帕格尼尼的《二十四首随想曲》已成为后世作曲家取之不尽的创作源泉。他所运用的变化多端的节拍曾经在音乐史上引起轰动，勃拉姆斯、舒曼、李斯特、拉赫玛尼诺夫以及布拉赫尔、卢托斯瓦夫斯基等作曲家都从帕格尼尼的演奏技法中获得了启发和灵感。《D大调第一号小提琴协奏曲》第三乐章的“钟”被李斯特改编成钢琴曲演奏。
天才的大师难免有些古怪，帕格尼尼的古怪在于他生前并不愿意公开自己的作品。也许是不想让其他人演奏，他甚至将第一小提琴协奏曲移调记谱，以增加其技巧的神秘性。他一共写了数十首以小提琴主奏，并加入管弦乐的乐曲，其中小提琴协奏曲至少也有6首以上。但经印刷出版的小提琴协奏曲则只有两首，至今常被演奏的只有一首《D大凋第一号小提琴协奏曲》。协奏曲是D大调，但神奇之处在于当年帕格尼尼演奏时是把4根弦调低半音，因此乐谱是降E调指法。为了减少小提琴演奏的难度，显现特殊效果，现在演奏的时候都将乐器调高半音，并使用D大调乐谱。而且，如今无论是管弦乐或主奏小提琴，一般都是以D大调演奏。
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摘要： 艺术歌曲从诞生之日起就是文学与音乐、人声与器乐的珠联璧合。它以高雅的艺术品位、完美的艺术表现，深受广大音乐爱好者的喜爱。本文拟从中外艺术歌曲的风格特点和演唱特点进行比较研究，以引导歌者更好地演唱、表现艺术歌曲。
关键词： 艺术歌曲 风格特点 演唱特点 艺术表现
艺术歌曲是一种文学性、专业性和抒情性相结合的音乐体裁，起源于19世纪的德国和奥地利。作为一种声乐体裁，它以特定的表现手段和相应的形式结构，以及浓郁的抒情魅力，成为世界声乐艺术中十分杰出的艺术形态。艺术歌曲以独唱居多，表现内容较为广泛。它是指由诗歌与音乐精密结合的一种歌曲，是一种专业性、室内性、抒情性相统一的音乐体裁，它是由诗、声乐、旋律，相对独立的器乐(钢琴)构成的统一的有机整体，是文学与音乐，人声与器乐高度融合的艺术形式。
一、外国艺术歌曲的风格特点：
艺术歌曲是音乐史上一种特定的体裁。在德国，由舒伯特、舒曼、勃拉姆等作曲家创作的歌曲被称为Lied;在法国艺术歌曲，与之同类的歌曲被称为Melodie;流传到中国，我们将它译为“艺术歌曲”。它原本的意思是“这种微妙的艺术用不同于歌剧的策略，令人领会到歌词中戏剧性的内容”。还有与Lied一词相近的Kunstlied，它的意思则是“不同于民歌的歌曲”。曲此我们可以知道，区别于歌剧和民歌的这种歌曲形式——艺术歌曲，具体说来是指音乐与诗歌的完美结合。
艺术歌曲在德国，代表作曲家是舒柏特，他所作的艺术歌曲有600余首，采用歌德、席勒、海涅、米勒等人的诗为歌词。他的艺术歌曲曲调优美，意境深邃，《野玫瑰》、《春天的信念》、《魔王》等已成为流传世界的名曲。沃尔夫的200多首艺术歌曲，曲调刻意表达德语声调的特点，与歌词紧密结合，钢琴伴奏富交响性。此外，舒曼、勃拉姆斯、施特劳斯等人也作有不少艺术歌曲。艺术歌曲在法国称为chanson，代表作曲家有迪帕克、福雷、德彪西等。法国艺术歌曲比较精致纤柔。德彪西的歌曲多根据波德莱尔、魏尔兰等人的诗歌谱成，具有印象派的特征。艺术歌曲在俄罗斯称为романс，格林卡是此种体裁的第一个经典作曲家。随后的代表人物有柴科夫斯基、穆索尔斯基、拉赫玛尼诺夫等。俄罗斯艺术歌曲的特点注重心理刻划。
二、我国艺术歌曲的`风格特点：
我国艺术歌曲的启蒙深受欧洲艺术歌曲的影响，它的发展经历了两个时期。第一个时期大约在1919年“五四”运动前后，如火如荼的新文化运动的开展，为这时期中国借鉴外来音乐文化与本民族文化的结合，开辟了广阔的天地。第二个时期始于上世纪三十年代初，随着西方作曲技法与中国民族传统音乐文化的很好结合，艺术歌曲的创作日趋成熟。至本世纪40年代，在借鉴欧洲艺术歌曲的基础上形成了独具民族风格的早期中国艺术歌曲的高峰。如：赵元任的《教我如何不想他》、黄自的《思乡》、青主的《我住长江头》、贺绿汀的《嘉陵江上》都是非常优秀的艺术歌曲。
这些艺术歌曲具有共同的基本特征：第一：许多艺术歌曲采用古诗词谱曲，就像一幅美丽的水墨画，清雅秀丽，幽若兰香，注重抒发内心情感，重视自传性和心理动态的表现。好似人生写照或是某种情怀的倾诉、慨叹，用词精炼，引人入胜，具有“借抒怀以古喻今，以回归探求现实”的特点。还有采用现代诗词谱写的艺术歌曲，如黄自的《思乡》(韦瀚章词)，是抒情艺术歌曲的代表之作。有情有景，情景交融，好像一幅色彩鲜明的水彩画。第二：艺术歌曲把诗歌与音乐完美的构成了一个艺术整体，达到“诗中有歌，歌中有诗”的境界。这也是艺术歌曲的主要特征之一。
我们在朗诵诗歌时，能感受到诗歌之美。也能感受到诗歌在朗诵当中语调的变化与停顿以及情绪的起伏。那么给诗歌谱上曲，它语调的抑扬顿挫和情绪的变化起伏，尤其是诗歌意境的表达更是贴切。如黄自的《花非花》(唐·白居易)。这首歌曲采用四句体结构，歌曲在语调和情绪的变化与诗词的语调、情绪变化非常吻合，在词曲结合中很好的采用依字创腔，唱歌犹如在吟诵，使人对诗词所描绘的朦胧的景象的遐想的空间更为广阔，给人以无限的柔美感。第三：要求演唱者(包括演奏)严格的遵从曲谱上的要求来诠释作品。
最大限度的、细腻的、发自内心的用音乐来描绘诗歌音乐所创造的意境。这也是艺术歌曲的特征之一。在演唱上更讲究“精雕细琢”，要求演唱者要具有较好的文学底蕴和丰富的音乐想象力，并且必须严格遵守曲谱的要求，不可对音乐或歌词做任何的改动否则会破坏歌曲的整体性和完整性以及意境。第四：钢琴伴奏在音乐的总体结构中居于重要地位。
在气氛渲染，意境烘托的手法下，演奏者在演奏过程中运用色彩的变化，速度的急缓，音的延长与停顿，更深层地对歌词的内涵作进一步地挖掘，为演唱者创造出特定意境，从而加深了艺术感然力，与声乐旋律一起完成对音乐形象的塑造。因此，在艺术歌曲中以“钢琴伴奏”一词来定义不太确切，准确的说钢琴和诗词、旋律一样在艺术歌曲中占据着同等重要的地位，它能够用来表现旋律不能表现的东西，是艺术歌曲不可或缺的部分。
三、中外艺术歌曲演唱风格的把握：
作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。我们常常听一些独唱音乐会的演出，有的人声音相当漂亮，发声技巧也很高超，但整台音乐会从中国民歌唱到欧洲的古典艺术歌曲，听起来声音上也好，力度上也好，韵味上也好，总是一个样，一个味，让人听了过耳即忘，缺少心灵的共鸣和艺术的回味，更有甚者太缺少艺术修养和文化修养，把各种风格的歌曲混淆在一起，使之南腔北调，南辕北辙，与原作差距甚远。造成这些现象的理由主要是歌唱者没有很好地在歌唱前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等进行细致的分析和了解，没有能恰如其分地用自己的歌唱技巧来表达作品的风格
因此歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格(也就是演唱风格)。当然与其它姐妹艺术相比，音乐的风格具有更多的抽象性。音乐是无形的时间艺术，而绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术，因而他们的风格往往比音乐更容易一目了然。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解和风格的把握，因为风格的形成，主要就是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来，能把音乐的全部涵义，让听众“一耳了然”的。
比如演唱勃拉姆斯的作品，他的作品重视和反映德奥民族特点，体现民间诗歌和语言特色。演唱他的《摇篮曲》要注意平稳、连贯地气息制约声音，音量不易太大，唱出柔和委婉的声音效果。表现出母亲对孩子的怜爱和美好的祝愿。切忌伴随着音高的移动，提喉、挤嗓子，使音色不统一、不流畅，破坏了作品的意境。演唱自始至终要保持温柔、充满疼爱的心情，营造出母爱的朴实与伟大。
再比如演唱黄自的艺术歌曲《玫瑰三愿》、《思乡曲》、《燕语》这三首艺术作品充分体现了调式调性转换、临时变化音、临时移调等。以增强乐曲的色彩变化而常用的创作手法。德奥的艺术歌曲作品中运用调式调性转换的创作手法，以调式调性转换、临时变化音的色彩运用和歌词的韵律紧密结合，非常恰到好处的描绘了歌曲内容的意境。
