Jimin 和Jennie 相同的香奈儿造型！Jimin和Jennie 都太有型了

BTS 的 Jimin 和 BLACKPINK 的 Jennie 相同的香奈儿造型

Jimin 和 Jennie 都太有型了!

防弹少年团的 Jimin 和 BLACKPINK 的 Jennie 本身就是知名的韩娱偶像！

Jimin 和 Jennie 既 时尚 又才华横溢，而且他们的风格经常重叠……尤其是在他们对 Chanel 的热爱方面！

我列举了4 次 Jimin 和 Jennie 搭配同一件香奈儿单品的时刻！

1Chanel 大衣

Jimin 和 Jennie 穿着同样的 Chanel 大衣，他们的造型都很显眼！

Jimin在“Boy With Luv”活动上穿着这件外套参加粉丝见面会。 他将外套穿在黑色 V 领衬衫外，搭配黑色裤子、Yves Saint Laurent 腰带和 Chanel 项链。Jimin 穿上这套衣服，帅气无比，一头粉红色的头发让他显得格外醒目。 他这个造型绝对吸睛！

Jennie 穿着同样的外套去机场。 她把夹克穿在黑色高领毛衣外，搭配黑色裤子来完成她的全黑装束，同时搭配了一个白色的圆形包和白色运动鞋。 她穿的都是香奈儿！ Jennie 在她的全香奈儿造型中展现了超迷人的气场。

2 白色 T 恤

Jimin 和 Jennie 穿着 Pharrell 为 Chanel 设计的长袖 T 恤。

Jimin 在 BTS 2019 年中断期间制作的视频博客中穿着这件衬衫。 通过将 T 恤与黑色紧身牛仔裤、黑色 Yves Saint Laurent 靴子、黑色 Yves Saint Laurent 包和黑色 Chanel 项链搭配，Jimin 营造出休闲而 时尚 的感觉。 他的造型足以适应任何地方！

Jennie 在 Instagram 中穿着同一件衬衫。 她将衬衫与黑色 Adidas 短裤搭配，并将头发盘成凌乱的发髻。 虽然她的造型非常随意，但 Jennie 看起来一如既往的 时尚 ！

3 羊绒衫

Jimin 和 Jennie 都穿着同一件白色 Chanel 羊绒套头衫，看起来不可思议。

Jimin 在 BTS 特别回归直播的 Map of the Soul: Persona 迷你专辑中穿着套头衫。 Jimin穿着套头衫搭配黑色裤子和黑色切尔西靴，并搭配一条黑色水晶香奈儿项链。 毫无疑问，他在这场直播中让粉丝们神魂颠倒！

Jennie在粉丝见面会上穿着同样的套头衫。 她穿着牛仔紧身裤和一双红色 Miu Miu 高跟鞋。 Jennie 在这个造型中营造了可爱的氛围！

4 夹克

Jimin 和 Jennie 都穿着香奈儿的运动夹克！

Jimin 在接受 SiriusXM 采访和在机场时都穿着这件夹克。 他穿着夹克搭配黑色 T 恤和黑色牛仔裤，黑色无檐小便帽和太阳镜。 Jimin 在这个造型无比帅气！

Jennie 穿着同样的夹克去机场。 她穿着灰色衬衫和灰色休闲裤，搭配蓝色围巾和香奈儿手提包。 Jennie 的这件搭配媲美 时尚 模特！

你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？

于我而言，我觉得这个设计属于是比较

大胆但是又在情理

之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。

香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，

打破了装饰堆砌的审美

，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。

再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。

所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。

可以突破，但是原本的根基不要动摇

。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字

最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。

这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上

事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。

过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。

因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；

手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。

事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。

从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。

上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在

他就是ChristianBérard。

Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。

ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友

刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。

ChristianBérard

01是时装插画亦是艺术

ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。

上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper'sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。

他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。

它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。

是融合了新浪漫主义的诗意风格~

线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的动态勾勒得很传神。

他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。

Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。

毫无疑问，

Bérard提升了时尚插画的艺术水平，

不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。

ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「

为他打开了一个新的世界。

」

而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。

02服装设计的多面手

Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。

下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。

后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。

除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。

Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的**多次设计戏服。

1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。

相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。

他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。

Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。

我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！

03全能美学设计师

除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。

Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——

就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。

于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L'EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。

Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。

如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。

那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场

Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。

前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。

Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。

Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。

如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔

他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？

Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。

有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。

最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。

04设计师们的「Bébé」

Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。

上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~

Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「

能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。

」

据说正是Bérard所说的一句「Isn'tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响

众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。

但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般

香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）

Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年

Bérard为香奈儿创作的时装插画

而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线

ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画

ChristianDior1947年的时装首秀

不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。

Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：

是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。

Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。

我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「

感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉

」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。

我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。

Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。

1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。

对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。

巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。

时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。

AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40's为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。

Berard为Ascher设计的面料

AnnaSui1995SS

在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。

Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。

ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

　　1920年，夏奈尔根据水手的喇叭裤，设计出女子宽松裤。两年后，又设计出休闲味道很浓的、肥大的海滨宽松裤。整个20世纪20年代，夏奈尔接二连三地构思出一个又一个流行式样：花呢裙配毛绒衫和珍珠项链；粗呢水手服和雨衣改成的时新服装；小黑衣套装镶边、贴袋的无领羊毛衫配一条齐膝短呢裙……她当时的创新还有黑色大蝴蝶结、运动夹克上镀金纽扣、后系带凉鞋、带链子的手提包和钱包。她对珠宝业也有较大的影响。

　　Coco Chanel生平简介

　　可可·香奈儿（Coco Chanel 1883一1971）

　　姓名：可可·香奈儿

　　国籍：法国

　　出生日期：1883年8月19日

　　逝世日期：1971年1月10日　

　　出生地：法国索米尔

　　逝世地：法国巴黎

　　品牌名称：香奈儿

　　商标logo

　　原名加布里埃·邦思·香奈儿(Gabrielle Chanel) 如果要问二十年代的时装女王是谁，那么答案只有一个Coco Chanel，她超越生命极限的设计和崇尚自由随意搭配的风格，把女性从笨拙的扭曲体型的束缚中解放出来，强调优雅简洁而容易穿着，成为现代女性衣着的革命先锋。 她曾说过:“要把妇女从头到脚摆脱矫饰”。她要“创造一个年轻的形象”香奈儿的服装坦率、自由，裙子为齐膝短裙，上衣为宽松直线型外套，不再强调胸部和臀部的曲线。她的毛呢无腰四分之三长外套，去掉花哨的装饰，简朴得像男装一样。她反对过去的高级时装像“鸽子那样挺胸凸臀”。“烦躁、杂乱”，她壮涨造型县简洁、朴实、舒适自如，色彩单纯、素雅，她喜欢黑、白两色。香奈儿改变了时装的概念，是服装艺术真正迈入20世纪。

　　这位意志坚强、有着超凡创造力和生命力的女人使CHANEL的名字及其两个双C字相紧扣的标志成为一种时尚和文化的象征，对于注重品质的人来说，它代表着风格和地位。在二十年代她率先将男性的针织毛衣演绎为女装；从水手裤取材，推出“sailor pants”和 “beach pyjamas”,鼓吹女性如男性般穿上长裤，开创了“男装女穿”的先河。而她对人造首饰与衣服搭配的重视，特别是成串成串的珍珠链，为她简洁的衣服设计添上华丽感，更开启了现代衣着的观念——怎样穿着一件衣服比衣服本身更重要，以及我们所说的“total look”。

　　可可·香奈儿一生未婚，被她拒绝的求婚者不计其数。他们中绝大多数来自豪门贵族，不但地位显赫，对香奈儿更是一往情深。就连著名的威斯敏斯特公爵也是她的追求者之一。当然，公爵最终也没能如愿。有一次，他伤心地问香奈儿：“对你来说，难道连威斯敏斯特公爵夫人这个头衔也不够好吗？” “亲爱的，你要知道，” 时尚大师微笑着说：“地球上有很多公爵夫人，但只有一个可可·香奈儿。”她这句话，后来成了香奈儿公司著名的宣传语。

　　1971年6月10日,香奈儿独自为即将到来的时装发布会工作到很晚很晚,凌晨时她服用安眠药,她睡了,却从此再也没有醒来她穿着喜欢的套装,戴着项链,带着她的机智和俏皮,偃然长逝了,结束了她传奇的一生,终年八十八岁她一个人悄悄地离去了,没有人停下来询问,没有人听到她是否呼救,她不喜欢孤独,却不得不孤独地度过了余生她曾是那么的显赫,她的临终又是那么的平淡。

