谁提出的“艺术是对现实的模仿”的观点

　　历史上关于美术的各种解释,从主客体关系的角度来说有理念说,巫术说, 摹仿说

摹仿说的代表人物有,赫拉克利特、德谟克利特、苏格拉底、柏拉图、亚里士多德

古希腊的有赫拉克利特：“艺术模仿自然”亚里士多德：“艺术实际上是摹仿”

文艺复兴时期的达芬奇也坚持摹仿说：“绘画是自然界一切可见事物的唯一摹仿者……是自然的合法女儿,因为他是从自然中产生的”

欧洲启蒙运动里的,百科全书画派的代表狄德罗也坚持摹仿说

俄国19世纪民主主义革命者别林斯基,车尔尼雪夫斯基

中国的主要代表有,唐代张璪,提出”外师造化,中得心源”还有五代北派山水画家荆浩《笔法记》也提出“度物象而取其真”

艺术是对自然地摹仿还是对现实的摹仿其实都差不多,书上我暂时找到是谁说这句“艺术是对现实的模仿”的可能这只是中国学者对前人理论的一个总结吧

西方美学史上最早关于艺术的定义恐怕就是模仿了,艺术对现实的模仿,这个观点在希腊非常流行,甚至今天,人们在意识深处还常常持有这种看法,而“艺术模仿自然”就是这个观点的源头

“艺术模仿自然”这个观点是古希腊早期的哲学家研究艺术和美而提出的,是早期文艺思想中的一个重要观点

第一个首次明确提出“艺术模仿自然”的哲学家是赫拉克利特（公元前530—前470左右）受过毕达哥拉斯影响的赫拉克利特接受了美是一种“和谐统一”的观点但他侧重宇运动和斗争特别是强调内部的斗争的和谐统一,提出了“对立和谐”理论而他正是用“对立和谐”的朴素辩证唯物主义观点研究艺术和美,他说：“也许,自然喜爱相反的东西,切正是从它们中而不是从相同的东西中,才求得了和谐,就像自然吧雌和雄结合在一起,而不是使没对相同性别的东西相结合,在这方面,艺术似乎也模仿了自然例如：绘画就是吧白、黑宇红黄混合起来,才创造出宇自然物一致的作品,音乐是糅合了高音宇低音、长音与短音,才谱写出一曲不同音调的悦耳乐章”赫拉克利特主要是从美在于和谐的原则出发来说明的,自然因对立统一的和谐而美,艺术要达到美,也只有按自然之美的原则,通过对立统一的原则,造成和谐而达到美在这里,赫拉克利特所说的模仿自然不是再现现实,而是模仿自然的生成规律

第二个从“艺术模仿自然”的论点出发,探求美和艺术本质的哲学家就是德谟克利特（公元前460—前370左右）他主张物质需要和经验产生了各种艺术,关于艺术模仿自然,他说过一段著名的话：“在许多重要的事情上,人类是动物的学生：我们从蜘蛛学会了纺织和缝纫,从燕子学会了造房子,从天鹅和夜莺等鸣鸟学会了唱歌,都是模仿它们的”

比起赫拉克利特的模仿论,德谟克利特的模仿论前进了一步他的模仿不是模仿术语出现初期对模仿对象的直接再现,也不仅是模仿自然的生成规律,而是根据生活需要对被模仿对象的间接再现他认为模仿是待之以学习,代之以印刻与模拟,代之于天性的本那以及适用性、快感

这样,“艺术模仿自然”的“模仿”含义经赫拉克利特与德谟克利特的说明,已有了极大的转向,那就是由表现性转向模拟性

而使“艺术模仿自然”这个观点真正丰满起来的是苏格拉底（公元前469—前399)他的艺术模仿理论的特征：艺术模仿生活这种模仿理论在西方美学史上是第一次出现,它对希腊美学和以后的美学产生了重大的影响苏格拉底的艺术模仿生活理论的理解可以分为四个层次：