当演唱到《玫瑰三愿》中“我愿那红颜常好莫凋谢”中的高音“红”字，声音既要有力度又不能喊叫;音色既要亮又要柔;既要体现少女渴望幸福的热烈心情，又要唱出当时封建社会背景下的压抑心情。所以我们演唱的声音处理必须亮而不艳，体现压抑的心情。只有亮而圆润的音色，加上运用自如的气息配合，以及对歌曲意境的理解，对音乐风格的把握，才能把黄自先生的中国的“玫瑰三愿”表达得淋漓尽致。
总之，当一首艺术歌曲摆在我们面前时，我们应该怎样去看待这部作品，怎样在会唱、学会的基础上去做到完整的表达，这些是需要我们从歌曲的各个不同层面，各个不同角度去体验，去提炼，直到将作品了解到一个更深的层面。演唱者除了要具备较高的演唱技巧与艺术修养，艺术歌曲的特质决定它的演唱者必须具有良好的音质，细腻的声线，清晰的咬字与恰当的情绪表达能力。因此能否唱好艺术歌曲是衡量一名合格歌唱家的重要标志。
参考文献：
[1]沈湘著，沈湘声乐教学艺术，上海音乐出版社，1998
[2]石惟正，声乐学基础，人民音乐出版社，2002
[3]李林，论黄自艺术歌曲创作之特征，菏泽学院学报，2005
教 授(按汉语拼音排序)：蒋立平 苏 斌
副教授(按汉语拼音排序)： 陈 勤 田 园 王 健 祝炼坪 匡 昉
陈泱泱
职称:讲师 院系:钢琴系
陈泱泱，女，湖南长沙人。钢琴系讲师。1988年考入考入武汉音乐学院附中，1994年进入武汉音乐学院钢琴系，1998年获学士学位，并留钢琴系任教。曾先后师从多位中外专家、教授，如：乌克兰钢琴家芭波娃卡琳娜教授、苏霍姆尼诺夫教授、白俄罗斯钢琴家列奥尼特教授等。2003年，考入武汉音乐学院研究生部，攻读硕士学位研究生，师从著名旅法钢琴家许忠。曾于1998年成功举办个人钢琴独奏音乐会。曾于2001年及2002年先后两次赴法国参加枫丹白露艺术夏令营的钢琴大师班学习。
所担任课程由钢琴主科，数码钢琴机体课。除教学工作外，一直担任钢琴艺术指导工作，曾赴北京为我院参加“第二届全国长笛比赛”的选手担任伴奏；代表学院赴天津参加“第二届全国艺术院校钢琴艺术指导研讨会”；为竹笛大师詹永明先生的独奏音乐会担任钢琴伴奏等。还经常参加钢琴系举办的一系列专场音乐会，如参加钢琴家许忠与钢琴系教师四手联弹专场音乐会；举办纪念莫扎特诞生250年专场双钢琴音乐会等。
陈勤
职称:副教授 院系:钢琴系
陈勤，男，汉族，钢琴系副教授、湖北省音乐家协会会员、湖北省钢琴考级评委会评委、湖北省钢琴学会理事。
1989年毕业于武汉音乐学院附中，师从陈婉教授；1993年毕业于武汉音乐学院钢琴系，师从陈婉教授，同年留校任教至今。曾先后师从多名外国钢琴专家，如：加拿大钢琴家舒尔茨教授、白俄罗斯钢琴家列奥尼特教授、加拿大钢琴家阿兰·弗雷泽教授等。曾多次在武汉音乐学院编钟音乐厅、湖北大剧院举办各种形式的钢琴专场音乐会演出。
在教学中成绩显著，学生在德国“威斯巴登”国际比赛、全国“星海杯”比赛、中法“咪多”钢琴比赛、“海资曼杯”东方青少年钢琴，键盘大赛等获得奖项。多篇学术论文也在国内重要刊物上发表，如《黄钟》、《江汉大学学报》、《湖北教育》等。参与完成了院科研项目《麦克道威尔练习曲》的研究工作。此外，还多次参与湖北省钢琴辅导丛书诠释的编写工作。
曾获第二届亚洲青少年音乐比赛园丁奖，中法咪多比赛园丁奖， “海资曼杯”东方青少年钢琴键盘大赛园丁奖等。
胡杨
职称:副教授 院系:钢琴系
胡杨（1973——），男，汉族，硕士，副教授，钢琴系主科教研室主任。
1988年考入武汉音乐学院附中师从于姚敬庄副教授（现任教于中央音乐学院附中），1995年从武汉音乐学院钢琴系毕业，获文学学士学位，同年任教于武汉音乐学院。1999年在职考入武汉音乐学院研究生部，师从于武汉音乐学院副院长、著名作曲家彭志敏教授和钢琴教育家、武汉音乐学院钢琴系主任蒋立平副教授，2002年获音乐学专业钢琴演奏方向硕士学位。2004至2005年由国家留学基金委公派赴俄罗斯圣彼得堡国立音乐学院留学进修，随俄罗斯著名钢琴家、人民艺术家V杰涅索夫教授和A瓦西里耶娃教授学习。
在校期间曾先后随白俄罗斯国立音乐学院钢琴系主任、著名钢琴家R彼得洛维奇，美国钢琴家S赫波特博士等外国专家学习钢琴演奏，2002、2005年在武汉音乐学院音乐厅成功举办个人独奏音乐会。科研成果有：《俄罗斯现代钢琴艺术研究》，2005年4月湖北省教育科学规划研究课题。
撰写论文：
《作为完整系统的肖邦前奏曲OP28及艺术特色》发表在《黄钟》2000年
《与拉赫玛尼诺夫音画练习曲OP33有关的一些特点》发表在《黄钟》2002年
《圣彼得堡音乐学院钢琴专业教学简论》发表在《黄钟》2005年
《四季——在俄罗斯留学的日子》发表在《黄钟》2005年
立平
职称:教授 院系:钢琴系
女，汉，武汉音乐学院钢琴系主任，教授，硕士生导师。湖北省音乐家协会会员。湖北省钢琴考级评委会副主任。湖北省钢琴学会副会长。湖北民族学院名誉教授。
曾担任香港第二届中国作品钢琴比赛赛委副主任、评委；担任香港TOYAMA亚洲青少年国际钢琴比赛评委；担任上海“大剧院杯”少年儿童钢琴比赛评委；担任第65届施坦威国际青少年钢琴比赛评委（华东、华中赛区）。担任第八届、第十届“星海杯”全国少儿钢琴比赛评委；担任第一届、第二届鼓浪屿全国少年钢琴比赛评委等。
曾负责完成了《双钢琴演奏技术与教材建设研究》的院级科研项目；曾参与完成了《新型高科技电子乐器的演奏技术、技能训练的理论与实践》的省级科研项目；现正主持《武汉音乐学院钢琴作品集成及演奏研究》的省级重点项目的研究。曾在《黄钟》、《音乐探索》、《天籁》等学术刊物中发表论文、译文多篇。主要论文有：《注重培养钢琴学生的立体思维的能力》该论文曾获湖北省高校艺术教育类论文评选一等奖；《双钢琴演奏技术研究》；《钢琴学习中音乐分析的重要性》；《论巴赫三套世俗性钢琴组曲的风格特征及演奏技巧》；《论斯特拉文斯基钢琴奏鸣曲的创作特点及其演奏风格》；《论钢琴演奏中的层次问题》等。译文：《罗季翁谢德林24首前奏曲与赋格》。著作有：《电子琴演奏手册》（合著）。此外，还在湖北省钢琴考级辅导丛书中撰文多篇。
曾应邀赴美国进行学术交流，曾率学生赴日参加“滨松国际钢琴比赛”。
曾获香港第二届中国作品钢琴比赛园丁奖；北京“海资曼杯”东方青少年钢琴、键盘乐器大赛优秀园丁奖；“蒲公英”全国钢琴比赛园丁奖等。
匡昉
职称:副教授 院系:钢琴系
匡昉，女，生于1968年，自幼随外祖母柯央教授学习钢琴。1980年考入武汉音乐学院附中，师从陈婉教授，1986年以优异成绩直升大学本科。1988~1989年考入加拿大钢琴教育家威廉·舒尔茨教授专家班学习。1990年大学毕业后分配到广西艺术学院音乐系任教。1995年考入武汉音乐学院研究生部，攻读“钢琴演奏与教学研究”硕士学位，师从蒋振瑞教授、赵德义教授。1996年进入专家班，得到白俄罗斯钢琴家尤什克维奇·列奥尼特·彼得路维奇教授的悉心指导。1997年5月成功举办了毕业独奏音乐会，同年获得文学硕士学位，毕业后留校任教至今。现任武汉音乐学院钢琴系副系主任、副教授。
工作之余，撰写并发表了多篇论文，如：《贝多芬〈“热情”奏鸣曲〉演奏中的结构感觉》、《中国钢琴作品织体的民族风格六议》、《论贝多芬〈“热情”奏鸣曲〉演奏中的音色联想》、《贝多芬〈“热情”奏鸣曲〉演奏版本之比较研究》、《关于采用钢琴专业“小组课”教学的思考与尝试》等。
巍
职称:讲师 院系:钢琴系
罗巍，女，汉族，钢琴系讲师。湖北省钢琴学会会员。
2003年毕业于乌克兰敖德萨国立音乐学院钢琴与理论系，师从钢琴教授A吉利斯基和钢琴教育家E卡娃连卡教授，获硕士学位。
2000年获敖德萨国家音乐研究院“吉利尔斯”钢琴比赛优秀奖。2003年代表敖德萨国立音乐学院参加在基辅举行的第二届“21世纪艺术”国际钢琴重奏比赛，获第二名。2003年五月被授予乌克兰国家钢琴演奏专业“演奏家”称号。曾成功举办个人钢琴独奏重奏音乐会，参加了各种形式的专场音乐会，并多次担任钢琴艺术指导。
现担任钢琴系主科教学工作。
鲁晓玲
职称:讲师 院系:钢琴系
鲁晓玲（1980——），女，汉族，钢琴系手风琴专业讲师。
