我先来介绍一点基本信息。拉赫玛尼诺夫一共写了4首钢琴协奏曲，还有一首《帕格尼尼主题狂想曲》，这5首曲子全都是钢琴+交响乐队的演奏。4首钢琴协奏曲里面，第1号是他早期出山之作，还是挺不错的，但毕竟是早期作品，没有其他几首成熟，非专业的听众听得稍微少一些；第2号钢琴协奏曲是最有名的，算是钢琴协奏曲当中流传最广、最优秀的作品之一，旋律感比较强大众比较喜欢；第3号协奏曲演奏技术上特别难，曲子也比较复杂一些，也是众多钢琴协奏曲当中比较重要的作品；第4号是晚期写的，长度比较短，理念比较创新，有些超越浪漫主义的现代派因素在里面，旋律感比较差，不是很有名。《帕格尼尼主题狂想曲》是很有名的，也是他后期的代表作之一，不过这是一首狂想曲同时也是变奏曲，由很多变奏组成，不像其他几首钢琴协奏曲分为3个乐章。
我不清楚你问“哪一段好听”是什么意思。你如果是新手入门古典音乐，我建议你先听第2钢琴协奏曲和帕格尼尼主题狂想曲。强烈建议你听完整曲子（第2钢琴协奏曲听完整的1-3乐章，变奏曲要把所有的变奏都按顺序听一遍），至于同一首曲子里面哪一个乐章好听，或者哪一段好听，你需要自己感受。我认为古典音乐最大的魅力就在于它的丰富，一段好听的旋律被丰富的和声所支撑，而且最终还会过渡变化，那些不好听的旋律有时候充当过渡段落，有时候就是为了和好听的旋律作对比。喜怒哀乐悲欢离合都有，才是完整的深刻的音乐，如果我告诉你“这首曲子里，第x分钟到第x分钟的旋律比较好听，你光听这一段就行了”，那就失去欣赏古典音乐的意义了。
对于新手而言，第一遍听某一首曲子的时候因为不熟悉它的结构，很可能听完以后觉得乱七八糟很难听，一定要多听几遍，古典音乐大型作品就算再通俗，也很少有一遍就喜欢上的。多听以后了解了结构，慢慢那些好听的段落就会在你脑子里留下印象，而且不好听的段落对比产生落差，你也会欣赏了。
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，一般排名靠前的音乐学院的钢琴和声乐都不差，但是可以2017出国留学全球音乐学院排名TOP50的前十位。声乐专业没有世界排名，目前美国的音乐学院相对更完善一些，包括美声唱法和通俗唱法，美声唱法茱莉亚音乐学院和柯蒂斯音乐学院都是顶尖，通俗唱法（POP music流行音乐）伯克利音乐学院很好，如果是选择美声唱法的歌剧表演选择意大利、德国、法国排名靠前的音乐学院也不错。
2017出国留学全球音乐学院排名TOP50
1、伊斯曼音乐学院 Eastman School of Music(美国)，柯达公司创始人乔治·伊斯曼创办于1921年，是罗彻斯特大学最享盛誉的学院之一。由该校学生组成的伊斯曼管乐团(EastmanWind Ensemble)是美国第一流管乐团。
2、茱莉亚音乐学院 TheJuilliard School(美国)，创办于1905年，为8至18岁有艺术才能的青少年提供系统专业的音乐教育与指导，毕业之后都是表演艺术家。
3、曼哈顿音乐学院 ManhattanSchool of Music(美国)，创办于1917年，是美国主要的私立音乐学院之一，学院授课老师大多是长年活跃在乐坛的音乐家。
4、柯蒂斯音乐学院 The CurtisInstitute of Music(美国)，创办于1924年，被称为“独奏家的摇篮”，对所有学生都提供全额奖学金，录取十分严格，是“最为专业的艺术家”的学校。中国一代新人朗朗、王羽佳、张昊辰等皆毕业于此。
5、柏林艺术大学 BerlinUniversity of the Arts(德国)，至今已有300多年的历史，其前身可以追溯到1696年建成的勃兰登堡—普鲁士艺术学院。免收学费，只收注册费，设立多种奖学金。
6、印地安那大学雅各布斯音乐学院Jacobs School of Music, Indiana University-Bloomington(美国)，创建于1820年，印第安纳大学八大分校之一，很多专业被列为美国第一。
