希腊瓶画的风格及代表作品

陶器是古代希腊人的生活必须品和外销商品，特具实用和审美意义。希腊陶器工艺先后流行三种艺术风格即：“东方风格”、“黑绘风格”和“红绘风格”。 东方风格指公元前7世纪至公元前6世纪流行的一种陶艺，由于对东方出口，因此考虑到东方人的审美和实用，主要以动植物装饰纹样为主，有时直接采用东方纹样；其次是增强了装饰趣味，将动植物加以图案化。黑绘风格指在红色或黄褐色的泥胎上，用一种特殊黑漆描绘人物和装饰纹样的陶器。红绘风格与黑绘风格相反，即陶器上所画的人物、动物和各种纹样皆用红色，而底子则用黑。故又称红彩风格。流行于公元前6世纪末到公元前4世纪末。这种风格优越处在于灵活自如地运用各种线条刻划人物的动态表情，充分发挥线条的表现力。据说这种风格是由阿提卡的安杜基代斯完成的。 在公元前8世纪之前，在和亚细亚沿岸东方民族的交往中，希腊绘画艺术发展起来。 公元前8世纪的狄普隆墓地的陶瓶，虽已显示出瓶画艺术动人的面貌，但其的黄金时代还得说是在在希腊古风时期和古典初期（约公元前650年—约公元前480年）。 希腊瓶画经历了“黑绘式”与“红绘式”两个主要的发展阶段，黑绘瓶画上的图像是黑色的，红绘瓶画上的图像是赤褐色的。在不少没有留下姓名的瓶画家之外，也有一些人的姓名传了下来，如黑绘名家埃克塞基亚斯（活跃于公元前6世纪下半叶），普斯亚克斯（活跃于公元前6世纪下半叶）；红绘名家欧弗罗尼奥斯（活跃于约公元前520一约公元前500年）等，这是迄今为止，在我们叙述的绘画历史中，首次出现的创作者个人的姓名。 希腊的陶瓶艺术在美术史上占有重要地位。这倒不是陶瓶材料的特殊，而是陶瓶画争得的荣誉。公元前六世纪中叶以后，雅典陶瓶曾垄断了国外市场。它那匀称和谐的比例，精致的工艺，生动的造型，写实的手法，追求理想化的风格，饱满的构图，富于戏剧性的情节，散发出浓郁的高贵美感。希腊瓶画多用黑红两种颜色。早期以红色做底，绘以黑色形象，称为“黑花式”；公元前五世纪出现以黑为底，形象用浅红色描绘，名为“红花式”。刻画人或动物均以线造型，其准确程度令人吃惊。但线条自身多无变化，与中国绘画不同。中国画线条很重自身的美感趣味和风格。 进入古典时期（约公元前480年—公元前323年），还出现了一种白底彩绘瓶画，绰号“阿喀琉斯画家”的作品代表了这种瓶画的风貌。 从黑绘到红绘，再到白底彩绘，反映出古希腊画家的追求，其中的发展变化，充分体现着他们把绘画看成是一面镜子，要复现自然的形态，使观画者注视画出来的图像时，觉得跟真实的事物和景象相似。这种模仿自然，再现对象的态度和方式，成为古希腊美术的基本特点之一，对此后欧洲及西方绘画的发展，产生了极其深远的影响。古希腊绘画与古代东方绘画相互映照，共同构成丰富多彩的艺术景观。 人们可以从保存下来的古希腊瓶画中，看到当时古希腊艺术的素描水平。古希腊瓶画有三种式样。早期的是黑像式，即在白底子上把用线条勾画的形象涂上黑色，像剪影那样。后期叫红像式，即与黑式相反，背景填黑釉而形像留空白（空白处为陶器的红色表面，故称之红像式）。以后又发展到使用白描的瓶画。这些瓶画造型简练优美，结构严谨，本身就是一幅幅素描杰作

法国的17世纪被称为路易十四时代，这位称霸欧洲的君主不忘建立统一的官方艺坛。为国王及其精英服务的艺术把古代和现代思想、天主教和世俗思想兼收并蓄，并让现实描写带上神话的外表。它崇尚古典精神，表现出严正、高贵、酷爱秩序的特点。其主要画家大多到意大利观摩学习，甚至长期居住，他们以希腊、罗马为典范，受到卡拉奇折衷主义、卡拉瓦乔强烈对比的手法及威尼斯色彩的影响。