1999年从天津音乐学院键盘系毕业，获文学学士学位，同年任教于武汉音乐学院。2001年在职考入武汉音乐学院研究生部，2003年获音乐学专业手风琴演奏方向硕士学位。2004年由国家留学基金委公派赴俄罗斯进修。
曾先后师从于我国著名手风琴演奏家、教育家王域平教授，莫斯科师范大学V罗金教授，莫斯科格涅辛音乐学院、国际手风琴大师Lips教授。曾在1998年成都“美视”杯国际手风琴大赛中获青年组第二名，国内赛青年组一等奖；在2002年天津国际手风琴比赛中获“演奏特殊才艺奖”。1999年作为国内最早的巴扬（键钮式双系统自由低音手风琴）演奏者赴德国参加克林根塔尔国际手风琴比赛，获得专家好评。曾多次举办个人独奏音乐会及参与专业音响资料的录制工作。
论文《手风琴复调作品演奏中的风箱处理》发表在《黄钟》2003年第1期。
苏斌
职称:教授 院系:钢琴系
男，汉，武汉音乐学院钢琴系教授，院学术委员会委员，硕士生导师。
1972年入湖北艺术学院（现武汉音乐学院）附中，学习钢琴专业，师从陈婉教授；1978-1980年考入中央音乐学院钢琴系专修班，学习钢琴专业，师从杨峻教授；1983-1988考入武汉音乐学院作曲系，学习作曲理论专业；1987-1989年入上海音乐学院作曲指挥系，学习钢琴艺术指导、总谱读法，同年考入YAMAHA株式会社上海音乐学院高级电子琴师资训练班，随日本著名电子琴演奏家日野正雄先生学习；1996、1998连续两年在白俄罗斯钢琴专家班学习；1999年在瑞士爵士乐专家班学习。
曾负责完成了省级科研项目《新型高科技电子乐器的演奏技术、技训练的理论与实践》的研究工作。参与了《双钢琴演奏技术及教材建设研究》、《特殊节奏训练》的院级项目和《武汉音乐学院钢琴作品集成及其演奏研究》的省级重点项目的研究工作。曾在《钢琴艺术》、《黄钟》、《音乐探索》等学术刊物中发表论文、译文多篇。主要论文有：《罗季翁谢德林25首前奏曲的构思特点与演奏风格》；《双钢琴演奏技术研究》；《论总谱读法中的移调弹奏技术》；《钢琴学习中音乐听觉训练的若干问题》该论文曾获湖北省高校艺术教育类论文评选二等奖。译文：《罗季翁谢德林24首前奏曲与赋格》。著作有：《电子琴演奏手册》。此外，还在湖北省钢琴考级辅导丛书中撰文多篇。
曾获“全国第四届音乐作品评奖”优秀演奏奖；香港第二届中国作品钢琴比赛“园丁奖”；北京2005“海资曼杯”东方青少年钢琴、键盘乐器大赛优秀园丁奖。创作的钢琴曲《木偶进行曲》获“全国首届少年儿童钢琴作品评奖”二等奖。
田园
职称:副教授 院系:钢琴系
女，汉族，钢琴系副教授、艺术指导教研室主任。中国音乐家协会湖北省音协钢琴考级评委会评委。
1990年毕业于武汉音乐学院钢琴系，并留校任教至今。曾先后师从多位中外专家、教授，如：加拿大专家舒尔兹教授、乌克兰钢琴家，布加耶夫斯基教授、苏霍姆尼偌夫教授、白俄罗斯钢琴家尼奥尼特教授等。曾成功举办个人钢琴独奏音乐会，及各种形式的专场音乐会。
除教学工作外，一直担任钢琴艺术指导工作，多次代表武汉音乐学院参加由文化部举办的全国各种类型的器乐比赛，并使选手在比赛中取得了较好的成绩。还先后多次为来汉举办音乐会的加拿大、法国、等国的器乐演奏家担任艺术指导。在国内多家权威学术刊物上发表论文多篇。
王健
职称:教授 院系:钢琴系
王健，男，汉族，1961年3月生，高级演奏家文凭（硕士），武汉音乐学院钢琴系书记，教授，硕士生导师，中国音乐家协会会员、湖北省钢琴考级专家评委会副主任、湖北省音乐家协会表演委员会委员。
1984年毕业留校任教至今，培养了许多优秀的钢琴演奏人才，在全国各地大专院校、艺术中心任教，多名学生在美国、加拿大、奥地利、白俄罗斯、香港等国家和地区留学。多名学生在不同层次钢琴比赛中获奖，如：匡力 2001年11月参加日本第七届国际高中生钢琴比赛获复赛奖；2002年参加香港柴科夫斯基钢琴大赛国内选拔获第二名；香港决赛获第四名；除教学工作以外，还一直担任钢琴艺术指导，为武汉音乐学院参加由文化部举办的国际声乐比赛国内选拔赛选手江明、丁平、黄灏、李大新等担任钢琴伴奏，曾获“最佳伴奏奖”。先后为德国、加拿大、美国、日本等国歌唱家来汉举办音乐会担任钢琴伴奏。为我国著名声乐教育家沈湘教授、周小燕教授来汉举办声乐大师班担任钢琴伴奏。
1996年9月—1997年12月，先后随白俄罗斯和美国钢琴专家班学习。1997年12月，作为武汉音乐学院领队赴香港参加钢琴比赛。2001年11月，随武汉市外事代表团赴日本考察和交流。2003年1月—2004年5月，赴加拿大多伦多音乐学院钢琴系攻读高级演奏家文凭（硕士），师从著名钢琴家亚历山大·盖茨教授学习钢琴演奏及教学法，师从著名的指挥家、钢琴家威廉·肖可夫教授学习歌剧艺术指导，为国际著名的意大利歌剧大师在加拿大举办歌剧大师班担任钢琴伴奏。2004年5月，在多伦多赫利孔山音乐厅举办了毕业音乐会，当地《世界日报》、《星岛日报》等众多媒体进行了报道。
多篇论文在《黄钟》、《琴童》等刊物发表，编著《钢琴音乐教程》（由武汉大学出版社发行）、担任湖北省《钢琴考级教程》副主编（长江文艺出版社发行），策划和监制《钢琴考级CD》（扬子江音像出版社发行）。
吴怡青
职称:讲师 院系:钢琴系
吴怡青，讲师。自幼师从陈婉教授学习钢琴，1989年考入武汉音乐学院附中并以优异成绩毕业。1995年考入香港演艺学院师从钢琴教育家、英国伦敦皇家音乐学院院士、香港钢琴教师协会主席、驻院艺术家黄懿伦女士,1999年赴新加坡学习，2000年获澳大利亚昆士兰音乐学院优秀海外留学生奖学金，赴该校随钢琴系主任、著名钢琴家StephenSavage教授深造，主修钢琴，并副修钢琴教学和重奏。留学期间，先后获演奏文凭、深造演奏文凭、音乐学士学位、硕士学位以及学位后深造文凭。
2003年回武汉音乐学院钢琴系任教， 2006年评为讲师。曾独自完成了院科研课题《古键琴课程的设立与教材编写》，同时在国内音乐院校中率先开设了《古键琴选修课》。以副主编身份参与编写《新编数码钢琴教程》，在《黄钟》杂志上发表论文《羽管键琴演奏之强弱表现》。
曾多次参与各种音乐会演出，合作举办钢琴音乐会；指导多名学生在“贝多芬钢琴大赛香港总决赛”、“舒曼钢琴大赛”、“莫扎特钢琴大赛”等比赛上获奖，被评为优秀指导教师。
张林
职称:讲师 院系:钢琴系
张林，女，武汉音乐学院钢琴系讲师。湖北省音乐家协会会员，湖北省音协钢琴考级评委会评委，湖北省钢琴学会理事。
1994年毕业于武汉音乐学院钢琴系，获学士学位，并留校任教至今。曾先后师从多位中外专家、教授，如：陈婉教授、加拿大专家舒尔兹教授、美国钢琴家桑德拉·赫伯特博士、白俄罗斯钢琴家尼奥尼特·彼得罗维奇教授、加拿大钢琴家阿兰·弗雷泽教授等。参加各种钢琴教材的编写工作，并多次在武汉音乐学院编钟音乐厅、湖北大剧院举办各种形式的钢琴专场音乐会的演出。
所教学生在香港莫扎特钢琴大赛、TOYAMA亚洲青少年音乐比赛、中法“咪多”钢琴比赛、全国星海杯钢琴比赛、“雅菲德”钢琴比赛等赛事中获得奖项。在国内多家学术刊物上发表《意象之意象》、《让手指去歌唱》等多篇论文。
张莹
职称:讲师 院系:钢琴系
张莹，女，硕士，中共党员，出生于1978年12月。现为武汉音乐学院钢琴系讲师，兼任学生辅导员工作。曾就读于武汉音乐学院附中、钢琴系本科，2001年考入武汉音乐学院攻读钢琴演奏与教学硕士学位研究生，师从张有成教授和钱仁平教授，同时还接受许忠先生的指导。2003年毕业后留校任教至今。
自工作以来，承担钢琴系本科、附中、附小钢琴专业教学任务，并一直兼管本系学生工作，同时还应邀参加各类演出。科研成果有：《巴赫〈d小调半音阶幻想曲与赋格〉的版本及形态研究》，2005年4月参与湖北省教育科学规划研究课题——音乐考试学研究与实验。
另担任湖北省钢琴协会公关部部长，参与《钢琴考级教程》编委和演奏录音工作。
祝炼萍
职称:副教授 院系:钢琴系
女，汉族，1982年毕业于武汉音乐学院，现任武汉音乐学院钢琴系副教授、硕士生导师。
曾先后跟随国内外六位钢琴家、钢琴教育家学习。1991年获文化部、广电部、中国音乐家协会等联合颁发的“优秀伴奏奖”。2002年随“东方交响乐团”出访欧洲，在奥地利维也纳“金色大厅”、德国法兰克福“世界剧院”等参加新年音乐会演出。
