插画师最高的成就是什么-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

插画师是做什么的

插画师可以画绘本出版,可以和报纸或者杂志社约商业插画稿,可以做广告的插画设计,包装的插画设计,可以做**美术概念设计,也可以为小说叙述的情节设计图画。

插画师与原画师有什么区别

原画:游戏原画是将策划用文字所描述和设计的世界,以画面的形式,做出此世界具体形象的说明。为游戏制作提供美术依据和指导。

插画:插画是将小说等文字所描述和设计的情景和情节,以画面的形式,呈现在读者面前,使读者更能理解和融入文字所描述情景和情节之中。同时也为书本杂志提供吸引眼球的宣传的作用。

插画师也是绘画设计师,主要为小说叙述的情节设计图画,故此称之为插画师

插画师该具备哪些东西

1高超的绘画能力:

有高超绘画能力的不一定是职业插画师,但是要成为直接插画师,绘画能力必须过硬。同时对自己的作品有很高的要求,严格要求每个细节,力求完美;

2自成一体的风格:

自成一体的风格首先是成熟绘画能力的表现。拥有自成一体的风格以后很容易拥有高知名度,也方便适合自己画风的单子来找你;

3基本的沟通技能:

鸟先森说的很对,插画其实是绘画和设计的结合体。绘画和设计最大的差别是什么,绘画是随心所欲的艺术表达,而设计师一种带着镣铐的舞蹈。插画作为两者的结合体,其实就是在甲方的要求下发挥自己的技能达到最美最艺术的效果。沟通是必不可少的,如何理解甲方的要求并良好的实施在画作上,是沟通中最基本的技能;

4搜集素材的能力:

插画师应当了解各种领域的各种知识,才能更好的完成作品。关于这点,本题内匿名知友已经回答的很好,这里不赘述;

5作品集:

从刚开始学习到成为插画师的过程中,每一张作品都应当被很好地保存。遇到接单的时候可以很快给出往期作品阐述自己的实力和风格是应当具备的基本能力;

6基本的品德:

不抄袭他人作品,尽量不拖稿,不天窗。在入圈之前搞明白抄袭、借鉴、参考和致敬的区别。

中国十大插画师

中国著名插画师

Krenz(K大)

来自祖国宝岛台湾的cg艺术家KrenzCushart,画风非常独特,热衷于画美丽可爱的

小仙女

,Krenz的基本功很扎实,色彩上把

高级灰

运用得炉火纯青,可以说他是一位具备了超高审美艺术家和教育家,很多粉丝把他称为被一个画画耽误的教育家。

倪传婧,中国香港插画师

中西风格相结合,美轮美奂,令人陶醉。

RuanJia

国人CG艺术家,是一位

80后

鬼才画师,对中国游戏概念有着重要影响的人物,在CG艺术圈里,大家对他并不陌生,画作风格惊艳而独特,对色彩运用上有着自己的独特风格和理解,自成一派,只要他一发他的插画作品,就会引起CG艺术圈里不小的轰动!

CHENBO神不月

拳头游戏

御用的CG插画师,同时也是一位国人画师,曾经担任

广州美术学院

CG讲师,是一位非常喜欢

《魔兽世界》

玩家,而且曾经在暴雪嘉年华玩家绘画大赛上蝉联两届冠军,可谓是魔兽世界国服知名画师了!

黄光剑

国内资深CG艺术家,知名概念设计师,作为非美术科班出身的学生,是一位25岁之后才从会计师转行到CG艺术圈的插画师,还取得了相当不俗的成就,特别是他的

十二星座

插画系列出来之后,不管是在人物塑造还是色彩运用上,每一张

画都

充满了对每一个星座的了解,在CG艺术圈里也引起了不小的轰动!但是他却在那个时候,毅然选择去国外深造,对于他的果断选择和学无止境的贯彻可谓是充满了敬佩!

小k

从事美术教育却非常低调的一位CG艺术家,扎实的美术功底,作画手法细腻,色彩运用上总有他独特的想法,每次看到他的画都被他的色彩惊艳到,他的主页上写着“俺小K,凡人!修人!修心!修画!有一天我会老去归尘,但我的心会留在画里很久很久,”可以见得他对于画画的热爱和执着了!

EvanLeeCG

一位来自台湾CG概念设计师,插画师,独特的作画风格,拥有20余年的绘画经验,以超强的塑造能力、细腻的绘画风格吸纳众多粉丝。而他的作品也出现在我们熟知的手机游戏、PC游戏、棋类游戏和**中。被网友们称为中国最会画“胸”的插画家。

wlop

一部名叫

《鬼刀》

的漫画作者,以厚涂方式画的漫画,吸引了众多观者,潦草却不失精致的画风,每一幅画作都如同在讲述一段故事,给观众一种全新的视觉感受,然而就是这么一位全球知名的画师,他的本职工作却是朝九晚六,写代码修bug的工程狮,很多画师有了一定的知名度和经验之后,都会选择做一个自由的画师,但是对于wlop来说,画画只是他的一个兴趣爱好,他曾说过“对于圈里的地位,称号、评价、排名都没有任何兴趣”,就是这样的wlop,却是吸纳众多粉丝,也深受我们这些粉丝的喜爱!

LANGE刘远

插画师、概念设计师,《缪斯之瞳》

《鸢》

画集的作者,干净利落的线稿,

色彩搭配

上非常清新雅致,他曾说过“除了画画,我也不会做其他什么事情,我得好好珍惜”所以看到他的画作时,总会联想到他在作画的过程中是多么的专注!

