评述法国莫奈的《睡莲》系列

评述法国莫奈的《睡莲》系列,第1张

  《睡莲》水景系列画

  这个标题,是1909年在迪朗-吕埃尔画廊展出作品时,莫奈自选的标题。这48幅画作于1903年至1908年间,用莫奈自己对画商说的话,这是“一次不寻常的画展”。从1904年起,莫奈的画中,池塘周围的风景逐渐剩下在画面上部狭窄的一块,最后完全消失,整个画面里只有睡莲。“这些水景始终萦绕在我心头。虽然我这个老人已经深感力不从心,却仍想表现所感受到的东西。我毁了一些作品……但也再重新开始。”(给热弗鲁瓦的信,1908年8月11日)

  “水、睡莲、植物,在一片宽阔的水面上”

  第一次世界大战期间,莫奈让人修建了一个天顶透光的画室,以便创作大型《睡莲》装饰画。1918年停战后,莫奈向克列孟梭提议,说他想捐赠两幅给国家以庆祝胜利。

  经过长时间磋商,1922年4月12日,正式签署了一份捐赠文件,莫奈将为巴黎的土伊勒里宫画8幅画,挂在奥兰治宫的两个大厅中。

  以后的这些年里,克列孟梭不断地鼓励莫奈,而莫奈时时有放弃创作的念头;他的视力渐渐不行,自以为最宝贵的眼睛有失明之虞。他患了白内障,但一直不肯接受治疗,直到1923年他才愿意动手术。

  “走近生命的终点真是可怕 ”

  这句话出现在1899年2月7日,莫奈给热弗鲁瓦的一封信中;西斯莱和苏珊刚去世不久。莫奈每每在信中重复类似的话,看到朋友们一个个告别人世,莫奈心中自是感伤。摩里索1895年去世,马拉梅1898年离开,接着是1903年传来毕沙罗的死讯,米尔博和德加1917年也走了。雷诺阿1919年去世时,莫奈说,自己现在是印象派团体唯一活着的人了。迪朗-吕埃尔和热弗鲁瓦两人,也分别在1922年和1926年去世。

  最令莫奈伤心的,是“挚爱的伴侣”艾丽丝在1911年去世;长子让于1914年病逝对他也是一大打击。

  1919年11月19日,莫奈在给热弗鲁瓦的信中表白:“对我来说这是多么悲惨的结局。”一来是视力恢复了,二来是希望创作活动能带来一些安慰,莫奈重拾画笔:“我忘情的工作,满意于自己做的一切。如果这幅新眼睛够好的画,我能活到100岁。”

  我把所有的时间都献给了绘画……直到生命的终了。“我又开始工作了,这是忘掉悲痛的最好的方法,那么多的人在受苦,在为我们牺牲,而我还在研究这些微不足道的形式与色彩,我感到羞愧。”——莫奈给热弗鲁瓦的信(吉维尼,1914年12月1日)

  生命接近尾声时,莫奈告诉克列孟梭:“当你从哲学层面寻找自己的世界时,我则努力呈现世界的表象,这表象与未知的现实密切相关。当一个人停留在和谐的表面时,就不可能离现实很远,至少不可能离我们能够认识到的现实很远。我只是观察到了世界所展示出来的一切,并用画笔记录下来。”《克劳德莫奈》1928年

  克列孟梭口中的“天使”、莫奈的儿媳布朗谢,一直守候在莫奈身边,直到1926年12月5日,莫奈离开人间。这位艺术大师享年86岁。

  莫奈生前表示,不在活着时把大型装饰画交出来,所以,在他身后,根据他自己设计的位置,这些画才安放妥当。揭幕典礼在1927年5月17日举行。《睡莲》是莫奈最后的信息,凭借创新的抽象艺术传达给世人。由这个遗言,印象派的领袖人物成为前卫艺术家效仿的榜样,成为20世纪的人物。

  “ 1927年7月8日。在巴黎土伊勒里奥兰治宫两个椭圆形大厅中安放着克劳德。莫奈的《睡莲》。在一天的每个时刻:早晨、下午、晚上、夜间,水面上盛开着睡莲。莫奈在生命行将终结之际,继研究大自然中不同的的主题在色彩与光之下的变化之后,开始关注最温顺,最易穿透的元素 :水,透明与反射之典型。由于画水,莫奈画下了肉眼所难见之物。他全心画这个几乎看不见的、属于精神层面的、把光与倒影分割开来的水平面。天的蓝被框在水的碧蓝中。制造出水平面感觉的,是花、花瓣、植物、水泡。油画挂在墙上,观众置身画中,正面侧面都可以看。透过画中水的色彩,四周的光也转蓝了。克劳德莫奈与制作教堂彩色玻璃的人一样,对色彩有同样的爱好。从漩涡中,从云中,色彩冉冉升起。” ——保罗克洛代尔(Paul Claudel)《日记,1904——1932年》

  “ 对画家来说,光只存在于色彩中。去巴黎土伊勒里奥兰治宫看一看莫奈的画,就能理解这句话。由于太爱用光来表现色彩,莫奈渐渐走向形体的自杀。他的灵魂在睡莲的裹尸布里游荡。”洛特(Andre Lhote)《莫奈和毕加索》

