里姆斯基一科萨科夫 (1844．3．6－1908．6．7)出身于梯契汶一贵族家庭。其家世代为海军军人。6岁开始学习钢琴，10岁尝试作曲。12岁入彼得堡海军士官学校学习，得以在首都广泛接触到艺术音乐。1861年，与巴拉基列夫相识，并在巴拉基列夫的指导下业余进行音乐创作。他从远洋航海东方归来后，于1865年完成《第一交响曲》，同年由巴拉基列夫指挥在义务音乐学校演奏会上首演，迈出作曲家辉煌的第一步。1871年任彼得堡音乐院的作曲、管弦乐法教授，1874年又兼任和声、对位法教授，终生任教于此。斯特拉文斯基等人均出自其门下。晚年，因支持学生罢课、倡导音乐院的机构改革而一度被解职。日俄战争后复职。曾以大量精力续作、修订“五人团”其他成员未完之作。其创作集俄罗斯民族乐派音乐之大成，继承和发扬了格林卡的传统，并以华丽的东方色彩、海洋情景的描绘见长。他是位卓越的管弦乐法大师，1888年所作具有东方绚丽色彩的交响组曲《舍赫拉查德》，以及《西班牙随想曲》等均充分发挥了管弦乐队的诸种乐器的色彩和扩充管弦乐队的表现力。他是位作曲技术高超的客观作曲家，擅长于以旋律、和声、调式、配器等手段描绘客观事物。
其实。如果你不是搞音乐的，那么你不用聆听全部乐章，挑选其中最有魅力的一个乐章更容易接受、比如贝多芬命运交响曲第一乐章，德沃夏克新世界第二和第四乐章，等，你应该先了结一下这个交响曲的来历以及作背景，就行了。经典之处就是旋律之美，端着一杯咖啡，聆听一首交响，你会发现，不懂并不代表它不美！！
怎样欣赏交响乐？
有些人认为交响乐高不可攀，无法理解。殊不知，它象文章一样，也有深浅之分，只要懂得欣赏方法，入门是不难的。因为它所反映和描写的毕竟是人类的生活和人类的思想感情，普通的人，入了门，就可由不懂到懂，由知之不深到渐入佳境。当然在欣赏较高深的交响乐时，需具备一定的、相应的生活经历和较高的文化水平，“必须用自己的经验、印象和知识的积累去补充。”
大家知道，音乐是听的，是看不见、摸不着的，哪来的形象呢？在音乐美学上有些长期争论不休的问题，譬如音乐能不能表达什么内容。在这个问题上历来有两种对立的观点，一派说：“音乐是什么都可以表达的。”另一派说：“音乐就是音乐，除了音乐之外，什么也没有表达，也不能表达。”我认为：音乐的特长是抒发感情，在感情这方面是可以表达的，而且可以表达得很细致，但是感情以外的东西，要音乐表达就比较困难一些。
又如另一个争论的问题，就是音乐所表达的内容能不能用文字语言说清楚。莫扎特曾说过这样一句话：“如果用文字可以表达的，那我何必还写音乐呢？”这句话说明了他写成音乐的正是用文字无法表达的东西。我们平时看**常常看到这样的镜头：两个人对望着一句话也没有。其实呢，心里有很多话要讲，就是觉得用千言万语也说不清楚，还不如用眼睛来相互传达他们的感情更妙更好，这叫做“心照不宣”。音乐也有这个特点。音乐家跟听众交流感情是只能意会不能言传的。文学可以通过文字表达明确的意念，绘画戏剧都有鲜明的视觉形象，而音乐呢？这些都没有。所以严格地说，“音乐形象”这个说法是不太科学的，不如说“音乐的性格、情绪”还比较恰当一点。
许多听众往往有这样的一种要求：交响乐很难听懂，最好你给我讲讲清楚，这里到底是表现什么？那儿又是表现什么？音乐更多的是靠我们去想象的，它本身并不明确具体。比如罗西尼的歌剧《威廉·退尔》序曲最后一段写抗敌胜利，它的主题和马蹄声“哒哒啦、哒哒啦”的节奏很相似，我们一定会产生一种联想：喔，这可能是军队，是骑兵队在奔驰。音乐本身根本看不到马，也看不到跑，只是从节奏产生出联想而已。而这种联想的产生要有一个特定的条件，就是马必须在跑。如果马不跑，站在那里，音乐就没有办法表现它了，你怎么知道它是马还是牛？还是别的什么？
从这可以看出，音乐的描绘性叙事性是非常有限的，它只限于客观事物中那些有音响的、有节奏的、有动态的也就是运动中的事物。因为音乐是一种音响的、一种听觉的艺术，它存在于音响的运动之中。如果跟音响和运动这两种特性没有联系的事务，音乐要想“描绘”它们就比较难了。所以说，音乐的特长不在于描绘，也不在于叙事，它的长处是抒情。
比如我们心情激动了、情绪紧张了，心就跳得快。音乐表达这种心情的时候就可以采用紧张的比较快的节奏；如果心情平静的时候，自然就松弛下来缓慢下来，于是音乐的节奏、速度也慢了。
音乐还有一个特长，如在表现忧愁忧虑痛苦发怒盛怒这种情绪的时候，可以把它们的各种层次很细微地表现出来。我写的《第一交响曲》第三乐章中的一段采用戏曲的哭腔描写痛苦。如果大家对戏曲的哭腔有点熟悉的话，能么听起来就会有联想了。
音乐是通过作曲家主观的感受写出来的，因此它的主观性是很强的。而听的人呢，也要发挥自己的主观能动性。音乐创作跟其它艺术有些不一样，文学写出一部小说来，创作已经完成了。戏剧写出一个剧本还不够，还要演，这是二度创作。音乐呢？除了这个二度创作外，还有一个三度创作，就是听众如何来欣赏和理解这个作品，就是说听众也要投入到这个创作中间去，这样一部音乐作品的创作过程才算全部完成。 有些听众还提出这样的问题：音乐怎样描写外部世界？比方写大海怎么写？这里可以举两个典型的例子来看看作曲家是怎样描写大海的。
一个是里姆斯基·柯萨科夫的“天方夜谭”，其中第一章就描写大海。这个乐章的引子有两个主题，一个是代表苏丹王——沙赫里亚尔，是个很粗暴的形象；另一个是王妃“舍赫拉查德”的形象。可妙就妙在这两个主题后来都变成海的形象了。人怎么会变成海呢？如果我们听这段音乐就会发现：原来是音乐旋律的起伏使我们联想到海浪的起伏。这说明交响音乐创作上的一个特点，就是可以用同一个音乐素材，通过节奏、和声、配器的变化来改变音乐形象。
“天方夜谭”组曲是描写舍赫拉查德讲故事给那个苏丹王听，所以它就利用这两个人物的主题来写大海，这不是真的大海，而是他们心目中的大海、故事里的大海。这里人物主题变成大海，两者有没有什么内在联系呢？有的。譬如苏丹王是很残暴的，跟大海的汹涌可怕是可以联系上的。至于那个“舍赫拉查德”主题是个很美的主题。我想作曲家写的时候，可能就是考虑到要把它稍加改变变成浪花的主题的。从这里可以看出一个作曲家的本事来，他可以用很集中的一两个主题材料千变万化地塑造出不同的音乐形象。