Caroline,本名李晓林,名字素雅如其人。明明可以靠脸,却拼才华。作品走红后,很多人称她为“中国最美插画师”。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

你可以穿不起香奈儿，但你必须有一件衣服，叫做，自我。

可可：香奈儿

一个伟大的女人，一个可怜的女人；

一个幸运的女人，一个不幸的女人。

自由，是她一生的追求，也是她本身

她用有限的生命，创造出了无限的价值。

01辛酸童年：徜徉在墓园里的小女孩

1883年的盛夏，阳光炙热耀眼，仿佛要拼尽自己的全力灼烧掉世间万物一般，展示着自己的强大。八月，作为家里的第二个孩子，可可·香奈儿出生了。一切，预示着伟大即将降临，也预示着悲惨即将开始。

那个风一样的父亲阿尔伯特即便是孩子出生，也没有在珍妮的身边陪伴左右，而虚弱的产妇也未能去市政厅给刚刚坠地的婴孩登记。没有父母在身边，可可·香奈儿的出生显得那么随意，那么卑微。就连跟随一个人一生的名字，都因为粗心而弄错。工作人员错误地将可可·香奈儿的姓氏“Chanel”拼写写成了“Chasnel”。直到后来，她的名字才被更正过来。

6岁很多人觉得自己没有一个爹可以拼，没有一个房可以拆，抱怨社会的种种不公，如果人生可以重来，把你放在香奈儿的位置上，你是否愿意。

12岁的香奈儿母亲去世，本该更需要关爱和呵护的她，一周后，却被父亲遗弃在孤儿院。

香奈儿在孤儿院长大，有诸多的压抑、孤独和苦闷，这恰巧激发了她的叛逆，她有个梦想，希望成为歌唱界或演艺界的新星，她未曾因为出身而不敢做梦，相反少年时期的她非常勇敢。

时母亲离世，父亲更丢下她和4个兄弟姐妹，由她的姨妈抚养成人。

02 重要的不是阻碍多难，而是如何破局

1914年，一战开始，德国入侵，香奈儿艺高人胆大，她的店铺是当时唯一一家仍在营业的服装精品店，而从巴黎逃难到多维尔的富裕来客成就了香奈儿。

香奈儿说：这个世界正在灭亡，而另一个新的世界正在诞生。我就在那，机会来了，而我抓住了。

1915年的法国，还处于水深火热之中，比亚里茨的人却在大发国难财，来自欧洲的贵族把这里变成了购物天堂，智慧的香奈儿看到了绝佳商机，要复制多维尔的成功，于是快速的开了首家定制时装店，而现在的我们绝对想不到，这是香奈儿成为奢侈品的原因，这个定位来自于当时的环境和受众。

而105 年之后的今日，Chanel 每年都会制作两个订制时装系列，令品牌成为最古老且尚在经营的订制时装屋。

1916年初，香奈儿手下就有了近三百名员工，并且她发现自己可以偿还博伊的资助，于是立马把钱还给了他。

33岁的她终于独立了。她希望摆脱那个自己最害怕的名声：被包养的女人。而战争也同样为女性们带来了自由。

1919年，博伊去世，香奈儿几近崩溃，“我要让全世界的女人为你穿上黑裙。”

博伊离世后，香奈儿用自己独特的方式来缅怀一生之中的最爱，设计了内敛低调举世惊艳的小黑裙。这份经典经历了一百多年的检验传承至今。

如果说香奈儿真的爱过谁，那就是博伊，但是她的身边却从不缺情人。1933年，她为插画师伊瑞普做模特，并且曝光了自己与他的恋情。就在大家津津乐道都以为他们要结婚的时候，伊瑞普也死了，而香奈儿，再一次被抛弃在时光的荒野里，陷入了无边无际的孤寂之中。

1936年，香奈儿的雇员罢工了，去谈判的那天，她精心打扮，戴上那三层珍珠项链。这是她职业生涯中少见极度惊慌的时刻，可是伊瑞普死了，这世上，又只剩下她一个人面对兵荒马乱。

这时的她也在思考，怎样让时尚适应新时代。

我们在逆境和打击中很容易崩溃，而香奈儿，在崩溃的边缘表现出来的是不屈不挠和创造。

1938年，香奈儿的声誉达到了前所未有的高度，她还推出了让人无法抗拒的迷人吉普赛装。

香奈儿说：四分之一个世界的时尚，都是我开创的，为什么？因为我知道如何表达我的时代。

02 重要的不是阻碍多难，而是如何破局

1914年，一战开始，德国入侵，香奈儿艺高人胆大，她的店铺是当时唯一一家仍在营业的服装精品店，而从巴黎逃难到多维尔的富裕来客成就了香奈儿。

香奈儿说：这个世界正在灭亡，而另一个新的世界正在诞生。我就在那，机会来了，而我抓住了。

1915年的法国，还处于水深火热之中，比亚里茨的人却在大发国难财，来自欧洲的贵族把这里变成了购物天堂，智慧的香奈儿看到了绝佳商机，要复制多维尔的成功，于是快速的开了首家定制时装店，而现在的我们绝对想不到，这是香奈儿成为奢侈品的原因，这个定位来自于当时的环境和受众。

而105 年之后的今日，Chanel 每年都会制作两个订制时装系列，令品牌成为最古老且尚在经营的订制时装屋。

1916年初，香奈儿手下就有了近三百名员工，并且她发现自己可以偿还博伊的资助，于是立马把钱还给了他。

33岁的她终于独立了。她希望摆脱那个自己最害怕的名声：被包养的女人。而战争也同样为女性们带来了自由。

1919年，博伊去世，香奈儿几近崩溃，“我要让全世界的女人为你穿上黑裙。”

博伊离世后，香奈儿用自己独特的方式来缅怀一生之中的最爱，设计了内敛低调举世惊艳的小黑裙。这份经典经历了一百多年的检验传承至今。

如果说香奈儿真的爱过谁，那就是博伊，但是她的身边却从不缺情人。1933年，她为插画师伊瑞普做模特，并且曝光了自己与他的恋情。就在大家津津乐道都以为他们要结婚的时候，伊瑞普也死了，而香奈儿，再一次被抛弃在时光的荒野里，陷入了无边无际的孤寂之中。

1936年，香奈儿的雇员罢工了，去谈判的那天，她精心打扮，戴上那三层珍珠项链。这是她职业生涯中少见极度惊慌的时刻，可是伊瑞普死了，这世上，又只剩下她一个人面对兵荒马乱。