  “莫奈就这样画出了运动、宇宙性的运动。这运动与他紧密相连,借着掌握了睡莲塘的水面之瞬间,并把它描画下来,莫奈延续了自己的生命。土伊勒里宫最后的这幅画,以火焰般明亮的夕阳炫目。夕阳落在冬日沼泽地干枯的芦苇上,而这片永恒的再生地之深渊里,蕴育着春天迷人的花朵……光的浓淡色度与明暗变化在完全的和谐中一一流露。

  这是一个天地之间无与伦比的变化场,宇宙的运动蕴含其中,在这场子里,万物达到了最高程度的、无限的一致和相通。这个世界令人振奋,感受力也达到了最完美的境界。”克列孟梭 评莫奈:《睡莲》

  莫奈于1926年辞世。 没有见到国家以大礼收下他的大型装饰画。 有些人认为,这些装饰画表示“印象主义已经完结”, 但大多数艺术家和思想家不以为然,反而对这些作品怀着深深的敬意。 有些人甚至认为,这些安置在巴黎土伊勒里奥兰治宫的装饰画,蕴含一种宇宙的、神圣的性质。

1《睡莲》一画中描绘的水,由于阳光的照射,加上水的波浪的起伏,周围树木等景物的色彩的辉映,以及水面上闪动着的光斑和动荡不定的阴影的影响,呈现出了十分丰富的色彩。所有的色彩,都被莫奈在这幅作品中真实而又生动地描绘出来了。为了真实的描绘阳光下的这一水光色世界,他采用了一种新的、特殊的油画技法,那就是尽量使用红、黄、蓝三原色的第一次间色橙、紫、绿作为调色的中心,尽量避免使用灰暗的色彩,从而大大提高了色彩的明度,使人深切地感受到阳光所带给人的温暖,也使整个作品给人以无比鲜明的快感。“这就是为什么人们总感到:在看过印象主义绘画以前的绘画作品以后,再看印象主义的绘画时,突然会感到一切都明亮了许多,犹如突然走出了长长的隧道一样。”

2《睡莲》这幅作品中,水是这一作品的重要描写对象。按照传统的“固有色”概念,水的颜色似乎永远是蓝或近似蓝色的。但是,如前所述,根据近代光学的原理和莫奈在艺术实践中的深入观察,发现自然界的物质在太阳光的照耀下并不带有固有色。

3此外,莫奈在《睡莲》一画中还运用了印象主义绘画开创的油画新技法——“色彩并列法”。就是把原先应该调和的颜色以很小的笔触并列起来。这样,观画者只要稍微与画面保持一点距离,这些并列的保持着色彩鲜明度的小笔触的颜色反射出来的光在人们的视觉中调和起来,其色彩的纯度和明度显得更强烈。所以,看印象主义的绘画不宜近看,宜乎远看。

4他的这幅《睡莲》与说是对水的赞美,倒不如说是对阳光的赞歌,正是灿烂的阳光,给这水的景色,特别是本来很不平凡的水面,现在由于阳光的照射而呈现出色彩斑斓波光闪烁的迷人魅力。无怪乎西方有些评论家称莫奈是“光的诗人”。

代表作

《日出·印象》

《干草垛》

《阿尔让特伊大桥》

《阿尔让特伊的帆船》

《鲁昂大教堂》

《睡莲》

莫奈最喜欢画水。他搬到席芬尼后不久,就引溪水筑池,在池里种了黄、红、蓝、白和攻瑰色的睡莲。他对这些花的爱好,与日俱增,前后将近30年,屡画不厌,并且越画越大越抽象。在他晚年所绘的巨幅油画前,观者会有悬身于怪异水世界上空的感觉,看着白云的倒影在睡莲巨叶间的水面滑过。莫奈晚年最得力的朋友,是第一次世界大战时的法国总理克雷芒梭。有一天莫奈对克雷芒梭说,他想造一间陈列室,四壁满挂巨幅睡莲画,好让人在这炮火连天的世界里,有个可以静思的地方。克雷芒梭鼓励他进行这项计划。可是莫奈的目力日渐衰退,常因力不从心而忿怒地把画布割破,并曾有一两次说要放弃这个计划。忙得不可开交的总理听了,便从内阁办公室赶往席芬尼劝这位老人不要气馁。“画吧,画吧,不管你自己知道不知道,会有不朽之作的”克雷芒梭没有说错。莫奈为纪念第一次大战休战献给法国,在巴黎橙园陈列的《睡莲补壁》油画,公认是莫奈最超卓的作品。他接受白内障手术后,目力颇有进步,因此得以在暮年继续作画。有时仍会暴躁而把画布割破。不过在得心应手的时候,他自知已几乎实现了少年梦想,把“不可能画得出的空气美”差不多画了出来。他86岁去世,死前不久,他从席芬尼写的信里还说他在一天工作中得到无比欢乐。

1《日出·印象》

日出·印象

这幅名画是莫奈于1872年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时, 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是”对美与真实的否定, 只能给人一种印象”。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色.岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。

当1884年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。

该画1985年前被抢劫,据法国被盗艺术品侦缉处1990年12月6日,在科西嘉岛一座别墅中查获。

2《干草垛》

干草垛进入90年代,莫奈创作了若干组作品,即“组画”。所谓的“组画”,就是画家在同一位置上,面对同一物象,在不同时间、不同的光照下,所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间,对同一干草垛,画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下,物体所呈现出的不同色彩,任职多达15次的描绘。

3《阿尔让特伊大桥》

画作名称《阿尔让特伊大桥》

创作者克洛德·莫奈(法国)

