如何评价普罗科菲耶夫第二第三钢琴协奏曲

你如果会弹钢琴就明白了。

普罗科菲耶夫第二钢琴协奏曲、拉赫玛尼诺夫第三钢琴协奏曲、勃拉姆斯第二钢琴协奏曲，是世界上最难的三首协奏曲。

它有四个乐章，除了第二乐章以外，每个乐章都有非常复杂的声部，不合理的大跳，完全不合手部生理的跑动指法，况且，

这些都是建立在极不和谐的音响关系下。

你如果有弹过，就会明白我说的这些对弹钢琴的人意味着什么。

10级水平可以弹拉赫马尼诺夫g小调。

拉赫玛尼诺夫《g小调前奏曲》是有左手快速跑动的段落的，加上总体难度更高，至少是肖邦练习曲至李斯特超级技术练习曲和帕格尼尼练习曲的程度。

拉赫玛尼诺夫是俄国19世纪末，20世纪初伟大的作曲家与杰出的钢琴家。他的创作风格始终继承了俄罗斯浪漫主义音乐的传统，柔美深邃的旋律、悠长宽广的气息、反映出那个时代俄国知识分子的内心情感。

世界最难钢琴曲排行榜                                                    

1．排名第一：

Piano Concerto No2 in B sharpminor,Op16-----Prokofiev

《第2钢琴协奏曲》----普罗科菲耶夫

       普罗科菲耶夫第二钢琴协奏曲，G小调，OP．16，作于1913年，因当时同班好友斯密特霍夫自杀，故此曲呈献给斯密特霍夫，因原谱丢失，普罗科菲耶大1923年凭记忆再整理而成。

       此曲1913年8月23日由普罗科菲耶夫主奏而首演。首演时，因为一直是节奏的激烈敲击与不协和弦的连续，曾遭许多人退席谩骂。多数报道称：“这种未来的音乐，送给魔鬼去吧。我们是来享乐的，我家的猫也会弹这种音乐。”而当时贾吉列夫正是听完此曲而邀请普罗科菲耶夫为他创作舞剧音乐，批评家卡拉蒂吉则称：“我确信10年后，听众会给这位年轻作曲家的天赋，报以相当的掌声来为昨日冒失的嘲笑赎罪。”

此曲共4个乐章：

第一乐章：小行板，G小调，奏鸣曲型的自由形式。

      呈示部以弦乐拨奏和单簧管2小节序奏作引导，钢琴左手弹分散和弦，右手出现充满忧愁的第一主题。主题在木管与钢琴间一来一往后，移至快速音群。第二主题为小快板，钢琴弹出第二主题后，不断展开华丽的音型。移至长笛与双簧管、长笛与单簧管后，稍慢一点，以乐队合奏结束呈示部。发展部以钢琴在大提琴震音背景上展开第一主题华丽发展始，以快速达到高潮，平静之后再现部钢琴一出现第一主题立即结束。

第二乐章：谐谑曲，活泼地，D小调，三段体，为快速进行的托卡它型乐章。

       第一段一开始就以强烈的钢琴主题为中心，弦乐拨奏，管乐作滑稽音型夹在中间。中段是伴奏的乐队不断奏跃动性乐念，钢琴不断继续托卡塔音型。

第三乐章：间奏曲，温和的快板，三段体。

       第一段以乐队沉重步伐似的序奏始，钢琴进入作华丽发展。中段小提琴拨奏出明确主题并加以发展，钢琴一再奏滑奏音型，乐队与之交替，构成优美的音色效果。第三段把第一段要素作各种不同变化。

第四乐章：热情奔放的快板，G小调，A—B—C—B—A结构。

       A以钢琴与长笛呈示自由奔放的旋律始，钢琴以敲击手法进入，与弦乐拨奏形成对比。B速度转慢，钢琴敲出一半和弦后，单簧管、低音管、大提琴奏出平易的俄罗斯风格的D小调旋律，钢琴继承后再交给低音管、双簧管，圆号又以逆行。C速度转快而进入快板，长笛与弦乐拨奏造成音型交叠，乐队咆哮和钢琴和弦构成高潮。平静后，在沉重的和弦后，钢琴独奏华彩，B段要素再现，到行板趋于平静，又变成快速音群，钢琴冥想性独奏。然后乐队形成尖锐的音响，回到热情奔放的快板A段曲趣，最后进入C段要素构成的短小终结部而结束。