这时的她也在思考，怎样让时尚适应新时代。

我们在逆境和打击中很容易崩溃，而香奈儿，在崩溃的边缘表现出来的是不屈不挠和创造。

香奈儿说：四分之一个世界的时尚，都是我开创的，为什么？因为我知道如何表达我的时代。

3 重要的不是对手是谁，而是你多强大

1939年，二战开始没多久，香奈儿没有像一战那样趁机扩张，反而选择了关店。

1944年，香奈儿被捕了，原因是她曾和德国纳粹有染，而救她出来的人是英国首相丘吉尔。大家可能不知道，首相丘吉尔是香奈儿永远的仰慕者。而后香奈儿开始了流亡时代。

1953年，香奈儿回归，而这时时装界是迪奥的天下。如果你经历过巅峰时刻，如果你曾拥有一切又失去，你是否有重头再来的勇气，你是否坚信自己能够再创辉煌？

1954，香奈儿迅速举行了战后的首场时装发布会，十五年的空白任何东西都无法填补，法国媒体甚至拿她的年龄做文章，说她在这15年里毫无长进。她失败了，《每日邮报》用的标题是《惨败》。

71岁的香奈儿并不担心，也并未被真正的打败，她为自己做了清晰的规划，她心中的信念还是在缓慢生长。她认为，女人们渴望扔掉束腰、沉重裙装和僵硬外套的日子已经快到了。这是她一直以来的目标，从未曾放弃。

可能大家很难想象，遭受现实如此重创的香奈儿，只用了一年的时间，就再现了昔日的荣光。

1960年，77岁高龄的香奈儿夺回了高级定制时装界的王者地位。她身上爆发出来的能量和惊人的毅力让人叹服。

80岁，颐享天年的年纪，她依然是为工作而活着，并且对工作的热情让她充满了魅力。

如果你知道她工作的状态，就明白了这位优雅的女士为何会获得成功。

她极具个性，是天才、善于发现和创新，凡是尽善尽美、做事不屈不挠、并且极能从事艰苦的工作，更重要的是她痛恨将女性物化——作为那男人的附庸，她希望帮助女性获得自由。

为了她的时尚商业帝国，她利用一切可利用的关系和资源，并精心维护各种关系，为人也颇慷慨大方。

香奈儿的商业成功，不仅源于她对设计的用心和天赋，更深层的原因是因为香奈儿把自己希望帮助女性获得自由的理念不断地通过服装和言行传递了出去，并且她自己也是这么身体力行的，这也恰恰是她的魅力所在。

传奇不落：永远延续的灵魂

流行稍纵即逝，但风格永存。

如今，几十年过去，可可· 香奈儿的美貌与风流韵事让她依旧被人们铭记，但更多的还是她一手打造的香奈儿时尚帝国。没有哪个女人像她一样自由勇敢随性，也没有哪个女设计师像她一样，将生活过得多姿多彩。

二十年代之后的美国在一战猛捞油水后，经济突飞猛进， 社会 财富迅速累积，草根逆袭指数非常高。《了不起的盖茨比》的背景正是 美国大萧条时期的前10年（1919-1929） 。**改编自 菲兹杰拉德 所写的同名小说。在那个年代，人人信奉“只要肯奋斗，没有什么不可能”，美国梦意味着大把的机会和金钱。

不过，当钱越来越多时，人们就开始了盲目崇拜金钱，赚快钱， 整个 社会 充斥着享乐和拜金 。

**中那些艳丽华美的服装、通宵达旦的party、歇斯底里的却尔斯登舞和纸醉金迷的生活，高调华丽的造型都是原著中人物性格与情绪的投射。

Prada、Miu Miu等品牌为剧中女性角色特地设计了40多套服饰，还原flapper girls的光鲜耀眼、眉目含春。

一战后的服饰文化

第一次世界大战后， 大西洋两岸阶级制度的的控制力下降 ，妇女选举权的文化广为传播，女性展现一种 全新的自由感与自我表达权 。女性一天的时段中，或者参加不同的活动，会穿着相应的服装。

白天她们穿着套裙，到了夜晚，她们又会缀满流苏、亮片、珍珠装穿梭于各个派对之中，引你着迷，诱你堕落。

女生们剪短了头发，战前精致打理又耗时间的头发被抛弃，波波头开始流行。这一切都说明20世纪20年代是一个自由解放的时代。

服装的设计变得更有实用性，裙子越来越短，露出脚踝，腰线的位置下移到臀线，乳房和臀部被有意压平，视觉中心中心转移到臀部，外型呈“管子状”。 “flapper” 得到了当时都市丽人的追捧。

群星璀璨的二十年代

· Gabrielle Chanel

说到20年代，不得不提到Chanel，Gabrielle Chanel充分把握到新时代的脉搏，适时推出针织面料的套装（史无前例地将当时男人用做内衣的毛针织物用在女装上）。

她为女性设计的服装穿着方便、简约，掀起了一场 时尚 革命。1926年10月1日Gabrielle Chanel在《 时尚 》杂志上首次推出首款小黑裙图稿。美国版《VOGUE》将之冠以 “福特连衣裙” 的称号，表明它会像福特 汽车 一样风靡世界。

我们经常说Chanel女士抓住了时代的脉搏，创造出了小黑裙，但何尝不是时代造就了Chanel,一战后的欧洲疯狂过后陷入了更加令人沮丧的经济大萧条。当时黑色布料是价格最便宜的布料，小黑裙的简约也符合了时代的凋敝。

这预言了一种新的巴黎时装风尚，黑色一时被认为是种简单朴素的智慧。正如Chanel 届时所说： “时髦并不仅仅停留在衣服上，它是在空气中的，是思想方式，是生活方式，是周围正在发生的事。”