　　创始人Gabrielle Chanel 香奈儿于1913年在法国巴黎创立香奈儿，香奈儿的产品种类繁多，有服装、珠宝饰品、箱包，配件、化妆品、香水，每一种产品都闻名遐迩，特别是她的香水与时装。

　　相关**：《时尚先锋香奈儿》

　　根据Edmonde Charles-Roux撰写的香奈儿传记《惊世骇俗的人》（L'Irreguliere）改编，由法国女导演安妮·芳婷执导，香奈儿公司的艺术总监卡尔·拉格菲尔德将担任影片的服装顾问。重点描绘香奈儿早年间的奋斗史，讲述她的少女时期直至在时装界初露锋芒这段时期的遭遇。香奈儿童年很是不幸，幼年丧母的她一直寄居在孤儿院中。直到她独自去巴黎闯天下，25岁时，她遇到了第一位情人耶田·巴桑，一位热衷于骑术的中产绅士，和巴桑一起生活，香奈儿也成了一名美丽的女骑师。1910年，香奈儿和一位年轻的英国人邂逅，并相爱了。他就是亚瑟·卡保，一位马球运动员兼年轻的实业家。香奈儿认为“他不只英俊，而且相当优秀”，她甚至曾在多次说过，这是她一生唯一爱上的男人。然而，香奈儿并不满足无所事事的情妇生活，在情人的资助下，她开始了她的事业。传奇开场。

你如果有看过**《王牌特工》，那么你肯定会被里面精致的西装所吸引，西装作为英国绅士的标配，长度的测量和对材质的要求是非常严谨的。但是**里除了西装外，还有毛衣， 毛衣作为英国人的国民衣物 ，也是不得不说的。

就算你不关注英国的事物，也许你也会对他们身上的毛衣有点印象吧。

其实，英国人是很喜欢穿毛衣的，在圣诞节前的圣诞毛衣日，是的，还专门为毛衣定了一个节日，虽然是从北美传过来，但是英国人民也是过得不亦乐乎的。

在过节之时，每家每户都会穿上颜色各异，图案奇趣的毛衣来庆祝。而有趣的是，连英国皇室成员也会这样做，虽然是在蜡像馆里面，但是这样“有损”皇家颜面的事情也没有得到阻止，理由可想而知。

至于英国人为什么喜欢穿毛衣，大概和这位皇家贵族温莎公爵脱不了关系。当时穿衣风格自成一派的温莎公爵在一次活动中穿着带有花纹的毛衣，画面经由电视播出，民众看到身穿毛衣的温莎公爵英姿飒爽，全国人民开始争相模仿，掀起了一股毛衣热，久而久之，毛衣就成为了英国人衣柜中不可或缺的存在。

久而久之， “英国羊毛”、“英国织造” 也成为我们选购针织品时少有的默契。

提到英国、 时尚 ，我们最先能想到的关键词有哪些？ 绅士、披头士、温莎公爵，而他们之间，都有针织这一文化作为纽带 。

英国的针织文化，仰赖了多岛、临海、温和的地理和气候优势 ，不列颠群岛的不同地区除了有着不同质地的羊毛，还衍生了各异的针织风格。

这些传统往往在受外部影响较少的偏远地区存在得更久，针织对某些地区居民而言，是一种不需要多少设备、没有性别要求、且可以代代相传的手艺。

在 17 和 18 世纪的大部分时间里，临近法国海岸线的根西岛和泽西岛都以制作羊毛袜和背心的家庭手工业蓬勃发展 。法国革命和英国战争的原因，海峡群岛的针织业在19世纪开始衰落。但这并不妨碍岛民继续为自己编织衣服。渔夫运动衫或根西衫就是当地针织业的代表。

它们通常由厚羊毛毛线，使用四根或五根针无缝编织成桶状 。传统的深蓝色 ganseys 是使用创造性的针法组合手工编织的。高领紧袖，旨在为穿着者提供一定的防风和防水保护。

由于机器编织的高效、低成本，手工编织的根西衫在大部分地区逐渐消失，直到20世纪70、80年代，才得以在手工编织的热潮中复苏。

费尔岛是一个偏远的岛屿，位于苏格兰大陆北部的奥克尼和设得兰群岛之间。19世纪以来，颜色丰富的设得兰羊毛一直是该地区的特色。

这些不同的颜色的羊毛除了来自不同品种的羊，也离不开茜草根和地衣等天然染料的染色，但无一例外都是来自大自然的色彩， 没有工业化学染料的添加，呈现出的颜色往往有着打动人心的力量 。