2．排名第二

《Petrushka》Stravinsky                                  

《彼得鲁斯卡》斯特拉文斯基

《彼得鲁斯卡》原为管弦乐曲，后来改编为钢琴曲，献给鲁宾斯坦。难度极高，沈文裕在英国演奏难度极高的《彼得鲁斯卡》时,当地的《当代音乐厅》杂志称赞他“技巧高超,音色变化之丰富,甚至超过了波里尼(著名钢琴大师)。”

    第一乐章，俄罗斯舞：有节制的快板，C大调：    强烈而欢快的旋律具有明显的俄罗斯风格，主部主题为欢快的和弦，副部主题为颗粒性的G大调旋律。两个主题互相交织、变奏，难度越来越大，最后在强有力的和弦中结束。此乐章难度很大，技巧分别是快速地大和弦、高难度的触键、八度跳跃、大跳、三度、八度旋律。 

  第二乐章，彼得鲁什卡的房间：第二乐章跌宕起伏，时而诙谐、时而优美，旋律很滑稽，一会快一会慢，技术性极高，演奏这一乐章需要以下技巧：八度、触键、双手交替、震音、三对八、装饰音、快速音群、大跳、八度颤音、保持音+三度跳音、四对六、八度跨越、和弦震音、重复和弦。

       第三乐章，忏悔节，生动的，D大调：第三乐章的旋律优雅而欢快。第一部分为6/8拍，一直以双音为主，旋律平静、纯洁；第二部分为3/2拍，D小调，小快板，有大量装饰音，旋律非常活泼、生动；第三部分为4/4拍和6/8拍，先是激烈急促的和弦，后半部则在C大调上再现了主部主题。第四部分为激烈而欢快的舞曲，2/4拍或6/8拍，有A大调、C大调、降E大调及降A大调，最后以一段超长滑奏结束全曲。本乐章所需技巧：震音、三度、八度、双手交替、大跳装饰音、大跳、快速和弦、和弦震音、装饰音、保持音+重复三度、快速音阶、滑奏、重复和弦、保持音+震音、重复音、八度跨越+大和弦、八度跳跃、和弦大跳、触键技巧、切分音、双手交替震音。

3．排名第三

Variations on a Theme from“Carmen”—Horowitz

卡门主题变奏曲---霍洛维茨

       3/4或2/4拍，小快板，E小调卡门主题变奏曲是著名近代钢琴家霍洛维茨改编的炫技曲，先奏主题，再由主题进一步扩展，并将难度、技巧一次一次的加深。旋律轻快活泼，技巧亦十分的艰深，下面是本曲所有的演奏技巧：

触键、装饰音、三度、三度装饰音、大跳、保持音、不规则经过和弦、半音阶、切分六度、和弦跳音、快速和弦、大跨三度、超快不规则琶音、超快音阶、和弦大跳、双手交替+八度半音阶、和弦+六度+三度+双手交替、单双音+和弦、和弦+三度+八度、重复三度+连续三度、和弦+大跳+三度。

4．排名第四

Grand Fantasia “La Campanela”S420---Listz

第一改编曲《钟声大幻想曲》----李斯特

       钟声大幻想曲是以帕格尼尼降B小调小提琴协奏曲为基础改编高难度炫技曲（不同于帕格尼尼大练习曲里面的那首《钟》）。

       引子以柔和的行板开始，主题分别以行板和快板呈现，前者非常柔和，后者则富有幻想性；短暂平息后，突然速度加快，急促的三十二分音符，震音和快速音群，足以让人眼花缭乱，直到最后演绎成急板，在激烈的八度中直接进入“钟”主题；主题在A小调上呈示，活泼的跳音跟练习曲“钟”非常相似，主题在A小调基础上不断演变，最后生动的结束；接着开始了以“钟”主题为基础的变奏曲，演奏者此时也必须开始炫技，各种涟音、装饰音、双音、和弦不断反复，还有很多大跳，对手指考验极大；终结部是全曲最难的部分，演奏者以极快的速度进行着颤音、双音重复音、音阶，当然都是由主题发展而来的，最后达到高潮，全曲以激烈的急板结束。