创作年代1874年

类别布面油画

风格

题材风景

规格60cm×80cm

材质布 油彩

存藏处巴黎 奥赛博物馆藏

阿尔让特伊大桥

作品赏析 该画是一幅充满阳光的风景,各种冷暖的色点与絮乱的小笔触,在深思熟虑中被组合进画面,使画面阳光灿烂、风和日丽,洋溢着色彩的旋律。强烈的光被分散到树丛、河流、大桥上,一切都被光所包裹,使阿尔让特伊大桥成为光的杰作。这也是画家艺术个性的表现。

1莫奈《日本的桥》所描绘的真实图景。称为Japanese Bridge。

2 有人要求桥宽足以允许小型拖拉机和拖车穿越。设计模仿了此人曾参观的在罗斯柴尔德(Lord Rothschild)家族在南安普顿(Southampton)居所附近的Exbury Hall的设计。该建筑使用英格兰橡木成品和金属装饰,尽管基本上隐而不见,还是能看出是不锈钢的。桥板由交替的厚夹板组成,有助于拖拉机还有徒行者穿越拱桥的时候抓住桥面。

4《鲁昂大教堂》

鲁昂大教堂

《鲁昂大教堂,从正面看到的大门,棕色的和谐》1892 克劳德·莫奈 油画 107×73 cm 奥塞博物馆1907年从画家手中购藏

《棕色的和谐》这幅画显然是在一天下午画的;当时天气阴冷,气氛忧郁,光线晦暗而又沉闷,只见大教堂耸立于一片灰色的天空下,画面上用的是赭石色。灰色的大钟,四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料,中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴;那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中,我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号,因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰,在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色,因而清晰可见。莫奈所关注的正是这一点;总之不是建筑物本身,而是光线所演绎出的“悲喜剧”。作家、艺术评论家古斯塔夫-热弗鲁阿在欣赏了莫奈二十几幅有关教堂的绘画后,称赞这些画“画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。

1892年,克劳德·莫奈在其生前的最后居住地吉维尔尼安定下来后,便动身去了鲁昂,处理一件家事。这古老的城市已实现工业化,港口呈现出一派欣欣向荣的勃勃生机。画家在此捕捉到了一幅他在其绘画生涯中所见过的最美的图景之一——鲁昂大教堂。此大教堂是献给基督的母亲圣母的,是法国最为雄伟的一座哥特式建筑。教堂于 12世纪开始建造,13世纪因遇大火而重建,到16世纪才建成今天这个样子。

哥特式建筑在相当长的一段时间内一直备受漠视,被认为太过粗俗;到18世纪末被重新发现,经过分析论证后得到修复;最后得到了1791年创办于巴黎的法国古建筑博物馆的正式确认。到19世纪30年代,浪漫时期的诗人和小说家从中找到了黄金时代的影子;主张把纯净清新的中世纪艺术重新发掘出来。1837年成立的古建筑委员会因而担当起了修葺和恢复古建筑的重任,此热潮随着19世纪鼎鼎有名的大建筑师欧仁-艾玛纽埃尔·维奥莱公爵所展开的拯救行动而达到顶峰。他的这一行动,受到了时任古建筑总巡视员的作家普罗斯佩尔·梅里美的支持和鼓励。

在此之前,已有英国的波宁顿和透纳以及保尔·于埃和柯罗等浪漫派画家,将鲁昂大教堂作为其绘画的主题。印象派之前的画家,如布丁和容金德,以及随后的卡米耶·毕沙罗,对此图景所得出的印象仍属传统范畴,即高耸而又别致的教堂身影,在周围的景色中清晰地显现出来。

1892年2月至4月中旬及1893年,莫奈在两次大行动中为此教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面,即一家衬衫店。商店内的工人来来往往,使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳,画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年,他又选了第三个地方;这一次,他经常从两个不同的角度同时作画,最多时候同时画14幅画,随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间,努力捕捉色调和明暗的变化,树立起其色彩的构架。莫奈在这两次大的行动中所经历的探索、疑虑、困扰和失望,在他写给妻子艾丽丝的信中表露无遗。信中写道:“我每天都会有一些头天未曾见到的新发现;于是赶紧将其补上,但同时我也会失去一些东西。就这样,我在做常人难以办到的事……我已殚精竭虑,几乎要垮掉了。一天夜里,我的噩梦一个接着一个;我梦见,教堂不知怎么倒了下来,压在我身上;其颜色好像变成了蓝色,但很快又变成玫瑰色,最后竟又变成了**。”画家此前已就同一主题而在一天中的不同时段和不同光线下,从不同的视觉角度画了一大批画:1891年创作的《草垛》及《白杨树》便是这一时期的作品。对色彩斑斓的开阔视野情有独钟的莫奈,如今是第一次直接面对这巨大的、乍一看去几乎是单一色调的石头建筑。画家从他距哥特式教堂不到 50米的窗户望去,所看到的只是教堂的中央大门,大门左侧是圣罗曼塔楼,右侧为波尔塔楼,二者的气派和风格全然不同。塔楼、中央大门、三角楣、拱形曲线、小连拱廊、尖形拱肋、大门三角楣以及雕刻精细的长廊,时而淹没于明亮的光线下,时而又处于暗影的笼罩之下;有时因诺曼底天空不断变幻的大气而在色调上造成难以言喻的微妙变化。莫奈所关注的正是这一点;总之不是建筑物本身,而是光线所演绎出的“悲喜剧”。