参与中、外民歌精选伴奏带的录制、主编钢琴教材两套、发表论文多篇。所授学生分别在德国“威斯巴顿国际钢琴比赛”、香港“莫扎特钢琴大赛”、“贝多芬钢琴大赛”、“柴科夫斯基钢琴大赛”及全国“海之曼杯”、“星海杯”等赛事中获得一、二、三等奖及优秀奖。为大专院校培养了许多教师，多名学生在加拿大、澳大利亚、俄罗斯、乌克兰等国留学。 曾担任“第十二届香港亚洲钢琴公开赛”评委，多次获全国、香港钢琴大赛“优秀教师奖”及“园丁奖”。
希望采纳
小提琴不仅是管弦乐队中最重要的乐器，同样在室内乐，民谣乐，爵士乐等领域散发其迷人的魅力。因为它是多才多艺的，既能唱出悠扬如诗般的曲调，又有时让人感到耳花缭乱。 小提琴属于弦乐器，音域至少三个八度，琴身由木材制成，琴弦则由纯钢制成。它的长度是多种多样的，但琴身常在36厘米左右。 小提琴是四根弦的乐器，通过琴弦振动发声，现代的小提琴源于16世纪欧洲早期的四弦琴。 意大利的小提琴是世界上最好的，特别是阿马提家族的。在小提琴制造的过程中，琴弦要经受77公斤向下的重力。 现代的管弦乐团通常有大约有24把小提琴，分成第一小提琴和第二小提琴两个部分，在演出中小提琴的任务要比任何其它乐器都重。它们的发音清澈脱俗，经常与其它的乐器形成鲜明对照。 小提琴也是至高的室内乐器，许多作曲家为它精心谱写乐曲。其中，弦乐四重奏的配置是最佳的，它用两把小提琴，一把中提琴，一把大提琴。在这一组合中，小提琴在其它提琴家族成员的协奏下无疑显得高贵且游刃有余。小提琴在乡村乐的应用是很有名的，发展于美国南部，是英国移民喜闻乐见的乐器，如今被继承下来。这种以小提琴为主的乡村乐，滑音和双音等装饰音用的相当普遍，其中有越来越快的演奏，可以让空气充满幻想与激情。 用弓来拉两根弦可以演奏双音和弦。在有些情况下，要用指来弹拨弦。双滑音则要在拉弦的同时用手指在琴弦上游动。 小提琴简 介乐器名称：小提琴（Violin）应用谱号：高音谱号，不移调记谱。结构组成：琴身（包括琴头、琴颈、指板和共鸣箱）、 琴弦系统（包括弦轴、挂弦板、琴马和琴弦）和琴弓。使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造的音色最佳；琴弦：金属丝；琴弓：马尾。乐器特色：属提琴族乐器中的高音乐器，艺术表现力丰富，音色优美、表达含蓄、变化多端，具有歌唱般的魅力。 小提琴是一切弓弦乐器中流传最广的一种乐器，也是自17世纪以来西方音乐中最为重要的乐器之一。现在的四弦小提琴是16世纪从老式的三弦小提琴发展来的，1650-1730年间经斯特拉迪瓦里、阿马蒂和瓜尔内里等家族加以改进而臻于完美。再后来的改良包括加长指板，增加腮托，用钢丝和尼龙丝取代肠线琴弦等。 意大利的小提琴是世界上最好的，特别是阿马提家族的。在小提琴制造的过程中，琴弦要经受77公斤向下的重力。 小提琴是最具表现力的乐器之一，演奏技巧极其丰富，作曲家们经常用以引发作品的基调。
尘缘中琴声，月皎波澄。神怡心旷之际，忽一阵微风起伏。远远传来屡屡琴声，悠悠扬扬，一种情韵却令人回肠荡气。虽琴声如诉，所有最好的时光，最灿烂的风霜，而或最初的模样，都缓缓流淌起来。而琴声如诉，是在过尽千帆之后，看岁月把心迹澄清，是在身隔沧海之时，沉淀所有的波澜壮阔。在懂得之后，每一个音符下，都埋藏一颗平静而柔韧的心灵。
相遇的甜蜜、孤单的苦涩，都是你我的回忆。缤纷、透明，令人玄感沉醉的诗调属于你的音乐情歌！带你梦回初恋、梦回家园、梦回那生命的朝露，在琴音的怀抱中甘甜休憩—纯美的钢琴声、诉尽无限的爱恋。优雅的钢琴演奏，能唤回你对那些曾经爱过的地方的美好回忆
钢琴世界，用行云流水般的音符阐释浪漫情怀。完美的音效、精彩的演奏，给你超值的音乐享受。
[编辑本段]简介
钢琴英文名是Piano，Piano是pianoforte（有强弱变化的哈泼西考特） 的简称原名：哈泼西考特 其机械装置有：键盘，击弦机，琴槌， 制音器，琴弦和踏板。现代钢琴的键盘达七个八度，最低音为A2；也有再加一个小三度的，最高音为c5（88键）。 钢琴第一次用于独奏乐器是在1768年JC在英国的一次演出。 现代钢琴因形状和体积的不同，主要分为立式钢琴和三角钢琴。音乐会所用的大三角钢琴是乐器中的庞然大物，有9英尺长，最重的可达79吨。迄今为止最昂贵的钢琴是一架1888年生产的斯坦威（steinway）牌 三角钢琴，1980年在纽约以18万英镑的高价被拍卖。钢琴因其独特的音响，88个琴键的全音域，历来受到作曲家的钟爱。在流行、摇滚、爵士以及古典等几乎所有的音乐形式中都扮演了重要角色。
立式钢琴价格便宜，占用空间小，成为爱好者的购买对象。三角钢琴（grand piano）则用于大型演出或专业人士。立式钢琴采用一种琴弦交错的设计方案，有效地节约了高度与厚度。在此之前的立式钢琴高度达24米。现在的只有1-2米高。三角钢琴有 27米长。 应用谱号：高音部：高音谱号，不移调记谱； 低音部：低音谱号，不移调记谱。 结构组成：由琴弦列、音板、支架、键盘系统（包括黑白琴键和击弦音棰）、踏板机械（包括顶杆 和踏板）和外壳共六大部分组成。 使用材质：琴弦列：高、中音琴弦由钢丝制成；低音琴弦由钢丝加上紫铜缠丝制成。音板：木质结构。 木材要求质地柔软、有弹性、易传导振动，以白松或 梧桐为最佳。支架：包括铸铁支架和木支架两部分。键盘系统：黑白琴键由象牙或电木制成；音棰常用木制。 踏板机械：金属结构。外壳：漆饰木板结构。乐器特色：音域宽广，音量宏大，音色变化丰富，可以表达各种不同的音乐情绪，或刚或柔，或急或缓 均可恰到好处；高音清脆，中音丰满，低音雄厚，可以模仿整个交响乐队的效果
[编辑本段]钢琴的起源
钢琴是一种键盘乐器，用键拉动琴槌以敲打琴弦。从十八世纪末以来，在欧洲及美国，钢琴一直是最主要的家庭键盘乐器。钢琴发源于欧洲，十七世纪末，意大利人克里斯多佛利(Bartolommeo Cristofori)发明的一种类似现代钢琴的键盘式乐器。至今已有三百多年的历史。
“在所有乐器中，钢琴最像机器。它简直就是一种机器，人用手操作的机器。其尊容谈不上优美，故此画家们很少让它入画。然而人机结合，人机相遇，它忽地灵通了!能弹了贝多芬，如哲人之沉思雄辨；弹肖邦，如吟诗；弹德彪西，如作画。它竟兼有了诗人、画家、哲人、鼓动家的功能。尼采、托尔斯泰、阿道尔诺们爱之，弹之，当然不是没有缘故了。” “想想看吧，世无钢琴，我们也就没有莫扎特的二十几部钢琴协奏曲了；也就没有贝多芬的奏鸣曲了；没有肖邦的那些钢琴诗了；德彪西的‘钢琴画’也就不可得而赏之了。那人间将是何等的荒凉、寂寞!”辛丰年先生在《钢琴文化300年》中的论述不但精辟地道出了钢琴的外型、内涵和精神，更道出了钢琴不可或缺的社会功能。
钢琴之所以成为乐器大家族中的“王者”，是人类的精神文明及科技文明的发展所赋于它的，钢琴作为乐器的出现，是人类社会生活的需求，钢琴的发展更从一个侧面反映了人类社会精神生活不断发展的状态。钢琴作为物质基础，为音乐家的创作提供了条件，音乐家创造发展的钢琴文化又促进钢琴结构功能的进一步成熟。由此我们说钢琴是钢琴文化的不可分割的一部分，了解钢琴、认识钢琴，也就成为了一个音乐人认识钢琴文化的必须了。 通常人们认为钢琴有近300年历史，即1709年由意大利制琴大师B·克里斯托福里所创制的现代钢琴的前身。在以后的200多年，又不断改进完善，方成为今天我们看到的现代钢琴。然而，钢琴的整个演变过程可以追溯到600多年前，即现代钢琴出现之前，钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。现代钢琴的前身只是1709年古钢琴质的发展与飞跃。若没有古钢琴所发展的“量”的积累，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。
钢琴的起源，最早可追溯到古埃及与古西腊的弦什(一弦琴)。将弦什的琴弦不断增加，逐渐形成了多弦乐器。进而多弦乐器又演变成两种演奏形式的乐器。一是以手指拨动琴弦发音的多弦乐器。后与键盘结合成为拨弦古钢琴。另一种是以手指拨动琴键，装置于键尾的小槌击弦发音的古钢琴。这两种乐器都是现代钢琴的鼻祖，故统称之为古钢琴。
1拨弦古钢琴