5．排名第五

“Oriental fantasy”---- Balakirev

《东方幻想曲》----巴拉基耶夫

       巴拉基耶夫是一位出色的钢琴演奏家，他弹琴都是凭记忆，从不看谱。

       他创作了一套技巧性很高的钢琴作品，最著名者，就是这首《伊斯拉美》。这首《伊斯拉美》作于1869年由尼古拉·鲁宾斯坦首演。这是一首极难演奏的作品，是巴拉基列夫1870年到高加索地区采风的产物，这部作品的副标题为“东方幻想曲”。

       其正主题是高加索达开斯坦地区勒斯基人的一种舞曲，激昂的快板；第二主题（仿佛是一个中段）则是巴拉基耶夫在莫斯科听一个歌剧演员演唱的一首歌曲的旋律。

       这首作品为三段体：先是主奏，表达主题。主题是一段颗粒性的音群，非常明朗、愉快，奏出主题后是降B小调副部主题，然后是一段升C小调的复杂音群，之后再现副部主主题，接着主部主题以激昂的八度再现；然后是中段，奏出D大调充满感情的小行板，其旋律非常抒情，之后主题加入了琶音，听着有一种自由奔放的感觉，但随后加入的快速音阶打破了这一宁静，旋律变得局促不安，第一主题再次活泼的出现，旋律一点一点被演绎着，难度越来越大，曲子突然转成了2/4拍，最后演绎成急板，结尾处以双手强有力的搏击结束全曲。

       这首曲子有很多高难度技巧，大量快速重复音及保持音，三度，大跳，双手交替和弦，琶音，跳跃和弦等等。因为其极高的难度，许多钢琴家把它当作一个挑战。

6．排名第六

Piano Concerto No 3 in D minor,Op 30----Rachmaninoff

第三钢琴协奏曲----拉赫玛尼诺夫，简称“拉三”。

       作于1908—1909年，完成于1909年9月，呈献给钢琴家约瑟夫·霍夫曼，1909年11月28日拉赫玛尼诺夫赴美国自己主奏钢琴首演。

       第三钢琴协奏曲以其浓烈的情感表达和艰深的演奏技术而闻名于世。该作品在钢琴协奏曲文献中占有重要的地位，被称为“钢琴协奏曲之王”。

       拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》表现了最坚毅的俄罗斯精神与最强大的生命力，而作曲家本人的人格力量，也在这部作品中也得到最充分的展示：“拉赫玛尼诺夫是用钢铁和苋金铸成的，钢铁是他的手臂，黄金是他的心灵。”这正是拉赫玛尼诺夫的音乐最珍贵之处。

     “拉三”被称为“世界上最难演奏的作品”是名副其实的。真实生活中的戴维在英国皇家音乐学院的教授西里尔·史密斯(Cyril Smith)，曾形容演奏一次“拉三”在体力上的付出等于“铲十吨煤”。1909年11月，拉赫玛尼诺夫本人作为钢琴独奏者在纽约首演时，也把自己这首协奏曲戏称为“大象之作”，以比喻其庞大与沉重。从各方面看来“拉三”都是作曲家的代表作“拉二”(C小调第二钢琴协奏曲)的延伸，但拉三”的演奏难度显然大大超过了“拉二”。