另一个例子是法国印象派代表人物德彪西写的一个“大海”。他的写法又不一样了。这部作品叫作交响素描，有三个乐章。
第一乐章的标题是“从破晓到中午的海”，是写平静的海、从薄雾中慢慢显现的海。
第二乐章是“浪的嬉戏”，写顽皮的海，海浪在追啊、玩啊。
第三章是“海与风的对白”，这是咆哮的海。
这个海跟刚才介绍的那个海性格上很不一样：首先它的内容不一样，另外作曲家的性格也不一样。德彪西是一位印象派的作曲家，他的创作特征是着重于捕捉瞬息万变的光和色彩的变化、景象的变化。所以他的旋律都是断断续续的，一会儿这样几个音、一会儿那样几个音，变化多端，它是在描述大海那种变化无穷的色彩。
里姆斯基·柯萨科夫和德彪西都是交响乐色彩配器的大师，但各有所长，因此他们写出来的音乐也是截然不同的。
从以上两个例子可以总结出三条：第一条是，即使描绘性的音乐也都不是纯粹客观地描写外部世界，这些描写是被音乐化了的、性格化了的、感情化了的，而不是事物的本身。因此一千个人写大海，就会写出一千个样子。第二条，音乐形象是从联想产生的，这个联想是通过音乐对事物运动的形态及其发出的声响所作的一种摹拟而来的。第三条呢，作品描述什么有时还要靠文字标题来提示，否则不能准确判断它在写什么。比方柴科夫斯基的交响诗“弗兰切斯卡·达·里米尼”中的一段描写地狱里的旋风。如果不讲这是旋风，也可能以为是大海，因为二者有着相似的运动方式。所以确定音乐形象还要靠文字标题。同时也说明音乐的描绘只能近似，不能逼真。
标题音乐可帮助大家理解作品形象，那么怎样去理解无标题音乐呢？这就更需要从人的心里状态和感情上去理解。譬如贝多芬的《第五（命运）交响曲》，这“命运”标题是人家给加上的。音乐中“命运”主题，有人解说它是反面形象，是凶恶残暴阴森的命运的形象。但也有人把它说成是贝多芬对封建势力的挑战，是怒吼的贝多芬，是扼住命运的咽喉的贝多芬，是一个正面形象。这不是截然相反吗？总之，这个主题体现了作者自己的感情，体现了他对命运的态度。第四乐章写贝多芬理想中的胜利，在这一乐章中，贝多芬还写下了非常天才的一笔，就是在胜利高潮的时候，突然命运的主题又出现了。有人说这是对过去斗争的回顾，也有人说这是被打倒的奄奄一息的命运企图东山再起。但是我倾向于另外一种解释，即虽然胜利了，仍然不能失掉警惕，那些躲在阴暗角落里的反动的东西说不定还要再来的。这样的解释更符合贝多芬的实际，符合他的逻辑，也更好地显示出他作品的哲理性。至于究竟怎么理解，大家还可以作出自己的解释。
交响乐给人的启示是很多的，它可以给你很多想象的余地，尤其是无标题交响曲更有这个特点，因为它没有标题的约束，概括性很强，内涵非常丰富。即使听一百遍还会有新的发现。而且，随着我们年龄的增长阅历的加深，对作品的理解也将更加深刻。这就是无标题交响乐的一个长处。
最后讲两点结论：第一点，音乐的特长主要是抒情不是描绘。所以在欣赏它的时候主要在于它的情绪如何感染我们，不一定追究它在写什么。乐曲解释只是作为一种参考，主要还要发挥我们自己的独立思考。第二点，欣赏交响乐首先要充分调动我们自己的想像力，我们越是善于想像思考，也就越容易理解作品。总之一句话，音乐是听的，不是说的。交响乐只要多听，大胆发挥你的想像，你就一定会有更多的收获。
许多听众往往有这样的一种要求：交响乐很难听懂，最好你给我讲讲清楚，这里到底是
表现什么？那儿又是表现什么？
音乐更多的是靠我们去想象的，它本身并不明确具体。比如罗西尼的歌剧《威廉·退尔
》序曲最后一段写抗敌胜利，它的主题和马蹄声“哒哒啦、哒哒啦”的节奏很相似，我们一
定会产生一种联想：喔，这可能是，是骑兵队在奔驰。音乐本身根本看不到马，也看不
到跑，只是从节奏产生出联想而已。而这种联想的产生要有一个特定的条件，就是马必须在
跑。如果马不跑，站在那里，音乐就没有办法表现它了，你怎么知道它是马还是牛？还是别
的什么？
从这可以看出，音乐的描绘性叙事性是非常有限的，它只限于客观事物中那些有音响的
、有节奏的、有动态的也就是运动中的事物。因为音乐是一种音响的、一种听觉的艺术，它
存在于音响的运动之中。如果跟音响和运动这两种特性没有联系的事务，音乐要想“描绘”
它们就比较难了。所以说，音乐的特长不在于描绘，也不在于叙事，它的长处是抒情。比如
我们心情激动了、情绪紧张了，心就跳得快。音乐表达这种心情的时候就可以采用紧张的比
较快的节奏；如果心情平静的时候，自然就松弛下来缓慢下来，于是音乐的节奏、速度也慢
了。音乐还有一个特长，如在表现忧愁忧虑痛苦发怒盛怒这种情绪的时候，可以把它们的各
种层次很细微地表现出来。我写的《第一交响曲》第三乐章中的一段采用戏曲的哭腔描写痛
苦。如果大家对戏曲的哭腔有点熟悉的话，能么听起来就会有联想了。
音乐是通过作曲家主观的感受写出来的，因此它的主观性是很强的。而听的人呢，也要
发挥自己的主观能动性。音乐创作跟其它艺术有些不一样，文学写出一部小说来，创作已经
完成了。戏剧写出一个剧本还不够，还要演，这是二度创作。音乐呢？除了这个二度创作外
，还有一个三度创作，就是听众如何来欣赏和理解这个作品，就是说听众也要投入到这个创
作中间去，这样一部音乐作品的创作过程才算全部完成。
有些听众还提出这样的问题：音乐怎样描写外部世界？比方写大海怎么写？这里可以举
两个典型的例子来看看作曲家是怎样描写大海的。
一个是里姆斯基·柯萨科夫的“天方夜谭”，其中第一章就描写大海。这个乐章的引子
有两个主题，一个是代表苏丹王——沙赫里亚尔，是个很粗暴的形象；另一个是王妃“舍赫
拉查德”的形象。可妙就妙在这两个主题后来都变成海的形象了。人怎么会变成海呢？如果
我们听这段音乐就会发现：原来是音乐旋律的起伏使我们联想到海浪的起伏。这说明交响音
乐创作上的一个特点，就是可以用同一个音乐素材，通过节奏、和声、配器的变化来改变音
乐形象。“天方夜谭”组曲是描写舍赫拉查德讲故事给那个苏丹王听，所以它就利用这两个
人物的主题来写大海，这不是真的大海，而是他们心目中的大海、故事里的大海。这里人物
主题变成大海，两者有没有什么内在联系呢？有的。譬如苏丹王是很残暴的，跟大海的汹涌
可怕是可以联系上的。至于那个“舍赫拉查德”主题是个很美的主题。我想作曲家写的时候