首先,艺术模仿生活应当逼真、惟妙惟肖雕塑家在创作赛跑者、摔跤者、练拳者、比武者时,模仿活人身体的个部分俯仰屈伸紧张这些姿势,从而使人物形象更真实

其次,艺术模仿生活而高于生活,艺术模仿包括提炼、概括的典型化过程苏格拉底问画家巴拉苏斯：“如果你想画出美的形象,而很难找到一个人全体个部分都很美,你是否从许多人中选择,吧每个人最美的部分集中起来,使全体中的每一部分都美呢”巴拉苏丝的回答是肯定的这是他对巴拉苏丝的提问,实际上也是他的观点,从这里我们可以看出早期典型化理论的萌芽

再次,艺术模仿现实不仅要做到形似,而且要做到神似苏格拉底认为模仿的精华是通过神色、面容和姿态特别是眼睛描绘心境、情感、心理活动和精神方面的特质他强调画家和雕刻家要把人物高兴宇忧伤,高尚宇下贱、慷慨宇鄙吝、谦虚宇骄傲、聪慧宇愚蠢的“心境”宇感情恰当的表现在他的“神色与姿态”上,让他就像活的一样

最后,艺术只要成功的模仿了现实,不管他模仿的是正面的生活现象,还是反面的生活现象,它都能引起审美享受“各种活动中的情感”也包括仇恨、威胁等情感由艺术模仿所引起的审美快感宇模仿对象无关他对巴拉苏丝的提问：“哪种画看起来使人更愉悦呢一种画的是美的善的可爱的性格,另一种画的是丑的恶的和可憎的性格”这个提问隐隐约约的表明,艺术带来的审美享受与艺术描绘的对象的美和善有关

综上所述,从赫拉克利特首次提出“艺术模仿自然”这个论点开始,到西方第一个研究自然过度到社会研究的德谟克利特,最后是苏格拉底从社会学角度观察文艺,丰富了“艺术模仿自然”的内容,提出具有典型化萌芽的思想通过这三个从不同角度,用不同方式研究“艺术模仿自然”理论的哲学家的努力,这个理论终于成熟,并对后世造成了深远的影响

古希腊神话里的酒神狄奥尼索斯（Dionysos）是葡萄酒与狂欢之神，也是古希腊的艺术之神。据最流行的传说，他是宙斯（Zeus）和西姆莱公主（Semele）所生的儿子。宙斯的妻子赫拉（Hera）是只醋坛子，凡是宙斯与人相爱，她一定要做陷害性的报复。赫拉劝诱怀了孕的西姆莱公主请求宙斯现出本相，以证明爱情的神圣性。原来，宙斯与人间女子相爱时，都以化身出现。在西姆莱的请求下，宙斯表示同意。宙斯是希腊宗教和神话里的主神，他的威力太大了，西姆莱这个凡间女子无法承受，结果被雷霆击死。宙斯从西姆莱的腹中取出未足月的胎儿，缝入自己的大腿。宙斯在这段时间里成了瘸腿。儿子足月后出生，取名力“狄奥尼索斯”，意思是“宙斯瘸腿”。这样，狄奥尼索斯出生过两次。

狄奥尼索斯的生死神奇传说以及他同美女阿里阿德涅的婚姻，使得他在有些地方，人们几乎把他和太阳神阿波罗（Aplllo）同等对待。酒神的表征是一个由常春藤、葡萄蔓和葡萄果穗缠绕而成的花环，一支杖端有松果形物的图尔索斯杖和一只叫坎撤洛斯的双柄大酒杯。在早期的绘画艺术中，他被描绘成一个蓄须男子，但后来又变成了一个有女性味道的青年男子，并常由女祭司们陪伴和长笛演奏者们簇拥着。希腊国家博物馆的古币馆中陈列着

一枚铸有狄奥尼索斯头像的古希腊钱币。酒神、面带希腊众神所共有的平静表情，他的头发用葡萄蔓结成发髻，葡萄叶装饰着他的前额，犹如头戴王冠。

公元前7世纪，古希腊有了“大酒神节”（Great Dionysia）。每年3月，为表示对酒神狄奥尼索斯的敬意，都要在雅典举行这项活动。人们在筵席上为祭祝酒神狄奥尼索斯所唱的即兴歌，称为“酒神赞歌”(Dithyramb)。与庄重的“太阳神赞歌”相比，它以即兴抒情合唱诗为特点，并有芦笛伴奏，翩然起舞的酒神赞歌受到普遍的欢迎。大约在公元前6世纪，酒神赞歌开始载负盛誉，并发展成由50名成年男子和男孩组成的合唱队，在科林斯的狄奥尼索斯大赛会上表演竞赛的综合艺术形式。伟大的酒神赞歌时代也是伟大的希腊抒情合唱诗盛行的时代，并导致了古希腊戏剧、音乐艺术的发展。古希腊的悲剧和喜剧都源于“大酒神节”。