       这是让人思考的音乐，这是鼓舞人奋进的音乐，这是上帝的音乐。当然这也是悲惨的过去，无奈的现实，美好的憧憬。

第一乐章：Allegro ma non tanto（不过分的快板，D小调，4/4拍，自由的奏鸣曲式）

       尽管整个协奏曲的钢琴演奏部分难度令人生畏，但整曲的开端却异常的平和安详。弦乐与低音管轻柔的前奏让人联想到门德尔松的《小提琴协奏曲》。在这天鹅绒般的前奏铺垫下，钢琴以八度音程表现出俄罗斯民歌般质朴轻快的第一主题。这一主题深远绵长，在狭窄与蜿蜒之中渐渐扩大，荡漾着俄罗斯最为淳朴的风格。随后重心移到乐队，钢琴做装饰，纷繁复杂的音型，若颗粒般闪烁。之后是一段华彩，华丽的琶音结束了第一主题。

       短暂平息后，单簧管和圆号出现新的动机，弦乐浑厚的演奏中展现出一种安然和高亢，在乐团和钢琴轻盈的交织之中形成第二主题。尔后由钢琴独奏。抒情的降B大调第二主题和富有流动性的安逸和和煦巧妙组合，和乐队依稀成一种含蓄。而后主题转入降E大调，旋律动荡起伏。这种不做作的起伏后，第一主题再出现于乐队，较第一次更深沉也更暗涩。

      发展部，第一主题在各种调性中作变化，力度一点点渐强，好像有很多潜力在不断积聚、爆发，钢琴发出铿锵有力而坚定的搏击声，和乐队达到最高亢的音高，顶峰后，音色突然消沉，奏出宁静但显得忐忑不安的三度旋律。在几个略显诡谲的和弦后，钢琴以极快的快板进行华彩。

作者本人写作了两个华彩，其中，标记有“Ossia Cadenza”的华彩将第一主题以拉氏代表性的厚重和弦形式咆哮地奏出，难度相对较大，而另一版本的华彩则采用Toccata风格，轻快富于跳跃性，1909年此曲首演时，拉氏本人演奏的是Toccata版本的华彩。这两种华彩段虽然风格和长度迥然，但最后都回归为夹杂悲观情绪的和声，恢恢浩浩地消逝在孤寂的琶音之中。

       再现部极似华彩，回忆般婉美。钢琴柔和的奏出副部主题旋律，纯洁的旋律和华丽的琶音组合在一起，极为柔美。尔后柔美的旋律渐渐变的阴郁，音色渐渐消沉。

       最后的终结部，乐队再次奏出了第一主题，在钢琴和乐队变奏中，第一乐章静静的结束了。

第二乐章：Intermezzo，Adagio（间奏曲，柔板，A大调，3/4拍，间奏曲式，三段体。）

       间奏曲大量存在着与协奏曲第一主题的关联。第一段，乐团空灵和哀愁的暗示下，双簧管奏出凄婉而柔美的第一主题。

       在乐队凄美的衬托下，钢琴突然以三连音的狂想曲形式乐念加入，巧妙地转为降D大调，钢琴演奏出浪漫，和煦的音乐，些许孤独和寂寞，第一主题的旋律跌宕起伏，后来钢琴转入了升F小调直接把第二乐章带进中段。

       进入中段，左手展开半音阶的滑奏，右手为强有力的和弦，加以乐队的伴奏，第二主题已被演绎成一首辉煌的赞歌，淋漓尽致中饱含豪情和狂放。之后乐团又回到平静，仿佛夜晚般平静的主题突然变得迅速。

       音色转回A大调，钢琴灵巧的奏出如繁星般的旋律，小巧的快速音群如颗粒般。最后钢琴与乐团互相交替，乐队重现悲伤婉转的无声述说，音乐渐渐地消融。突然，钢琴发出强有力的搏击，带领乐队毫不间断地直接进入第三乐章。

 第三乐章：Finale, Alla breve（终曲，两倍速度，2/2拍，D小调，奏鸣曲式）

       整个乐章宛如七鬼附身，地焰扑于庭内，拥有来自地狱的最艰涩的技巧，也是全曲的顶峰。

在乐队迅猛的重复音背景上，钢琴奏出了D小调主部主题，具有节日的狂欢气氛。大量的重复音和快速音群之后，这个主题迅速的发展为一首强悍的进行曲，强拍上大和弦营造的蹬踏效果使人联想到了斯拉夫男性的踢踏舞。