7、汉诺威音乐学院 Hochschulefür Musik und Theater Hannover(德国)，成立于1897年，键盘专业在世界上享有盛名，在校任职的许多教授还担任着世界著名钢琴大赛的评委会主席，如莫斯科柴可夫斯基钢琴大赛、拉赫马尼洛夫钢琴大赛。
8、新英格兰音乐学院 The NewEngland Conservatory of Music(美国)，建立于1867年，是美国境内历史最悠久的独立音乐学院，和波士顿交响乐团有着深厚的联系。
9、英国皇家音乐学院 RoyalAcademy of Music(英国)，威尔斯亲王(即国王爱德华七世)创办于1883年，被接纳为皇家协会成员。学院院长常为皇室成员担任，从1952年起院长由王太后殿下担任，女王陛下为该学院的资助人。英国皇家音乐学院考级(英皇考级)，历史悠久，考核严谨，得到全球一百多个国家的认可。
10、巴黎国立音乐学院Conservatoire Supérieur de Paris(法国)，创建于1795年， 实行免费教育，学生只需交付登记注册费，注册费每年约150到300欧元，可申请奖学金。理查德·克莱德曼出自此校。
转一篇我觉得对拉二写的最好的评论，来自一个已经过世的朋友。已经十多年了，这个问题让我想起了她。当时，她已经身患绝症。在我的理想中，有价值，有意义的音乐评论，应该是这样的。本身是一篇很好的文章，在音乐外，给人某种感受与力量。
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我欢笑于晴朗的清晨，我欢笑于阴郁的午后。当友人从远方到来时，你可以看到我欢笑的脸。当亲人从身边离去时，你也可以听见我欢笑的声音。我欢笑于喧闹的婚礼，我欢笑于沉寂的葬礼。快乐，是我欢笑的源泉。痛苦，也是我欢笑的理由。
人，天生是要做梦的。从你生下来的那一刻起，你的梦就开始了。你永远分不清一切究竟是现实还是梦境，直到有一天你终于醒来。
我的忧郁，我的拉赫玛尼诺夫。
在这个季节，每当我此时此刻推门入内的时候，晚霞的余晖便会懒懒散散的投入我的眼帘。没有多余的杂色，只有凄凄淡淡的金黄。
我的整个房间由此陷入无尽的遐思中，以我为中心向外辐射着一波一缕的忧愁，当我陷入客厅的沙发里，月亮便会悄悄的爬上来，提醒我挣扎着起来点亮几盏灯光。
我是个喜欢音乐的人，往往孤独的人会非常喜欢音乐，我就是个很好的例子，在众多的音乐流派中，我爱上了古典。
在音乐中步入茫茫的回忆，可以使我忘记现实的痛楚，仿佛只有音乐能入侵我的心房，我的全部思想也只为跳动的音符打开，我生怕哪一天如果我处在一个陌生的环境，没有音乐的话，我会步入死亡。
令人可以安逸的躺着感受时间默默逝去的静悄悄，包围着我的，除了空气，便是音响器材，铝合金的气味夹杂着传说中掌握“跳跃”的音符，恍恍忽忽间，陷入了音乐的漩涡。没人能阻止我，也没有人会来阻止我不停的陷入，再陷入。
钢琴的旋律缓缓步入低潮，沉思，似乎有千头万绪不知从何说起。遥远的童年在面前一幕幕逝过，欢乐的笑脸、童谣、隔壁小学清晨的国歌，还有邻家孩子的嬉闹声、远远港口飘来的汽笛声、最后是父母看着我慈祥的笑脸，温和的无以复加，我幻想着触摸着，竭尽全力的触摸着……
茫茫然的隔着空气望着咆哮着的功放，它看来触手可及、又似乎千山万水的远跨重洋，沉重的音符在我们之间来回飘荡，无边，也无涯际……
而我，也漫不经心的放开黑匣子中的回忆精灵，任他调皮的拨动起我的忧郁。
无论痛苦。
还是欢喜。
是他，看见了么？
他正襟危坐，可是领带打得很别扭，艺术家的不拘小节在沉重的普鲁士幽蓝氛围中显的有点儿滑稽。
谢尔盖·拉赫玛尼诺夫C小调第二钢琴协奏曲
作品第18号
第一乐章：中板，庄重中透着哀伤
缓慢的钢琴与弦乐的搭配，慢慢向你诉说起一个不着边际的哀伤故事，哀伤来自于每位听众由音乐感受到的悲凉。
而不着边际，则因为它完成自一个精神衰弱病人之手，拉赫马尼诺夫在达赫尔博士的催眠疗法下完成这首传世乐章，它代表着困顿中人冲破牢笼的想法，双手在黑暗中挣扎，烛火飘摇下唯有颤抖的指尖摸索着幸福的希望，没人能理解的精神世界，封闭着、也不愿有人触及。
共鸣由此而起。