　　文艺复兴是复兴古希腊和罗马的文化和艺术（这只是文艺复兴的一方面啦），古希腊时期似乎挺喜欢橄榄枝或月桂树的。代表和平与胜利。

　　以下为百度内搜出来的

　　橄榄枝

　　给体育竞技中的优胜者加冕某种树枝做成的冠，原本是一个源自古希腊的传统。据文献记载，在古希腊至少有五种系列的运动会。第一种就是奥林匹克运动会，为纪念宙斯，在奥林匹亚举行，每4年一届，公元前776年那届首次有优胜者的名字留下。优胜者被授予野生橄榄枝冠，头上抹橄榄油。第二种是皮提亚（Pythian）运动会，为纪念太阳神阿波罗，在特尔斐举行，每4年一届，除了体育竞技外还有音乐比赛，优胜者被授予月桂枝冠。第三种是尼米（Nemean）运动会，每5年一届，优胜者被授予一顶欧芹冠。第四种是伊斯米亚（Isthmian）运动会，为纪念海神波赛冬，在科林斯举行，每两年一届，进行体育和音乐比赛，优胜者也被授予一顶欧芹冠（一说松枝冠）。第五种是赫拉运动会，为纪念天后赫拉，在奥林匹亚举行，每四年一届，参赛者必须是年青女性，优胜者被授予野生橄榄枝冠。据说赫拉运动会很可能比奥林匹克运动会更古老。

　　月桂

　　埃及人用月桂用得极多，它也倍受罗马人的青睐，罗马人视之为智能、护卫与和平的象征。人们也常将月桂树与医疗之神阿波罗联想在一起。月桂的拉丁字源Laudis意为『赞美』，所以在奥林匹克竞赛中获胜的人，都会受赠一顶月桂编成的头环，而『桂冠诗人』的意象，也正是由这个典故衍生出来的。

法国的17世纪被称为路易十四时代，这位称霸欧洲的君主不忘建立统一的官方艺坛。为国王及其精英服务的艺术把古代和现代思想、天主教和世俗思想兼收并蓄，并让现实描写带上神话的外表。它崇尚古典精神，表现出严正、高贵、酷爱秩序的特点。其主要画家大多到意大利观摩学习，甚至长期居住，他们以希腊、罗马为典范，受到卡拉奇折衷主义、卡拉瓦乔强烈对比的手法及威尼斯色彩的影响。

乌埃（Vouet，1590—1649）在意大利生活13年，归国后任路易十三的首席画师，在巴黎地区的香底恰、圣日耳曼昂莱、枫丹白露作了大量壁画。从现存卢浮宫的《丰盛》、《神庙中的拜见》、《对神庙的献祭》中可以看到他明亮丰富的色彩，宏大的气魄，优美的环形节奏，以及和谐的衣褶造型。

普珊（Poussin，1594—1665）18岁瞒着家里到巴黎学习雕塑和绘画，30岁定居意大利。1640年，他被请回法国，为枫丹白露王宫和圣日耳曼大教堂作画，任宫廷首席画师，并领导装饰王宫的工作。但法国画家的敌视与不合作态度终使他愤愤而去。《萨宾妇女被掠》、《摩西遇救》、《诗人的灵感》等作品使我们感到这位古典主义大师既崇尚古代艺术，又善于发掘自然的美；既服从感觉，又尊重理论；既有纯熟技巧，又有高昂热情。《阿尔卡迪牧人》以一块石碑作为画面中心，上面的铭文指出这便是传说中的乐土。竭力辨认字迹的几位牧人或立或跪，环状的构图把人体与幽雅的风景组成诗一般和谐的世界。普珊晚年最杰出的作品是历史风景画《四季》，其中《冬季》尤其巧妙地选取了《圣经》中大洪水的场面，挣扎逃命的人群加强着阴冷凄惨的气氛。这位被认为最正统不过的画家其实是一位最勇敢的革新者，他那情景交融、饱含寓意的画风与画中反映出来的崇高思想境界，不愧是该时代一切画家的楷模。