       连接部在C大调上出现，是由大和弦构成的连续切分音，具有哥萨克风格。G大调副部主题则和前面形成明显的对比，它的特点是宽广而舒展的，具有歌唱性。

       紧接乐队引起的发展部，出现降E大调的谐谑曲风，钢琴志趣十足地浮动着，灵巧、诙谐的三度 旋律与优雅的琶音形成鲜明对比。之后钢琴奏出深厚而宽广的旋律，以诙谐的乐段作为跳板，深情地弹奏出宽广的和弦，尔后转入慢板，奏出第一乐章副部主题，抒情后渐渐开始不安，发展部主题疾风骤雨般再现，一段琶音后，动荡起伏的音乐开始归于平静。

       再现部从C小调上开始，乐队饱满的行进着。再现主部主题之后，连接部和副部分别在降B大调和F大调上再现，副部主题此时速度更快，有了舞曲的性质。乐队和钢琴和弦忘情交织中骤然停止，之后进入终结部。

       乐队节奏性地衬托中，钢琴进行铿锵的A小调八度急板，力度不断加强，在乐队抬升中全曲达到高潮，并由D小调转为D大调。

       终结部是精彩而辉煌的，在简短的华彩段之后，钢琴以四声号角，唤起了副部主题的乐团全奏，此时的副部主题已经变成了一首庄严而辉煌的颂歌，钢琴的强奏大和弦像钟声般敲响——这是所有钢琴协奏曲中最辉煌灿烂的瞬间，乐队和钢琴奏出高昂的抒情，致高的满足，或者是真正协奏曲的光辉。

       最后，乐曲速度转为急板，狂热的三连音从高音区倾泻而下，然后双手交替的快速华彩音型从低音区再次跃起。最后以乐队和钢琴强有力的和弦结束全曲。

7．排名第七

《死之舞》-------李斯特

"Dance of death"S126----Listz

       李斯特为钢琴和乐队所作的《死之舞》，作于1839年，题献给自己的女婿汉斯·吉多·冯·彪罗。

       此曲作于李斯特在意大利旅行期间。据说是他在比萨的寺院墓地“圣洁之野”看到奥卡纳的壁画《死的胜利》所得的灵感。此画描述代表死神的老妇人想把一群狩猎归途的盛装男女踩于脚下，而天使把一部分得救的运到天国，另一部分无法拯救的则由恶魔运到火山上，送入熊熊烈火。

       此曲是中世纪古老圣歌《末日经》的变奏曲。《末日经》长久一直在罗马教会的弥撒中使用。全曲难度极大，对钢琴家的耐力与对不同风格的把握有很大挑战。

共5个变奏：

第一变奏为中庸的快板；

第二变奏钢琴左手进行主题，右手奏六连音符；

第三变奏活泼地，谐谑曲风格；

第四变奏慢板，钢琴以卡农的方式开始，接着有一段华彩，后速度加快至急板；

第五变奏钢琴以赋格方式开始，接着有长大的华彩，然后变成谐谑的稍快板，钢琴在快速表达中形成华丽的结尾。

8．排名第八

Suite《Gaspard de la Nuit》M55---Ravel

《夜之幽灵》组曲——拉威尔

       《夜之幽灵》作于1908年，它是拉威尔根据贝朗特的诗歌而写的三首钢琴音诗：《水妖》、《绞刑架》、《幻影》，全曲结构像奏鸣曲的三个乐章，每首乐曲具有不同的音乐特色，《水妖》以旋律见长，《绞刑架》以和声取胜，《幻影》有极其复杂的节奏。它们构成一个整体，带有浪漫主义的神秘色彩。