第一主题犹如浪涛劈面而来，钢琴的琶音上，弦乐器和单簧管以广阔的幅度呈现着压抑沉重的旋律，使你透不过气来，渴望着甘泉般的轻柔曲调，期骥着早一步自牢笼中解脱。希望实现之时，便是钢琴奏出的第二主题，如云似雾。
我想到了我的一个朋友。
他是最喜欢听这曲子的，据说他喜欢这音乐到了痴迷的程度。我们亦是由此而相识。
记得他曾这样说过：“论此曲的成就，非执着于幻想之人不可提及，也不屑于提及。”
的 确如此，在大师如云的古典乐界，拉赫马尼诺夫只是一个小站。他的作品如同品位奇特的果子，味之苦、之涩，令几乎所有听觉正统的欣赏家嗤之以鼻，但却以怪异 的滋味，正规如柴可夫斯基的演奏方式向我们娓娓道出一幅飘摇的画卷，一场委婉的故事，一次奇异的邂逅。在伟大的里程碑柴可夫斯基逝世之后的十九世纪，他作 为最后的继承古典音乐血液的没落贵族之一，开始不羁的探寻，此曲便诞生于此间。
每当我敞开心扉去聆听时，都能感受到强烈的心与音乐的共鸣。
夜渐渐深了，街上的灯红酒绿泛上我的窗台，撒入的光线折射着都市的繁华。
我伫立在窗前，俯视着无边风月，远远江上油轮驶过，外滩的卤素灯光嚣傲的划入天际。
旋律愈加舒缓，绵绵不绝的透露渴望温情的信息，此时此刻只有有一双温柔的手臂，又要有一个期待的眼神，我便会与他分享我所有感触到的惊喜。我期待着他来触及我的梦境，来和我一同去翱翔音乐世界的茫茫天际……
音乐让我逐渐被隔离出正常人的精神世界。
钢琴的强音再次回旋而起，我闭上所有的感觉，只剩下听觉去追随狂奔的旋律，昏昏然中，我竟跌坐在床上。
可我却也了解，我至今仍在期待，期待着什么？
最后的琶音行将结束，我的手指木然的打着拍子。
在拍子的终末，温柔的第二乐章缓缓步入我的生命。
第二乐章：慢板，水一般的旋律沉浸着你的灵魂
无须多想，第一乐章华彩般的结尾，注定接下来的柔美与平和，甚至是黯淡。
已经想不起到底是在什么时候第一次听到这部钢协，也许是在哪个不知名的音乐厅，不会太宏大，因为喧杂的地方容不下我这肆意的孤独。相较之下，在一个小型的音乐厅，我却可以稍稍释放自己尘封的感情。
琶音随着乐曲涌过来，会使你感觉到秋天的凉，会使你想起从前快乐无波的时光，没有涟漪，也没有忧郁。
我暂时忘却，离开黑暗，看见虚无的光，那光幻化着柔和的彩，笑容瞬间绽放在脸上。
可惜也只是暂时的脱离时间的折磨，很多时候，柔板过去，痛苦又会回来，于是便依赖上了什么。
也许是仅存于幻想中的爱情，那是我曾经憧憬过的美丽世界，难以置信的娇好，也带着无法摆脱的恐惧。
秋天叶落，春天发芽，音乐可以听上一遍直到无限，几年几十年一天般过去，仿佛我伫立的小船在湖中央打转，既不向前，也不后退，停在这个地方去盼望将来，怀念虚幻的“过去”。
一个声音说：你应该去站在阳光下，去人多的地方，去尝试一切没有尝试却希望去尝试的理想，但我却与日俱增的害怕，害怕拒绝与被拒绝，害怕伤害与被伤害，害怕欺骗与被欺骗。
于是留在原地，呆在家里，看着青春流逝，看着机会与自己擦肩而过，百叶窗划进的光晕，照在恒久的灰尘上，微风使之飘散开去，又慢慢堆积成原状。
旋律开始加速，时间却似乎静止了。
是的，静止了，暂停了，没有任何挣扎的欲望，也不想摆脱。有时想想，这样的平静的生活也挺不错，但孤独却会像每天晚上的月亮从心底爬上来。
我依旧在期待，哪怕是走了样，见一面也好。
在第二乐章的终末，琴键如同流水而逝。
我无法接受这样的结果，我会一直等待下去，等到第二乐章的最后一声琶音的幽幽淡去。
她会出现吗？
每一日重复着，想停下这操纵身体恶魔般的时间机器，却愈加沉沦。
但我应该还有希望吧。
是的，二章之后还有三章，我知道我会见到的，不是在过去，那是在将来的一个晚上，一个我们最熟悉不过的晚上。
慢慢的，等那最后一声琶音过去……
第三乐章：终曲，对于幸福，从来不曾忘却
拉赫玛尼诺夫的传奇在这里开始，他与达赫尔博士的美谈流传至今，乐章中那段著名异域情调的旋律，使人久久不能忘怀。由经历第一钢协的彻底失败，至克服抑郁回到谱曲舞台。八年后一九零零年首演的慢乐章与终曲，旋即获得无可争议的巨大成功。
迈出抑郁的困境需要时间，但在曲子中却找不到这种感觉。虽然说时间能够治疗一切，那为何这段旋律依旧悲伤依旧浪漫，甚至他一生中的作品都充斥着这种氛围，俄罗斯式的忧郁包括其六十一岁时谱写的帕格尼尼主题狂想。