，可能就是考虑到要把它稍加改变变成浪花的主题的。从这里可以看出一个作曲家的本事来
，他可以用很集中的一两个主题材料千变万化地塑造出不同的音乐形象。
另一个例子是法国印象派代表人物德彪西写的一个“大海”。他的写法又不一样了。这
部作品叫作交响素描，有三个乐章。第一乐章的标题是“从破晓到中午的海”，是写平静的
海、从薄雾中慢慢显现的海。第二乐章是“浪的嬉戏”，写顽皮的海，海浪在追啊、玩啊。
第三章是“海与风的对白”，这是咆哮的海。这个海跟刚才介绍的那个海性格上很不一样：
首先它的内容不一样，另外作曲家的性格也不一样。德彪西是一位印象派的作曲家，他的创
作特征是着重于捕捉瞬息万变的光和色彩的变化、景象的变化。所以他的旋律都是断断续续
的，一会儿这样几个音、一会儿那样几个音，变化多端，它是在描述大海那种变化无穷的色
彩。里姆斯基·柯萨科夫和德彪西都是交响乐色彩配器的大师，但各有所长，因此他们写出
来的音乐也是截然不同的。
从以上两个例子可以总结出三条：第一条是，即使描绘性的音乐也都不是纯粹客观地描
写外部世界，这些描写是被音乐化了的、性格化了的、感情化了的，而不是事物的本身。因
此一千个人写大海，就会写出一千个样子。第二条，音乐形象是从联想产生的，这个联想是
通过音乐对事物运动的形态及其发出的声响所作的一种摹拟而来的。第三条呢，作品描述什
么有时还要靠文字标题来提示，否则不能准确判断它在写什么。比方柴科夫斯基的交响诗“
弗兰切斯卡·达·里米尼”中的一段描写地狱里的旋风。如果不讲这是旋风，也可能以为是
大海，因为二者有着相似的运动方式。所以确定音乐形象还要靠文字标题。同时也说明音乐
的描绘只能近似，不能逼真。
标题音乐可帮助大家理解作品形象，那么怎样去理解无标题音乐呢？这就更需要从人的
心里状态和感情上去理解。譬如贝多芬的《第五（命运）交响曲》，这“命运”标题是人家
给加上的。音乐中“命运”主题，有人解说它是反面形象，是凶恶残暴阴森的命运的形象。
但也有人把它说成是贝多芬对封建势力的挑战，是怒吼的贝多芬，是扼住命运的咽喉的贝多
芬，是一个正面形象。这不是截然相反吗？总之，这个主题体现了作者自己的感情，体现了
他对命运的态度。第四乐章写贝多芬理想中的胜利，在这一乐章中，贝多芬还写下了非常天
才的一笔，就是在胜利高潮的时候，突然命运的主题又出现了。有人说这是对过去斗争的回
顾，也有人说这是被的奄奄一息的命运企图东山再起。但是我倾向于另外一种解释，即
虽然胜利了，仍然不能失掉警惕，那些躲在阴暗角落里的反动的东西说不定还要再来的。这
样的解释更符合贝多芬的实际，符合他的逻辑，也更好地显示出他作品的哲理性。至于究竟
怎么理解，大家还可以作出自己的解释。
交响乐给人的启示是很多的，它可以给你很多想象的余地，尤其是无标题交响曲更有这
个特点，因为它没有标题的约束，概括性很强，内涵非常丰富。即使听一百遍还会有新的发
现。而且，随着我们年龄的增长阅历的加深，对作品的理解也将更加深刻。这就是无标题交
响乐的一个长处。
最后讲两点结论：第一点，音乐的特长主要是抒情不是描绘。所以在欣赏它的时候主要
在于它的情绪如何感染我们，不一定追究它在写什么。乐曲解释只是作为一种参考，主要还
要发挥我们自己的独立思考。第二点，欣赏交响乐首先要充分调动我们自己的想像力。
交响乐，亦称交响曲，它的名称起源于希腊语，译意为“共同发声”，是一种具有奏鸣曲特点的、由管弦乐团演奏的大型器乐套曲。其结构宏大，意蕴深广，擅于概括社会生活和人类思想的丰富内容。
交响乐的结构通常是由4个乐章组成。第一乐章快板，是个完整的三段体，即呈示、展开、再现；第二乐章慢板（或稍慢），为行板，富有歌唱、抒情性特点；第三乐章快板（或稍快），为中速小步舞曲或诙谐曲（有时省略）；第四乐章快板（或急板），习惯为急速的回旋曲（有时用变奏）构成欢乐的终曲。这四个乐章既互相独立，又有密切的内在联系，主题始终贯穿在整个乐曲中。
交响乐突出的特点是充分发挥了弦乐、木管、铜管、打击乐器的音色、音域。新颖的配器，使多种乐器相互补充，协调默契，从而产生气势宏伟、色彩绚丽、表现力极强的艺术效果。如“乐圣”贝多芬的《降E大调第三交响乐》（英雄），作为“特性交响乐”的代表，不仅具有非同凡响风格的构思。而且曲调激昂，气势雄伟，充满了对英雄的无限赞美。我国音乐家冼星海的《民族解放交响乐》结构严谨，音调雄浑，感情充沛，欣赏之后，无人不被那可歌可泣的乐曲所激励。
搞懂了交响乐的结构、形式，再根据演奏理解乐曲的主题，欣赏那动人的曲调和演奏技巧，则实在是一种美妙的享受。
1、奏鸣曲式
“奏鸣曲式”是西方音乐中的一种大型曲式结构，常常由于套曲的第一乐章。它包含几个呈示部、发展部和再现部以及特定的调性布局，具有矛盾冲突和戏剧性发展的特性。由于它通常用于奏鸣曲的第1乐章，并常用快板速度，所以也称为奏鸣曲第1乐章形式或奏鸣曲快板形式。这种曲式不仅用于奏鸣曲中，也用于室内乐、协奏曲、交响曲等大型音乐作品的相应乐章。此外在序曲、交响诗等作品中也常见到。
2、门德尔松
门德尔松，德国作曲家、指挥家、钢琴家。自幼受到良好教育，17岁发表作品《仲夏夜之梦》。并开始广泛的社会活动和音乐创作。1841年赴柏林担任皇家音乐总监，1843年创建莱比锡音乐院。门德尔松的创作题材甚广，重古典曲式结构，并注入浪漫色彩。音乐明朗清晰、形象鲜明生动、结构匀称严谨、和声色彩绚丽。
3、交响诗
一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪的音乐会序曲，强调诗意和哲理的表现。交响诗的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥。交响诗的名称为F李斯特所创，他认为“标题能够赋予器乐以各种各样性格上的细微色彩，这种种色彩几乎就和各种不同的诗歌形式所表现的一样”，因此他把标题交响音乐和诗联系起来称交响诗。其所作十三首交响诗以诗歌、戏剧、绘画以及历史事迹等为题材，广泛采用主题变形的手法，塑造出特定标题内容的艺术形象。
4、序曲