勒絮埃尔（Le Sueur，1617—1655）的画使人难以相信他从未去过意大利。事实上，他的确没有离开过法国。或许正因为如此，他的作品才具有那种令人感到亲切可及的朴实自然。《朋友聚会》在气氛渲染上有卡拉瓦乔之妙，《三缨斯》又不乏卡拉奇的华美。德拉克罗瓦说得好：“要仿效勒絮埃尔的幽雅和朴素，就如同要效仿普珊构图的气魄与其完整性等优点一样，是极不容易的。”

勒布仑（Le Brun 1619—1690）在造就法国统一艺术风格方面的作用是无人能比的。他15岁人乌埃画室，23岁又与普珊同赴罗马。在上述两位大师的指导下，他迅速掌握了该时代绘画技巧的精华。其油画代表作《塞古埃大臣》宏伟壮观。画中人春风得意，雍容华贵，服装与坐骑富丽堂皇，马侧的两排随从安排得错落有致，动态神情极具变化。无论是小幅的《牧人来拜》，还是巨幅的《亚历山大与波鲁斯》，都表现出画家在处理人物众多的场面时的游刃有余。他在担任首席宫廷画师的同时，还领导美术学院和戈伯兰壁毯厂，主持凡尔赛宫镜厅和卢浮宫阿波罗厅的装饰工作，建立起以普珊的古典主义为主，从意大利巴洛克艺术中汲取营养的官方风格。

荣誉无加的勒布仑在暮年却由于米涅尔（Mignaxd，1612—1695）的出现而暗淡无光。这位后起之秀从意大利一回国，便以妇女肖像和大幅天顶画闻名遐迩。他在瓦尔德格拉斯教堂绘制的《天堂》有200多个人物，是法国现存17世纪最重要的天顶画。《持葡萄的圣母》着笔精妙，人物的端庄纯洁与拉斐尔相比，也不多让。

较之上述画家，瓦朗丹（Valentin，1591—1634）和拉图尔（IJaTour，1593—1652）受卡拉瓦乔的影响要多一些。瓦朗丹很年轻时便赴意大利。他擅用黑色画出浓重阴影，并把乐师、卫兵、赌徒、吉普赛女人放入其中。《有算命者参加的聚会》、《音乐会》的浓郁生活气息和在人们心中激起的美妙质朴印象是无与伦比的。《所罗门的裁决》则把惊惶失色的母亲，恐怖万分的婴儿，凶神恶煞的武士，密切注意两位妇女反应如何的所罗门王画得栩栩如生。拉图尔以烛光、火把作为其艺术表现的核心，富有独创性和神秘感。其构图往往能出奇制胜，手法的简练也令人惊讶不已。《灯前的玛德莱娜》冥思苦想的面部和扶着骷髅、代表善恶决斗的手在黑夜之中格外传神。《木匠圣约瑟》运用大角度透视，突出木匠前倾的头和用力的双手，而让其余的一切都淹没在阴影之中。几乎平涂而就的持灯小童的脸更造成画面极为奇特的繁简对比。《寡妇伊莱娜照料圣塞巴斯蒂安》是画家最后的作品之一，蓝色的衣袍似乎在火红的色调中发出震响，凝练概括的艺术处理，在对角线上对明暗、动态所作的安排，使气氛的悲壮达到极点。