或许他根本就没有康复，那种乐感是天生的，幽雅的，略带神经质的低吟浅唱，抑郁症的消失只是好心的达尔为了使之重拾信心对他开的玩笑？
不敢再想，也不愿去想，信心只需要一个恰如其分的机会便能再度拥有，但忧郁的气质却会伴随一生，如果没有了却夙愿的话。
二 000年，在首演一百年之后的上海音乐厅，我坐在某个不起眼的席位上，听着某位不起眼的钢琴师演奏这首作品。他的技巧纯熟，乐感也丰富，可惜他缺少那种忧 郁的气质，使他的琴声在进入这段旋律时如烈马般奔放，殊不知，正因为如此，他无法达到另一个境界。可我觉得这并不是一件坏事，我反而很羡慕。他只是选错了 曲目，他应该远离拉赫玛尼诺夫的孤僻枯槁般的乐声，拿起贝多芬、德沃夏克的激情豪放。至少，他还有的选择，还能在琴声中听闻出对未来的期许与翘首相盼。
而我却无能为力，所以只能去倾听，希望能听到哪位忧郁的演奏家信手拈来的浪漫。我迷惘，迷惘曾经的日子是否存在，迷惘自己是否还有将来，距离过去的时间越久，我越加分不清自己的回忆是真实是虚无。
继续去聆听着，聆听这段熟悉的不能再熟悉的旋律，它有种魔力，使你着迷的挂上泪珠，每次的感觉都会不同，有时甚至会找到失却已久的东西，那种消失殆尽的勇气 与幸运，也能使你的回忆逐渐清晰。是的，我渐渐看到了一个清晰的身影，漫步踏入流转的音波，脚印留下蝴蝶般的印记，轻盈的缓缓飘来，没有时间空间的界限， 也没有忧愁烦恼，只有快乐，沉没在回忆之海中的快乐。
当你不能够再度拥有的时候，你唯一可以做的就是令自己不要忘记。我已忘记是在哪里听到的这句话，但我会继续等待下去，终有一日我会使昨日重现，我将继续谱写往日的幸福，我将拥有未来，也许这只是个不值一提的遐想，但也是一种偏执的幸福，至少，我不会再失去什么。
今天，依旧在灰色的机器前听这段灰色的旋律。依旧是晚上，依旧是人山人海美丽的外滩。依旧朝思慕想。依旧等待。
年年岁岁，日日月月，时时刻刻，岁月如歌！
明天会是怎么样呢？
楼上二位，没听过请不要乱说。
拉赫玛尼诺夫降b小调第二奏鸣曲，作品36
写于1913年，当时身在莫斯科作为钢琴家与指挥的的拉赫玛尼诺夫身心疲惫，准备休息。1912年12月，他去瑞士休假，并准备去罗马迎新年，开始新的声乐写作，如《钟声》。但是他的两个女儿患上了伤寒，拉赫被迫转移到柏林，回到家乡前，一月至九月，起草了《第二钢琴奏鸣曲》与《钟声》。
第二钢琴奏鸣曲具有鲜明的拉赫特色。共三乐章。起初的原始版本约25分钟，1931年，拉赫对其进行了修订，删除了120小节，去掉了一些高调的奢华，让作品更加通俗易懂。修订后的版本约19分钟。
1940年，经过拉赫的同意，霍洛维茨将两个版本融合，许多钢琴家都是用霍洛维茨的版本，这个版本约22分钟。资料有限，见谅。
楼主要求的版本比较难找，原装正版CD太贵。我只有阿什肯纳吉演奏版本，在上海音乐学院对面买的，如果楼主坚持要这两个版本，不妨也去找找。
曲谱你可以问问钢琴键盘系的，特别是留学生。
阿图尔·鲁宾斯坦（Artur Rubinstein）
弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz）
斯维亚托斯拉夫·杰奥里索维奇·里赫特（Sviatoslav Teorisovich Richter）
阿图尔·鲁宾斯坦 Artur Rubinstein （1887－1983）
美籍波兰钢琴家。1887年1月28日生于波兰罗兹，1982年12月20日卒于日内瓦。5岁登台演奏。后到柏林，经J约阿希姆推荐，从KH巴尔特学钢琴，从R卡恩和M布鲁赫学理论。11岁在柏林由约阿奇姆指挥演奏WA莫扎特的钢琴协奏曲。后到俄国、波兰等地旅行演奏，获得热烈赞誉。1906年第一次到美国与费城管弦乐团、纽约爱乐交响乐团合作演奏FF肖邦的《第一钢琴协奏曲》和C圣-桑斯的《第二钢琴协奏曲》，3个月内举行了75场演奏会。第一次世界大战期间与小提琴家E伊萨伊举行音乐会为同盟国募捐。1916年到西班牙和南美洲演出后，他成了西班牙音乐的积极宣扬者。1946年入美国籍。