歌剧、舞剧、话剧或者其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。17世纪早期歌剧的序曲是一种简短的开场音乐，没有固定的形式。18世纪后半叶以后的序曲，大多采用奏鸣曲式的戏剧性结构
5、现代组曲
近代组曲又称' 情节组曲' ，兴起于十九世纪，从歌剧、舞剧、戏剧音乐或**音乐中选若干乐曲编成。有的组曲系根据特定标题内容或民族音乐素材写成，如挪威作曲家格里格的《培尔·金特组曲》、俄国作曲家里姆斯基的《舍赫拉查达》、捷克作曲家德沃夏克的《捷克组曲》等。
6、组曲
组曲是由若干器乐曲组成的套曲，其中各曲有相对的独立性。组曲的结构比较自由，各乐章之间的逻辑关系也不像其他套曲那样严谨。
7、小步舞曲
小步舞曲（Minuet）源于一种法国古老的民间土风舞，17世纪流入宫廷，逐步变得速度徐缓、风格典雅，逐渐盛行于贵族社会。因其舞蹈的步子较小而得名。三拍子，中庸速度，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅优美。其结构为三段式曲体，中段常用三个声部写成，故称“三声部中段”。19世纪初，小步舞曲构成交响曲和奏鸣曲的第三乐章。
8、双呈示部
双呈示部，指的是古典主义协奏曲中第一乐章的特有结构部分，一般在陈述主题时分为两次呈示。首先是乐队的主题呈示，然后是独奏者和这个乐队的协同呈示。这种也出现在部分浪漫主义作曲家的作品当中，门德尔松开始有了改变，双呈示部被单呈示部代替。
9、交响乐队包括哪些乐器组？各乐器组又分别包括哪些乐器？
交响乐队（即管弦乐队）一般包括弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组，各组具体包括的乐器如下：木管乐器：长笛、短笛、双簧管、英国管、巴松管、单簧管、萨克斯管、口琴、苏格兰风笛。弦乐器：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴、古典吉他、曼陀铃、电声吉他、电声贝司、竖琴。铜管乐器：小号、法国圆号、长号、低音大号。打击乐器：定音鼓、大鼓、小军鼓、钟管、木琴、钢片琴、电子鼓、爵士鼓、三角铁、铁片角、大镲、铃鼓、西班牙响板、沙槌、大锣。
10、竖琴
竖琴是世界上最古老的拨弦乐器。由于具有丰富的内涵和美丽的音质，竖琴成为交响乐队中特殊的色彩性乐器，主要担任和声和滑奏式的装饰句，每每奏出画龙点睛之笔，令听众难以忘怀。独奏时能奏出柔和优美的抒情段或华彩段，极具感染力。
1、说说里姆斯基科萨科夫的交响组曲《舍赫拉查德》中是如何表现国王和舍赫拉查德的形象的？
《舍赫拉查德》――据《天方夜谭》写成的交响组曲这部交响组曲完全是东方色彩，作者从舍赫拉查德王后对苏丹王讲的那一千零一夜的故事中挑出四个来，当作这部组曲四个乐章的标题。而四个乐章都有所谓“舍赫拉查德主题”，即由独奏小提琴来代表舍赫拉查德叙述故事，国王山鲁尔的主题即显得低沉、粗暴，在后来的乐章中责之间被软化，成为温和的主题。
2、简单比较交响诗和序曲的异同。
二者都是单乐章的交响音乐题材。交响诗的结构比较自由，是典型的标题音乐，序曲一般遵循奏鸣曲式的结构原则，具有标题性。
3、说说交响乐队的简单发展轨迹。
交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在马勒、理查－施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现得尤为充分。
4、谈谈独奏乐器大提琴的表现性能。
大提琴是交响乐队中必不可少弦乐器。在交响乐队中经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。大提琴歌唱性强，音色浑厚丰满，具有开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情。
5、斯美塔那的《伏尔塔瓦河》表现了哪些画面？
《伏尔塔瓦河》是作曲家《我的祖国》交响诗套曲中的第二部，标题内容为：“伏尔塔瓦河有两个源头——流过寒风呼啸的森林两条小溪，一条清凉，一条温和。这两条溪水汇合成一道洪流，冲着卵石哗哗作响，映着阳光闪耀光芒。它在森林中梭巡，聆听猎号的回音；它穿过庄稼地，饱览丰盛的收获。在它两岸，传出乡村婚礼的欢乐声，月光下，水仙女唱着迷人的歌在浪尖上嬉戏。在近旁荒野的悬崖上，保留着昔日光荣和功勋记忆的那些城堡废墟，谛听着它的波浪喧哗。顺着圣约翰峡谷，伏尔塔瓦河奔泻而下，冲击着。岩峭壁，发出轰然巨响，而后河水更广阔地奔向布拉格，流经古老的维谢格拉德，显出它全部的瑰丽和庄严。伏尔塔瓦河继续滚滚向前，最后同易北河的巨流汇合并逐渐消失在远方。”
6、谈谈对莫扎特《第四十交响曲》的抒情性的理解。
相对于海顿的交响曲和莫扎特之前的交响曲，《第四十交响曲》明显突出抒情性，而且在都有忧郁和哀伤，所以有人也称之为《维特》交响曲。这些都说明这个作品在抒情性方面所具有的特质。回答这个问题可以有自己的理解和看法。
7、简单介绍柴科夫斯基的《1812庄严序曲》。
《1812序曲》是根据1812年拿破仑侵俄战争的史实写成的一部管弦乐作品。在这首序曲中作曲家层次分明地叙述了1812年的这一事件，包括俄罗斯人民原来的和平生活和随后发生的不安和骚乱，俄法两军的会战，以及最后俄国击溃法军，俄罗斯人民庆祝胜利的狂欢情景。音乐用奏鸣曲式写成，采用了马赛曲、俄罗斯民歌等曲调。
8、《威廉退尔序曲》有几个部分，分别是什么标题？
罗西尼的歌剧《威廉·退尔》，其序曲比歌剧本身更为有名，是音乐会上经常演出的节目之一。这首序曲共分四个乐章，连续演奏，是较罕见的分乐章歌剧序曲。 第一乐章富有诗意，名为晨曦；第二乐章则是暴风雨；第三乐章是描写暴风雨过后，一片清新的田园景色，名为静谧；第四乐章是一首充满光和热的进行曲名为骑兵交响曲。
9、《威廉退尔序曲》有几个部分，分别是什么标题？
罗西尼的歌剧《威廉·退尔》，其序曲比歌剧本身更为有名，是音乐会上经常演出的节目之一。这首序曲共分四个乐章，连续演奏，是较罕见的分乐章歌剧序曲。 第一乐章富有诗意，名为晨曦；第二乐章则是暴风雨；第三乐章是描写暴风雨过后，一片清新的田园景色，名为静谧；第四乐章是一首充满光和热的进行曲名为骑兵交响曲。