· Paul Poiret

Paul Poiret，盛极一时却沉寂至今，他的设计在那个年代非常具有改革意义，他也是 解放女性时装的先驱设计师 。

Paul PoiretPaul Poiret大胆开拓了许多 时尚 史上的第一例，当时女性穿衣就是以富有曲线为美，他将女性从束腰中挣脱出来，推出高腰身的希腊式风格悬垂服装，贡献出了更加轻便简约的新轮廓，这对于当时讲究立体精密剪裁的西方设计思维来说，无疑是一种巨大的打击。

他改良了女性裙装，设计出 Directoire line ，这种裙装由丝绸面料缝制， 腰线提升到了胸部下面的位置 ，搭配薄纱质感的外套，裙摆自然下垂到地面，轻盈飘逸。

Paul Poiret创造了很多 时尚 史上的第一次

Paul Poiret热爱东方风格， 他是最初尝试将东方风格融入到服装设计中的设计师 。印度男士头巾作为灵感来源，被Paul Poiret复刻设计推出后，迅速取代了礼帽，这些头巾镶嵌华丽宝石，人人沉浸在异国风情的装扮中。

Sergei Diaghiliev带领的the Ballets Russes俄国芭蕾舞团表演的Schéhérazade 一千零一夜话剧是Poiret许多设计灵感的源泉。

他以此为主题办了一个宴请上流的主题聚会“一千零二夜”，在聚会上他与妻子Denise装扮成故事中的苏丹国王与他的心上人。聚会上所有嘉宾都被要求穿着波斯式的服装，大概是现代化妆舞会和MET GALA的雏形了。

他还为女性设计出了裤装，灯罩裙搭配土耳其灯笼裤的穿法在当时并没有获得 社会 的认可，却为现代女性裤装的发展奠定了基础。

多褶的灯笼裤和紧身腰带结合，既显身材又方便运动，受到许多女性的追捧。但同时也受到了教皇比乌十世的强烈谴责。

虽然Paul Poiret一直主张解放身体，但他的另一个代表作Hobble Skirt却极大的限制住了女性的双腿，从膝盖以下就开始收紧的设计，致使女性在行走时举步维艰。

这种蹒跚裙在当时受到了热烈的追捧，很多人不惜用布条绑住自己的双腿，也要去顺应这种 时尚 。但这一单品仅仅流行了一段时间，就再也没有回归到 时尚 的舞台。

· Mariano Fortuny

说起褶皱，或许你第一时间想到的是ISSEY MIYAKE三宅一生，但最早做出褶皱裙的是一位西班牙设计师Mariano Fortuny，而这些美妙的褶皱纹路至今还是个谜，没人准确地知道它是如何制成的。

Mariano Fortuny从小泡在艺术品、各种文物和纺织品中，对艺术有超出常人的天赋。但是他似乎不愿意止步于画作和设计，雕塑、发明、建筑、灯光都是他的兴趣爱好，一生有22项发明和专利。

Mariano Fortuny夸张的设计形成了他独特的风格，传统、艺术和织物技巧融合在他的作品中， Delphos长裙 是他最著名的代表作。

Delphos长裙受到古希腊垂褶服饰的启发，Delphos 这个名字既是希腊的地名，亦是希腊神阿波罗的儿子的名字。

以丝绸为原料，

手工缝制的特殊褶皱使得面料具有弹性，

令简单流畅的衣型可以紧贴身体的轮廓。

下摆和袖子边用了威尼斯的名产玻璃珠作装饰，

淡雅含蕴的同时也使丝绸更带优雅的垂坠感。

肩带和紧身胸位置都内藏调整用的拉绳。

Delphos 裙子都是均码

拉绳可以根据穿着者的身材而轻松贴合

Delphos长裙可以被拧成一小团放在盒子里，裙子本身很轻，非常容易保存。神奇的是Delphos长裙被扭曲之后，不仅不会变形，反而有助于保持衣服自然的褶皱纹理。

自 Delphos 于 1909 年诞生起

除了各种色调、图案、面料的变更以外

它的轮廓基本上保持了 40 年不变

Mariano Fortuny虽然没有留下太多的 时尚 作品，他本人也更愿意以画家的身份被人记住，但是他成就了Delphos褶皱裙这个经典的设计，即使是今天，褶皱裙依然是独特而有魅力的 时尚 单品。

遗憾的是，Mariano Fortuny1949年年去世后

由于没有把制作 Delphos 皱褶的秘术流传下来

致其不得不停止生产

随着纺织技术的发展

三宅一生及华伦天奴等品牌

使用合成纤维也制成来了外观类似的纺织品

但是这种丝绸打褶技术尚未得到复兴

· Madeleine Vionnet

Madeleine Vionnet 的名字在那个年代等同于高级 时尚 ，她创造了新的服装剪裁方式— 斜剪 ，而这种剪裁方法到今天很多品牌也依然在使用，比如Issey Miyake 、Jean Paul Gaultier、Vivienne Westwood、Alexander McQueen等。

Madeleine Vionnet 的斜裁法是横穿织物纹理进行裁剪，而不是顺着纹理。正对着纹理直裁织物，将花纹面料翻转，这营造出斜垂的效果最大限度地发掘面料的伸缩性和柔韧性，更适合肢体动作。以45度角切割丝绸等机织织物，使织物悬挂并折叠成弯曲的褶皱，利用其自然垂坠使衣服仿佛身体的第二层肌肤般服帖轻盈，勾勒出女性曼妙的体态。

由斜裁法做基础，Madeleine Vionne还创造出了当时名噪一时的露背式晚礼服、修道士领及斜角花瓣式裙。配合蔓纱以及丝的使用，使得服装整体效果更加飘逸，造就了一种全新的女装结构。

Madeleine Vionnet 12岁学习裁缝，精通上等内衣缝纫中传承下来的精细手艺。1901年Vionnet回到巴黎为卡洛姐妹时装店工作，她放弃了传统裁剪技术，直接运用半尺寸人体模型来裁剪、定位和切割。

约翰·加利亚诺、三宅一生、朋克教母等人都受到了她的作品影响。

克里斯汀·迪奥 对她的评价是： “没有人比Vionnet更能进行制衣艺术了。”