水妖简介（最难的一个）

       传说中水中女妖经常诱惑青年成其配偶，这首乐曲表现水妖倾诉她的爱慕与幽怨之情。

拉威尔很重视旋律的作用，他曾对他的学生——著名的英国作曲家沃恩·威廉斯说过：“在一切有生命的音乐中，都有一个含蓄的旋律轮廓”。《水妖》的旋律极其动人，它在2/4、3/4、4/4、5/4节拍的不规则变换中自由歌唱，刻画出神奇浪漫的印象主义意境。

       音乐开始于两小节的引子，右手以缓慢的速度弹奏密集排列的三十二分音符增和弦，它在大三和弦及其半音之间不断交替、重复，力度轻柔，描绘出水波涟涟的迷人景象。

       在这个音型的背景上，左手奏出抒情悠扬的主题旋律，带着一种遥远的美妙情思：在这里，拉威尔对于旋律的处理手法十分微妙，乐句通过细微的半音变化不断移调，色彩明暗相间，恍惚迷离。旋律与伴奏在同一音区，左右手经常相互交织在一起，音乐在微波荡漾的水面上起伏跌宕。

       主题再现了，这时右手的增和弦音型不再拥挤在狭窄的音域里，它们跨越了三个八度，左手的旋律以八度的琶音奏出，宽广优雅，情绪激动起来。随后织体变化了，伴奏交给了左手，它以三十二分音符作华丽的级进上行和下行，其间时而插入密集增和弦的伴奏，右手的旋律带有典型的印象主义朦胧色彩：接着音乐的织体回到了最初，左手奏出一个新的旋律，气氛有点神秘：它的展开手法仍然是音区和伴奏音型的扩展。

       主题又一次出现，第一次是在移高大二度的位置上，第二次在移低小二度的位置。音型逐渐活跃起来，力度渐强，当右手奏出八度旋律，乐曲第一次达到 f 的力度，热情奔放。

随即音乐反复几次作大幅度的渐强、渐弱，象潮水般涌起又回落，最终掀起激情的高潮。双手在三十二分音符的琶音中进行，波涛滚滚，心潮汹涌。

       不久，音乐安静下来，力度极弱，但是波浪依然在隐约地翻滚着。主题再次诗意般地唱出，优美如画。

       尾声中，辉煌灿烂的双手琶音一度高涨，继而越来越弱，最后音乐在平静的微波荡漾中结束。

绞刑架简介

       这首乐曲的恐怖气氛受到诗人爱伦·坡的影响，描述了绞刑架上的尸首不断摇晃，抚弄着落日的寒晖。

     《绞刑架》的篇幅较为短小，速度缓慢，全曲从头至尾踩弱音踏板演奏，织体丰满，和声丰富，正如拉威尔对法国钢琴家佩勒穆泰所说：“演奏我的钢琴作品，脑子里首先要有乐队音响的想象。”钢琴家基尔·马尔舍克斯也说：演奏《夜之幽灵》中的《绞刑架》，至少需要二十七种不同的指触。

       音乐开始于右手八度同音反复的切分音型，这一音型贯穿全曲，单调呆板，象征命运的钟声，形象地制造出神秘可怕的气氛。在钟声里，左手以八度和弦奏响了主题，极其低沉：与此同时右手的织体也加厚了，音响十分饱满，它陈述了一次，接着钟声转到左手，右手奏出富于表情的旋律，仿佛是对主题的对答：它显得很凄凉、苍白无力，主题出现打断了它，在移高三度的位置上，它以双音再次与主题对答。随后音乐的织体加厚了，沉重的低音持续着，中声部交织着命运的钟声以及高声部的平行四度进行，高声部以丰满的和弦奏出主题的变形：中声部继续弹奏着单调的钟声，高声部与低声部和弦作反向进行。之后，织体逐渐变的单薄，最后只剩下钟声和单音的旋律：在不断的发展中，中声部时而奏出一个和弦，给音乐以色彩性的装饰，织体又一点点加厚，主题的变形再现了，此时它移低四度奏出。双手反向进行的音乐也再现了。最后，钟声回到了最高声部，左手奏出主题，力度很弱，音乐在孤单的钟声里结束。