10、、什么是标题交响曲？
标题交响曲是柏辽兹尊崇浪漫主义音乐理想而创立的一种交响音乐，即以音乐来表现一定的思想内容，甚至人物形象。他以《幻想交响曲》的创作，确立了他在历史上的地位的同时，开拓了浪漫主义音乐创作的新道路，后来仿效者众。
1、贝多芬《第五交响曲》的思想主题是什么？谈谈你自己的理解。
2、以德彪西的《大海》为例，论述印象派音乐的风格特征。
摘要：其它乐器知识入门-特点-分类篇：对弦乐器的介绍，如中提琴、大提琴、低音提琴等方面知识的介绍说明。什么是弦乐器
演奏管弦乐曲的乐队，叫管弦乐队。近代大规模的管弦乐队，叫交响乐队。在交响乐队中包含着许许多多音响不同、形状各异的乐器。按照这些乐器不同的构造和发音的方法，一般可以把它们分为四类：即弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器。
弦乐器是振动琴弦而发音的，有弓弦乐器、拨弦乐器和击弦乐器三种。常用的弦乐器是弓弦乐器，即用弓擦弦发音的乐器。弓弦乐器有小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴四种。其中小提琴占有极重要的地位。它不仅是一种表现力很强的独奏乐器，在重奏和管弦乐中也是居于首要地位的。
小提琴（Violin）具有优美、华丽的音色、宽广的音域和丰富的表现力。它的四根弦的空弦依次相隔五度，从最粗到最细弦定音为G、D、A、E。最高的是E弦，其次是A和D弦，最低的是G弦。E弦是用金属做的，音色华丽；A弦和D弦是用金属细丝绞成或用兽筋包上金属丝制成，音色甘美；G弦在羊肠外包着银丝，音色丰腴。如德国作曲家门德尔松所作E小调小提琴协奏曲第一乐章的第一个主题，是用E弦奏出的，第二个主题主要是用A弦奏的；而俄罗斯作曲家里姆斯基-柯萨科夫的《舍赫拉查德》交响组曲第三乐章，标题是“青年王子和公主”，其中第一个主题是王子主题，抒情歌唱性的旋律共二十小节，由第一小提琴和第二小提琴齐奏，前八小节用D弦奏出，后十二小节用G弦奏出。贝多芬的《小提琴协奏曲》第三乐章开头生动活泼的回旋曲主题，先由独奏小提琴在G弦上奏出，然后移高两个八度，再用E弦奏出，音色从浑厚变而为清丽，前后形成了强烈对比。
小提琴的演奏技巧极其细致多变。单是富有特色的各类弓法技术就非常多彩。它的主要弓法有下面几种：下弓，弓子由上到下地擦弦，反之是上弓；连弓，一弓连贯地拉出许多音；顿弓，用上半弓一弓一音地拉出短促的重音；跳弓，用弓的中部演奏顿音，一弓一音，弓子好象在琴弦上跳跃；抛弓，用上部三分之一弓，每弓二音或三音，自上而下，轻轻抛动，拉出半顿音；滚弓，弓子在四根弦上快速地滚动，演奏分散和弦。
小提琴除了多种多样的弓法技术外，还可以奏出各种和声。同时奏出两个音的，叫双音。它还可以奏出三个音或四个音的和弦，但实际上真正同时奏出的只有两个音，其余的音是很快地紧跟着奏出的。小提琴的滚弓可以奏出分散和弦（各个音按照由低而高或由高而低的次序先后奏出），如门德尔松的e小调小提琴协奏曲第一乐章中，独奏小提琴在展开部的末尾演奏了一个短短的华彩段（协奏曲中单独由独奏乐器演奏的段落，常常包含华丽的演奏技巧），就是由分散和弦和颤音构成的。
小提琴上还有一种创造特殊色彩的技术，叫做泛音。当手指轻轻碰在空弦的正中，而不按下去时，空弦分两个部分振动，发出比空弦高八度的、象长笛一般的音，就是泛音。当手指轻轻碰在空弦的三分之一的地方时，空弦就分三段振动，发出比空弦高十二度的泛音；当手指轻轻碰在空弦的四分之一的地方时，空弦就分四段振动，发出比空弦高十五度的泛音（十五度也就是两个八度）。其余依此类推。这种在空弦上发出的泛音，叫做自然泛音。另外还有一种泛音是用左手的食指把弦按下去，同时用小指轻轻碰在弦上，就可以发出比食指按弦发出的音高十五度的音，叫做人工泛音。柴科夫斯基所作的《D大调小提琴协奏曲》第三乐章的第二个主题再现时，有一个乐句同小提琴用人工泛音演奏，音区很高，音色特别清脆，象吹口哨一样。
中提琴（Viola）的琴身比小提琴稍大，也是按五度调音。四根空弦比小提琴低五度。音色不好小提琴光辉明朗，但比较柔和浑厚。如果把小提琴比做女高音，则中提琴就是女低音。中提琴的演奏方法和小提琴基本相同。常用于重奏和管弦乐队，也用于独奏。
大提琴（Cell）的琴身比小提琴要长一倍，它的四根空弦比中提琴低八度，声音更为坚实丰满，高音区的音色壮丽，象富于英雄气质的男高音。由于大提琴有着美妙动人、真挚传情的音响，常被作为独奏乐器，在重奏和管弦乐队中也是一种重要乐器。柴科夫斯基第六交响曲第二乐章第一主题，是五拍子的圆舞曲，旋律柔美优雅，就是由大提琴奏出的，听来感人至深。贝多芬第九交响曲第四乐章《欢乐颂》主题最开始就是从乐队深处由大提琴和低音提琴用喑哑的声响奏出，没有任何伴奏。
低音提琴（DoubleBass）也叫“倍大提琴”，是体积最大、音域最底的弓弦乐器。有三根弦或四根弦，空弦相隔五度或四度，发音深沉雄浑，犹如男低音。常担任乐队中总的音响的低音基础。在管弦乐中占有很重要的位置。低音提琴通常演奏低音声部，但有时也演奏旋律。例如法国作曲家圣桑所作《动物狂欢节》组曲中的第五曲《象》，由低音提琴奏出低沉雄健的旋律，描写大象的庄重的步态，是很能传神的。
以上简要地介绍了小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴四种弓弦乐器。在管弦乐作品中，两种或两种以上不同的弓弦乐器齐奏一个旋律，可以使旋律加强力度，加深浓度，并丰富其音色和表现力。如贝多芬的第五交响曲第三乐章中间部分一段舞蹈性旋律，起先由大提琴和低音提琴齐奏出来，音色深沉雄浑，这一段音乐被柏辽兹称之为“一只欢乐的大象在跳跃”，然后这支旋律又由中提琴和小提琴奏出，依次转到弦乐中音部、高音部，最后又回到低音部再次重复一遍，这样反复在弦乐各个声部上反复演奏数遍，表现了一种真正的喜悦情调。在柴科夫斯基第六交响曲第一乐章中，第二主题富于柔情的歌唱性旋律，由加弱音器的第一小提琴和大提琴相隔八度齐奏，抒发出一种宽广而深厚的感情。