更加忠实于传统，不为意大利影响所左右的法国画家代表应推香拜涅（Champaigne，1602—1674）和勒南（Le Nain）兄弟（安东尼，1588—1648；路易，1593—1648；马修，1607—1677）。香拜涅生于布鲁塞尔，1628年定居巴黎，成为王后的画师。其肖像严谨、雄强、传神，令上流社会趋之若骛。卢浮宫陈列的《男子肖像》和《画家之女神奇地恢复健康》使克洛埃父子奠定的传统发扬光大。勒南兄弟幼年生活在父亲的农庄之中，对农村有深刻了解和特殊感情。他们经常共同作画，署名勒南。其中路易成就最大，粗矿的农民形象，简陋的乡村环境在他的笔下发出迷人的魅力。《农民进餐》、《农民家庭》虽无任何华美的颜色，却能感人至深。手法的朴素与画家感情所达到的崇高，除了19世纪现实主义大师米莱、柯罗之外，可以说无人能及。《铁匠铺》、《干草车》（该画也可能是安东尼所作）根据画面需要，随心所欲地安排光线，和伦勃朗的《夜巡》有异曲同工之妙。

洛兰（Lorrain，1600—1682）在意大利度过平静的一生，其画同其人一样平和明朗。开阔的海平线总给天空留出巨大位置，近景则总是带有罗马式建筑、船只、人物的逆光海滨。《克娄巴特拉在塔尔斯登岸》、《乌利西斯将克莉赛丝交还其父》、《圣保罗登舟》都以海空一色，宁静优美的画面令人赏心悦目。

18世纪的法国绘画之所以取得公认的领衔地位，是由于它的画家把握住了时代精神。步入繁荣的欧洲正需要对女性彬彬有礼的交际往来，巧妙幽默的言谈举止和更加轻松的艺术风格。

被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女的享乐生活为对象，描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰。路易十五的情妇蓬巴杜夫人、杜巴莉夫人的趣味左右着宫廷，致使美化妇女成为压倒一切的艺术风尚。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉悦亲切，舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难，从而在反映现实上向前大大地迈进了一步。它的主要代表是华多、布歇、弗拉戈纳。

华多（Wateau，1684—1721）少时贫穷，曾靠给画商临画维持生计。《舟发西苔岛》是其一生的转折点。它描绘一群情侣依依惜别地离开神话中的爱情之岛，返回现实生活之中，每个人物的姿态都被赋予了同爱情有关的象征意义。画家以理性驾驭感觉，运笔用色腾奇烁妙，树立了纤弱苗条的女性典型形象。华多绝大多数作品取材戏剧，但《热尔桑画店》可算是一个例外。为了“活动活动手指”，而在几个半天之内画就的这幅杰作本是为其好友在圣母院桥上的画店作招牌的。画上有不同阶层的人物，卖画者的忙碌、认真和买画者的聚精会神都生动无比。它把社会生活的一个侧面反映得如此真实，以至于人们看到装向箱内的油画像，就必然联想到“太阳王”统治的完结。华多的另一名画《小丑》原也是作招牌用的，画中主要人物是位流动剧团的演员，他身着白衣，麻木的外表掩盖着内心的悲怆。从该画上，我们可以了解到为什么华多轻音乐一般的艺术总带有一缕淡淡的哀愁，而对于供人取笑的演员和一切艺术家的深切同情正是华多高出于其他罗可可画家的原因。

布歇（Boucher，1703—1770）有神童之称，从意大利归国后，又备受蓬巴杜夫人赏识，担任美院教授、首席宫廷画师、戈伯兰壁毯厂总监，真是一帆风顺。他技巧纯熟，画得迅速，不乏大幅作品，而且能运用明亮色彩和新颖手法使古典神话题材尽丽极妍。《沐浴的狄安娜》一画的女人体在景物的衬托下明亮耀眼，削弱素描明暗对比而加强色彩透明感的技巧使后来的印象派大受启发。《裸女（奥莫尔菲**）》动作的大胆和肉感近乎色情，床上鲜亮夺目的绸缎也最合路易十五宫廷的胃口，足以代表罗可可风格。在以神话为题材时，布歇往往有滥用玫瑰红和天蓝色的倾向，人物肤色的苍白和鲜红也浮于表面，但如果有真实对象在眼前，他的画面顿时出现勃勃生气，《午饭》、《带磨坊的风景》的作者和《维纳斯与武尔坎》的作者简直判若二人。