《棕色的和谐》这幅画显然是在一天下午画的;当时天气阴冷,气氛忧郁,光线晦暗而又沉闷,只见大教堂耸立于一片灰色的天空下,画面上用的是赭石色。灰色的大钟,四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料,中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴;那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中,我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号,因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰,在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色,因而清晰可见。

相反,《鲁昂大教堂》这幅画是莫奈在一天傍晚夕阳西下的时候改换窗口画出来的,存放于马尔莫当博物馆。如今仍保留着草图状态的这幅画,稍稍从侧面看去,其**和浅玫瑰色已随着侵入其基础部分的巨大蓝色暗影而看不出来了。在正中的三角楣顶端,阳光和暗影却异常分明;珊瑚红的笔触在门框处呈曲折状,为突出每个空隙处而使用的鲜红色和橙色,使得整个建筑熠熠生辉。各处雕塑则因用的是淡蓝色而基本上难以看出,塔楼上的尖形拱肋、小尖塔以及高过淡紫色大圆花饰的长廊都用的是这种颜色……阳光及各种折射光的明灭不定似乎都在使得建筑物得以形成,而又将其化解……除正门的上方,颜料都用得很淡。为恢复光的活力,莫奈发明了一种非常具体的“粗糙而又粘稠”的笔法。他的这些有关大教堂的画是在吉维尔尼的画室中完成的。

“鲁昂大教堂的巨大身影耸立于大地之上,同时又仿佛消失、‘蒸腾’于清晨的淡蓝色薄雾中;各雕塑作品的细节、各蜿蜒曲折的装饰以及各个空隙和凸起部分,在白天的时候会变得很清晰;黝黑的门洞宛如海洋中的‘波谷’,墙壁上的石块明显留有时光流逝的印迹,如今在阳光、苔藓和地衣的映衬下变成了金**和青绿色;建筑物底部在暗影的包围之下,顶部则被正在消失的夕阳余晖染成了玫瑰色;这是一首对古老教堂所占空间抒发的绝唱,而这座教学本身则是自然之力和人类创造之间的一次巧遇及其相互作用的产物。”作家、艺术评论家古斯塔夫-热弗鲁阿在欣赏了20几幅有关教堂的绘画后就孤独而焦虑的莫奈发表了一篇文章。这些画是画家在其朋友、印象派的最有力支持者、画商保罗·杜朗-卢埃尔的家中拿给他看的。他称赞这些画 “画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。卡米耶·毕沙罗被他的朋友极富创新的力作折服了,而年轻画家们则对此没有多大热情。

对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。后者在一篇题为“教堂革命”的文章中写道:“灰暗的物体,其本身因阳光的照射而获得生命,获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波,始终处于杂乱无章的状态:有时如高耸入云的‘波涛’,有时如风平浪静的‘水花’,有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来,我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体,同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子,这是我们现在必须弄清楚的,是画家所要阐明的,也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”的变化,他反复画同一景物,如他画的《草垛》、《教堂》系列。普法战争时,他避难于荷兰,研究了日本浮世绘版画,从而引起了画风的变化。晚期他作巨幅长卷式《睡莲》,成为印象派最伟大的风景画杰作。

莫奈有关鲁昂大教堂的系列绘画立刻获得了成功。曾对他大加鼓励的收藏家弗朗索瓦·德波向他买了一幅,并连同其他收藏一起捐赠给了鲁昂博物馆。在巴黎,虽然国家对克莱蒙梭提出的由国家将这批绘画全部买下的强烈建议未予理睬,作为艺术保护人的伊萨克· 德·卡蒙多伯爵,却在1894年直接从画家手中购买了其中的4幅,并慷慨地将这些画交由国家收藏,从而使我们今日有幸能在巴黎奥塞博物馆一睹为快。卡洛琳·马蒂厄(文)

5《睡莲》

睡莲

这是画家1908年的作品,是他著名的睡莲系列作品之一,苏富比估价为1000万至1500万美元。苏富比一年前顺利拍卖了莫奈的另一幅《睡莲》。

莫奈,印象派画家。他是追逐太阳的使者,光是他作画的灵魂,被誉为“和光线赛跑的画家”他的画是用色彩和笔触凝固的时间和空间。他是始终如一地将创作热情倾注在印象派技法上。其他画家,印象派画家,都是短期的探索者。印象派的领袖和奠基者画家马奈,雷诺阿,在他们的绘画人生中。前旗和后期是从事印象派探索时期。中间十几年的时间里热情转向了古典主义。唯独有莫奈在86岁的漫长人生里,始终在,印象派的道路上,坚持探索。研究它的,光与色。所以被称作印象派之父。回过头我们想一想我前面讲的课,塞尚现代艺术之父。

1840年4月14日生于巴黎,是家中的长子,五岁时,全家移居法国北海岸,的,莫奈在这度过了美好的童年和少年时期。莫奈,性格是桀骜不驯,平时,上学的时候呢是不服管教贪玩,学习不好,只爱画画,

他15岁的时候呢就在这个文具,店的橱窗展出作品,卖给外地来的观光客,赚取生活费。

16岁那年他遇到了画家欧仁·布丹,带领他正式走上了艺术之路,并倡导鼓励他走到大自然中去创作,莫奈也将此创作理念用一生来守候。莫奈一生重复表达对布丹的感谢,他说,布丹是我永远的老师,没有布丹,就没有我莫奈。