弓弦乐器是管弦乐队的骨干乐器。在管弦乐队中，弓弦乐器共分为五个声部，即：第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。有时为了获得精致细腻的音响效果，各种弦乐器又都可以分为更多的声部。弓弦乐器有时也可以拨弦演奏，以取得特有的音响效果。乐器愈大，拨弦所发出的音愈是宏亮。由斯特劳斯兄弟作曲的《拨弦波尔卡》就是有名的弓弦乐拨弦音乐。弓弦乐器还可以加上弱音器使音量减弱，同时也使音色变得暗淡。乐器愈大，强弱音器的效果愈不明显；因此，低音提琴通常不加弱音器。小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》末尾处再次由小提琴加上弱音器奏出爱情主题，给人以悲剧后的苍凉感觉。
弦乐器除了弓弦乐器以外，还有拨弦乐器。管弦乐队中常用的拨弦乐器，只有竖琴（Harp）一种。竖琴是一种竖立的三角形的大型拨弦乐器。有四十六根弦，按照降C大调的音阶排列。下面有七个踏板，控制七种不同音名的弦，每个踏板可以使它所控制的弦升高半音或全音。竖琴是用两手拨奏的，音色清朗如水。最富于特色的奏法，是急速地先后奏出同一和弦中的各个音，称为琶音。柴科夫斯基的舞剧《胡桃夹子》第二幕第三景中的《花的圆舞曲》有一段美妙动人的竖琴独奏，弹奏的就是琶音。竖琴在乐队中常常作为伴奏乐器，尤其是和长笛或小提琴等乐器相结合时，音色最为和谐。竖琴也象钢琴一样，可以演奏音域宽广的多声部乐曲。它不仅是一种乐队乐器，同时也是一种表现力相当丰富的独奏乐器。
小学生必读名著有：
1、《十万个为什么》：是少年儿童出版社在20世纪60年代初编辑出版的一套青少年科普读物，最新版本是第六版，第六版总主编是韩启德。50年来，这套书先后出版了6个版本，累计发行量超过1亿册，是新中国几代青少年的科学启蒙读物，已经成为中国原创科普图书的第一品牌。
2、《伊索寓言》：《伊索寓言》中收录有300多则寓言，内容大多与动物有关。书中讲述的故事简短精练，刻画出来的形象鲜明生动，每则故事都蕴含哲理，或揭露和批判社会矛盾，或抒发对人生的领悟，或总结日常生活经验。
3、《天方夜谭》：《天方夜谭》又名《舍赫拉查德》这一组曲取材于著名的阿拉伯民间故事集《一千零一夜》（即《天方夜谭》）。
4、《爱的教育》：全书采用日记体的形式，讲述了一个叫安利柯的四年级小男孩的成长故事，因此书名又叫《一个意大利四年级小学生的日记》。内容主要包括发生在安利柯身边各式各样感人的小故事、父母在他日记本上写的劝诫启发性的文章，以及老师在课堂上宣读的精彩的“每月故事”。
5、《今年你七岁》：《今年你七岁》就其主题内质来说，承袭了作者的一贯风格，力图刻画一个小小男子汉。
1、RCA 莱纳指挥芝加哥交响乐团美国第一版
2、RCA LIVING STERE0 莱纳指挥芝加哥交响乐团（09026-68168-2）美国第一版
3、PHILIPS 孔德拉申指挥阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团（PHCP24032）24/bit日本限量版
4、PHILIPS 康德拉辛指挥阿姆斯特丹管弦乐团（400 021-2）德国第一版
5、EMI 罗斯特罗波维奇指挥巴黎管弦乐团（ 5 65715 2 ）
6、EMI 比彻姆指挥皇家爱乐乐团（5 66998 2）（比EMI老版音效要好很多）
7、DECCA 安塞美指挥瑞士罗曼德管弦乐团（443 464-2） 这个曲目最著名的一个录音当然要数莱纳指挥芝加哥交响乐团在1960年的录音，唱片编号为LSC-2446，录制于1960年，这张唱片入选TAS唱片榜。
无论是LP或者CD玩家，这是发烧友们最多人选择的一个版本，如果第一次买这个曲目，这个版本无疑是首选。这个版本以凌厉的动态，宽广的音场，坚实的低频，高度整齐划一的乐团著称，尤其是铜管部的表现可以说是“天下无敌”，绝对是莱纳时代芝加哥交响乐团的最高水准的示范级演出。
最精彩的要数第四乐章，莱纳带领芝加哥全力以赴，掀起阵阵滔天巨浪，芝加哥独步天下的“招牌菜”－－铜管部，技巧辉煌灿烂，连极难演奏好的十六分音符粒粒清楚。因为效果实在出色，尤其是撞船这段全曲最高潮处更是惊天动地，所以这个乐章也自然成为很多发烧友专门用来试机的片段。这张唱片的录音是RCA“阴影狗”的典型风格，音色厚重温暖，低频能量充沛，场面宽广；而更为难得的是这张唱片乐器质感好得惊人，由RCA公司在美国本土录制的“阴影狗”有好多好录音，但能出这种弦乐质感的唱片却不常有。
莱纳的演绎方式强悍有力，激情澎湃，但笔者觉得整体线条稍“粗”了些，作品中丰富的管弦乐色彩表现不够突出，而最明显的不足是这个版本小提琴首席Sidney Harth的表现太一般，和乐团的高水准表现不太相称。录音师是Lewis Layton，录音上可以说是无懈可击。
需指出的是RCA“阴影狗”的电平比其它几个版本要高一些，大家在作版本对比时应该要留意一下音量的控制，这是常被忽略又对效果有很大影响的细节。
这个版本因为实在太受欢迎，曾经再版过多次，市面上常见的LP版本有60年代的“阴影狗”头版和“白狗”二版，80年代初的05速版，90年代中期的Classic Records 180克版和现在仍在发行的200克版。众多版本中，效果和价格都以头版最高，目前国内大约在1000元人民币左右，但很难找到状态满意的，所以见到价钱很有吸引力的头版先不必惊喜，还需仔细确认状态，能先听后买较保险。如果找不到满意的头版，180克版效果也很好，现在价格大约在600元上下；不过200克版的品质和180克版相比差距就大了些，不但声音发蒙，而且杂音较明显，不过胜在价格只需两百多。坊间曾经有传闻说二版“白狗”效果比头版“阴影狗”更好，但笔者曾经听过两者的对比，不能接受这个说法。
很多“阴影狗”的05速版口碑不俗，但这个录音的05速版就实在一般，音色质感尚可以接受，但低频量感和下潜明显不足。第二张要介绍的版本是比彻姆指挥皇家爱乐，唱片编号为ASD251，这张唱片录制于1958年，R2D4、企鹅三星带花双料名盘，我们都知道R2D4是发烧录音的权威代表，而企鹅三星带花则是均衡诠释见长，因此一张唱片能够同时获得R2D4与企鹅三星带花两种截然不同美学系统的青睐，自是十分难得。苏丹王一开始的威严恫吓极具震撼力，接着比彻姆爵士以偏缓的步调，优雅浪漫而有点吊人胃口地铺陈出来，弦乐群的质感密度极高，尤其小提琴主奏Steven Staryk表现可圈可点，带着该声部紧密地与比彻姆充满舞蹈感的节奏行进。