· Jean Patou

“ 时尚 并不是一种工程系统的加减算法， 她 是一种会对生活带来数千种影响的存在。 时尚 是一件充满生机与活力的事情，每天每时每分都在飞速的进化和发展中。” ——Jean Patou

提到高级定制，Jean Patou必须有姓名，他是20年代巴黎 时尚 圈的一位迷人的绅士，设计鬼才Jean Paul Gaultier曾经是他的助手。而他，是那个年代高级定制流行的引领者。

Jean Patou可能比女人自己还要了解女人，对于女人的美、女人对于服装的渴望他有最独到的理解，而这让他的设计抓住了女人的心，也把自己的时装屋推上了潮流的巅峰。

Jean Patou为服装界带来了一场不一样的风潮，他让 运动套装登上了 时尚 的舞台 。并为不同的运动项目设计了运动套装，比如马球、网球、高尔夫等，并且在运动套装上采用了弹性、呼吸性能都很好的针织面料。

Jean Patou让女性从沉重多层的运动装束中解放出来，并引入了大众 “便服” 的概念，就是露出腿部的无袖连衣短裙。

从 时尚 的角度来看，我们很难说是动荡的二十年代成就了伟大的设计师，还是设计师的不凡承托了这个年代的不安。

风华绝代的Flapper

在20世纪20年代，人们将新一代独立的年轻女郎 称之为 “Flapper” Flapper对传统女性的观念嗤之以鼻，她们独立也贪图享乐。穿着直筒连衣裙，留着BOB头，戴着Blingbling的首饰，浓妆、烟草、烈酒、爵士乐……“flapper”得到了当时都市丽人的追捧。

“Flapper”风格的特征

· 齐耳Bob头

· 夸张的烟熏眼妆

· 低腰线的“H”型直线连衣裙

· 钟型克罗歇帽

这股风潮从法国开始蔓延，女人们越来越爱穿便于行动的直筒连衣裙，便于踩着爵士乐的节奏舞动——当然，裙子最好能点缀些亮片，最好使用些羽毛般轻盈的装饰，就像flapper这个单词原本的意思： 刚学会飞的小鸟 。

此外，由Jean patou、Chanel、Edward等一同创造的 “杰尔逊奴样式 “ 也深受都市丽人们的青睐，人们把穿短裙，留短发的职场女强人叫做“杰尔逊奴”。女子留着齐耳的短发，同时流行着一种帽山很深的吊钟型女帽—— “克罗歇”帽 。钟型帽是由法国知名设计师Caroline Reboux在1908年发明的，钟型帽能够轻而易举地展现都市丽人的优雅知性。

法国版《Vouge》封面主笔画家George Barbier对装饰性的平面构成有着自己独特的风格，他的 时尚 插画出版于当时各大平面杂志，在George Barbier的画中男男女女都穿着华丽的宴会服饰，无论从服饰的设计上还是画面的排场上，都充满耐人寻味的细节。

点击阅读：《VOGUE》百年插画大赏，跨越时代的审美

美国画家Russell Patterson描绘的这幅《无火无烟》，完美契合20年代flapper风格。

白天忙于工作，夜晚奔赴派对，女人们在勤勉与慵懒、现实与梦幻之间自由切换，以绝对自信的姿态，向世界宣告自我的独立。

下面这幅《愤怒的探戈》便出自Georges Barbier之手，描述了当时上流 社会 热衷的探戈舞。

1910-20年代，探戈在巴黎十分受欢迎，探戈便进入上层 社会 的宴会厅与俱乐部，所有的人都在跳探戈，Flapper也是当时的探戈舞裙。

重返岁月往昔

2020年8月29日我们在Mon the Bund 米氏西餐厅重返二十年代的岁月往昔。 距离1920年，正好是一百年的时光 。

在灯影变换中，交杯换盏中，迷离的目光中我们感受着那个神奇的二十年代。

用《了不起的盖茨比》的作者菲茨杰拉德自己的话来说：

”二十年代是一个奇迹的时代，一个艺术的时代，一个挥金如土的时代，也是一个充满嘲讽的时代。那时，在年轻的我们眼前，一切都像镀上了玫瑰红，浪漫无比。“

更多文章：

1从Dior设计师梦之展回顾往昔

2极简优雅的Lemaire，背后的爱情或许更让人期待

3日本殿堂级画家，就连 时尚 圣经VOGUE的封面都是他画的

4 竹篮包肯定知道吧，但Cult Gaia里全都是我的心头好

END

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如何成为插画师成为插画师的条件

一_世界没给的,我们自己给,只要肯学,没有学不会的插画。

小伙伴,如果你打算学习插画,那就开始学,不要顾忌这条件那条件,有的纠结没学历能学嘛有的纠结没有美术基础能学吗有的纠结自己年龄大了能学吗其实这些统统都不是什么大问题,没有基础,多努力一个月,基础不就有了吗谁也不是天生就会的吗没有学历又有什么关系呢别人看的是你的作品,看的是你的实力,而不是你的学历,你学历再高,画出来的是垃圾,那卵用也没有。所谓的年龄,更不用着急了,多大都可以学,学习插画和年龄无关,和努力有关,重要的是你肯不肯学,这一点是非常的重要的,

一定要记住,世界没给的,我们完全可以自己给,平静的湖面,练不出精悍的水手,安逸的环境,造不出牛掰的插画高手,勇敢的开始你的插画学习之路,这就是最好的学习条件。

二__安寤纫盘な档,再练飞檐走壁。

学习插画,一定要先打好基础,没基础可以学,练好基本功,再往上学,就会变的非常的容易,学习不要急躁,要放平心态,学习插画,只有脚踏实地,一步一个脚印才能量变引起质变、