莫奈生于1840年,他出生那年正是鸦片战争开始的那一面,而他去世的那一年中国还在军阀混战,莫奈的一生贯穿了整个中国近现代苦难史。

,莫奈作品展播需要5张

莫奈是印象派代表人物和创始人之一,莫奈一生遗留500件素描2000多幅油画及2700封信件足迹由巴黎大街到地中海,从法国到英国伦敦(普法战争时期到英国避难,期间努力学习英国著名画家透纳作品,启发了他的色彩创新),威尼斯,挪威,在各地旅行写生留下无数的作品。

法国,那时是新古典油画盛行,主流社会官方巴黎沙龙。多数人都出自皇家美术学院,喜欢安格尔的油画,莫奈呢,印象的,是这样的瞎画吗?他们作品被美展拒之门外

安格尔是法国新古典主子的旗手。正是在他的艺术影响下,将新古典主义推向了高峰,于稍后出现的浪漫主义相抗衡。

浪漫主义:法国杰出的浪漫主义画家有浪漫主义的狮子称号的画家德拉克罗瓦,代表作自由女神

看看陈丹青画比较一下:

法国乡村绘画的代表人物——是柯罗、库尔贝、米勒,库尔贝,主张艺术应以现实为依据,反对粉丝生活,他的名言是。我不会画天使因为我从来没有见过他们。

巴比松画派就是印象派前身,

画室四友,

莫奈在20岁左右到了巴黎,在这里他接受艺术教育,1962年入画室学习,并认识了雷诺阿、巴齐耶和西斯莱,他们被美术史称为“画室四友”。

印象派的由来。当时他们巴黎举办画展,展览名为无名艺术展览会。。后来,被称为,第一届印象派画展。参展画家30多人,参展作品165件,莫奈12件,这次展览引起了强烈的反响,批评家借用莫奈的作品印象日出,称这次展览为,印象主义展览会。这一讽刺挖苦的提法,却为印象画派命名。后来莫奈就听这么说,那么就用这个作为画派的名称。你是反抗。当时实际我们很难想象。他们是怎样帽子失败的威胁,着人们的嘲笑。用坚定的艺术信仰,破除阻碍与误解。当时有一个批评家怒斥疯狂,怪诞,反胃不堪入目。群众甚至像画布吐口水。

几张

,在美术史上有2次影响广泛的色彩革命,达芬奇于文艺复兴时,在光影形体方面取得了登峰造极的成就,其二是,专注于表现光色的印象主义运动。此类绘画对光和色彩的追求达到极致,以至于在某种程度上,将形体思维束缚将它们融化在光和色的交相辉映中,绘画由此产生了巨像转向抽象的可能性,因而印象主义通常被视为,现代绘画的开启点。

这幅画的是他的妻子卡美伊(撑阳伞的女人)光与影在这幅画里表现的甚至可以触摸呼吸到草的清香和阳光普照。仿佛白云刚刚在眼前飘过,白云衬托出逆光下经过他的妻子,没有摆拍的痕迹,是不经意瞬间留住的画面,远处的孩子在后一层空间里更好体现空间变化,一瞬即逝的景象,并不注重物体本身的轮廓他画光是话画中的主角。后面天空中有浮动浮云带着风慢慢掠过,女子脚下顺着微风倾斜的花草,可以闻到泥土和花草的清香,我们几乎可以感觉到,那微风吹动着浮云和浪花飞溅的海边,嗅到空气中的闲味。色彩清新,构图稳重,正三角构图。

撑阳伞女人

是莫奈让第二妻子女人做的模特,还是这样场景,但已经画不清这张脸了,在他心中卡美伊在他心里,可以想象他有多么怀念卡美伊,后来画过几张女人像,都没有刻画面部细节,都是模糊的。脸色苍白无力,直至晚年,他又让继女打扮成卡美伊的模样,绘制了那副他曾经最得意的肖像画。只是画中的姑娘再也没有容貌,或许他无法再画下最爱的女人的面容吧。

一生只为一个爱人画肖像

他们相识

曾经,一个初出茅庐,刚刚从漫画界改行摸到艺术殿堂门槛的小画家,急于找一位美丽的模特。这时他认识了一位名叫卡美伊的淑女,他对她一见钟情。姑娘成了他的模特。他总是让姑娘在烈日下变换不同姿势,以便他记录下不同的光影。

但是姑娘没有被吓跑,反而爱上了这个才华横溢的青年。两人很快相爱,并且结婚了。但青年此时只是不太出名的小画家,生活还依赖父亲接济。但是卡美伊无法获得莫奈父亲的认可,于是他们失去了生活来源,但即使生活艰难,他们却依旧相爱。

也许在卡美伊的心里,能够作为莫奈的模特,便是她一生的心愿。而莫奈也确实他的画笔,让卡美伊的生命得以永生。把他停留在永恒艺术中。莫奈用十年时间画了《红围巾,莫奈夫人画像》,献给他的爱人。他十分珍爱这幅作品,一直将它收藏在身边。画中,带着红围巾的卡美伊,从雪中门外匆匆经过,带着疲倦与怜爱的眼神,路过门前眼神中透出一丝淡淡哀愁。更加深了这种转瞬即逝的时间性。

这幅画中,莫奈大胆地使用白色,将色彩范围限制在画面的中心区域,真正做到了“惜色如金”。(现在也能看到当代有些画家也是采用这样手法,)同时,运用具有补色关系的红绿搭配,更突出了逆光中的暗红色头巾,而头巾更反衬出卡美伊略显疲倦的面容。这个时候卡美伊生下第2个儿子,身体日渐衰弱。他们相爱十年,结婚5年,终于获得世人认可。可是卡美伊却得了重病,身体衰弱。这一年,莫奈似乎已经意识到,妻子要离开自己了。他不再去追光逐影,将画笔对准了这个相恋十年的女人,她穿着和服的样子,看书和儿子一起时刻……

