的创造过程之中，如同在欣赏一个前无古人，后无来者的音乐一般。当然，一九三八年到一九六一年期间，穆拉文斯基也在录音棚里录音，但他却始终认为给现场的听众演出是神圣的，录音棚出来的音乐在听众与乐队之间横着一个不受欢迎的障碍。

那么，他的音乐会又是如何呢？罗杰斯特文斯基（GENNADY ROZHDESTVENSKY）回忆起在斯克里亚宾的狂喜之诗的争战之后观看穆拉文斯基的演出时的情景时说：“情绪酝酿渐入结局的时候，我情不自禁地站了起来，在这个辉煌而且震撼的高潮中，一种莫可名状的喜悦油然而生。”

一位听过穆拉文斯基现场的音乐学院的教师－爱拉 芭露察埃娃回忆当年在列宁格勒现场聆听穆拉文斯基指挥的柴可夫斯基的《胡桃夹子》套曲时说：“这简直整个是个全新的曲目呀！效果太震撼了！”

关于布鲁克纳的第九交响曲，她说：“这个伟大的柔板令我周围的听众泪流满面。”每一次演出都有不同的解析，穆拉文斯基的一位学生，马理斯 杨森斯 （MARRIS JANSONS）曾这样描述说：“我听过三种完全不同诠释的第五交响曲。”（注：肖斯塔科维奇的作品）

穆拉文斯基的协奏曲录音并不多，最常见的两首协奏曲目是柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》和肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》。穆拉文斯基一共留下了三个柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》录音，分别是同谢列布里亚科夫（5316）、里赫特（59724）和吉列尔斯（71330）。则其中最为人所熟知的是同里赫特合作的录音。这款录音多次出版（目前已经有超过80款出版），是穆拉文斯基发行最多的唱片。穆拉文斯基是肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》的首演指挥（同奥伊斯特拉赫合作），对这部作品的演绎具有天生的权威性。目前已知穆拉文斯基有两款肖斯塔科维奇《第一小提琴协奏曲》录音，都是同奥伊斯特拉赫合作。一款录制于561130，乐队是列宁格勒爱乐。这款录音效果比较差，更好的选择是575月在布拉格的录音，乐队是捷克爱乐。Praga PR 256012收录了这一录音。 穆拉文斯基与肖斯塔科维奇交往甚密。第五交响曲取得成功之后，第六和其他一些交响曲的首演都交给了穆拉文斯基。虽然穆拉文斯基没有在首演指挥肖斯塔科维奇的第七，第十一和第十五交响曲，但肖斯塔科维奇说穆拉文斯基指挥的那些曲目才是“真正的”首演。他们之间的友谊使得穆拉文斯基能够深入地探察到作曲家的创作心理过程，与其说穆拉文斯基能够诠释作曲家的作品，不如说他是该世纪最富有悲剧性交响曲的共同创作人之一。

穆拉文斯基崇拜肖斯塔科维奇，他把肖斯塔科维奇的作品当作他事业的最重要的一个部分。后来根据资料发现，穆拉文斯基的妻子患有不治之症，将不久于人世，穆拉文斯基在三年的时间里没有做巡回演出，并谢绝了肖斯塔科维奇第十三交响曲的首演。 穆拉文斯基的指挥风格与弗里兹·莱纳（FRITZ REINER）或乔治·塞尔（GEORGE SZELL）有些近似，不矫柔造作，注重细节并且指挥的动作很小。因为力度表现的灵活性和声音的平衡，他的指挥而与众不同。有时候很直接并且严厉，由于乐曲中哲学的线索使得说服力极强。

穆拉文斯基被认为是个疯狂的排练者，即便是很熟悉的曲目，他也要排练八到十次。有时，他花了整整一年的时间研究一个曲目，最终他还是放弃演出。 1960年9-11月间，出访西欧的穆拉文斯基在伦敦的温布里镇为DG公司录制了老柴的后三部交响曲，唱片史的老柴一章却因此翻开了辉煌一页。

这套双CD唱片收录俄罗斯指挥大师穆拉文斯基指挥列宁格勒爱乐乐团演奏的柴可夫斯基第4、5、6交响曲——这个版本本公认是正宗原汁原味的俄罗斯演绎，令无数人趋之若骛。

CD时代，三首作品做成两张套正价片成为DG的镇山之宝，它的封面绿色一片，淡淡的穆氏侧面肖像浮雕般泛出庄严和沉静。有一点是可以肯定的，这套唱片创下了穆氏录音的音效之最，甚至连他80年代在ERATO的那些唱片都无法匹敌，而且，60年代的列宁格勒爱乐无疑正处于颠峰期。冷战武器恰恰依赖于对手的技术获得完美再现，其中寓意颇为深远。