三_好的老师,会让你的插画学习一飞冲天。

很多同学问我有没有认识的优秀的插画老师,当然有奥,给大家说一个比较适合大家的,他每天晚上8点都会再网上免费直播讲板绘插画公开课,讲了很多年了,每天晚上都有很多人来听,也有很多零基础的小伙伴,因为讲的好啊,讲的通俗易懂啊,也非常的好玩,与其把时间浪费在玩手机上,还不如听听老师的课程,想听的同学,可以到他的唯心(谐音):首先开头的一组是:w9_缓蠛蟊叩囊蛔槭:kaka_颜饬阶榘凑障群笏承蜃楹掀鹄醇纯,非常的简单。

很多同学总是想的太多,做的太少,心太浮躁了,如果是这样的话,别说学插画了,学什么都费劲,再次强调,一定要脚踏实地的,这是一种坚持,只有经受的住时间的考验,所有的努力才不会被浪费,没有一路到底的执著,没有既定的目标,就算有一颗不浮躁的心,也不一定能够取得成功,也有可能沦为平庸。

四_绾卧诓寤氖澜缋,打造一片属于自己的天地

一个人的成功不是靠他的智慧,而是靠他的毅力。没有人天生就是优秀的原创画家或插画师

1打好基础。

只有打好基础,才能爬得更高,走得更远。这也是为什么零基础的学生,要从美术基础,也就是素描开始。就像盖房子一样,如果基础不扎实,那么后面就很难继续。级别越高越危险,甚至无法继续。了解黑白、构图、透视、人体解剖学/肌肉骨骼、色彩论证、阴影对比等等。

没有这些基础,你最好不要称自己为画家。要想更进一步,不仅要学基础,更要学精髓和透彻。很多同学急于求成,所以在美术基础上花了一点时间,因为觉得美术基础没意思,所以想上计算机。当他们在电脑上画到一定程度后,还是觉得基础不扎实,导致了瓶颈期。当时回去学美术基础,才知道打好基础,以后画画才能爬得更高,走得更远。

2视野开阔。

当你开阔了眼界,你会有更多的遐想空。永远不要做井底之蛙。高视野可以完全打开你宽广的胸怀,紧跟时代和时代潮流,不断探索新的风格和不同的绘画方法,学会举一反三。其实世界上所有的文化,历史上的艺术运动,都是你灵感和灵感的来源。融合不同时代、不同文化的艺术风格,或许这会产生意想不到的效果。

3学会思考。

绘画和语言一样,是一种表达内心的方式。我说出我的想法,我写下我的意思,我画出我的感觉。但偶尔停下笔,回想一下自己的作品是表达了自己的一些真实想法,还是对世界的反思。你放在作品中的思想,会让你的作品更有深度,更有意义。

4不能机械地重复实现。

简单的事情不容易重复。人为什么会犯错是因为不熟悉造成的,就像大家不会把一加一错当成二一样。是的,艺术来源于生活,又高于生活。你的画应该讲述一个故事,表达一种情感,反映一种心情。

5不要只做表面文章,要实事求是。

没有人的成功可以走捷径,成功是不可复制的。成功人士有一个共同点:现实、务实。新手一般都喜欢没完没了的画软皮肌理,都画的跟瓷娃娃一样。有必要排除好的和坏的。

6其实表面纹理完美与否并不重要。

表面画的不错是真的,看起来让人觉得你的作品很光鲜亮丽。但是,如果人体的构成比例和透视比例不对,人画得再漂亮,皮肤画得再细腻,都是没有用的。就像一道选择题。如果你做了错误的选择,再多的解释也无济于事!方向错了只会相反!

7对自己有信心,坚持学习!

大师需要时间和经验的积累。罗马不是一天建成的。你不能一口吃成胖子,所以你不可能在一天之内成为一名优秀的画家。很多人喜欢吹嘘自己有多有才。他们从来没有拿过画笔,一上来就画得和达芬奇一样好。就算画一两个速写本,也不过是万里长征的两小步。

以画家为例。画十几手不会让你一夜之间就知道怎么画手。不管画家们怎么说,我以前从来没有拿过画笔等等。。一个真正优秀的画家,只有画了成百上千只手,才能真正画出手来。如果你画了几个练习,觉得没有突破,那是正常的。不要认为自己没有天赋。

五插画学习需要掌握的一些基础知识:

1插画基础与描线:

零基础学习插画,重点在于学习线的多种表达技法以及线的多种处理手法包括造型运用,因为插画绘制前期对线的要求比较高。

2插画素描:

插造型与透视必须要准确,交界线是素描能不能过的最基本的要求,三大面五大调也是插画动漫基础必须要理解与掌握的,同时插画的材质练习也要掌握。

3人体:

零基础上手学习动漫插画,还要掌握基本的人体比例、骨骼与体块的概括,同时能够建立插画动漫人体框架,理解插画动漫中肌肉与脂肪的奥义,掌握结构与动态的标准绘制思路,同时理解插画人物五官的结构以及插画动漫头像光影的绘制。

4服饰:

掌握并能够绘制插画里面常见不同类型的衣服;衣褶布纹表达清晰;对插画中角色设计有一定的理解并有清晰的思路;能够独立表达和完成插画动漫中的角色设计。

5构图:

最后是理解插画中的常用构图法则,绘制出以角色为主的插画线稿,并且合理构图。熟知取色、配色以及插画绘画上色技巧,掌握当下流行的插画动漫上色方式,对插画的画面精度要有意识,可以提升插画的画面完成度,完整进行高完成度的插画绘制。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

插画师多久可以学出来

插画师要入行大概需要两年半的时间。

插画师需要学的内容:

1素描是一种用绘图工具使其表现在二维材质上的视觉艺术。使用的工具包括石墨、铅笔、蜡笔、墨水等,以及电子绘图。素描最常见的载体是纸,其他材料如硬纸板、皮革、木材、帆布等都可使用。