拨弦古钢琴——哈普西科德(Harpsichord)在音源与演奏形式这两大特征上，都与击弦古钢琴有着完全相同的特征。就是外型上也基本一致，乃至今天我们仅从外型上难以分辨它们是哪一种琴。两种古钢琴在外型、音源、演奏特征上是一致的，但它们演奏所发出的声音效果则完全不同。这是由于激发琴弦方式的不同使然。拨弦古钢琴是在键盘的尾端装有拨弦的装置，其拨弦的拨子是以金属薄片包裹皮革制成，也有使用禽鸟的羽翎作为拨片，故也称这种琴为羽管键琴。按动音键而拨弦，十指可同时并用，弹奏出各声、复调音乐。这种激发音弦的方式有其不可克服的缺点。首先，拨弦的方式使其音量、音色难以变化，且不可克服在拨动弦时产生拨动噪音。又由于拨片在琴弦上停留的时间不可能如击弦弦槌在琴弦停留的时音那样短促(03秒)，所以琴弦不能充分振动，声音较弱而短促。这些缺点决定了它音乐表现力的不足。但其纤细而韵味十足的音色自有其独特之处，在古代的宫廷室内乐为代表的音乐形式盛行时，这种独具特色的音质有着无可替代的功能，其能在音乐历史舞台中风光300来年就证明了这一点。
2击弦古钢琴
击弦古钢琴称为科拉维科德(Clavichord)，它无论从音源、演奏形式、激发琴弦的方式都更接近现代钢琴。但是由于它的结构过于简单，一没有三级杠杆的传动方式；二没有击弦后立即脱离琴弦的装置；三不能快速连续弹奏；四没有现代钢琴所具有“软中硬”的弦槌。以上4个方面正是现代钢琴击弦机键盘的主要特征。由于上述原因，击弦古钢琴的音量小而纤细，具有一种恬淡的金属音色，有些像敲击钢片琴的声音特色，听起来也有其迷人之处。在小范围的室内乐作品中有着其它乐器所难以替代的声音效果，乃至在1709年现代钢琴问世后仍在欧洲乐坛上活跃了100多年。随着现代钢琴的不断完善、社会生活的快节奏而出现的爵士乐、摇滚乐的需要，古钢琴——似柔弱纤细而又羞涩的贵妇人——也只能归隐于现代社会舞台的大幕之后了。 自19世纪中、末叶欧洲又兴起了复古之风，欧洲各大中城市保存完好的辉煌古建筑群落、文艺复兴时期的文学、美术、音乐……等古典文化艺术长久的生命力使古钢琴又再着盛装，走上舞台。这正是我们人类在快速前进的路途之中回首望去所发现的不该丢弃的宝贵财富。于是巴洛克时期的音乐重新奏响，古钢琴又翻开了新的篇章。诚然它不占据现代音乐舞台的主流，但是我们相信，它将为我们的精神生活增添晚霞的壮美。这些古老的文化遗产当然不应被遗弃，因为它不仅为我们的生活增添了夕阳的壮美，使我们看到人类的先祖们所创造的文化，同时我们也更清醒地看到了现代乐器之丰富，现代乐器之王者——钢琴，那时，如日中天的辉煌。
[编辑本段]钢琴发展过程
17世纪到18世纪间，拨弦古钢琴在当时的音乐生活中有着相当显赫的位置，可以说是它的全盛时代。至18世纪初，欧洲大陆音乐迅速发展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家们的需要，因而逐渐被音量洪大的钢琴所取代。
钢琴的发明者是巴尔托洛奥克里斯托福里，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管波动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。 1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏；音域也增加为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作事们打开了通往成功之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。
德国管风琴师、制作师戈特弗里德西尔伯曼，在1730年根据一份绘制极不准确的意大利钢琴草图，借鉴克里斯托福里的发明，制造出德国第一架钢琴。他把这架琴送到音乐大师巴赫那里鉴定，巴赫却不屑一顾，只是说道：“触键太重，高音音色太弱。”，但他还提出了一些建议。在采用了巴赫的建议之后，于1747年又加以革新。同年，巴赫在波茨坦进宫晋见腓特烈大帝时弹奏了西尔曼的新型 钢琴。
西尔曼对钢琴改革的主要贡献在于对钢琴制音器的运用。他利用手动音拴使全部制音器离弦，以使钢琴的音响效果更丰富并具有一种神秘的色彩。对于我们今天的演奏家来说，这种性能在现在钢琴中是用脚迅速而敏捷地控制着，很难想象当时是用手来操作的。
钢琴虽诞生在意大利，却在德奥和英国得以发展成长。至18世纪中叶，人们对钢琴的制作工艺实行革新，以使其演奏性能日益完善。这一时期，西尔伯曼及其子弟在钢琴的变革中起着主导作用。
西尔伯曼的名徒被称为“十二弟子”，他们分别制造出两种不同风格的钢琴，即“维也纳式击弦机钢琴”和“英国式击弦机钢琴”。他们具有不同的机械性能和不同的音响效果，由此形成两大不同的钢琴制作流派。这两种流派，也对当时的音乐家们产生了具有历史意义的影响。 “维也纳式击弦机钢琴”的键盘触感较轻，能够弹出快速的音符，音色变化细微，在与管弦乐队协奏时，音色对比清晰。这正符合莫扎特温文尔雅又富有歌唱性的快板的音乐需要。
约翰内斯楚姆佩是西尔伯曼的名徒之一，他于1760年来到英国，成为著名钢琴制作师；他的产品被称为“英国式击弦机钢琴”。这种钢琴触键感觉较重，但声音浑厚深沉，正适合于克莱门蒂那坚实有力的音乐风格。 莫扎特和克莱门蒂当时是名声同噪的钢琴演奏家，由于他们演奏风格的不同，他们分别使用结构各异的维也纳式和英国式钢琴。1789年1月，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国国王的王宫里举行了世界上第一次钢琴演奏比赛，成为轰动一时的大事。这次比赛对提高钢琴在诸乐器中的地位起了重要的作用。
钢琴在它诞生的头一个世纪中经历多次改良。虽然开始它被形容为是锅炉工制造出的粗陋机械，少有优雅之色，在表现细腻的情感上逊于拨弦古钢琴和击弦古钢琴；但随着时代的变迁，音乐由巴罗克风格向古典主义演变，声音尖锐、古板、缺乏生机的拨弦古钢琴被音响丰富、细腻、洪亮的钢琴所替代。到18世纪后期，钢琴到19世纪钢琴已登上“乐器之王”的宝座。
3现代钢琴
现代钢琴主要有两种形式：一为直立式钢琴(upright piano)，一为三角平台式(grand piano)。直立式里有标准尺寸及小号直立琴，三角平台琴则有许多尺寸，从最小到演奏会使用的大型平台钢琴。早期钢琴中还有一种长的四方形样式及直立起来的三角形钢琴。钢琴基本上有八十五至八十八个琴键，钢琴有二至三个踏板，最重要的有两个，一个在右，叫强音踏板，促使所有断音装置被解除，令任何弦被击时能自由地震动，直到踏板被解放；在左边的叫柔音踏板，是一个能造出柔和的声音的踏板。
4 自动钢琴
自动钢琴最初形式（出现在19世纪末）是在普通钢琴前加用一部可移动的“演奏器”（player），外形极似一架小型足踏簧风琴，有一排65-88个“木手指”置于普通钢琴键盘上方。演奏器用打孔纸卷（打孔位置与钢琴谱相符）操纵；用足踏风箱鼓风，风通过纸卷缓缓转动的纸卷上的孔位，驱动机械连动相应的“木手指”击琴键奏出音乐。此后又有设计将外附的演奏器直接装置于钢琴内部，并可控制速度、力度、踏板等。自动钢琴在20世纪20年代的欧洲曾广为流行于家庭娱乐，有过两年内生产50万台的纪录；至30年代由于无线电及唱机的兴起，才渐被淘汰。但因为纸卷打孔在数量上不受人手十指的局限，钢琴上的音数和音域都可尽量发挥运用，故自动钢琴仍受现代作曲家的青睐。拉赫玛尼诺夫、德彪西、马勒、格什温、R•施特劳斯都曾为这一乐器写作乐曲，制成纸带，供演奏使用。
现代自动钢琴（出现在本世纪80年代） 随着电子技术的飞速发展，用集成电路和CPU控制钢琴自动演奏装置成为可能。用此基本原理投入钢琴自动演奏器的世界知名企业有美国的PIANODISC、日本的YAMAHA以及美国的QRS公司。其原理是利用计算机MIDI信号原理，把钢琴键盘的速度和力度信号以及记谱法转换成特定让自动钢琴CPU能识别的信号，驱动40V电力信号，让安装在键盘底端的动力部分推动钢琴的榔头发出声音。随着采样率的进一步提高，钢琴演奏的表现力大大丰富。在推动自动钢琴中国本土化的进程中，上海泛音钢琴技术中心、北京乐器研究所等企业，为自动钢琴的本土研发、技术引进做出了努力。