乌埃（Vouet，1590—1649）在意大利生活13年，归国后任路易十三的首席画师，在巴黎地区的香底恰、圣日耳曼昂莱、枫丹白露作了大量壁画。从现存卢浮宫的《丰盛》、《神庙中的拜见》、《对神庙的献祭》中可以看到他明亮丰富的色彩，宏大的气魄，优美的环形节奏，以及和谐的衣褶造型。

普珊（Poussin，1594—1665）18岁瞒着家里到巴黎学习雕塑和绘画，30岁定居意大利。1640年，他被请回法国，为枫丹白露王宫和圣日耳曼大教堂作画，任宫廷首席画师，并领导装饰王宫的工作。但法国画家的敌视与不合作态度终使他愤愤而去。《萨宾妇女被掠》、《摩西遇救》、《诗人的灵感》等作品使我们感到这位古典主义大师既崇尚古代艺术，又善于发掘自然的美；既服从感觉，又尊重理论；既有纯熟技巧，又有高昂热情。《阿尔卡迪牧人》以一块石碑作为画面中心，上面的铭文指出这便是传说中的乐土。竭力辨认字迹的几位牧人或立或跪，环状的构图把人体与幽雅的风景组成诗一般和谐的世界。普珊晚年最杰出的作品是历史风景画《四季》，其中《冬季》尤其巧妙地选取了《圣经》中大洪水的场面，挣扎逃命的人群加强着阴冷凄惨的气氛。这位被认为最正统不过的画家其实是一位最勇敢的革新者，他那情景交融、饱含寓意的画风与画中反映出来的崇高思想境界，不愧是该时代一切画家的楷模。

勒絮埃尔（Le Sueur，1617—1655）的画使人难以相信他从未去过意大利。事实上，他的确没有离开过法国。或许正因为如此，他的作品才具有那种令人感到亲切可及的朴实自然。《朋友聚会》在气氛渲染上有卡拉瓦乔之妙，《三缨斯》又不乏卡拉奇的华美。德拉克罗瓦说得好：“要仿效勒絮埃尔的幽雅和朴素，就如同要效仿普珊构图的气魄与其完整性等优点一样，是极不容易的。”

勒布仑（Le Brun 1619—1690）在造就法国统一艺术风格方面的作用是无人能比的。他15岁人乌埃画室，23岁又与普珊同赴罗马。在上述两位大师的指导下，他迅速掌握了该时代绘画技巧的精华。其油画代表作《塞古埃大臣》宏伟壮观。画中人春风得意，雍容华贵，服装与坐骑富丽堂皇，马侧的两排随从安排得错落有致，动态神情极具变化。无论是小幅的《牧人来拜》，还是巨幅的《亚历山大与波鲁斯》，都表现出画家在处理人物众多的场面时的游刃有余。他在担任首席宫廷画师的同时，还领导美术学院和戈伯兰壁毯厂，主持凡尔赛宫镜厅和卢浮宫阿波罗厅的装饰工作，建立起以普珊的古典主义为主，从意大利巴洛克艺术中汲取营养的官方风格。

荣誉无加的勒布仑在暮年却由于米涅尔（Mignaxd，1612—1695）的出现而暗淡无光。这位后起之秀从意大利一回国，便以妇女肖像和大幅天顶画闻名遐迩。他在瓦尔德格拉斯教堂绘制的《天堂》有200多个人物，是法国现存17世纪最重要的天顶画。《持葡萄的圣母》着笔精妙，人物的端庄纯洁与拉斐尔相比，也不多让。