2色彩,知识结构比素描要系统的多也比较抽象,而且很多时候你以为自己看到的是颜色A,但实际却是B。色彩要上的准,要知识要经验;色彩要上的妙,有风格,要天赋。太多人黑白线稿画的过得去但是易上色就马上变难看了。也有一些人可以通过上色让一个粗糙的线稿变得好看。丰富多样的颜色可以分成两个大类无彩色系和有彩色系,有彩色系的颜色具有三个基本特性:色相、纯度(也称彩度、饱和度)、明度。在色彩学上也称为色彩的三大要素或色彩的三属性。饱和度为0的颜色为无彩色系。

3速写顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇,属于素描的一种。

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如何成为一位插画师

一_掖庸蟠侵,给了自己一个学习插画的理由

我大学的专业是理工科,在国企工作了两年后辞职,辞职后的这一年我是怎样学插画的呢

从去年这个时候开始学插画,整整一年了,跟大多数人一样,刚开始萌芽要学插画的时候,我也收到了很多阻碍的声音,比如:你现在开始太晚了做插画是很需要功底的,而你没有这些说的都没错,但是还是没能阻止我开始。

原因当然是热爱。如果能做自己热爱的工作真的太幸运了。

尤其是现在插画已经广泛运用到各行各业中,包括启动页、banner、专题、刷新页、详情页、icon、弹框、背景图、节日闪屏、表情包、包装、vi设计、书籍插图,还有很多的插画周边等等,甚至现在ui设计中会插画也成了一个加分项。会插画太重要了,就算是只当作一个爱好,你也会发现整个生活都更美好了。

二_鹑怂盗慊≡趺纯赡苎Ш貌寤,我说,能,简单,不难

这一年有很多人问我,非科班、零基础真的可以学好插画吗你真的是零基础吗我的学习经历告诉我,是可以的!没有人生来就会插画,所有优秀的插画师都是一点点学的,所以我们也一样可以。而且很多插画师都很善于分享,我也从中受益颇多,虽然我现在画的离他们还是有很大差距,但是在我整理我这一年的作品时,很欣慰已经有飞一般的进步了。

三_没有方法的自学插画,其实只是在给自己挖坑

我刚开始自学插画的时候,就知道抱着书看,或者从网上扒拉了一堆视频教程,但是总觉的学着学着就卡壳了,学的总是散乱差,脑子一团浆糊,在自学的道路上,越前进,越费劲,越有一种想要放弃的冲动,内心真是越来越崩溃啊。

后来我请教了一下大学同学王羽柔,她大学毕业后做的是插画这一块,她说,你现在连半瓶子不满一瓶子晃悠的水平都没达到,还好意思玩自学,甚至于说,你连最基本的概念都晕头晕菜的,你这不是在自学,你这是在自我欺骗。然后王羽柔把我整到了一个原画板绘插画大型学习资源(裙),里面各种视频教程都很系统,每天都有老师在里面分享相关知识,我就在里面天天猫着听呗,还别说,我还真的正儿八经的学会了插画,我内心的疑惑也都一扫而光。

很多小伙伴一直在问我那个原画板绘插画大型学习资源(裙)怎么找到,我给大家分享一下吧,首先开头的一组数字是:二三九,其次位于中间的一组数字是:八六九,最后处于尾部的一组是:三七七,把以上三组数字组合起来即可,我个人感觉,在学习的道路上,能够有一个好的学习基地陪伴,自己心里不会发慌。

四_我学插画的过程,你们可以复制,相信自己,未来可期

(1)工欲善其事必先利其器-工具篇

我常用的工具包括一台电脑、PS软件、wacom手绘板。电脑我用的是,macbookpro15寸笔记本。目前我所有的插画都是用PS画的,PS是相对SAI、AI、SKETCH来说最综合的软件。手绘板是需要一些手感的,很多小伙伴说不是很会用,多练几次就好了。可能是我恰恰没有手绘功底的缘故,我第一次用手绘板的时候反而觉得好用,觉得在板上画几下就可以在PS里呈现出来,太有趣了,分分钟爱上了手绘板,所以我接触插画并不是从纸上过渡到手绘板,而是直接上手手绘板,根据遇到的问题反复查缺补漏。

(2)临摹---不会咱就模仿,先抄了再说

因为没有美术基础,手绘对我来说是最难的,刚开始真的没办法画出来,我就从网上找好看的插画临摹,挑一些画面简单的,比如一些植物,一只小动物,一个小人像这样的。

(3)半临摹---光模仿没意思,模仿了还要玩花样

临摹了大概三四个之后,其实板绘的大概几个表现方式就已经掌握了,而且会发现跟原作比较的话,临摹的还是不错的。接下来我就发现,光临摹是没有用的,因为临摹的再好,也是别人的成果,你只是在模仿,能学到的就只是原作的表现方式,说白了就是一些软件的技法。真要自己去画,脑子里根本没想法,手上也不知如何下笔。

这时候我开始试着半临摹了,也就是在原作的基础上,加一些自己的想法,相当于在掌握的技法上加入一些自己的手绘想法,通过搜集素材,把认为有用的,替换或者修改到原作的画面中(方法是先在纸上画草稿,再手机拍照传到PS里画),或者改变原来的画面构图等等。总之,将原作按照自己的想法修改,这些都是那个阶段的作品。对于没有美术基础的我来说,这一步能做好挺难的,那时候就感觉画什么都很费劲儿,自己也在本子上练习过,但是还是有种闭门造车的感觉,进步太慢了。

我从王羽柔说的那个学习基地里,找了一套素描教程,来恶补一直以来被所有人提到的美术功底。刚开始连线都画不直,所以从画直线开始练习,到几何体的起型、上调子、塑造明暗关系等等,通过学习素描,我开始对光影的表现、造型等都有了系统的理解。

学习素描——几何体,静物,风景,人体结构及速写。将学到的知识,我尽可能的运用到我的板绘中,渐渐感觉不是那么吃力了,画手绘也会好一点了。

(4)原创---把别人的东西学到手,融会贯通形成自己的

接下来就是原创了,其实原创并不是完全的凭空去想出来,然后就画,而是建立在很多素材的基础上的。我的方法是,把我想画的东西在网上搜集、照片,找出自己喜欢的,然后把脑海中的画面所涉及到的元素,从不同的领域搜集到一起,按照自己的想法,组合成一幅画面。这里印证了一句话:创新,就是旧元素的新组合。