弗拉戈纳（Fragonard，1732—1806）是最受社巴莉夫人关照的画家，擅于在妩媚的人物和华贵的服装上逞其逸笔。《秋千》一画中的少女故意踢落鞋子，要为他荡秋千的男士去拾，在取悦妇女上可谓登峰造极。《浴女》构图突兀，女人体似乎同云朵、树木、河流一起在急剧旋转，别致而诱人。《蒂布尔瀑布》更是戛戛独造，强光在晒台衣服上造成的点点闪光和丰富层次，甚至可和两个世纪以后的风景画相比。不过，弗拉戈纳最拿手的还是肖像，大块的厚色、飞舞的笔触与传统手法大相径庭。《狄德罗》、《读》、《舞蹈家吉玛尔》等画，至今仍以其潇洒奔放的手法而脍炙人口。

勒莫阿纳（Lemoyne，1688～1737）和柯瓦贝尔（Coypel，1688—1772）追随华多、布歇的风格，用神话题材壁画和粉红色的女人体装饰了巴黎大量的宫室和府第。前者的《赫拉克利斯与奥菲尔》和后者的《老人像》都表现出素描的精到和运笔设色的大胆沉着。

法国肖像画从17世纪向18世纪过渡的代表是利戈（Rigaud，1659—1743）和拉杰利埃尔（LargiUiere，1656—1746）。利戈专为国王绘制标准像，其代表作《法国国王路易十四》很有气派。拉杰利埃尔则给上层社会留影。他的代表作《画家及其妻女》把自己一家的亲密和谐表达得淋漓尽致。在女肖像方面名重一时的纳吉埃（Natier，1685—1766）能把贵妇们画得漂亮，如《黛散伯爵夫人》。纳吉埃的女婿托盖（Tocque，1696—1772）更能使贵妇们迷人，《王后莱金丝卡》堪称宫廷肖像少见的佳作。拉都（IJa Tour，1704—1788）和佩罗诺（Perronneau，1715—1783）不但在油画上同他们不相上下而且还使色粉画的逸韵达到前所未有的境界。感觉敏锐，色调微妙，善于捕捉瞬间表情，在真实的基础上美化对象是他们的共同特点。

随着罗可可风遭到猛烈抨击，艺术的美化逐渐让位于再现生活。以理性反对自由放任，以回归自然反对矫揉造作的风俗画、静物画取代了装饰画、历史画。开辟风俗画新路的格勒兹（creuse，1725—1806）在1761年沙龙展出《乡村的订婚》，大获成功，它真实地展现了法国农村家庭最重要的事件。画中小伙子送聘金时的恭敬，姑娘内心的喜悦和外表的腼腆，公证人的全神贯注，小妹妹的难舍难分，大姐的满腔妒忌使狄德罗欣赏不已，认为“画上的每个人都恰如其位”。格勒兹极重题材的选择，《父亲的诅咒》、《被惩罚的儿子归来》、《打破的水罐》都以出色的艺术语言，巧妙地宣扬了资产者的道德观念，受到公众的盛赞。不过，这位“提倡贞操的画家”从1780年起，便几乎专门致力于肖像画了。他感情真挚，笔调灵妙，色彩透明。《送奶女》、《小鸟死了》把平凡人家女孩的心灵画得纯洁高尚，使宫廷肖像相形见绌。

在万事崇尚奢华的路易十五时代，夏尔丹沉穆凝重的静物画愈显醇美动人。画家的眼睛静静地注视着碟子、鱼、水果、面包这些极其普通的东西，从中发掘深藏的美。人们司空见惯、以致不屑一顾的物品被点石成金地赋予了隽永深长的诗意。它们是《钢水罐》、《乐器》、《厨桌》、《蛋糕》、《带高脚杯的静物》。夏尔丹的人物画同样浑博精深，《祈祷》只画了一位母亲和两个儿童，便充分展现了市民阶层的生活境遇和品格情操。《集市归来》的那位家庭主妇正靠着油亮的旧橱柜，喘着粗气，笔调的自然和质感的逼真使人们很容易地感受到画中的温暖、生命、时代气息，而这却是其他静物画家和风俗画家望尘莫及的。