较之上述画家，瓦朗丹（Valentin，1591—1634）和拉图尔（IJaTour，1593—1652）受卡拉瓦乔的影响要多一些。瓦朗丹很年轻时便赴意大利。他擅用黑色画出浓重阴影，并把乐师、卫兵、赌徒、吉普赛女人放入其中。《有算命者参加的聚会》、《音乐会》的浓郁生活气息和在人们心中激起的美妙质朴印象是无与伦比的。《所罗门的裁决》则把惊惶失色的母亲，恐怖万分的婴儿，凶神恶煞的武士，密切注意两位妇女反应如何的所罗门王画得栩栩如生。拉图尔以烛光、火把作为其艺术表现的核心，富有独创性和神秘感。其构图往往能出奇制胜，手法的简练也令人惊讶不已。《灯前的玛德莱娜》冥思苦想的面部和扶着骷髅、代表善恶决斗的手在黑夜之中格外传神。《木匠圣约瑟》运用大角度透视，突出木匠前倾的头和用力的双手，而让其余的一切都淹没在阴影之中。几乎平涂而就的持灯小童的脸更造成画面极为奇特的繁简对比。《寡妇伊莱娜照料圣塞巴斯蒂安》是画家最后的作品之一，蓝色的衣袍似乎在火红的色调中发出震响，凝练概括的艺术处理，在对角线上对明暗、动态所作的安排，使气氛的悲壮达到极点。

更加忠实于传统，不为意大利影响所左右的法国画家代表应推香拜涅（Champaigne，1602—1674）和勒南（Le Nain）兄弟（安东尼，1588—1648；路易，1593—1648；马修，1607—1677）。香拜涅生于布鲁塞尔，1628年定居巴黎，成为王后的画师。其肖像严谨、雄强、传神，令上流社会趋之若骛。卢浮宫陈列的《男子肖像》和《画家之女神奇地恢复健康》使克洛埃父子奠定的传统发扬光大。勒南兄弟幼年生活在父亲的农庄之中，对农村有深刻了解和特殊感情。他们经常共同作画，署名勒南。其中路易成就最大，粗矿的农民形象，简陋的乡村环境在他的笔下发出迷人的魅力。《农民进餐》、《农民家庭》虽无任何华美的颜色，却能感人至深。手法的朴素与画家感情所达到的崇高，除了19世纪现实主义大师米莱、柯罗之外，可以说无人能及。《铁匠铺》、《干草车》（该画也可能是安东尼所作）根据画面需要，随心所欲地安排光线，和伦勃朗的《夜巡》有异曲同工之妙。

洛兰（Lorrain，1600—1682）在意大利度过平静的一生，其画同其人一样平和明朗。开阔的海平线总给天空留出巨大位置，近景则总是带有罗马式建筑、船只、人物的逆光海滨。《克娄巴特拉在塔尔斯登岸》、《乌利西斯将克莉赛丝交还其父》、《圣保罗登舟》都以海空一色，宁静优美的画面令人赏心悦目。

18世纪的法国绘画之所以取得公认的领衔地位，是由于它的画家把握住了时代精神。步入繁荣的欧洲正需要对女性彬彬有礼的交际往来，巧妙幽默的言谈举止和更加轻松的艺术风格。

被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女的享乐生活为对象，描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰。路易十五的情妇蓬巴杜夫人、杜巴莉夫人的趣味左右着宫廷，致使美化妇女成为压倒一切的艺术风尚。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉悦亲切，舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难，从而在反映现实上向前大大地迈进了一步。它的主要代表是华多、布歇、弗拉戈纳。

华多（Wateau，1684—1721）少时贫穷，曾靠给画商临画维持生计。《舟发西苔岛》是其一生的转折点。它描绘一群情侣依依惜别地离开神话中的爱情之岛，返回现实生活之中，每个人物的姿态都被赋予了同爱情有关的象征意义。画家以理性驾驭感觉，运笔用色腾奇烁妙，树立了纤弱苗条的女性典型形象。华多绝大多数作品取材戏剧，但《热尔桑画店》可算是一个例外。为了“活动活动手指”，而在几个半天之内画就的这幅杰作本是为其好友在圣母院桥上的画店作招牌的。画上有不同阶层的人物，卖画者的忙碌、认真和买画者的聚精会神都生动无比。它把社会生活的一个侧面反映得如此真实，以至于人们看到装向箱内的油画像，就必然联想到“太阳王”统治的完结。华多的另一名画《小丑》原也是作招牌用的，画中主要人物是位流动剧团的演员，他身着白衣，麻木的外表掩盖着内心的悲怆。从该画上，我们可以了解到为什么华多轻音乐一般的艺术总带有一缕淡淡的哀愁，而对于供人取笑的演员和一切艺术家的深切同情正是华多高出于其他罗可可画家的原因。