卡美伊弥留爱心签名

1879年莫奈面临生命一次重要的转折,与他生活在一起十数年、生了两个孩子的妻子卡美伊罹患重病。9月2日卡米尔临终弥留,莫奈守在床旁边,快速记录下妻子的面容,躺卧在病榻的卡美伊,交握着双手,闭着眼睛,脸上的光,逐渐消失,消失在一片快速逝去的暗影中。

《卡米尔弥留》

一生都在努力追寻光的画家,仿佛忽然领悟,原来光如此留不住,光在自己最爱的妻子身上一段一段消逝,一丝一丝消逝,莫奈再也留不住这一点点光的可能。他为妻子画的最后一幅画,是妻子垂死的模样。自此他再未给女人画过肖像。

音乐响起……

刚开始条件很不好,家里不同意她们在一起,他们生活的狼狈,但并没有因为感情的恩爱而改观。莫奈在给作家左拉的信中说:“家中无法生火,妻子又在病中,昨天我跑了一天,也未借到钱。”

1871年的秋天,莫奈和妻子在巴黎近郊的阿让特伊(Argenteuil)租下一座带画室的房子,房子紧邻着塞纳河岸边。在阿让特伊,莫奈度过了他一生中最幸福、也最具有创造力的一段时光。

1872年,由于杜兰·鲁埃朋友的帮助,莫奈的画作得以顺利出售,其家庭生活也因此能够得到保障。这一年的春天,莫奈以自家花园和阿让特伊附近的原野、河堤等为主题,完成了一系列的画作,他的妻子卡美伊和儿子杰·莫奈,成为莫奈绘画中最常出现的主题。此后的几年里(1872-1875年之间),莫奈反反复复,完成了一系列这一题材的作品

25岁草地上的午餐莫奈初识卡美伊,请他做模特,儿,策划的一幅巨型油画画面中,左侧第一个侧面身女性就是卡美伊模特来描绘的。本作虽然对人物有精确描绘,但真正出彩却是背景的树叶,它们在逆光下呈现出透明的绿色,由黄绿到深绿色彩层次极其丰富,莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸。13×18米

莫奈一生创作了无数作品,家喻户晓的就是那幅《日出·印象》,这幅画描写的是莫奈的故乡阿弗尔港清晨日出的景象。1872 年的一天,莫奈回到了故乡阿弗尔港,天不亮就扛着画具来到海边,在漫天的晨雾中,静静地等待日出一刻的来临。随着太阳缓缓地升起,水和雾在晨曦中变幻出丰富的色彩。眼前的景色让他激动、兴奋,但他并没有着急画,莫奈目不转睛地注视着、观察着,直到壮观的景象印满脑海,才迅速操起画笔,饱蘸色彩,挥洒下去。在这幅画上,我们能看到温暖的太阳穿出浓雾,在清冷的海面上洒下一片金辉,几只早出小船,荡漾在波光粼粼的海面,在逆光中留下浓重的剪影。这是一个永恒的瞬间,他预示着莫奈在艺术上的追求已趋成熟,就像这幅画的名字,印象派像初升的太阳,充满朝气与活力,虽然有晨雾重重阻隔,却焕发出更加迷人的色彩。 

《日出·印象》画面分析

1构图

整体是一条水平线分割了海天,水占二分之一多一点,太阳居三分之二位置,垂直线分布在左边,画面好低错落,他摒弃了透视法、物体远近,是一种追求纯感官的画法。

2 色调和色彩使用方式

《日出·印象》的黑白版本中太阳基本消失。太阳本身没有光,只是凭色彩的映衬,才制造出这样的效果。印象派绘画是以牛顿的彩虹色系原理作为色彩运用基础,先在调色盤调配颜色後再画在画布上,色彩的彩度与亮度会因此降低,于是画家利用光学原理以观者视网膜为调色盤如红与黄混合成橙色使颜色更加鲜艶符合印象派画家对色彩的光感捕捉强调。

同一色相的不同色调在幷置时会产生跳跃效果。

莫奈认为对自然的一切描绘都必须“在现场”完成,莫纳相信光线和空气的效果比题材、明确的造型重要。莫奈只遵循自己的敏感感觉来画画、印象主义不再在调色板上调和颜色,而是把颜色一点一点一道一道地涂在画布,造成闪烁的光影反射。

水面蓝、紫调白。饱和度最高的是和太阳和日出的倒影。

3 点线面的使用方式

太阳是点,天、水是总体的面,烟囱、工厂是线组成的。

4 笔触(四声)

使画面左上方有种曲面感,使天空、水面、工厂、烟雾被空气中画家主观的色彩联结成一个向内闭合交融循环的空间。

冷暖意义:

冷暖是身体感觉,延伸到心理,被我们讨论色彩加以引用,色彩的对比就是冷暖的对比,于明暗塑造形体相对立,我们普及一下色彩知识,黑和白明度变化就是素描关系,冷暖彩度变化是色彩明暗变化,冷暖也是色彩语言的根本,色彩表达是丰富多变的游戏。画面建立起应有的色彩光亮度,不是一个纯粹的加白得到的,如果冷暖色彩在画面中形成对比,粉气的问题就不会产生。固有色是灰面,光源色加固有色是亮面是暖光还是冷光,环境色。