[编辑本段]钢琴的主要材料
钢琴是一种名贵的乐器，结构非常复杂，主要包括琴壳、共鸣板、键子、弦线、击弦锤、弦线钉等等。琴壳使用的夹板、共鸣板使用云杉和松木。
左手方面：按弦方法。现在常见的按弦方法有两种。一是用左手拇指附在中阮指板后方，食、中、无名、小指四根手指自然伸开，手掌呈半握拳式，指尖按于品条稍靠上的位置，手腕和大臂自然垂下。另一种方法，区别在于左手虎口，类似于演奏电吉他的掐把式按弦，将中阮指板掐在左手虎口正中，拇指置于指板上方，其他四根手指进行按弦动作，这种方法较有利于拇指在侧位同时参与按弦动作。在按弦动作进行中，手腕不可向前放弓起，大臂生硬翘起，左手的任何关节不可有凹进塌指的现象，手指要放松不可紧张。普通按弦 掐把式按弦指力问题。初学者在左手上最基础和最先要解决的问题就是指力问题，即手指的独立性问题。人的食、中、无名、小四根手指就好比是四个人一样，食指天生灵活而且强壮，中指性格独立、个子又高，无名指既被中指牵制同时又被小指拖累，小指体格短小瘦弱。在这样一个不平等的条件当中要将他们训练得相对平衡和独立就需要进行明确和具有针对性的训练。多加练习指力练习和活指练习曲，并要达到下述训练目的。第一，手指保持放松状态，指力集中于指尖，像小榔头一样自然落下；第二，落音要准，不可养成经常失误的习惯；第三，将手指练到“由凉到热”，练到有灵活、舒展、放松的感觉。综合练习：左手除了要掌握基本的泛音、揉、吟、打、带、滑等还要针对左手的横按、换把、跳把进行专门的练习。把位练习中要注意对左手腕子串把前的预备动作是否流畅自然，拇指杠杆作用应用是否合理等。针对常用的上、中、下、高音四个常用把位进行各调音阶、模进、琶音练习。左手各种指法和音阶琶音等练习可以参照林吉良老师的《林吉良阮拨弹法》，徐阳老师的《跟名师学阮》及刘星老师的《中阮---现代技巧应用》来找到练习曲进行有针对性的手指训练。三、左右手之间的配合在经过了长时间严格、枯燥的左、右手独立训练之后，这时是应该来检验双手基础训练是否训练到位的时候了。检验自己的大脑与左右手配合是否协调，左手落音与右手弹拨时机的把握是否得当。此时除了要练习机械枯燥的单一针对性练习曲意外还要逐渐增加带有乐曲性质具有双手配合强化目的的练习曲，由专样独立指法训练向综合指法训练重心转变的一个过程。这一类练习曲建议可以多借鉴小提琴练习曲来达到练习的目的，推荐《开塞》、《顿特》、《无穷动》（完整版）等作为训练双手配合的练习曲来进行练习。
世界最难钢琴曲排行榜
1．排名第一：
Piano Concerto No2 in B sharpminor,Op16-----Prokofiev
《第2钢琴协奏曲》----普罗科菲耶夫
普罗科菲耶夫第二钢琴协奏曲，G小调，OP．16，作于1913年，因当时同班好友斯密特霍夫自杀，故此曲呈献给斯密特霍夫，因原谱丢失，普罗科菲耶大1923年凭记忆再整理而成。
此曲1913年8月23日由普罗科菲耶夫主奏而首演。首演时，因为一直是节奏的激烈敲击与不协和弦的连续，曾遭许多人退席谩骂。多数报道称：“这种未来的音乐，送给魔鬼去吧。我们是来享乐的，我家的猫也会弹这种音乐。”而当时贾吉列夫正是听完此曲而邀请普罗科菲耶夫为他创作舞剧音乐，批评家卡拉蒂吉则称：“我确信10年后，听众会给这位年轻作曲家的天赋，报以相当的掌声来为昨日冒失的嘲笑赎罪。”
此曲共4个乐章：
第一乐章：小行板，G小调，奏鸣曲型的自由形式。
呈示部以弦乐拨奏和单簧管2小节序奏作引导，钢琴左手弹分散和弦，右手出现充满忧愁的第一主题。主题在木管与钢琴间一来一往后，移至快速音群。第二主题为小快板，钢琴弹出第二主题后，不断展开华丽的音型。移至长笛与双簧管、长笛与单簧管后，稍慢一点，以乐队合奏结束呈示部。发展部以钢琴在大提琴震音背景上展开第一主题华丽发展始，以快速达到高潮，平静之后再现部钢琴一出现第一主题立即结束。
第二乐章：谐谑曲，活泼地，D小调，三段体，为快速进行的托卡它型乐章。
第一段一开始就以强烈的钢琴主题为中心，弦乐拨奏，管乐作滑稽音型夹在中间。中段是伴奏的乐队不断奏跃动性乐念，钢琴不断继续托卡塔音型。
第三乐章：间奏曲，温和的快板，三段体。
第一段以乐队沉重步伐似的序奏始，钢琴进入作华丽发展。中段小提琴拨奏出明确主题并加以发展，钢琴一再奏滑奏音型，乐队与之交替，构成优美的音色效果。第三段把第一段要素作各种不同变化。
第四乐章：热情奔放的快板，G小调，A—B—C—B—A结构。
A以钢琴与长笛呈示自由奔放的旋律始，钢琴以敲击手法进入，与弦乐拨奏形成对比。B速度转慢，钢琴敲出一半和弦后，单簧管、低音管、大提琴奏出平易的俄罗斯风格的D小调旋律，钢琴继承后再交给低音管、双簧管，圆号又以逆行。C速度转快而进入快板，长笛与弦乐拨奏造成音型交叠，乐队咆哮和钢琴和弦构成高潮。平静后，在沉重的和弦后，钢琴独奏华彩，B段要素再现，到行板趋于平静，又变成快速音群，钢琴冥想性独奏。然后乐队形成尖锐的音响，回到热情奔放的快板A段曲趣，最后进入C段要素构成的短小终结部而结束。
2．排名第二
《Petrushka》Stravinsky
《彼得鲁斯卡》斯特拉文斯基
《彼得鲁斯卡》原为管弦乐曲，后来改编为钢琴曲，献给鲁宾斯坦。难度极高，沈文裕在英国演奏难度极高的《彼得鲁斯卡》时,当地的《当代音乐厅》杂志称赞他“技巧高超,音色变化之丰富,甚至超过了波里尼(著名钢琴大师)。”
第一乐章，俄罗斯舞：有节制的快板，C大调： 强烈而欢快的旋律具有明显的俄罗斯风格，主部主题为欢快的和弦，副部主题为颗粒性的G大调旋律。两个主题互相交织、变奏，难度越来越大，最后在强有力的和弦中结束。此乐章难度很大，技巧分别是快速地大和弦、高难度的触键、八度跳跃、大跳、三度、八度旋律。
第二乐章，彼得鲁什卡的房间：第二乐章跌宕起伏，时而诙谐、时而优美，旋律很滑稽，一会快一会慢，技术性极高，演奏这一乐章需要以下技巧：八度、触键、双手交替、震音、三对八、装饰音、快速音群、大跳、八度颤音、保持音+三度跳音、四对六、八度跨越、和弦震音、重复和弦。
第三乐章，忏悔节，生动的，D大调：第三乐章的旋律优雅而欢快。第一部分为6/8拍，一直以双音为主，旋律平静、纯洁；第二部分为3/2拍，D小调，小快板，有大量装饰音，旋律非常活泼、生动；第三部分为4/4拍和6/8拍，先是激烈急促的和弦，后半部则在C大调上再现了主部主题。第四部分为激烈而欢快的舞曲，2/4拍或6/8拍，有A大调、C大调、降E大调及降A大调，最后以一段超长滑奏结束全曲。本乐章所需技巧：震音、三度、八度、双手交替、大跳装饰音、大跳、快速和弦、和弦震音、装饰音、保持音+重复三度、快速音阶、滑奏、重复和弦、保持音+震音、重复音、八度跨越+大和弦、八度跳跃、和弦大跳、触键技巧、切分音、双手交替震音。
3．排名第三
Variations on a Theme from“Carmen”—Horowitz
卡门主题变奏曲---霍洛维茨
3/4或2/4拍，小快板，E小调卡门主题变奏曲是著名近代钢琴家霍洛维茨改编的炫技曲，先奏主题，再由主题进一步扩展，并将难度、技巧一次一次的加深。旋律轻快活泼，技巧亦十分的艰深，下面是本曲所有的演奏技巧：
触键、装饰音、三度、三度装饰音、大跳、保持音、不规则经过和弦、半音阶、切分六度、和弦跳音、快速和弦、大跨三度、超快不规则琶音、超快音阶、和弦大跳、双手交替+八度半音阶、和弦+六度+三度+双手交替、单双音+和弦、和弦+三度+八度、重复三度+连续三度、和弦+大跳+三度。
4．排名第四
Grand Fantasia “La Campanela”S420---Listz
第一改编曲《钟声大幻想曲》----李斯特
钟声大幻想曲是以帕格尼尼降B小调小提琴协奏曲为基础改编高难度炫技曲（不同于帕格尼尼大练习曲里面的那首《钟》）。
引子以柔和的行板开始，主题分别以行板和快板呈现，前者非常柔和，后者则富有幻想性；短暂平息后，突然速度加快，急促的三十二分音符，震音和快速音群，足以让人眼花缭乱，直到最后演绎成急板，在激烈的八度中直接进入“钟”主题；主题在A小调上呈示，活泼的跳音跟练习曲“钟”非常相似，主题在A小调基础上不断演变，最后生动的结束；接着开始了以“钟”主题为基础的变奏曲，演奏者此时也必须开始炫技，各种涟音、装饰音、双音、和弦不断反复，还有很多大跳，对手指考验极大；终结部是全曲最难的部分，演奏者以极快的速度进行着颤音、双音重复音、音阶，当然都是由主题发展而来的，最后达到高潮，全曲以激烈的急板结束。