布歇（Boucher，1703—1770）有神童之称，从意大利归国后，又备受蓬巴杜夫人赏识，担任美院教授、首席宫廷画师、戈伯兰壁毯厂总监，真是一帆风顺。他技巧纯熟，画得迅速，不乏大幅作品，而且能运用明亮色彩和新颖手法使古典神话题材尽丽极妍。《沐浴的狄安娜》一画的女人体在景物的衬托下明亮耀眼，削弱素描明暗对比而加强色彩透明感的技巧使后来的印象派大受启发。《裸女（奥莫尔菲**）》动作的大胆和肉感近乎色情，床上鲜亮夺目的绸缎也最合路易十五宫廷的胃口，足以代表罗可可风格。在以神话为题材时，布歇往往有滥用玫瑰红和天蓝色的倾向，人物肤色的苍白和鲜红也浮于表面，但如果有真实对象在眼前，他的画面顿时出现勃勃生气，《午饭》、《带磨坊的风景》的作者和《维纳斯与武尔坎》的作者简直判若二人。

弗拉戈纳（Fragonard，1732—1806）是最受社巴莉夫人关照的画家，擅于在妩媚的人物和华贵的服装上逞其逸笔。《秋千》一画中的少女故意踢落鞋子，要为他荡秋千的男士去拾，在取悦妇女上可谓登峰造极。《浴女》构图突兀，女人体似乎同云朵、树木、河流一起在急剧旋转，别致而诱人。《蒂布尔瀑布》更是戛戛独造，强光在晒台衣服上造成的点点闪光和丰富层次，甚至可和两个世纪以后的风景画相比。不过，弗拉戈纳最拿手的还是肖像，大块的厚色、飞舞的笔触与传统手法大相径庭。《狄德罗》、《读》、《舞蹈家吉玛尔》等画，至今仍以其潇洒奔放的手法而脍炙人口。

勒莫阿纳（Lemoyne，1688～1737）和柯瓦贝尔（Coypel，1688—1772）追随华多、布歇的风格，用神话题材壁画和粉红色的女人体装饰了巴黎大量的宫室和府第。前者的《赫拉克利斯与奥菲尔》和后者的《老人像》都表现出素描的精到和运笔设色的大胆沉着。

法国肖像画从17世纪向18世纪过渡的代表是利戈（Rigaud，1659—1743）和拉杰利埃尔（LargiUiere，1656—1746）。利戈专为国王绘制标准像，其代表作《法国国王路易十四》很有气派。拉杰利埃尔则给上层社会留影。他的代表作《画家及其妻女》把自己一家的亲密和谐表达得淋漓尽致。在女肖像方面名重一时的纳吉埃（Natier，1685—1766）能把贵妇们画得漂亮，如《黛散伯爵夫人》。纳吉埃的女婿托盖（Tocque，1696—1772）更能使贵妇们迷人，《王后莱金丝卡》堪称宫廷肖像少见的佳作。拉都（IJa Tour，1704—1788）和佩罗诺（Perronneau，1715—1783）不但在油画上同他们不相上下而且还使色粉画的逸韵达到前所未有的境界。感觉敏锐，色调微妙，善于捕捉瞬间表情，在真实的基础上美化对象是他们的共同特点。

随着罗可可风遭到猛烈抨击，艺术的美化逐渐让位于再现生活。以理性反对自由放任，以回归自然反对矫揉造作的风俗画、静物画取代了装饰画、历史画。开辟风俗画新路的格勒兹（creuse，1725—1806）在1761年沙龙展出《乡村的订婚》，大获成功，它真实地展现了法国农村家庭最重要的事件。画中小伙子送聘金时的恭敬，姑娘内心的喜悦和外表的腼腆，公证人的全神贯注，小妹妹的难舍难分，大姐的满腔妒忌使狄德罗欣赏不已，认为“画上的每个人都恰如其位”。格勒兹极重题材的选择，《父亲的诅咒》、《被惩罚的儿子归来》、《打破的水罐》都以出色的艺术语言，巧妙地宣扬了资产者的道德观念，受到公众的盛赞。不过，这位“提倡贞操的画家”从1780年起，便几乎专门致力于肖像画了。他感情真挚，笔调灵妙，色彩透明。《送奶女》、《小鸟死了》把平凡人家女孩的心灵画得纯洁高尚，使宫廷肖像相形见绌。