鲁宾斯坦生来赋有灵敏的十只手指，读谱能力之强也是超群的。他的演奏充满炽热的情感和充沛的精力，流利洒脱而又布局严谨，有时又细腻而富于诗意。其演奏细腻而富于诗意，流利洒脱而又布局严谨。曲目极为广泛，尤以演奏肖邦和勃拉姆斯的作品见长，弹奏法国和西班牙作家作品也有其妙处。
鲁宾斯坦毕生献身于钢琴艺术，1970年以83岁高龄出现在音乐舞台上，1976年4月举行告别演奏会，正式退出舞台。1977年庆祝他90岁诞辰，美国总统福特授予他自由勋章。他的演奏曲目非常广泛，在演奏风格上，对于古典乐曲倾向华丽而不炫耀，弹奏肖邦作品则充满诗意和乡土气息，是20世纪权威的钢琴演奏家。晚年写了一部自传，共分3卷，分别叙述他的青年、中年和晚年3个时期的演奏生涯。他录制了很多唱片，尤其是肖邦全部作品的唱片，已成为珍贵的文献资料;他录制的Lvan贝多芬的5首钢琴协奏曲，也是一份贵重的遗产。
主要唱片集:
1肖邦19首夜曲，编号：RCA5613-2-RC(2CD)
2肖邦51首玛祖卡(全集)，编号：RCA5614-2-RC（2CD）
3勃拉姆斯第一钢琴协奏曲（芝加哥交响乐团协奏，赖纳指挥）编号：RCA60822-2-RG
http://baikebaiducom/view/252996html
弗拉基米尔·霍洛维茨 （Vladimir Horowitz，1904－1989），美国最负盛名的钢琴家之一，美籍俄罗斯人。很早就显露音乐天才，先后师从俄罗斯和德国的演奏大师，集俄罗斯学派与德国学派之大成。1924年到柏林、巴黎举行旅行演出，获很大成功。1928年赴美，一举成名。之后定居美国。曾停止演奏达十二年之久，1960年，在卡内基大厅举行重返舞台的独奏音乐会，轰动世界乐坛。
霍洛维茨的演奏技巧辉煌而潇洒，音乐更趋向深刻完美，表现手段更丰富。有的乐评家认为，他的钢琴音色如同七种基本颜色，可以调出各种不同的色调，从而表达各式各样的思想感情。另外，他的演奏能充分地表现出乐曲的内容，但又不是盲目地尊重原作。最难能可贵的是，他很像一位熟练的编辑，能把乐曲作者的“错别字、漏字”等失误加以订正，使作品达到完美无缺。他的演奏曲目相当广泛，尤以弹奏肖邦、斯卡拉蒂以及舒曼、李斯特、斯克里亚宾等名家的作品见长。
霍洛维茨的音乐演奏极其富有鲜明的个性，他的音乐是如此的独特，以至于只要聆听过其演奏的人，以后就可以轻易地将他的音乐与其他众多的钢琴演奏家区分开来；而从未领略他琴音魅力的人，是很难凭借经验来臆测的。我只能从一些细节来讲述我所听到了他与众不同的特性。
霍洛维茨是古典浪漫派钢琴的最后一个巨人。很多人都会将“浪漫”同“柔美”等同。然而在霍洛维茨面前，他们才会发觉这个理解上的错误是多么的想当然。他的演奏会让你豁然明了：原来浪漫的本质是“激情”。霍洛茨威的激情与他的音乐浑然天成。这和很多钢琴演奏者用形体的夸张动作表现出的激动有着云泥之别。尤其是在大师的晚年，演奏时的动作幅度已经很小。你千万不要以为这是老人的迟缓，这时的霍洛维茨已经步入举重若轻，举轻如重的化境中去了。不要忘了，他在年轻的时候，经常在演出中弹短琴弦，调音师时常面对被他弹的几乎散了架的斯坦威钢琴无可奈何。
霍洛维茨的琴音是灵动剔透的，但是同时，他有着使他获得“雷神”称号的左手。霍洛维茨一生自始至终都在强调左手的重要性。他不仅不认为左手是演奏中的附属，甚至称呼左手是钢琴演奏中的指挥。音色上，他左手在低音部的独特击键让他演奏的音乐丰满而又极富冲击力，具有很强的音响性。
霍洛维茨有着一双柔软的手，他甚至可以在其他四个手指击键的同时，将小指完全弯曲收起来。如果你用慢镜头来观看他的演奏，十个手指的收展、轮动显现出的优美姿态，会让你联想到飞鸟展动的羽翼。这双天赋的手加上钢铁般有力的肘腕，将音乐中的柔与刚，宁静与激烈完美地结合在一起。