5．排名第五
“Oriental fantasy”---- Balakirev
《东方幻想曲》----巴拉基耶夫
巴拉基耶夫是一位出色的钢琴演奏家，他弹琴都是凭记忆，从不看谱。
他创作了一套技巧性很高的钢琴作品，最著名者，就是这首《伊斯拉美》。这首《伊斯拉美》作于1869年由尼古拉·鲁宾斯坦首演。这是一首极难演奏的作品，是巴拉基列夫1870年到高加索地区采风的产物，这部作品的副标题为“东方幻想曲”。
其正主题是高加索达开斯坦地区勒斯基人的一种舞曲，激昂的快板；第二主题（仿佛是一个中段）则是巴拉基耶夫在莫斯科听一个歌剧演员演唱的一首歌曲的旋律。
这首作品为三段体：先是主奏，表达主题。主题是一段颗粒性的音群，非常明朗、愉快，奏出主题后是降B小调副部主题，然后是一段升C小调的复杂音群，之后再现副部主主题，接着主部主题以激昂的八度再现；然后是中段，奏出D大调充满感情的小行板，其旋律非常抒情，之后主题加入了琶音，听着有一种自由奔放的感觉，但随后加入的快速音阶打破了这一宁静，旋律变得局促不安，第一主题再次活泼的出现，旋律一点一点被演绎着，难度越来越大，曲子突然转成了2/4拍，最后演绎成急板，结尾处以双手强有力的搏击结束全曲。
这首曲子有很多高难度技巧，大量快速重复音及保持音，三度，大跳，双手交替和弦，琶音，跳跃和弦等等。因为其极高的难度，许多钢琴家把它当作一个挑战。
6．排名第六
Piano Concerto No 3 in D minor,Op 30----Rachmaninoff
第三钢琴协奏曲----拉赫玛尼诺夫，简称“拉三”。
作于1908—1909年，完成于1909年9月，呈献给钢琴家约瑟夫·霍夫曼，1909年11月28日拉赫玛尼诺夫赴美国自己主奏钢琴首演。
第三钢琴协奏曲以其浓烈的情感表达和艰深的演奏技术而闻名于世。该作品在钢琴协奏曲文献中占有重要的地位，被称为“钢琴协奏曲之王”。
拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》表现了最坚毅的俄罗斯精神与最强大的生命力，而作曲家本人的人格力量，也在这部作品中也得到最充分的展示：“拉赫玛尼诺夫是用钢铁和苋金铸成的，钢铁是他的手臂，黄金是他的心灵。”这正是拉赫玛尼诺夫的音乐最珍贵之处。
“拉三”被称为“世界上最难演奏的作品”是名副其实的。真实生活中的戴维在英国皇家音乐学院的教授西里尔·史密斯(Cyril Smith)，曾形容演奏一次“拉三”在体力上的付出等于“铲十吨煤”。1909年11月，拉赫玛尼诺夫本人作为钢琴独奏者在纽约首演时，也把自己这首协奏曲戏称为“大象之作”，以比喻其庞大与沉重。从各方面看来“拉三”都是作曲家的代表作“拉二”(C小调第二钢琴协奏曲)的延伸，但拉三”的演奏难度显然大大超过了“拉二”。
这是让人思考的音乐，这是鼓舞人奋进的音乐，这是上帝的音乐。当然这也是悲惨的过去，无奈的现实，美好的憧憬。
第一乐章：Allegro ma non tanto（不过分的快板，D小调，4/4拍，自由的奏鸣曲式）
尽管整个协奏曲的钢琴演奏部分难度令人生畏，但整曲的开端却异常的平和安详。弦乐与低音管轻柔的前奏让人联想到门德尔松的《小提琴协奏曲》。在这天鹅绒般的前奏铺垫下，钢琴以八度音程表现出俄罗斯民歌般质朴轻快的第一主题。这一主题深远绵长，在狭窄与蜿蜒之中渐渐扩大，荡漾着俄罗斯最为淳朴的风格。随后重心移到乐队，钢琴做装饰，纷繁复杂的音型，若颗粒般闪烁。之后是一段华彩，华丽的琶音结束了第一主题。
短暂平息后，单簧管和圆号出现新的动机，弦乐浑厚的演奏中展现出一种安然和高亢，在乐团和钢琴轻盈的交织之中形成第二主题。尔后由钢琴独奏。抒情的降B大调第二主题和富有流动性的安逸和和煦巧妙组合，和乐队依稀成一种含蓄。而后主题转入降E大调，旋律动荡起伏。这种不做作的起伏后，第一主题再出现于乐队，较第一次更深沉也更暗涩。
发展部，第一主题在各种调性中作变化，力度一点点渐强，好像有很多潜力在不断积聚、爆发，钢琴发出铿锵有力而坚定的搏击声，和乐队达到最高亢的音高，顶峰后，音色突然消沉，奏出宁静但显得忐忑不安的三度旋律。在几个略显诡谲的和弦后，钢琴以极快的快板进行华彩。
作者本人写作了两个华彩，其中，标记有“Ossia Cadenza”的华彩将第一主题以拉氏代表性的厚重和弦形式咆哮地奏出，难度相对较大，而另一版本的华彩则采用Toccata风格，轻快富于跳跃性，1909年此曲首演时，拉氏本人演奏的是Toccata版本的华彩。这两种华彩段虽然风格和长度迥然，但最后都回归为夹杂悲观情绪的和声，恢恢浩浩地消逝在孤寂的琶音之中。
再现部极似华彩，回忆般婉美。钢琴柔和的奏出副部主题旋律，纯洁的旋律和华丽的琶音组合在一起，极为柔美。尔后柔美的旋律渐渐变的阴郁，音色渐渐消沉。
最后的终结部，乐队再次奏出了第一主题，在钢琴和乐队变奏中，第一乐章静静的结束了。
第二乐章：Intermezzo，Adagio（间奏曲，柔板，A大调，3/4拍，间奏曲式，三段体。）
间奏曲大量存在着与协奏曲第一主题的关联。第一段，乐团空灵和哀愁的暗示下，双簧管奏出凄婉而柔美的第一主题。
在乐队凄美的衬托下，钢琴突然以三连音的狂想曲形式乐念加入，巧妙地转为降D大调，钢琴演奏出浪漫，和煦的音乐，些许孤独和寂寞，第一主题的旋律跌宕起伏，后来钢琴转入了升F小调直接把第二乐章带进中段。
进入中段，左手展开半音阶的滑奏，右手为强有力的和弦，加以乐队的伴奏，第二主题已被演绎成一首辉煌的赞歌，淋漓尽致中饱含豪情和狂放。之后乐团又回到平静，仿佛夜晚般平静的主题突然变得迅速。
音色转回A大调，钢琴灵巧的奏出如繁星般的旋律，小巧的快速音群如颗粒般。最后钢琴与乐团互相交替，乐队重现悲伤婉转的无声述说，音乐渐渐地消融。突然，钢琴发出强有力的搏击，带领乐队毫不间断地直接进入第三乐章。
第三乐章：Finale, Alla breve（终曲，两倍速度，2/2拍，D小调，奏鸣曲式）
整个乐章宛如七鬼附身，地焰扑于庭内，拥有来自地狱的最艰涩的技巧，也是全曲的顶峰。
在乐队迅猛的重复音背景上，钢琴奏出了D小调主部主题，具有节日的狂欢气氛。大量的重复音和快速音群之后，这个主题迅速的发展为一首强悍的进行曲，强拍上大和弦营造的蹬踏效果使人联想到了斯拉夫男性的踢踏舞。
连接部在C大调上出现，是由大和弦构成的连续切分音，具有哥萨克风格。G大调副部主题则和前面形成明显的对比，它的特点是宽广而舒展的，具有歌唱性。
紧接乐队引起的发展部，出现降E大调的谐谑曲风，钢琴志趣十足地浮动着，灵巧、诙谐的三度 旋律与优雅的琶音形成鲜明对比。之后钢琴奏出深厚而宽广的旋律，以诙谐的乐段作为跳板，深情地弹奏出宽广的和弦，尔后转入慢板，奏出第一乐章副部主题，抒情后渐渐开始不安，发展部主题疾风骤雨般再现，一段琶音后，动荡起伏的音乐开始归于平静。
再现部从C小调上开始，乐队饱满的行进着。再现主部主题之后，连接部和副部分别在降B大调和F大调上再现，副部主题此时速度更快，有了舞曲的性质。乐队和钢琴和弦忘情交织中骤然停止，之后进入终结部。
乐队节奏性地衬托中，钢琴进行铿锵的A小调八度急板，力度不断加强，在乐队抬升中全曲达到高潮，并由D小调转为D大调。
终结部是精彩而辉煌的，在简短的华彩段之后，钢琴以四声号角，唤起了副部主题的乐团全奏，此时的副部主题已经变成了一首庄严而辉煌的颂歌，钢琴的强奏大和弦像钟声般敲响——这是所有钢琴协奏曲中最辉煌灿烂的瞬间，乐队和钢琴奏出高昂的抒情，致高的满足，或者是真正协奏曲的光辉。
最后，乐曲速度转为急板，狂热的三连音从高音区倾泻而下，然后双手交替的快速华彩音型从低音区再次跃起。最后以乐队和钢琴强有力的和弦结束全曲。
7．排名第七
《死之舞》-------李斯特
"Dance of death"S126----Listz
李斯特为钢琴和乐队所作的《死之舞》，作于1839年，题献给自己的女婿汉斯·吉多·冯·彪罗。