费尔岛早期的编织者生产帽子、围巾和长袜。费尔岛风格的毛衣通常由不同颜色的羊毛线编织而成的水平图案带构成， 这些图案包括十字架、钻石和八角星等 。

费尔岛毛衣在 1920 年代的风靡，部分要归功于温莎公爵，他曾将其作为高尔夫球服穿着，当时的配色以棕色、灰色和白色等自然色调为主。

CHANEL还用费尔岛毛衣代表性的提花完成了一整个系列的设计。

阿兰群岛位于爱尔兰西海岸的戈尔韦湾。1891年，为帮助贫困家庭度过失业和粮食短缺的困境，政府成了专门的委员会，鼓励当地人编织和针织服装销售。

到20世纪，这项以家庭为单位的手工业开始扩张，针织图案逐渐复杂。岛民不再使用传统上用于制作渔民运动衫的深色上油羊毛，而是尝试使用柔软、厚实、未染色的纱线。

到 1930 年代，Aran 针织品在都柏林等城市被出售给游客，很快在全世界广为人知。

Vogue Knitting于1956年发表了Aran图案，使得该设计在美国开始流行 。我们熟知的icon如猫王、Steve McQuen都留下了穿着阿兰毛衣的影像。

设得兰群岛是大不列颠岛以北的群岛，位于英国领土的最北端，西临大西洋，东临北海，由约100个小岛屿组成。18 世纪初，岛民开始编织工艺，和上述岛屿不同，设得兰群岛涉及的编织工艺众多，但都离不开特殊的原材料——设得兰羊毛。

当地绵羊出产的羊毛十分特殊，以绒毛为主，纤维平均厚度为约 23 微米，并夹杂较多的粗毛和戗毛，纺成纱线后圆润、有弹性、轻盈。 设得兰羊毛以其耐用和耐寒而著称，并且质地适中，既不会觉得笨重，也不会感觉没有质感，除了隔热效果好，也是纯羊毛纱线中不易起球的一款 。

一直以来， 设得兰羊毛有着“丝绸的光泽和柔软、棉花的韧性、亚麻的洁白、羊毛的温暖”的美誉 ，无论费尔岛、阿兰或者根西衫，都可能使用高品质的设得兰羊毛Shetland wool编织。

当然，时至现在，仍然使用设得兰群岛出产羊毛编织毛衣的并不多。失去这个判断标准，不知道如何选购高品质的针织产品的话，不妨参考VERTU下面推荐的几个针织品牌。

始于 1893 年的 Jamieson’s of Shetland，发源于英国最北端领土设得兰群岛的 Sandness 地区。由 Robert Jamieson 创立后，就成为了家族事业传承至今。

一开始，Jamieson’s of Shetland 只是一个满足岛民对针织品需求的小商店，随着家族成员的不断加入和品牌的成长，纱线从使用 60% 的设得兰群岛羊毛含量增至 100% ，大大提升了品质，而款式和图案也趋于多样化。

既然品牌 历史 悠久，那么使用传统的 Fair Isle 技术织出来的花纹毛衣无疑也是其值得推荐的单品之一。这件 Jamieson’s of Shetland Fair Isle Crew 以灰色为基调，采用复杂多样的 Fair Isle 花纹修饰，这种冷色调的搭配令传统复古的纹理也显得相对年轻。在领口、袖口和下摆的位置使用罗纹设计，以保证毛衣的包裹性和保暖性。

这里可能有大兄弟会对 Fair Isle 会有点疑问，在此稍微解释一下。 Fair Isle 这种传统的编织技术是以设得兰群岛的费尔岛（Fair Isle）命名 ，而上文温莎公爵所穿的毛衣也是使用了 Fair Isle 技术编织成的。 此项技术的关键在于用每行用至少二到三种颜色不同的针线来逐行编织图案，针线每针交替，形成出垂直条纹和对角线网格的图案 。

Fair Isle 毛衣

如果不喜欢这种“花里胡哨”的图案，那么可以选择以下这件开胸款式的 Jamieson’s of Shetland Elbow Patch Shawl Collar Cardigan。有别于上面那件毛衣的是，在材质上，选用了羊羔的羊毛，在纱线上更加细腻。

这件 Elbow Patch Shawl Collar Cardigan 的外观看起来更具休闲气息，在手肘的位置还有绒面革保护，而纽扣则是以皮革制成，可见工艺之细腻。