霍洛维茨采用了一种完全个人化的平行触键手型去演奏钢琴，同钢琴教科书上要求手心虚空，指尖触键不一样的是，他将手掌平铺在键盘上，用每个手指的指肚去触键，每一个音不是击打出来的，几乎是就是用手指去按出来的。独特的手法可以产生出异乎寻常的柔美音色。（相似的，阿劳和古尔德的演奏手型都是比较平的。）为了追求音色的变化，霍洛维茨对手指接触琴键的部位也非常的考究。越是靠近琴键的根部触键，琴音越轻，音色越柔；越是接近琴键的末端触键，琴音越响，音色的弹跳性就越强。甚至有时在演奏延长音的过程中，他的手指会从琴键的一端滑向另外一端，以追求延长音音色的细微变化。在不同的琴键位置演奏，结合演奏时手指的力度和速度变化，使得霍洛维茨的钢琴音色像彩虹一样瑰丽多变，并且富有层次。霍洛维茨使用音色表现音乐的手段更加丰富。有的乐评家认为，他就如同一个画家，用七彩调制出不同的色调，从而表达各种各种的音乐情思。然而让霍洛维茨的琴声臻于完美之境地的，是他对钢琴踏板的绝妙使用。论对钢琴踏板的重视和理解之深，在20世纪的钢琴演奏家之中，霍洛维茨绝对是无人可比的大师。他一生中仅有的一部学术著作，就是关于钢琴踏板的使用。大师本人也讲过：作为一个钢琴演奏家，他的成就不在手上，而是在经常为人忽视的足底。
霍洛维茨的演奏技巧辉煌洒脱，很多演奏上难度艰深的作品，在他演奏起来都是那么的潇洒自在，像李斯特的《超技练习曲》、《拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲》这样难度很大的作品，他的演奏都有一种攀险峰如履平川的轻松自如。让听者但觉音乐之动人而不虞其他。
霍洛维茨有着令人瞠目结舌的演奏技巧，他可以说是有录音以来最具备完美技巧的钢琴大师。对他来说，钢琴演奏似乎就不存在“技术上的难度”。如果你看过大师在1968年卡内基音乐厅演奏《卡门主题变奏曲》的情景，你会被他在键盘上电光火石般的神奇演奏惊得目瞪口呆。这部作品（《VARIATIONS ON A THEME FROM BIIET’S CARMEN》）是大师为自己创作的一部极具演奏难度的炫技作品。霍洛维茨在弹奏这部作品时，已然将钢琴演奏变化成为一种高度激烈的竞技运动：此起彼伏的大跨度跳跃击键，密如骤雨的琶音，左手与右手你追我赶的对抗。这时的大师已经完全成为一个键盘上的魔术师，给予欣赏者带来的是一个惊叹又一个惊叹。这部变奏曲的难度之大，以至于很少有钢琴家愿意去触碰。只有多年以后，才由天才钢琴少年ARCADI VOLODOS才在他的同名钢琴专辑唱片中尝试演奏。
但是霍洛维茨不只是一个技术唯上的钢琴演奏家。如果那样，霍洛维茨也不能成其为霍洛维茨了。他认为演奏者都应当用发自内心的感情去诠释作品。大师说：“一个演奏者应当是作品的再创者，（一个完美的演奏家）应当具备三个条件：训练有素、充满想象力的大脑，一颗自由慷慨的心和对乐器自如的控制能力。没有几个音乐家能够和谐地具备以上三个素质。这是一种很高的艺术境地，也是我毕生为之努力的目标。”
1936年，霍洛维茨以健康不佳为理由，首次离开舞台，宣布退隐，大师时年只有32岁。在退隐的宁静生活里，他专注于对音乐的思索和探寻。三年后复出。霍洛维茨已经由一个火爆的技术演奏家变成一个自省的成熟艺术家了。在以后的岁月里，大师又出于同一目的，分别于1953年、1970年二次退隐，最长一次隐退的时间达12年之久。每一次的退隐生活都使霍洛维茨在音乐上获得质的突破。正是凭借这样一种淡泊名利的勇气、对音乐从不懈怡的执着追求，使得大师最终步入完美。
身为一个钢琴家，霍洛维茨首先是个渊博的音乐家。他曾公开宣称最大的理想是成为一个作曲家。尽管除了上文提及的《卡门主题变奏曲》以外，大师鲜有自己的作品问世。但是作为安东·鲁宾斯坦的传承者和伟大指挥家托斯卡尼尼的快婿，霍洛维茨有着同侪难以比拟的综合音乐素养。霍洛维茨对很多音乐作品都有着自己独到的理解，他的演奏能够充分地展现出作品的神韵，而又不是盲目的格守原作。难能可贵的是，他如同一位高明的辑编，能敏锐地发现作品中的瑕疵并加以修正，使作品变得完美无缺。霍洛维茨演奏的斯卡拉蒂的奏鸣曲，有着脱离尘俗的超然气质。没有霍洛维茨的演奏，这些动人作品不知道还要在乐谱架上沉睡多久。他演奏的克莱门蒂的作品一气呵成，极富戏剧性的音乐表情。奏演肖邦作品钢琴音色纤细优美，充份体现了肖邦文静沉思的诗人气质。