印象派贡献:1色调,2光决定色,3色彩运动和补色,4色彩并置,5写生直接作为绘画创作手段,6即时的切入式构图。

干草堆

光与影完美结合。冷暖色调结合。我们色彩分析一下。进出是一片金**的田野,田野在阳光分出很多种颜色。金红,鹅黄,薇百,找到在官网下有很多很多的变化,草垛的尖顶,是一片金黄侧面是稍微有些鹅黄,鹅黄背面半紫半黄半明半暗。

系列持续创作了七年,“干草堆”系列持续创作了七年。此后莫奈的作品常常是在长时间对同一主题的重复观察。他最后持续最长时间的系列创作是“睡莲”。

睡莲系列

莫奈在那里打造了一个花园,此后便一直在那里作画。他亲自设计了这座花园,并称其为“一生中最完美的作品”,并在此生活了43年,直至去世。养花和作画是他一生中最重要的两件事,莫奈自己也说,“除了园艺和作画,我一无所长。

永 恒 的 光

1914年,被誉为“追光者”的莫奈,由于常年在紫外线中执着光彩的表现,导致其晚年时双眼近乎失明的状态。当他拿起颜料询问助手这是什么颜色后,再以助手的答案去做画时,你会觉得这时的莫奈和他所创作出的作品,已超越俗世中肉眼视角所涉及的位置。他通过对颜色的记忆和常年养成的绘画触觉创作出了他一生中最精彩的作品。

美是视觉看不见的。色彩消失但他心中光还在!在他86岁月里,

《睡莲》系列

莫奈最后期的许多作品,正是他白内障失明到恢复视力阶段创作的。在一团一团纠结的色块与流动的线条里,使人想像莫奈关闭视觉时依凭心灵创作的自由状态。

生命中瞬间的感悟,定格为永恒的经典

很多之后欣赏和音乐

说:艺术的生命在于创新但创新往往伴随着对以往艺术形式的质疑和否定,以及具有冒险性的超越。印象派也不例外他是自然模仿还是否定反叛?自然就要追求真实面貌描绘真实的一草一木,接近真实在此基础上印象画家因为在光的照耀下是没有绝对的颜色,随着时间的变化光源的变化每个物体面目貌都在不停的变化如何表现这种真实呢,这就需要选出,所要表达的时刻,捕捉到那一刻,独特的韵味和感受,将它固定下来艺术从追求外在真实,过渡到,在个人选择下的真实,为走向内在的真实提出了可能性。

小结:莫奈用他画作向世人证明了光和色是色彩的灵魂,莫奈似乎向世人证明好的艺术能够而且一定产生于光和眼睛的心灵直观感受,当画家独立自主的面对人,面对自然,体会自觉,主题与表现就自然而然地产生的。

结尾音乐播放

1、莫奈为什么喜欢画睡莲?莫奈花园都有什么?2、莫奈花园什么意思3、莫奈花园的诗是什么意思4、莫奈花园的主要景观5、莫奈花园的设计理念6、在莫奈花园读懂莫奈的一生,每幅作品都是自画像莫奈为什么喜欢画睡莲?莫奈花园都有什么?

1892年,当时已经声名鹊起的莫奈在巴黎的近郊买下了一块地皮,建起温室花园,自己开掘池塘引来河水,整日像园丁一样劳作,栽种各色花木。而这个池子后来成为美术史上最著名的池塘,同时也是莫奈后半生艺术灵感的最重要来源,因此从此莫奈的创作题材基本都集中在他的花园中。

他又在水上特意修了一座日式拱桥,漆成绿色。繁茂的花木环池而居,柳枝紫藤垂悬水面,朵朵睡莲漂浮其上,如同一座植物的天堂,莫奈本人对于这个花园也是十分的满意,称作“这是我最美的作品”。据说花园修好后,莫奈经常凌晨3点起床,一连几小时静坐莲池畔,观察不同时刻花与水的美妙变幻。

这些细节都可以在他的画作《紫藤花》、《萱草》、《鸢尾花》,与睡莲系列、日本桥系列中得以看到。在**“午夜巴黎”中开篇,男女主人公就是站在这座花园的桥上。

1914年的时候,莫奈不幸患上了白内障,渐渐失去色觉,但是并没有失掉创作的欲望。面对变化纷杂的世界,莫奈心中产生了一个伟大的想法,画“大装饰画”,巨大的睡莲,挂在宽敞的圆形空间里,“使人产生置身于无边无际水面的幻觉”为了画这组大画,74岁的莫奈花一年时间再建了一个新画室,以便架起高183米、长366米的超大画布。

可以说莫奈为这些画花费了近十二年,写生不满意,他就将其毁掉重画,一直临近生命的尽头。日后每个走进卢浮宫橘园美术馆椭圆陈列厅的观众,都会像霎时走入梦境一样,被整面墙的睡莲还有水域包围,睡莲的具体形象消失了,只剩下无数暗色的圆盘,笔触凶猛,仿佛火焰在水面上燃烧。空光影与色彩交织,而这种震撼的哲思体验,让橘园美术馆被誉为“印象派的西斯廷教堂”。

莫奈花园什么意思

莫奈花园没有什么特殊的含义,只是法国著名画家莫奈的故居罢了。莫奈花园位于法国巴黎以西70公里的吉维尼小镇上,分为水园和花园两部分。1883年4月底画家莫奈乘火车经过小镇的时候,被那里的宁静氛围所深深吸引,于是决定在此定居,直至1926年逝世。