另外,这个阶段我也开始研究更多的板绘技法了,经常跟学习基地的老师要很多视频教程,然后跟着画,因为插画有很多风格的,比如写实的、扁平的、肌理的等等,对我来说我喜欢扁平的、比较清新风格的,所以我就分析这些插画是怎么表现的,用的什么笔刷、颗粒感是怎么做出来的、叠加了什么材质,配色为什么好看,然后吸这些配色看怎么能运用到自己的插画等等。然后开始将这些技法总结下来,成为自己的东西,但不能照搬,而是运用到无形中,形成自己的风格。

五__安灰芟胱呓菥,但可以有踏踏实实的方法

学习需要一个过程,需要吃苦,不要总想着一步登天,这是不现实的,既要踏踏实实,也要讲究方式方法,在努力中展现智慧,在智慧中成就努力。

(1)关于软件

对于PS软件的学习,这里有个小插曲,因为在我没有学插画之前,当然,那时候我还不知道手绘板是个啥,那时候我在研究摄影,因为我比较喜欢摄影,而摄影就不可避免到要做后期,所以,我开始学PS是为了修图或者做海报的。好了,插曲讲完了,真正的干货来了。

我学习PS是通过看了一本书,叫做《毫无PS痕迹》,这本书很厚,我去年11月刚辞职那会开始学的,零零散散差不多看了快一个月,但是当时真的学的超仔细,毕业后很少这么卖力的看一本工具书了,还做了各种标记,现在看看都挺佩服自己的。看完这本书时,当时真有种精通了PS的感觉啊,哈哈。其实,只画画的话,没必要精通啦,用到的无非是那几个工具。

(2)关于网站

我日常用的最多的网站有站酷、花瓣,上面有很多优秀的作品,可以拿来临摹练习。站酷和UI中国上还有一些设计大赛,感兴趣的可以参加一下,我参加过海报设计大赛还有一些图案的设计大赛,都是一些很好的体验,主要是能学到在同一个题目下,其他的优秀设计师会用什么样的思路和表现手法。

花瓣网好好利用起来,也是很有帮助的,平时可以把自己喜欢的插画或者素材都分类采集到花瓣网,用到的时候就可以直接去看,像是自己的一笔财富。我还专门收集了一个我的灵感库,里面都是我浏览到的一些比较有创意的素材,基本都是会有我很难会想到的一个点。然后没有灵感的时候,我就会去翻翻看,往往会有一些收获。

(3)关于书籍

我之前是在国企上班的,国企真的是感觉温水煮青蛙,现在想想那时候要么上班,要么一下班就无所事事,周末就想着怎么消遣,去哪儿逛街,逛淘宝,买各种衣服,衣柜里塞的满满的,但是一到换季还是没有衣服穿

从去年辞职后,我慢慢改变了很多,买买买的不是衣服了,而是各种书,设计的、插画的、摄影的、学习方法的、文案的、运营的、生活品质的等等,学习资源基地的老师让我看的一些书单,我个人感觉也很有帮助。

《配色设计原理》

《速写实用教程》

《插画教室专业插画设计技法精解》

《如何成为一名插画家》

《自由绘画:插画师要知道的84个创作技巧》

(4)关于创作

创作,其实就是一个大量的积累后的有效呈现,这里的积累,我觉得是多看、多练、还要多记录。

多看是多看好的作品,激发创作欲望。

多练是多练手绘技巧,提高创作速率。

多记是多记瞬时灵感,增加创作思路。

以上都是我自己总结的,不知道对不对,但是我突然发现我总结的还挺好的,至少整齐,像是一本正经的胡说八道,哈哈。

多看我就不说了,上面都已经很详细的写了去哪里看。多练我也不说了,练就是了,不怕多,我也在持续练习中。

多记我要嗦一句,因为我发现很多灵感都是一瞬间的,不知道你们有没有这种感觉,比如,我在做饭的时候,突然想到一个画面一定要画下来,然后就想着,等会做好了饭,一定要记下来这个想法,但是等做好了饭,突然问自己,刚刚说要记下来的是什么来着所以不管在做什么,或者外出,我也一般包里都装一个小本子,一有想法就立马记下来,因为下一秒钟你就有可能失去它了,导致你要再想好久才能跟它相遇。当然,如果你有忘不掉它的特异功能,可以忽略这一条。

以上就是我一些主要的学习方法,希望可以帮到你。记得哦,多看、多练、多记录!

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

如何成为插画师？

1、要了解插画的基本功。结构是指所画事物的解剖,插画师必须了解动物或物品的内在结构。肌肉、骨头、皮肤、毛发、躯干、根系、枝条、树叶这些都是结构的组成。

2、其次要熟悉你所要用到的软件,可以到网上找到很多此软件方面的教程,通过使用网格画形状,或者将每个物体分解为更多简单的形状,比如方块或三角形,以得到一种便简化草图的方式。

3、模仿,可以先找一些简单的插画进行临摹,达到自己满意的效果后,可以找一些自己喜欢的相对有难度的插画进行练习。

4、平时多看一些插画的作品,参考学习别人作画的技巧,加以锻炼强化自己。

5、接下来可以找一些关于插画的工作,不为工资只为在工作中学习成长。

扩展资料:

1、插画作为一种艺术形式,已经成为现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力,在现代设计中占有特定的地位,现已广泛用于现代设计的多个领域。

2、插画家主要工作包括替书籍、杂志、报纸、说明书、小说、教科书等刊物绘制插画、封面,也从事绘画贺卡、海报、广告、喷画、幽默画等。分为电子插画和纯手绘。

3、游戏和影视插画设计师更是需求量巨大,和游戏行业类似,每一部影视作品也会有大量的分镜绘制、场景设计工作,这些无疑造就了游戏影视行业对插画师大量的需求。

参考资料:

-插画师