在万事崇尚奢华的路易十五时代，夏尔丹沉穆凝重的静物画愈显醇美动人。画家的眼睛静静地注视着碟子、鱼、水果、面包这些极其普通的东西，从中发掘深藏的美。人们司空见惯、以致不屑一顾的物品被点石成金地赋予了隽永深长的诗意。它们是《钢水罐》、《乐器》、《厨桌》、《蛋糕》、《带高脚杯的静物》。夏尔丹的人物画同样浑博精深，《祈祷》只画了一位母亲和两个儿童，便充分展现了市民阶层的生活境遇和品格情操。《集市归来》的那位家庭主妇正靠着油亮的旧橱柜，喘着粗气，笔调的自然和质感的逼真使人们很容易地感受到画中的温暖、生命、时代气息，而这却是其他静物画家和风俗画家望尘莫及的。

在风景画上值得一提的是威尔奈（Vemet，1714—1789），其《灯塔》、《洛托之桥》在手法的大胆和色彩的明亮上，远远地超过了那一时代，说它们预示着柯罗的意大利风景并非溢美之词。罗伯尔（Robert，1733—1808）描绘罗马遗迹的风景使古代废墟带上真实美丽的天空。《戛尔桥》构图的巧妙和运用色调对比抒写晚霞的新颖手法则表现出他过人的敏感。

《西门与佩罗》，1612年，佛兰德斯，鲁本斯，画布油彩，141x180cm，阿姆斯特丹国家博物馆藏

鲁本斯的名画《西蒙与佩罗》又名《罗马人善举》（Cimon en Pero，Roman Charity或Carità Romana），悬挂在波多黎各国家美术博物馆门口，画面上一位年轻的女人不知羞耻地露着胸部,一位衣衫不整的老人吸允着她的乳头。首次进入博物馆的人看到这幅画，大多数都表示惊讶，有些人甚至嘲笑、讽刺和不解：怎么能把这样的画挂在博物馆门口呢？但是这个国家的人，在这幅画面前都肃然起敬，或者感动得流泪。因为露着胸部的年轻女人就是这位老者的女儿--佩罗，衣衫不整的老人便是她的父亲西蒙。西蒙是为波多黎各的独立而奋战的英雄，被国王监禁在监狱里，被判“禁食”刑。让人慢慢的饥饿而死去，临终前女儿怀着身孕来监狱探望父亲。看见父亲消瘦的躯体，解开自己的衣裳，将自己的奶给予父亲。这幅画表达浓浓的父女之情和爱国之情。这个国家的人以这幅画为傲。

罗马妇女佩罗得知父亲西蒙被判处饿死的刑罚后，在探监时偷偷地以自己的乳汁喂养他。她的行为被一个狱卒发现，当权者得知后十分感动，她的父亲被准予释放。这个故事被称为罗马历史上孝敬的典范，古罗马历史学家Valerius Maximus将这个故事记录在自己所著的《罗马人可纪念的善举》一书中。这一感人的故事后来在罗马神话中得到了完美的演绎，那就是神后朱诺以母乳喂养成年后的赫拉克勒斯。到了十七至十八世纪，许多著名的欧洲画家都热衷于对这一题材大肆发挥，最为出色的当属鲁本斯1612年的这幅作品。

《罗马人善举》是一个不好把握的绘画题材，处理不好容易变成有伤伦理道德的低俗色情作品。给成人哺乳不算稀奇，在一些阿拉伯国家甚至还成为潮流。在解放战争中，沂蒙山区有感人的红嫂的故事。六十年代有过以此为原型的影视作品，处理的很含蓄，是把奶水挤在军用水壶里。近期有摄影师刘铮的情景摄影作品，表现的很直白，显得虚假无聊。在六七十年代，营养品匮乏的时期，也常有善良的妻子用乳汁喂食重病的丈夫。不过这个故事多了一层父女伦理的关系，不太容易让人接受。