此曲作于李斯特在意大利旅行期间。据说是他在比萨的寺院墓地“圣洁之野”看到奥卡纳的壁画《死的胜利》所得的灵感。此画描述代表死神的老妇人想把一群狩猎归途的盛装男女踩于脚下，而天使把一部分得救的运到天国，另一部分无法拯救的则由恶魔运到火山上，送入熊熊烈火。
此曲是中世纪古老圣歌《末日经》的变奏曲。《末日经》长久一直在罗马教会的弥撒中使用。全曲难度极大，对钢琴家的耐力与对不同风格的把握有很大挑战。
共5个变奏：
第一变奏为中庸的快板；
第二变奏钢琴左手进行主题，右手奏六连音符；
第三变奏活泼地，谐谑曲风格；
第四变奏慢板，钢琴以卡农的方式开始，接着有一段华彩，后速度加快至急板；
第五变奏钢琴以赋格方式开始，接着有长大的华彩，然后变成谐谑的稍快板，钢琴在快速表达中形成华丽的结尾。
8．排名第八
Suite《Gaspard de la Nuit》M55---Ravel
《夜之幽灵》组曲——拉威尔
《夜之幽灵》作于1908年，它是拉威尔根据贝朗特的诗歌而写的三首钢琴音诗：《水妖》、《绞刑架》、《幻影》，全曲结构像奏鸣曲的三个乐章，每首乐曲具有不同的音乐特色，《水妖》以旋律见长，《绞刑架》以和声取胜，《幻影》有极其复杂的节奏。它们构成一个整体，带有浪漫主义的神秘色彩。
水妖简介（最难的一个）
传说中水中女妖经常诱惑青年成其配偶，这首乐曲表现水妖倾诉她的爱慕与幽怨之情。
拉威尔很重视旋律的作用，他曾对他的学生——著名的英国作曲家沃恩·威廉斯说过：“在一切有生命的音乐中，都有一个含蓄的旋律轮廓”。《水妖》的旋律极其动人，它在2/4、3/4、4/4、5/4节拍的不规则变换中自由歌唱，刻画出神奇浪漫的印象主义意境。
音乐开始于两小节的引子，右手以缓慢的速度弹奏密集排列的三十二分音符增和弦，它在大三和弦及其半音之间不断交替、重复，力度轻柔，描绘出水波涟涟的迷人景象。
在这个音型的背景上，左手奏出抒情悠扬的主题旋律，带着一种遥远的美妙情思：在这里，拉威尔对于旋律的处理手法十分微妙，乐句通过细微的半音变化不断移调，色彩明暗相间，恍惚迷离。旋律与伴奏在同一音区，左右手经常相互交织在一起，音乐在微波荡漾的水面上起伏跌宕。
主题再现了，这时右手的增和弦音型不再拥挤在狭窄的音域里，它们跨越了三个八度，左手的旋律以八度的琶音奏出，宽广优雅，情绪激动起来。随后织体变化了，伴奏交给了左手，它以三十二分音符作华丽的级进上行和下行，其间时而插入密集增和弦的伴奏，右手的旋律带有典型的印象主义朦胧色彩：接着音乐的织体回到了最初，左手奏出一个新的旋律，气氛有点神秘：它的展开手法仍然是音区和伴奏音型的扩展。
主题又一次出现，第一次是在移高大二度的位置上，第二次在移低小二度的位置。音型逐渐活跃起来，力度渐强，当右手奏出八度旋律，乐曲第一次达到 f 的力度，热情奔放。
随即音乐反复几次作大幅度的渐强、渐弱，象潮水般涌起又回落，最终掀起激情的高潮。双手在三十二分音符的琶音中进行，波涛滚滚，心潮汹涌。
不久，音乐安静下来，力度极弱，但是波浪依然在隐约地翻滚着。主题再次诗意般地唱出，优美如画。
尾声中，辉煌灿烂的双手琶音一度高涨，继而越来越弱，最后音乐在平静的微波荡漾中结束。
绞刑架简介
这首乐曲的恐怖气氛受到诗人爱伦·坡的影响，描述了绞刑架上的尸首不断摇晃，抚弄着落日的寒晖。
《绞刑架》的篇幅较为短小，速度缓慢，全曲从头至尾踩弱音踏板演奏，织体丰满，和声丰富，正如拉威尔对法国钢琴家佩勒穆泰所说：“演奏我的钢琴作品，脑子里首先要有乐队音响的想象。”钢琴家基尔·马尔舍克斯也说：演奏《夜之幽灵》中的《绞刑架》，至少需要二十七种不同的指触。
音乐开始于右手八度同音反复的切分音型，这一音型贯穿全曲，单调呆板，象征命运的钟声，形象地制造出神秘可怕的气氛。在钟声里，左手以八度和弦奏响了主题，极其低沉：与此同时右手的织体也加厚了，音响十分饱满，它陈述了一次，接着钟声转到左手，右手奏出富于表情的旋律，仿佛是对主题的对答：它显得很凄凉、苍白无力，主题出现打断了它，在移高三度的位置上，它以双音再次与主题对答。随后音乐的织体加厚了，沉重的低音持续着，中声部交织着命运的钟声以及高声部的平行四度进行，高声部以丰满的和弦奏出主题的变形：中声部继续弹奏着单调的钟声，高声部与低声部和弦作反向进行。之后，织体逐渐变的单薄，最后只剩下钟声和单音的旋律：在不断的发展中，中声部时而奏出一个和弦，给音乐以色彩性的装饰，织体又一点点加厚，主题的变形再现了，此时它移低四度奏出。双手反向进行的音乐也再现了。最后，钟声回到了最高声部，左手奏出主题，力度很弱，音乐在孤单的钟声里结束。
幻影简介
这首乐曲充满了热烈浪漫的情趣，生动地表现了奇异诙谐的幻影形象。
首先开始于引子，左手在很低的音区轻声奏出三个音的动机，它贯穿于全曲的音乐中，是很重要的音乐素材：在短促的八分休止之后，右手弹奏和弦，左手伴之以快速的三十二分音符的同音反复，轻快活跃。接着，动机的三个音符分别在各个音区中陈述着，并引出一阵激烈的震音弹奏，它迅速地从 pp 渐强到ff，再作渐弱回到 pp ，很富有效果，此时音乐停止了。
在左手琶音的伴奏下，右手奏出了宽广歌唱的旋律：之后是一片不断反复的、烘托气氛的音型，活泼跳跃的音调出现了，它由引子的动机发展形成，以跳音演奏，十分可爱，它是乐曲中第一个重要的音乐形象：它在随后的发展中不断变化，最终形成快速进行的音流，音乐进入一个小高潮。
宽广如歌的旋律再次富于激情地唱出。音乐进入富于节奏活力的段落，这是乐曲中的第二个主要音乐形象，开始力度很弱，双手奏出轻巧的跳音，其间带有短小的休止符，情绪欢快幽默：这个材料反复地展开，力度逐渐增强，音乐热情奔放。
第一音乐形象又出现了，它进行了充分、大量的展开，逐渐将音乐推向高潮。
接着是引子音乐的再现，它也有了很大的扩充。随之而来的是第二音乐形象，它的不断发展导致了全曲音乐高潮顶峰的出现，力度达到 fff ，那暴风雨般的热情令人想起李斯特的音乐。
音乐最后恢复了宁静，在一片轻柔的和弦中结束。
《夜之幽灵》体现了拉威尔精湛灵活的作曲技巧，他一生都在追求技术的尽善尽美，对每一部作品都反复推敲、精心雕琢，不到极端完美决不罢休。他曾对其传记作者马纽埃尔说：“我的目标是技术完美，因为我确知这一目标永远无法达到，所以我要求自己不断向它靠近。”
9．排名第九
12 Transcendental Etudes S139 No5"Fuex Follet"—Listz
12超技练习曲之5《鬼火》----李斯特
弗朗茨·李斯特于15岁时完成《12首超级练习曲》的模版，赠予恩师车尔尼。李斯特的《12首超技练习曲》是钢琴史上令人生畏的高难曲目。从技巧上看，李斯特的这12首作品难度过分艰深，仿佛是钢琴演奏艺术的象牙塔尖，即使在20世纪钢琴大师如过江之鲫的年代，也很少有演奏家敢于挑战。
《鬼火》（Feux Follets）是其中的第五首，此曲内容单调，具有讽刺意，拥有高难的双音技术，需要演奏者极高的演奏技术。
引子是一段上行音群和略带诡秘气氛的跳音，主题以双音旋律开始，第二次重复主题时加入了装饰音，听起来有点像舞曲，中段则以主题为基础一点点变奏，然后主题又在A大调上出现。诡异的跳音再次响起，接下来诡异的旋律变得更加局促不安，一点点渐强，像在吵架一样，最后达到高潮，然后一点点安静下来，“鬼火”烧完了。
“鬼火”被拉赫玛尼诺夫称为“世界上最难的练习曲”。这首练习曲的重点在于小臂的灵活度，通常作为音乐会的高级曲目。
10．排名第十
Hungarian Rhapsody S 242 No9----Listz
《匈牙利狂想曲》第九号----李斯特
本曲为降E大调，作于约1840—1847年间，标题为《佩斯城的狂欢节》，献给小提琴演奏家恩斯特，是19首《匈牙利狂想曲》中最难的一首。
第一部分先以行板有力的奏出主题，庄严的旋律使人联想到虔诚的人们正在进行庄重的宗教仪式；经一段急速的华彩乐曲进入稍快的快板，旋律变的活泼，舞者开始了独舞，之后再度变成行板，人们开始宣誓、祷告，钢琴敲击出沉闷的和弦；而后转为稍快的快板，人们开始狂欢，他们又唱又跳，并且节奏越来越快，终曲为强烈的“弗利斯卡”，以急板与稍快的快板交替，巧妙地描写出人们狂欢的景象，全曲最终以激烈的急板结束。
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