莫奈的著名画作《睡莲》就是在此莫奈花园完成的,其画作长23米,宽20米,高五米,目前其画作价格十分昂贵,受人追捧。莫奈既是著名画家,也是出色的园艺家,莫奈花园的景色和布局是值得参观的。

莫奈花园的诗是什么意思

寓意是顺其自然。

莫奈的后花园时代对他的一生起了至关重要的作用,有一部分原因是他年事已大,体力衰弱使他不得不长期生活在这样的花园里来进行创作,予以万事顺其自然。

莫奈花园是法国著名画家莫奈的故居,分为水园和花园两部分。

莫奈花园的主要景观

莫奈的园子包括两部分莫奈的花园,即花园和水园。花园又称诺曼底园,位于房前,呈长方形,占地约一公顷,原为菜园和果园。

水园是一个人工湖,岸边种满莫奈的花园了垂柳和竹林,树木参天,曲径通幽,几座绿色小桥跨于如镜的池水之上,水园的规划处处流露着日本园林的影子,给人一种参禅入定之感。水园中种满了睡莲。水园中的桥和睡莲是莫奈作品日本桥系列和睡莲系列的原型。

园中有一些古旧而别致的房屋,宁静而狭窄的街道。

莫奈花园的设计理念

莫奈既是著名画家,也是出色的园艺家。他依着花木自身来的生长形态来设计花园,不仅高低错落,而且极重视色彩的协调性,红色、棕色、橘黄、蓝色等色调的花丛错落其中,呈现出自然的视觉动感。

莫奈种花不是按照花的品种分种在不同地方,而是将各种花,从最普通的到最稀有的混在一起种植,因各品种开花的时节不同,这样,从4月到10月,每月都有花开花谢。

莫奈还将他早年最重要的两个主题:水和花卉集合在一起,使天光水影构成莫奈的花园了心目中最理想的“印象”。

莫奈摈弃莫奈的花园了传统的按几何图形栽种和修剪花木的法国花园模式,不去刻意修剪他的花草树木,对其天然生长的形态十分尊重,任其争自由生长。整个花园几乎倾注了莫奈半生的心血,最后才形成赤橙黄绿青蓝紫白的完美色彩组合,犹如画家手中的调色板。

在莫奈花园读懂莫奈的一生,每幅作品都是自画像

当你到过了莫奈花园,就会明白他为什么会被后世如此宠爱,为什么他的绘画可以长世流传。在赞叹这个地方太美了的同时,他会赐予你对生活的憧憬和热爱。

普鲁斯特曾这样描述莫奈的花园:“色彩已经调妥,美妙无比;色调已经形成,和谐悦目。这里不仅仅是一座花园,更是艺术,一幅取材自生活,充满生命力,在自然中完成的大作。”

他是一名将花和光影爱到极致的艺术家、旅行者。他描绘自己对事物的理解与幻象。印象派最早得名就是因为画家被讽刺依照自己记忆中光影的作画,而非写实。他用画表达心中所爱,也将他的生活建造成他所偏爱的模样。

因为爱花,他和马奈去意大利海边绘画期间就搜集各式种子;后在吉维尼的农舍修建了一个大花园,栽种了众多异地的种子。现在在吉维尼小镇,还可以买到不同的花种。

因为爱花,他将农舍每一间面向花园的房间都安装了窗户,这样就可以从各个角度看见满园的花。花园里有38块大小相等的长方形花坛,构成了他的“调色盘”。

因为爱花,他最多时甚至请了八位园丁与他一起修剪花园。法国花园的传统是按几何图形栽种花木,莫奈则是任其以原生形态生长。在中央大道,他做了六个拱形花架,夏天长满不同的攀援蔷薇,使色彩有了立体感,投下斑驳的光影。到了夏末,又开满金莲花。

也是因为他对光影和色调的喜爱与选择,构成了他花园中花色基调。**金盏花和蓝色鸢尾,是他最喜欢的搭配;在他画中常可以看见这被称为“黄金与海蓝宝石的组合”。他不喜欢黑色,他的画以柔软色调为前景,深色为背景;他在树下种蓝色花,以抵消树下的阴影;花园西边,种红**调的花,让夕阳的色彩更明亮。

莫奈经历了两任妻子的陪伴,她们又都先他离世。第一任妻子卡米耶(Camille)是莫奈的挚爱,自卡米耶离世后,莫奈更多的转向了风景画,而非人物肖像。之前画中的模特,即使是《花园里的女子》也都是参照卡米耶一人。无论是穷困还是莫奈家庭对他们爱情的反对,卡米耶都始终支持莫奈,终于在她23岁时与比大自己7岁的艺术家结婚。自卡米耶离世,莫奈再没有清晰地描绘过人物五官。

吉维尼的花园是莫奈与第二任妻子Alice共同居住的场所。他也在此终老。当第一次世界大战爆发,莫奈正是在这里绘制了大部分的《睡莲》系列,画中也隐藏了战争中不安的情绪。如今最大幅的“睡莲”静躺在橘园美术馆。

当你身处在了吉维尼这座小镇,你可能会真正理解莫奈喜欢它的原因。他喜欢花,就买了大花园种下各式花;他喜欢光,就把他们尘封在画布上。他用喜欢的方式生活;用擅长的方式记录。他是一名艺术家,也是一名旅行者。

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