如果把这套唱片一口气听下来，你也许会同意，它毋宁说是一部宏大的连成一体的巨型交响曲，激烈、严酷的凌驾于乐队之上的铜管呈现，乐队的外形不是上扬而是水平的铺展，音调的宽阔柔厚几近人声，速度、强弱、节奏的变化惊人的自如而迅猛。

那种风格高度统一的演奏，很自然地使人想到，老柴以呈现内心世界矛盾为要旨的后三部交响曲，乃是一个同质不同形的心灵投影的三重叠加，第四里狂暴的命运击打顺利地被转移，第五里的命运消解相对阴郁无望，自我排解的味道浓了，第六则是夸张到极点的第三次书写，惊天动地的挣扎成了这次书写的主导印记，整个三部曲构成一个神经质的理想主义者的幻灭之路，但其惊人的雄强和紧迫，让幻灭如此靠近崇高，让沉痛如此靠近绚烂，又让告别如此靠近再生，这不能不说是一种奇迹。

有趣的是，当我不再沉迷于第四的末乐章癫狂的推进，不再为第六首乐章后半段的呼天抢地而震颤的现在，我无法忘怀的反而是这套录音的柔软部分，比如第四次乐章的双簧管吟唱，第五次乐章的圆号书怀，而第五的圆舞曲乐章弦乐起奏和第六首乐章第二主题亮相的片刻弱奏，那种声音宛若消散渗透于空气中缓缓飘进心田，决非常见的静静传递，这时的穆拉文斯基，才是真正难以企及的。DG的录音师卡尔-亨茨·施耐德捕捉了穆氏军团最细微的温情表达，此后，这样高质量的技术支持再没有在穆氏身边重现。

1955年穆拉文斯基出访维也纳，在DG也录有一套老柴后三，其中的柴四出自助理桑德林之手，比之于绿色柴四，桑德林的演绎温和而留有余地，而穆氏60版的柴四强调的则是音乐的锋芒和张力，音乐形象更接近一个笑傲万里冰封的冬之神；穆氏55年的柴五、六，与60版比较结构上没有特别显著的区别，音效不及之故，音乐呈现的完满程度略打折扣。

这个1995年发行的大禾花套装至少表明，穆氏对一部作品一旦形成自己看法，那么他的诠释就基本上被固定了下来，他追求的乃是同一方向的一种精益求精。

总而言之，这个录音是柴可夫斯基交响曲的一种典范，相信再过百年也不会改变。

E时至今日，历史上只有五张唱片曾经同时登上日本究极100、日本名曲300、企鹅三星带花与留声机百大这四份权威榜单，这张就是其中之一；同时这套唱片还曾获得1988年爱迪生唱片大奖、1990年Penguin Rosette Award。 莫扎特：《唐璜》序曲、布鲁克纳：第7交响曲（1833版本，穆拉文斯基改编）、海顿：第88交响曲、柴可夫斯基：弗兰切斯卡·达·里米尼、格拉祖诺夫：第5交响曲

演奏：列宁格勒爱乐乐团

指挥：穆拉文斯基

录音：列宁格勒爱乐乐团大音乐厅

录音时间：1968年11月29日（莫扎特）；1967年2月25日（布鲁克纳）；1968年11月29日（海顿）；1983年3月19日（柴可夫斯基）；1968年9月28日（格拉祖诺夫）

唱片号：20世纪伟大指挥家系列，EMI CLASSICS/IMG ARTISTS 5 75953-2

穆拉文斯基是一位不平凡的人。他自1938年至1988年担任列宁格勒爱乐乐团首席指挥，整整五十年的经历使他能够将这支乐团训练成为最著名的乐团之一。他的学识和与肖斯塔科维奇的特殊关系成为了具有传奇色彩的一部分，并且他首演了这位作曲家不下6部交响曲。但是，在这辑唱片中并没有肖斯塔科维奇的作品，而选择了其他作曲家的一些迷人的作品，这其中包括海顿、布鲁克纳和格拉祖诺夫。《唐璜》序曲开始部分的演绎是典型的穆拉文斯基的风格：非常注重细节（有着真正令人感动的弦乐刻画），同时富有戏剧效果，以引出紧接下来的剧情。