1、柏拉图

柏拉图（Plato，Πλατών， 公元前427年—公元前347年），是古希腊伟大的哲学家，也是整个西方文化最伟大的哲学家和思想家之一。

柏拉图和老师苏格拉底，学生亚里士多德并称为希腊三贤。他创造或发展的概念包括：柏拉图思想、柏拉图主义、柏拉图式爱情等。

柏拉图的主要作品为对话录，其中绝大部分都有苏格拉底出场。但学术界普遍认为，其中的苏格拉底形象并不完全是历史上真实存在的苏格拉底。

除了荷马之外，柏拉图也受到许多在他之前的作家和思想家的影响，包括了毕达哥拉斯提出的“和谐”概念，以及阿那克萨戈拉将心灵或理性作为判断任何事情正确性的根据；巴门尼德提出的连结所有事物的理论也可能影响了柏拉图对于灵魂的概念。

2、亚里士多德

亚里士多德（Aristotle公元前384～前322），古代先哲，古希腊人，世界古代史上伟大的哲学家、科学家和教育家之一，堪称希腊哲学的集大成者。他是柏拉图的学生，亚历山大的老师。

公元前335年，他在雅典办了一所叫吕克昂的学校，被称为逍遥学派。马克思曾称亚里士多德是古希腊哲学家中最博学的人物，恩格斯称他是“古代的黑格尔”。

作为一位百科全书式的科学家，他几乎对每个学科都做出了贡献。他的写作涉及伦理学、形而上学、心理学、经济学、神学、政治学、修辞学、自然科学、教育学、诗歌、风俗，以及雅典法律。

亚里士多德的著作构建了西方哲学的第一个广泛系统，包含道德、美学、逻辑和科学、政治和玄学。

3、亚历山大大帝

亚历山大大帝（Alexander the Great，公元前356年7月20日—前323年6月10日），即亚历山大三世，马其顿王国（亚历山大帝国）国王，生于古马其顿王国首都佩拉，世界古代史上著名的军事家和政治家。

是欧洲历史上最伟大的四大军事统帅之首（亚历山大大帝，汉尼拔·巴卡，恺撒大帝，拿破仑）。

曾师从古希腊著名学者亚里士多德，以其雄才大略，先后统一希腊全境，进而横扫中东地区，不费一兵一卒而占领埃及全境，荡平波斯帝国，大军开到印度河流域，世界四大文明古国占据其三 。征服全境约500万平方公里。

公元前323年的亚历山大帝国是当时世界上领土面积最大的国家，超过东方战国七雄领土总和。

亚历山大大帝在短短的13年时间里创下了前无古人的辉煌业绩，他促进了古希腊文化的繁荣发展和东西方文化的交流与经济，融合东西文化，并且鼓励民族间通婚，倡导民族间地位平等，对人类社会文化的进展产生了重大的影响。他的远征使得古希腊文明得到了广泛传播。

4、阿基米德

阿基米德（公元前287年—公元前212年），伟大的古希腊哲学家、百科式科学家、数学家、物理学家、力学家，静态力学和流体静力学的奠基人。

并且享有“力学之父”的美称，阿基米德和高斯、牛顿并列为世界三大数学家。 阿基米德曾说过：“给我一个支点，我就能撬起整个地球。”

阿基米德确立了静力学和流体静力学的基本原理。给出许多求几何图形重心，包括由一抛物线和其网平行弦线所围成图形的重心的方法。

阿基米德证明物体在液体中所受浮力等于它所排开液体的重量，这一结果后被称为阿基米德原理。他还给出正抛物旋转体浮在液体中平衡稳定的判据。

阿基米德发明的机械有引水用的水螺旋，能牵动满载大船的杠杆滑轮机械，能说明日食，月食现象的地球-月球-太阳运行模型。

但他认为机械发明比纯数学低级，因而没写这方面的著作。阿基米德还采用不断分割法求椭球体、旋转抛物体等的体积，这种方法已具有积分计算的雏形。

5、拉斐尔·桑西

拉斐尔·桑西（Raffaello Santi，全名Raffaello Sanzio da Urbino，1483年3月28日或4月6日—1520年4月6日），常称为拉斐尔（Raphael），