第二乐章开头各木管部的solo表现得自由度高而自信的挥洒，令人印象深刻，是这个版本的亮点所在。一、二、三乐章的步调都相当同步属于中板偏缓的感觉，第四乐章低音弦乐部展现稳重的推动力，小号领奏的紧密度略差，毕勤版整体来说并非“能量充沛型”，而是充满人文味道的潇洒表现。
比彻姆的操控乐团的风格不像莱纳这么严谨，反映在演奏中可以感到乐手们较轻松和随意，除了第一小提琴手外，皇家爱乐的表现尚未达到芝加哥的水准，这个版本以第二乐章表现最佳。当然Christopher Parker在Kingsway Wall的录音当然也说明了本片荣膺发烧名盘的道理。就收藏角度来说，此版当然是首选之一。这张头版“白金狗”国内市场价应该在500元之内，在本期介绍的各个版本的头版中应该是最便宜的一款了，一张大师演绎名，有多项获奖头衔，名贵“白金狗”标志的头版唱片可以用这样的价钱购得，很难有拒绝的借口。市面上还有200多元一张新版可买，不过价格和头版差距不大，但效果相差较多，除了一些坚持一定要听全新唱片的爱好者外，新版吸引力一般。
第三张要介绍的是近期二手市场上较为红火的PHILLIP孔德拉申指挥皇家阿姆斯特丹管弦乐团版，这张唱片录制发行于1980年，编号为：9500 681。
这张唱片几年前价格大约在200元之内，然后大约在2005年前后的短短一年间暴涨到800元左右才稳定下来。对于这张唱片的演绎和录音的评价一直有些争议，喜欢这个版本的发烧友对它的评价很高，认为这个版本全面而且均衡，声音有阿姆斯特丹音乐厅的特有效果，总体和RCA莱纳不相上下；不喜欢这个版本的爱乐者则批评这个版本个性不足，乐器质感不够真实，声音不够通透。我们不妨从演绎，乐团和乐手水准，录音效果几个方面来和RCA莱纳指挥芝加哥交响乐团的版本来比较一下。
孔德拉申作为前苏联的指挥家，演绎俄罗斯作品本来就给人一种“正宗”的感觉，和莱纳的演绎相比，“爆棚”乐段阳刚之气稍输给莱纳，但比起本文中介绍的其它名版还是更凌厉一些；不过对于那些温柔抒情的章节，康德拉辛的演绎就无疑更多出很多一些细腻。康德拉辛首次为西方世界认识时，他的指挥手法就以大胆的弹性速度，强调对比而令西方古典音乐评论感到惊诧，在指挥《天方夜谭》时他同样表现出这样的特点，这样的演绎方式使这张唱片做到细腻与粗犷，阴柔与阳刚兼顾。在乐团表现方面，芝加哥的铜管部遥遥领先，两者的弦乐群表现就各有千秋，芝加哥表现出的是斩钉切铁式的整齐，凌厉而且鲜明；阿姆斯特丹则不同弦乐组整体音色的高度融合，尤其是在第三乐章，弦乐群的效果让人流连忘返。在首席小提琴手上比较，皇家阿姆斯特丹的首席是鼎鼎有名的Herman Kerbbers，他的表现就比芝加哥的Sidney Harth好太多。在录音方面，两个版本的音场表现都非常出色，莱纳版更广阔，不同乐器组之间分隔清晰一些，而康德拉辛版则有较佳的自然空间混响，乐器交织较为绵密。两者的音色和音质差异更明显一些，莱纳版细节突出一些，较为清晰有力，而康德拉辛版更强调甜美和密度感，很有“胆味”。相比之下觉得，如果系统分析力一般，康德拉辛版的效果会大打折扣，或者说孔德拉申版不太适合用低档系统去评价录音的得失。这张LP唱片在重播时有两点需要留意，一是因为碟基较薄，对于一些对VTA变化较为敏感的LP系统，在播放时需要稍降低一些唱臂高度，尤其是以180克甚至200克唱片为基准调整的LP系统，否则平衡度会有所改变；第二是这张唱片的电平略低于RCA莱纳版，两者对比时音量需稍加大一些，如果用重播RCA莱纳版的电平来听，PHILLIP康德拉辛这张的弱音细节会有损失。
在市面众多《天方夜谭》的LP唱片版本中，如果以价格来衡量，无疑以DECCA公司出品安赛美指挥巴黎管弦乐团这张最具收藏价值，编号为SXL 2086。很多发烧友都知道DECCA有录制安赛美指挥瑞士罗曼德交响乐团的《天方夜谭》，封面是一幅拼图面具，所以见到本文介绍这张唱片时可能会觉得为什么封面有所不同。
其实安赛美在DECCA录制过两次立体声的《天方夜谭》，第一次在1958年，当时指挥的是巴黎管弦乐团，本文介绍的正是这一版。因为现在市面上的CD只有后来指挥瑞士罗曼德的版本，很多发烧友都不知道有指挥巴黎管弦乐团的版本存在。先不论个人的喜好问题，这张LP可以肯定是目前市面上最昂贵的《天方夜谭》，两年前国内价格就超过2000元，而且价格高还算了，这张唱片还很难找得到。后来指挥瑞士罗曼德的版本价格就便宜一些，目前应该在1000元之内。前文在介绍作品背景时曾经提到，这部作品并非“叙事”，而是通过音乐展示场景，作曲家通过高超的配器手法使作品表现出极其丰富的音色变化。对于这部作品这个最重要的特点，有指挥家中的“色彩大师”美誉的安赛美对这部作品的音色把握可以说是无人能及，他把这部作品千变万化的音色充分表现出来，在市面上多如牛毛的《天方夜谭》的录音中，这张唱片最符合作者创作这部作品的目的－－“向听众展示一个富于东方色彩的万花筒般的神奇世界”。《天方夜谭》是否越“爆棚”越好？因为安赛美的两次立体声录音都不“爆棚”，所以他的《天方夜谭》常受到忽视。虽然对音乐作品各人喜好和理解各不相同，但笔者觉得《天方夜谭》并不是一部**的配乐，玩得“爆棚”当然会让人觉得过瘾，但对于表现原作的意图方面，音色的变化才是成败所在。笔者也曾听过一些现代新录音的《天方夜谭》，通常这些版本都会强调惊天动地的强烈动态，充分发挥现代数字录音技术的优势，但“爆棚”之余却没有一个版本能表现出安赛美棒下的音色变化来。演绎这部作品时，如果过于追求火爆的效果，很容易就出现铜管乐器掩盖了木管和弦乐的现象，这时这些乐器一些微妙的变化就不太容易被发现了，安赛美无疑非常清楚这一点，所以即使在乐曲最高潮时，他都要求保持乐团整体的清晰感。而且为了保证这种音色变化的效果，安赛美显然刻意压制了低音乐器而避免声音产生浑浊感。当时巴黎管弦乐团的首席Pierre Nerini技艺不凡，他在独奏时琴声表现出一种女性的诱惑效果，更大大增加了这个版本的可听性。而且这个版本还有DECCA的高质素录音作保证，空间感十分自然，细节清晰，安赛指挥乐团营造出来的丰富音色变化能准确表现出来。在重播时大家需要注意的是巴黎管弦乐团当时所使用的摆位是旧时的摆位，和现在传统的摆位有所不同，不必怀疑是否自己的系统左右反相了。