在风景画上值得一提的是威尔奈（Vemet，1714—1789），其《灯塔》、《洛托之桥》在手法的大胆和色彩的明亮上，远远地超过了那一时代，说它们预示着柯罗的意大利风景并非溢美之词。罗伯尔（Robert，1733—1808）描绘罗马遗迹的风景使古代废墟带上真实美丽的天空。《戛尔桥》构图的巧妙和运用色调对比抒写晚霞的新颖手法则表现出他过人的敏感。

再现是美术创作的基本bai手段之一，着重反du映对象的客观特征。在再现性美术作品中，艺术家对他所认识的对象或社会生活进行描绘，感性的，理解的因素比较显著。但艺术的再现不是对现实的机械反映，不是纯客观的复制现实，艺术的再现离不开艺术家的认识、选择、提炼、加工和改造，体现艺术家的目的和本质。

表现是美术创作的基本手段和方法之一。着重反映作者主观感受。艺术家运用艺术手段直接表达自己的情感体验和审美理想，理性的，情感的因素比较显著。

都是写实的，是与现实生活肖似的，即和我们对现实世界的视觉感受是一致的。这样的作品，称为再现性美术。

　　“再现”是美术创作的基本手段和方法之一，“一般指艺术家对他所认识的对象或社会生活的具体描绘，感性的、理解的因素比较显著，在创作手法上偏重于写实和逼真，即追求感性形式的完美和现实的真实，在创作倾向上偏重认识客体，再现现实。”

　　这种着重反映对象的客观特征，真实地再现客观世界，通过对客观世界的摹仿描绘，表达艺术家主观情感、思想的美术创作理论和美术创作，统称为再现论和再现性美术。

　　“再现”更是西方美术的传统手法，西方古典绘画、雕塑属于再现性美术。古希腊哲学家赫拉克利特（约公元前540～前480年之间）、亚里斯多德（公元前384～前322年）都曾论述过艺术应描绘出酷似原物的物象。所以课本中所讲的两个古希腊画家比赛谁画得逼真的传说是毫不奇怪的。达·芬奇也曾说“绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者”。“画家的心应该像一面镜子，经常把所反映的事物的色彩摄进来，面前摆着多少事物，就摄取多少形象。”文艺复兴时期的艺术家们，以其再现性艺术的巨大影响，使欧洲再现性艺术得到发展并达到极高的水平。19世纪末叶之前的欧洲美术，基本上属于再现性美术。

表现性绘画是以客观对象为媒介，主要在于表现达作者主观的精神，那思想情感或审美理想等。画面的艺术形象予以夸张，变形的处理或予以荒诞的组合等，从而创造一个新的艺术世界。

希腊神话包括神的故事和英雄传说两个部分。神的故事涉及宇宙和人类的起源、神的产生及其谱系等内容。相传古希腊有奥林匹斯十二大神：众神之主宙斯，天后赫拉，海王波塞冬，智慧女神雅典娜，射术神及太阳神阿波罗，狩猎女神与月神阿尔忒弥斯，爱与美之神阿弗罗狄忒，战神阿瑞斯，火神与工匠神赫淮斯托斯，神使赫尔墨斯，农神德墨忒尔，灶神赫斯提亚。他们掌管自然和生活的各种现象与事物，组成以宙斯为中心的奥林匹斯神统和生活的各种现象与事物，组成以宙斯为中心的奥林普斯神统体系。

英雄传说起源于对祖先的崇拜，它是古希腊人对远古历史和对换自然界斗争的一种艺术回顾。这类传说中的主人公大都是神与人的后代，半神半人的英雄。他们体力过人，英勇非凡，体现了人类征服自然的豪迈气概和顽强意志，成为古代人民集体力量和智慧的化身。最著名的传说有赫拉克勒斯的十二件大功，伊阿宋取金羊毛等。

希腊神话中的神与人同形同性，既有人的体态美，也有人的七情六欲，懂得喜怒哀乐，参与人的活动。神与人的区别仅仅在于前者永生，无死亡期；后者生命有限，有生老病死。希腊神话中的神个性鲜明，没有禁欲主义因素，也很少有神秘主义色彩。因此，希腊神话不仅是希腊文学的土壤，而且对后来的欧洲文学有着深远的影响。