意大利著名画家，也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。

他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。

代表作品有《西斯廷圣母》、《雅典学派》等。

——雅典学院

——柏拉图

——亚里士多德

——亚历山大大帝

——阿基米德

——拉斐尔·桑西

古希腊美术史的分期通常分为荷马时期，古风时期、古典时期、希腊化时期。希腊艺术包括

瓶画、建筑、雕刻等。本文主要讲希腊的瓶画。

用陶土烧制的各种器皿是古希腊人日常生活和对外贸易中不可缺少的用具。

这些形状和功用

不同、大小不一的陶器上都绘有美丽的图画，是为“希腊瓶画”

①

。希腊陶瓶画是实用工艺品和

绘画相结合的一种艺术样式。从希腊罗马时期的一些历史、文学、哲学和游记著作中，人们可以

了解到，希腊曾经产生了生活在公元前

5

世纪的宙克西斯和帕拉西奥斯那样的绘画大师，他们已

经在平面上创造出了三度空间的幻觉真实，希腊人还绘制了美丽的壁画和木版画。但时至今日，

所有的希腊绘画作品都湮没无闻了，惟有留在陶器上的瓶画，能让人们领略到希腊绘画曾经有过

的辉煌。

古希腊瓶画内容丰富

,

多为神话故事和英雄传说。神话故事画

,

是神话学的形象资料

,

反映生活

面很广

,

诸如战争、狩猎、生产、家庭、娱乐、体育等等

,

不一而足。它们戏剧性很强

,

生活气息很

浓

,

富有人情味。生动有趣

,

优美典雅

,

表现出希腊人乐观自信的精神风貌。

希腊瓶画工艺先后流行五种艺术风格即：

“几何样式”

、

“东方样式”

、

“黑绘式”

和

“红绘式”

、

“白底彩绘”

。

几何样式（公元前

900-

前

700

）

几何样式是荷马时代陶瓶的主要风格。它主要是在浅**的陶器底子上，绘上黑色的几何纹

样。几何纹样包括三类：

1

抽象性几何纹，如波浪线、平行线、交叉线、环形、三角形等组合成

的图案；

2

形象性几何纹，如鸟兽纹、人形纹、车辆纹等；

3

情节性几何纹，如出征、陆战、海

战、比武、送葬、歌咏、演戏等。这些几何纹图案对人和动物高度概括，大造型醒目突出，具有

一定动感。

用作墓葬中祭物的《狄皮隆陶瓶》

，高约

15

米，瓶身布满了几何纹样的装饰横带，瓶口的

上部及底部都有野鹿的形象，其主题是两个把手之间的“哀悼死者”