霍洛维茨晚年弹奏的舒曼《童年即景》（KINDERSZEN OP15）是极受欢迎的演奏版本。他将这些分解和弦上的简单旋律弹的极富浓郁的怀旧气息，这种怀旧的色彩，正是一个老者对童年美好时光的追忆。在聆听的过程中，我们总会不由得忘形于音乐，让思绪翱翔于时空之外。1987年5月大师在维也纳演奏这部作品时，钢琴弱音的处理真是美妙地不可思议。
在同其他钢琴演奏家的比对中，越发能够体会到霍洛维茨在演奏时，对作品精神本质主动性的创造再现。霍洛维茨在弹奏莫扎特《土耳其进行曲》（SONATA NO11，K331 3RD MOVEMENT）时充分表现了对音乐内在节奏的控制力。他在1966年卡内基音乐厅的演奏版本，曲长四分零七秒，比布伦德尔此曲的演奏版本足足长了三分之一以上，但是与布伦德尔急冲冲的、行军式的弹奏相比起来，霍洛维茨弹地从容、流畅、紧凑，跳动的活泼节奏带有法国宫廷舞曲的优雅。
霍洛维茨的音乐是一种个性化的音乐。他天性具有浪漫的激情。他总是能在一部作品中攫取到最符合他性情的东西，并将之发扬光大。而往往正是这一部分闪烁的灵光，使他的听众如痴如醉。同霍洛维茨张扬性情的演奏相比，李赫特所谓精准和坚硬的弹奏变得是多么的僵硬和刻板。霍洛维茨在演奏时，经常会有一些意想不到的神来之笔。听众们喜爱这些美妙的创造，但是他经常不被乐评界理解。在20世纪的古典音乐大师中间，他可能是受到诘难最多的钢琴家了。他大量精彩的演奏没有被保守的古典音乐专家们认可。然而，霍洛维茨有两部音乐作品的诠释，是无可争议的经典之作：拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲和柴可夫斯基第一钢琴协奏曲。
拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲（Concerto No3 in D Minor,Op30），是音乐史上最伟大的钢琴作品之一。在霍洛维茨指下的拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲，流淌出的既有千里冰川，漫漫林莽的壮丽;又有溪流蜿蜒，百花初绽的秀美。琴声中饱含着他对故乡的挚爱，也弥漫着去国难返的悲伤。第一乐章开始不久，钢琴沉稳引入的那几个小节，分明是大师低低的呢喃：“啊，这是我的祖国。”
与作曲家相同的文化背景和流亡经历，使得霍洛维茨对这部作品有着旁人难以企及的领悟；他凭借高超的演奏能力，游刃有余地演奏这部令多数演奏者望而却步的作品，特别是大师对节奏的把握，让整部作品从容展开，分外动人。同样身为伟大钢琴演奏家的作者拉赫马尼洛夫，在听过他的演奏后，也由衷地称赞霍洛维茨的拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲是最完美的。
每次聆听霍洛维茨演奏的这部作品，都会不由得感叹：只有在这样一个幅员广阔、风光多姿的国度，才有可能诞生这种时而厚重、时而轻灵；时而雄壮、时而隽永；时而激越、时而舒缓的动人乐章来。尤其是乐曲中波澜壮阔的宏伟气魄，是其他出生于欧洲的音乐家无法具备的。即便是最具力量的贝多芬，他的气势也只是个人同命运的抗争。霍洛维茨演奏拉赫马尼洛夫第三钢琴协奏曲时所展现出来雄浑的气魄，正是俄国这样一个庞大国家底蕴的真实体现。
霍洛维茨一生中多次公开演奏这部作品，并先后同艾贝尔·科茨（ALBERT COATES）、莱纳、奥曼迪等指挥大师合作灌录唱片。其中最著名的，要算大师同奥曼迪指挥的纽约交响乐团在卡内基音乐厅演出的现场录音了,即便是这个录音，唱片公司也出过多个版本。音响效果最佳的，要数这张HP版的CD唱片。
柴可夫斯基《降B小调第一钢琴协奏曲》（Piano Concerto No1 in B-Flat Minor,Op23）是霍洛维茨成名之作。他对此曲令人震惊的演奏让他在20几岁就在世界乐坛获得了极大的声誉。霍洛维茨的演奏气势磅礴、辉煌壮丽，有着极强的感染力和震撼性。这支曲目让大师可以充分地展示其坚强有力的击键。他在公演柴可夫斯基第一钢琴协奏曲过程中，曾有过数次击断琴弦的记录。1928年霍洛维茨首次在美国公演此曲，由于他在键盘上弹出的惊人音响，让当时乐队的指挥感到难以置信，一再要求看查他的手掌，好知道这手掌上是否具有神奇的魔力。