莫扎特作品的录音时间是1968年11月——而上一年的2月，穆拉文斯基和他的乐团演出了布鲁克纳的《第7交响曲》（两部作品都在1995年发行过，唱片号Russian Disc RDCD10911）。从多方面来看，《第7交响曲》都十分优秀。第一乐章的速度很自然，音乐优美而合理地呈现。能听得真正俄罗斯的双簧管和小号真是很欣喜。音乐的明暗对比强烈，穆拉文斯基对他的乐器（列宁格勒爱乐乐团）的控制非常出色。聆听音乐渐强的表达方式，每个音符都发自肺腑而对于整个作品又富于真实的表达。诚然，在第一乐章并没有一丝阳光自丛云中透出的感觉，并且乐团和音色（特别是长笛）也存在一些问题，但是不可否认音乐的震撼力，并且也不能否认柔板乐章中深厚的情感那种自如而充分地流露。乐段的表达十分敏锐（特别是来自弦乐部分），但遗憾的是整个乐章的速度随着强度的增加而变快，高潮部分的演奏不是十分理想。

谐谑曲正如同所标注的“很快”那样，穆拉文斯基采用了较快的演奏速度，三重奏部分有些过于沉迷。那种在第一乐章中出现的独特的风格又在终乐章里，然而：这里显得更为优秀，有着更为优雅强烈的弦乐演奏和铜管部分的配合。乐曲的速度并没有留意布鲁克纳所标注的“激动的，但不太快”，而是：非常快。乐曲的结束非常辉煌。真不知道为什么掌声不能更激昂些呢？不能期望穆拉文斯基指挥海顿的作品有着学院派的风格，事实也正是如此。急板乐章严肃而准确，广板缓慢，其中富于颤音的双簧管非常出色。这里的小步舞曲没有舞曲的风格，显得非常威武，而三重奏活泼轻快。我感觉对于终乐章穆拉文斯基试图采用欢乐的情绪，但是却显得很困难去表达！

柴可夫斯基的《弗兰切斯卡·达·里米尼》在穆拉文斯基的指挥下成为了一部杰作，音乐的开始是很大的动态，而后是有着巨大、灰色的阴影伴随的狂风暴雨的世界。这也是这辑唱片最为精彩的部分，它证明了这两张唱片是物有所值的。在穆拉文斯基的指挥下（他指挥柴可夫斯基的作品非常著名），音乐显得毫不冗长，逐渐行进至高涨，令人无可挑剔。

格拉祖诺夫的《第5交响曲》是一部令人愉快的作品。穆拉文斯基采用了自己的方式来诠释他的作品，演奏充满了惊喜。在规划这两张唱片时，可能EMI最后才冒险选用了这部作品，然而它却非常值得。穆拉文斯基令人信服地表达了格拉祖诺夫的富于保守的浪漫主义。第二乐章的谐谑曲充满活力，穆拉文斯基的表达富于感情。格拉祖诺夫诙谐而具有芭蕾风格表露无疑。行板中的一些低音被穆拉文斯基所强调，因此乐章的风格近似于瓦格纳（5分30秒），但是音乐忽然一转，而后回复的俄罗斯舞曲驱散了这种念头。欢乐而精彩的终乐章对这套充满了关于指挥家众多精彩演绎的专辑来说是个完美的结束。 BMG唱片公司于1995/1996年采用20Bit技术重新制作原Melodiya版的《穆拉文斯基全集》CD盒装(CD1-10 74321-25189-2,CD11-20 74321-29459-2)，共20款CD：

第一集 勃拉姆斯《第二交响曲》、舒伯特《第八交响曲》

第二集 莫扎特《第三十八交响曲》、西贝柳斯《第七交响曲》

第三集 肖斯塔科维奇《第十五交响曲》

第四集 布鲁克纳《第九交响曲》

第五集 普罗科菲耶夫《罗密欧与朱丽叶》第二组曲

第六集 欣德米特《世界的和谐交响曲》奥涅格《第三交响曲》(礼拜)

第七集 贝多芬《第四交响曲》柴科夫斯基《第五交响曲》

第八集 巴托克《弦乐、敲击乐、钢琴曲》、斯特拉文斯基《阿波罗》

第九集 肖斯塔科维奇《第六、第十交响曲》

第十集 瓦格纳《歌剧序曲、前奏曲集》

第十一集 贝多芬《第五、第七交响曲》

第十二集 勃拉姆斯《第三、第四交响曲》

第十三集 布鲁克纳《第八交响曲》

第十四集 理查·施特劳斯《阿尔卑斯山交响曲 》

第十五集 奥夫斯亚尼科-库利科夫斯基《第二十一交响曲》、肖斯塔科维奇《第五交响曲》

第十六集 肖斯塔科维奇《第七交响曲》

第十七集 肖斯塔科维奇《第八交响曲》

第十八集 格拉祖诺夫《第四交响曲》、柴科夫斯基《第四交响曲》

第十九集 里姆斯基-科萨科夫《隐城基切日的故事》、柴科夫斯基《第六交响曲》

第二十集 柴科夫斯基《意大利随想曲》