。死者躺在灵床上，两边的

人双手抱头哀号，灵床的下边也坐着几个人，他们的上身简化成了三角形。围绕着画面的几何图

案中，突出的是大量云卷纹。狄皮隆陶瓶是一件几何纹样和几何风格相结合的作品。

纽约大都会博物馆收藏的一件巨爵，有着与狄庇隆陶瓶相类似的几何形风格装饰图画和图

①

李行远著：

《西方美术史纲》

，湖南美术出版社，

2002

年版

案，比较明显的区别在于后者在灵床下面画了一些禽鸟。可见这种装饰图案模式在当时是比较普

遍的。

而现在发现最早的希腊雕塑是荷马时代的雕像，这些雕像有陶制和青铜的几种，形制很小。

和这时的瓶画一样，荷马时代的雕像也是高度的几何化。如《赫拉克勒斯和萨堤洛斯》

，人物和

半人半兽的形象，取材于希腊神话。

东方样式（公元前

700-

前

590

年）

从公元前

8

世纪起，随着希腊人日渐频繁的海外殖民活动和海外贸易，他们与一些东方国家

的来往也增加了。发达的东方文明古国（主要是埃及和两河流域）艺术成就对希腊产生了深刻的

影响。当然希腊人对来自东方文明的刺激的反应，是采取了选择性的态度。

东方的影响反映在瓶画上，就是东方样式。这时的装饰纹样以动、植物为主，并且常常直接

借用埃及和两河地区的神兽、

植物纹样，

如狮身人面像、

鹰头狮身兽、

人首翼牛像以及带翼狮等。

在底比斯发现的小香水瓶，其瓶口做成怪兽的模样，瓶身上绘制着战斗场面。

现在雅典国家考古博物馆就陈列着一件公元前

625

～前

620

年的双耳细颈陶瓶，这个陶瓶的

艺术处理是典型的“东方样式的”

。装饰性质的华丽画面及纹样满满当当布在整个瓶身，连把手

和沿口都不放过，用的是红色、棕色、黄褐色和棕黑色一系列协调的暖色。许多装饰花卉纹样是

东方样式的。主要画面的主题来自希腊神话。

黑绘式（公元前

600-

前

480

年）

到公元前

6

世纪初，

希腊的绘画已经开始摆脱东方传统的影响并且逐渐形成了自己的装饰风

格，黑绘式风格的陶器出现了，也产生了一些杰出的画家。据传说有两位希腊画家曾进行绘画竞

赛：一个画出鲜美诱人的水果引鸟儿来啄食，而另一个却画出一块布盖在画上，骗得他的对手去

揭开。结果当然是后者获胜。

②

黑绘式风格是古希腊瓶画繁荣时期最重要的两种艺术风格之一。

黑绘式是在陶器橘红色的底

子上，用黑色绘制出剪影般的物象轮廓，轮廓内也填以黑色，其细部是用针刻出来的，整体具有

非常强烈的装饰效果。关于它的起源有一个传说：在一个希腊的制陶工场里，一位女孩子晚上因

思念她的男友在透过月光的墙上突然看到男友的影子。

他立刻把这影子的轮廓描下来并涂上了黑

色。据说这就是黑绘风格的起源。

③

最负盛誉的黑绘式作品有双耳酒器上的《阿喀琉斯与阿加克斯玩骰子》

，它是公元前

6

世纪

末希腊最伟大的黑绘师埃克赛吉亚斯的作品，

描绘了两位特洛伊战争中的人物在战斗间隙玩骰子

的情景，戴头盔的是阿喀琉斯。画面人物动态自然，神情专注，头盔与武器都描绘得真实可信，

是后人考证古代希腊生活习俗的重要依据。

布歇所喜欢的题材是神话和寓言，他好像对华多所倾心的那些贵族男女们的风流韵事不感兴趣。同时他作为一个宫廷画家，那些题材的作品也难登大雅之堂，他笔下的那些略带轻浮的维纳斯和可爱欢乐的小天使却受到了王室的欢迎。他的著名的作品《赫拉克《秋千》弗拉戈纳尔法国勒斯和奥姆法拉》是西方绘画史中对接吻的最热情的描绘。他的神话作品很多，《维纳斯的胜利》、《维纳斯化妆》和《猎神的狄安娜》是其精彩的作品。其中以《维纳斯的胜利》最为突出。

画作<赫拉克勒斯的选择>（The Choice of Heracles）

一切收获都不会从天上掉下来。你如果希望神只保护你，那么你首先应该敬奉他们；你要得到朋友们的爱戴，那么就该为你的朋友做好事；你要国家尊重你，你就应该为它服务；你要全希腊推崇你的美德，那么你就应该为全希腊谋幸福；有播种才有收获，你想赢得战争，就得学会战争的艺术；你要保持矫健的体魄，就应该通过艰苦的劳动使它强健。此乃美德之路

《魔女的条件》里的那幅画是米开朗基罗绘制在梵蒂冈宫西斯廷小教堂的天顶湿壁画，画名是《创造亚当》。 

《魔女的条件》主要诠释的是一对教师对职失去热情，而光(泷泽秀明 饰) 被母亲镜子(黑木瞳 饰)严格要求继承医院家业，他们俩人第一次相遇就是在彼此生活都陷入绝境时。未知当时只想与未婚夫结婚，以逃避学校的一切，一心辞去教师的工作。

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