相比于 Jamieson’s of Shetland ，Inverallan 就算挺年轻的了。生于 1975 年的 Inverallan 主要生产的是手工编织的针织毛衣，直到现在， 所有的毛衣均由熟练工匠用手编织而成，每一件都独一无二 。

而品牌最出名的，就要数为渔夫们打造的具有一定防水性能和强大保暖性能的 Aran 风格 3A Lumber Cardigan 了。以较粗的羊毛纱线编织而成，在表面织出类似缠绕电线的网状花纹，而开胸的设定也十分自由，进可开退可闭。而中间的那排木质纽扣和毛衣的材质形成反差，质感的碰撞散发出独有的复古感。

对于喜欢简约风格的，这件 1H Crewneck Aran Sweater 就很合胃口了。用米白色的羊毛纱线编织而成，交织而成的纹理和图案以中轴线为基准对称排列开来。 而这样的花纹是由工匠在 90 个小时内手工用至少 250000 针编织而成，曾被誉为“最好的手工编织物”的 Inverallan 果然名不虚传 。

而且这件 1H Crewneck Aran Sweater 可谓百搭神物，不论外穿还是内搭，大部分人都可以轻松驾驭，加上简洁的米白色，穿上让人有一种很干净很温暖的感觉。

紧接着，就来说一下这头英国黑羊 Black Sheep 吧。敢直接以羊作名，可不是一般毛衣品牌会做的事，可谓直接了当，皆因 Black Sheep 编织物的纱线全由一种叫做黑威尔士山羊的羊毛制成 。

Black Sheep 的毛衣英伦风相当重，而且偏向成熟类型，但是我觉得这件带有工装风格的 Son of a Gun （没错，毛衣的名字就是这么硬核）还是挺吸引人的。整件毛衣以罗纹呈现，在肩膀和肘部以双车线缝有绒面革保护层，耐磨耐穿。

令人印象深刻的还有官网上的介绍“The ultimate working jersey”，大意为终极工作服，硬核吧？

那第四个品牌就来点休闲风格的缓缓吧， 创立于 1981 年的 Macalastair，擅长使用传统的手动编织机来制作。而材质则选用苏格兰羊毛， 因为苏格兰天气的特点，羊毛会更加柔软且富有弹性，抗雨水的能力也会比较强 。

上文不是说简约风格的毛衣合我胃口嘛，但是做人，怎么可能只喜欢一款毛衣呢？这款 Macalastair Clyde 就很不错啦。经典的圆领设计，带有微孔的纵向网眼纹理，能提供适度的透气性，令穿着更加舒适。

这款毛衣在编织的过程中运用了一种叫做 Tuck Stitch 的织法 。这种织法的关键之处在于它要多行联动编织，也就是说你编织一条线，要联系到上下行或更多行的线，而使用这种编织方法的毛衣，一般都会出现网眼，所以 Clyde 的网眼可不是有意为之。

在了解这款毛衣是怎么制造出来之后，是否有立马穿上身体验的冲动呢？

假若你对上述品牌的毛衣不是太满意的话，还有这个于 1923 年在苏格兰成立的 Peter Blance 供你选择。至今， Peter Blance 仍坚持使用传统制造方法在苏格兰本土生产，据说由于当地编织者的老化，毛衣的生产数量在逐渐下降，每个季节只能生产大约 3000 件设得兰群岛毛衣。

Peter Blance 的 Shaggy Dog Crewneck Sweater 以其多样的配色和宽松的版型而广受欢迎。既然是设得兰群岛毛衣，在工艺上，肯定是离不开古老的编织机器，也需要熟练的手工配合。对比起上文中的毛衣们，你会发现它在表面上缝合的纹理并不明显，令整体更加简洁，这就是传统工艺的魅力。

也许是它的颜色实在是出彩，许多日本年轻人喜欢将其穿在外套的里面作为搭配的亮点，也有人直接单穿营造色块的碰撞。对于毛衣来说，可玩度已算颇高。

我们常常把英式和绅士联系在一起，并不意味着两者可以完全划等号，绅士所代表的的，并不是一个国家，或者一类单品，而是得体、优雅的生活方式。

英国毛衣能够备受推崇，也不是因为一开始就被上流 社会 穿着，而是从功能性的单品发展而来，只不过， 得益于好品味人士的诠释，才让更多人看到了英国毛衣舒适、保暖之外的另一面 。