通过征战和贸易往来，希腊和后来的罗马神话涉及了埃及神话的很多基本内容，其影响特别体现在把神话与丰收及神秘的祭礼联系起来。内容上的不断增加渐渐遮盖了神话原来以神与自然界的关联为核心的表现形式——宙斯（天和雷）、波塞冬（海）——开始将神与一些抽象的才能联系在一起，如雅典娜（智慧），阿波罗（称为启迪神的田园神，艺术的保护神，有治病和预言的神）。希腊人将很多地区和城邦的神交织在一起，建立了希腊的神话世界，以武力、强权、正义的统治和文明的艺术来对抗混乱，暴政和野蛮。著名的英雄都是与一个特别的城市联系在一起的半神人物，比如特修斯与底比斯，卡德摩斯与雅典。赫拉克勒斯本来是波罗奔尼撒半岛的英雄，通过不断的远征而扬名整个希腊和罗马世界。

凡希腊人居住或旅行过的地方留下来的艺术品——绘画、雕刻、庙宇等，都给希腊神话的文献（包括以最早时代的到后期加工和改编过的）以补充和完善。

希腊神话的传播方式有以下几点：

�6�1 有关希腊神话的遗迹、遗物。著名的帕特农神庙、拉奥孔群像、考古出土的希腊画屏上常绘狄俄尼索斯遇第勒尼海盗的场面。雅典氏族的建筑、宗教节日和祭祀具有很强的民族性。民族性是各民族神话共同的特征。恩格斯指出：“雅典氏族建筑的其中之一就是共同的宗教节日和祭祀的祀奉一定的神的特权，这种神被宗定为氏族的祖先，并用独特的别名表明这种地位。”希腊神话的民族性及神庙遗址等不断促使人们吸纳和接收。

�6�1 希腊神话有众多的诸神形象，每个神都有复杂的个性，这些贴近人类的社会生活，具有更有浓厚的现实意味。这些串联在一起构成庞大的知识系统。希腊人对宇宙起源、人类诞生、各种自然现象和社会奥秘的理解无不囊括其中。它的许多故事优美动人、耐人寻味、人情味儿浓，它体现了古希腊人天真乐观、爱思考、喜欢现世快乐和感官享受的特点。因此希腊神话作为一个独特的知识体系传承下来。

�6�1 通过古代的诗人及乐者。古希腊的荷马史诗《伊利亚特》和《奥德赛》就是这类歌唱诗人编辑的神话剧作。它们把流行于民间的神话编制成可以配乐朗诵的诗歌，并且举行大规模的比赛。通过这种方式古希腊神话得以扩展和传播。

�6�1 后世的文学家及哲人们将希腊神话得以发扬光大。希腊神话在古希腊、罗马及欧洲的文化和文学史上占有重要的创始地位。古希腊的史诗、抒情诗、悲剧、喜剧往往从中取材。

希腊神话的影响程度较深，范围是世界性的。它的主体部分属次生态深化，主要表现的内容有：折射人际关系和社会现象的作品居多；带有血亲争斗、骨肉仇杀情节；不计其数的关于爱情的故事；神灵大多是自然神兼社会神或比较纯粹的社会神；神话的内容相对集中、风格较为统一，环绕着一个中心—奥林匹斯诸神层层展开。希腊神话内容集中完整，系统化程度非常高，是世界上现存的最完整最庞大的神话体系。后世的哲学家（如苏格拉底、柏拉图、亚里士多德）、历史学家（如希罗多德）也常常征引希腊神话其中的材料，艺术家特别是雕塑大师们更以神话人物或情节为范本，创作出享誉天下的佳作，在美术方面，达·芬奇、伦勃朗、卢本斯都有取材于希腊神话的名画，对希腊神话相继做出精神研究推动了人文科学的发展。奥维德的《变形记》是希腊神话稍加修改后的复述，西塞洛、恩尼乌斯、维吉尔的作品中也留有希腊神话的印记。现代主义的人文思想家们又惊喜地从希腊神话中发现一个自由、明快、充满原始生命力的世界，借鉴古希腊神话和戏剧，写出文学史的新篇章。