安赛美后来指挥他自己的“亲兵”瑞士罗曼德又录制了一次这个曲目，不过可能是和当时的巴黎管弦乐团相比，瑞士罗曼德乐团实力上还是有一定的差距，所以同样的指挥，基本相同的指挥手法，同样的唱片公司录音，后来这一次虽然已经非常出色，但还是没能达到第一次的水平。印象中巴黎管弦乐团在60年前后的所有录音都非常出色，尤其是铜管，表现比70年代后的好得多。
最后想向读者推荐的是一个演绎方式较为特殊的版本，是DECCA公司1964年的出品，由斯托科夫斯基指挥伦敦交响乐团，编号为PFS4062，属于DECCA的四相位系列。这张唱片可能是斯托科夫斯基最贵的一张唱片了，目前市场价格超过1000元。
这是一个被评价为“著名而又声名狼藉的版本”，因为大家DECCA四相位录音的效果褒贬不一。所谓四相位录音源自这个系列的英文“phase 4 steoro”即四相位立体声，实际上与相位没什么关系，也不是四声道。这个系列由1962年开始推出，所使用的录音技术和DECCA公司常用的使用DECCA树的单点录音方式不同，它使用多点录音，使用多达20路的录音台，并使用了DECCA开发的“声像分配器”，这样录音后录音师可以根据需要调整各声轨在音场中的位置，然后再加入人工的混响以得到空间感。这项技术如今早已普及，但在60年代初期，这是一项非常先进的技术，这种技术和传统的三话筒录音相比，可以捕捉到更多哪些本来距离话筒较远距离乐器的细节，使录音过程可以克服很多环境等的不利因素。斯托科夫斯基对新的录音技术一向非常支持而且积极参与，在四相位系列的唱片录制过程中，他亲自指出录音中要强调和突出的声部，指导录音师按照他的构想去完成录音的制作。至于声音效果，这个系列得到的评价差别很大，在美国和日本对这个系列评价较高，而英国本土则反而较为抗拒。简单来说，这种录音技术的好处是细节较为清晰，不足之处是声音不够自然。
DECCA公司虽然率先开发出多点录音技术，但一直坚持使用原来的DECCA树录音方式，反而是其它唱片公司在后来很多都逐渐放弃原来的双话筒和三话筒录音，转而采用多点录音。在演绎方面，斯托科夫斯基当然为作品注入了强烈的个人风格，尤其是木管乐器的表现自由而生动，弦乐的非常结实，小号也热力四射，独奏小提琴艾里克·古恩博格的音色华丽。但非常令人意外的是，斯托科夫斯基在第四乐章并不算火爆，虽然演绎得热力很足，但绝对没有莱纳和康德拉辛版宏厚坚实的低频，这点倒是不太符合斯托科夫斯基一贯的风格。看来对这部作品，斯托科夫斯基的解读还是比较接近安赛美的观点。
推荐讲解与试听：
http://wwwhongencom/art/gdyy/amqbl/ga41701htm
《天方夜谭》又称《舍赫拉查达》交响组曲写于1888年，它取材于阿拉伯神话故事《一千零一夜》中个别的、互不相关的片段和画面。全曲共分四个乐章：第一乐章，描写海洋和勇敢的探险家辛伯达在海上与狂风巨浪搏斗的经历；第二乐章，叙述太子卡连德尔所经历的惊险故事；第三乐章，描写太子戛梅禄和公主白都伦的故事；第四乐章，描写巴格达的节日和辛伯达的航船触礁沉没的情景。初版乐谱上有简单的提示，再版时作者把各段的标题删去，以便让听众有充分的自由根据个人的想象去理解乐曲的内容。这部作品在和声与管弦乐彩的运用上有不少可以借鉴的地方。
《舍赫拉查达》：俄国作曲家里姆斯基一柯萨科夫的交响组曲Op．35（1888年作），是俄罗斯标题交响音乐的杰作之一，取材于《天方夜谭》中的故事。
此曲共分四个乐章：
第一乐章：海和辛巴达的航船；第二乐章：卡连德尔王子的幻想故事；第三乐章：王子和公主；第四乐章：巴格达的宴会和毁在青铜骑士礁上的航船。本课节选的是第一乐章。
第一乐章采用奏鸣曲式结构。
引子：e小调，是苏丹王主题，低沉而威严，由全部弦乐和单簧管、大管、长号、大号奏出。
接着是木管组和弦延续，之后，在竖琴的伴奏下，独奏小提琴奏出了主人公舍赫拉查达的主题——一个富有浓郁东方色彩的美妙旋律。
呈示部的主部主题（海的主题）在大提琴和中提琴同定音型的伴随下，展现了波浪滚滚的大海景象。
本乐章有两个副部主题，第一副部由长笛和木管呼应吹出，旋律流畅、节奏平稳，是水手辛巴达和他的小船的音乐主题。
第二副部来自舍赫拉查达的主题。
展开部描写辛巴达的航船与海上风暴的搏斗，音乐由呈示部的主题自由发展而成。再现部由两小节的引子引入，其主题是主部主题和副部主题的结合。
尾声是“海的主题”的变形，长笛和双簧管吹出，旋律抒情，音响低弱，暗示辛巴达的航船驶向远方……
附录一：
交响组曲:
交响组曲是交响乐队演奏的组曲音乐的发展较丰富,复杂,每个乐章的结构也较大,已接近交响曲交响组曲常常是标题性的内容并与一定的文学作品有关典型的代表作为:<舍赫拉查达>这首交响组曲用总的标题把各个乐章组合在一起,又将音乐的主导动机贯穿于各乐章,音乐主题的处理极其灵活同一主题及其变形在不同乐章中表现了不同形象,动作和画面然而作曲家并无描写具体故事情节的意图,作者希望听众所得到的印象”应该是一篇千奇百怪,变化突忽的神话所组成的东方故事”而不仅仅只是四个连续奏出以共同主题为基础的乐章其他著名的交响组曲还有格罗菲的<大峡谷>等
附录二：
里姆斯基•柯萨科夫(1844~1908):
俄罗斯强力集团成员之一12岁入彼得堡军士官学校学习,毕业后,航海三年1871年在彼得堡音乐学院任教授,培养了许多作曲家,并在著书立说及社会活动等方面很有成绩,其作品富有鲜明的民族风格,他的旋律很富有特色,配器精彩,善于描写景物和刻画人物形象,被誉为”海的风景画家”主要作品还有:<萨丹尔王的故事>,<萨特阔>等15部歌剧及<西班牙随想曲>,<金鸡>等交响音乐作品 里姆斯基•柯萨科夫在理论方面的影响很大,<和声学实用教程>,<管弦乐法原理>等至今还作为世界上许多音乐院校的教科书
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