我听过多个钢琴家演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲的录音，每一个演奏都有各自的特点：阿格里奇的抒情，李赫特的精准，鲁宾斯坦的灵动，克莱本音色精美。但是没有人能够在演奏这部协奏曲时，达到像霍洛维茨那样气度恢宏，使人激动不己。霍洛维茨意气风发，风驰电掣的演奏有着横扫一切的凌厉气势，听起来十分地酣畅过瘾。
遗憾的是大师在中年以后就很少再弹奏这部作品，以至他演奏柴可夫斯基第一钢琴协奏曲的录音都比较早。较为著名的有41年在录音室的录音和43年在卡内基音乐厅的现场录音。两次霍洛维茨都是和岳父托斯卡尼尼指挥下的国家广播公司交响乐团（NBC乐团）合作。尽管是单声道的录音，我们还是可以从中听出大师在第一乐章序曲中惊心动魄的演奏力度，在复三部曲式的第二乐章中清新、恬静的音色表达，以及在奏鸣回旋曲式的第三乐章里充溢的节日般快乐。托斯卡尼尼指挥的乐队也表现出了巨大的热情，与霍洛维茨弹奏的钢琴部分起伏对抗、相得益彰。
纳索斯唱片公司近年运用先进的优化还原技术对历史录音进行处理后，发行的上述演奏录音的CD唱片，是音效最为出色的版本。
特别要提及的是大师弹奏的肖邦《即兴幻想曲》（Fantaisie-Impromptu,Op66）。这首我最喜爱的肖邦钢琴作品，霍洛维茨的演奏是最令人感怀不已的。乐曲开始的一段细碎叮咚的快速音符，仿佛少年无忧无虑的嬉戏笑声；中间优美的主题部分以变奏的形式反复出现，大师在这里将音色控制的美妙绝伦，似乎在回忆着甜蜜青涩的爱情；紧接着开始部分的旋律又再响起，然而已没有了最初的无忧无虑，一股不安的情绪在酝酿堆积，这一份躁动的力量最终以一串珠落玉盘般的响亮音符达到顶点，这时大师著名的左手低音沉稳响起，在一段晨钟暮鼓般的低沉琴声中结束全曲。
每次倾听霍洛维茨演奏的这首乐曲，就如同听大师追述整个人生。巧合的是：大师在最后一次录音中演奏了这首《即兴幻想曲》。似乎他冥冥中感受到了什么。
1989年，霍洛维茨带着他可谓空前绝后的音乐演奏天赋，在纽约的家中安然逝去。古典浪漫主义音乐的最后一丝气息在现实中永久的消散了。从那时起，钢琴的黄金时代结束了。
唱片选粹：
RCA 7992－2－RG
贝多芬：第五钢琴协奏曲/柴柯夫斯基：第一钢琴协奏曲（NBC交响乐团）
RCA GK 85272
拉赫玛尼诺夫：第三钢琴协奏曲（RCA交响乐团/莱纳）
CBS MK 42410
斯卡拉第：奏鸣曲集
CBS MYK 42534
舒曼：童年情景、托卡塔、
CBS M3K 44681
舒曼：C大调幻想曲等
DG 419 217－2
舒曼：克莱斯勒偶记
DG 419 045－2
“霍洛维茨－－最后的浪漫”
http://baikebaiducom/view/252914htm
演奏家 斯维亚托斯拉夫·杰奥里索维奇·里赫特 Sviatoslav Teorisovich Richter
前苏联钢琴家。自幼随父学习钢琴，少时即显露出优异的钢琴即兴作曲才能。1933年起，在敖德萨歌舞剧院任音乐指导，1934年首次公开演出，1937年进入莫斯科音乐学院深造，1945年获全苏演奏家比赛一等奖。四十年代常在苏联各地巡回演出，五十年代后又曾前往欧美各国表演。1961年获前苏联人民艺术家称号。他还是法国斯特拉斯堡大学的名誉博士。
里赫特的演奏以技巧纯熟、构思深刻、富于鲜明的戏剧性表现力著称。他演奏曲目非常广泛，从古典派到浪漫派和印象派乃至现代派，几乎无所不能。他最突出的特点是其手指的坚韧性，像前苏联著名作曲家普罗柯菲耶夫的许多作品中那尖锐的连续强音，只有里希特的双手才能够演奏出作者所要求的那种宏大气势。
他从不沉溺于乐曲，而是通过自己的透彻分析，完美、细腻地表现音乐，对于乐谱中极其细微的音符，他都能惟妙惟肖的加以表现。
1997年不幸死于心脏病，他的死代表着一个时代的结束。
http://baikebaiducom/view/1119356htm
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