幻影简介

       这首乐曲充满了热烈浪漫的情趣，生动地表现了奇异诙谐的幻影形象。

       首先开始于引子，左手在很低的音区轻声奏出三个音的动机，它贯穿于全曲的音乐中，是很重要的音乐素材：在短促的八分休止之后，右手弹奏和弦，左手伴之以快速的三十二分音符的同音反复，轻快活跃。接着，动机的三个音符分别在各个音区中陈述着，并引出一阵激烈的震音弹奏，它迅速地从 pp 渐强到ff，再作渐弱回到 pp ，很富有效果，此时音乐停止了。

在左手琶音的伴奏下，右手奏出了宽广歌唱的旋律：之后是一片不断反复的、烘托气氛的音型，活泼跳跃的音调出现了，它由引子的动机发展形成，以跳音演奏，十分可爱，它是乐曲中第一个重要的音乐形象：它在随后的发展中不断变化，最终形成快速进行的音流，音乐进入一个小高潮。

       宽广如歌的旋律再次富于激情地唱出。音乐进入富于节奏活力的段落，这是乐曲中的第二个主要音乐形象，开始力度很弱，双手奏出轻巧的跳音，其间带有短小的休止符，情绪欢快幽默：这个材料反复地展开，力度逐渐增强，音乐热情奔放。

       第一音乐形象又出现了，它进行了充分、大量的展开，逐渐将音乐推向高潮。

       接着是引子音乐的再现，它也有了很大的扩充。随之而来的是第二音乐形象，它的不断发展导致了全曲音乐高潮顶峰的出现，力度达到 fff ，那暴风雨般的热情令人想起李斯特的音乐。

音乐最后恢复了宁静，在一片轻柔的和弦中结束。

     《夜之幽灵》体现了拉威尔精湛灵活的作曲技巧，他一生都在追求技术的尽善尽美，对每一部作品都反复推敲、精心雕琢，不到极端完美决不罢休。他曾对其传记作者马纽埃尔说：“我的目标是技术完美，因为我确知这一目标永远无法达到，所以我要求自己不断向它靠近。”

9．排名第九

12 Transcendental Etudes S139 No5"Fuex Follet"—Listz

12超技练习曲之5《鬼火》----李斯特

       弗朗茨·李斯特于15岁时完成《12首超级练习曲》的模版，赠予恩师车尔尼。李斯特的《12首超技练习曲》是钢琴史上令人生畏的高难曲目。从技巧上看，李斯特的这12首作品难度过分艰深，仿佛是钢琴演奏艺术的象牙塔尖，即使在20世纪钢琴大师如过江之鲫的年代，也很少有演奏家敢于挑战。

    《鬼火》（Feux Follets）是其中的第五首，此曲内容单调，具有讽刺意，拥有高难的双音技术，需要演奏者极高的演奏技术。

       引子是一段上行音群和略带诡秘气氛的跳音，主题以双音旋律开始，第二次重复主题时加入了装饰音，听起来有点像舞曲，中段则以主题为基础一点点变奏，然后主题又在A大调上出现。诡异的跳音再次响起，接下来诡异的旋律变得更加局促不安，一点点渐强，像在吵架一样，最后达到高潮，然后一点点安静下来，“鬼火”烧完了。

      “鬼火”被拉赫玛尼诺夫称为“世界上最难的练习曲”。这首练习曲的重点在于小臂的灵活度，通常作为音乐会的高级曲目。

10．排名第十

Hungarian Rhapsody S 242 No9----Listz

《匈牙利狂想曲》第九号----李斯特

       本曲为降E大调，作于约1840—1847年间，标题为《佩斯城的狂欢节》，献给小提琴演奏家恩斯特，是19首《匈牙利狂想曲》中最难的一首。

       第一部分先以行板有力的奏出主题，庄严的旋律使人联想到虔诚的人们正在进行庄重的宗教仪式；经一段急速的华彩乐曲进入稍快的快板，旋律变的活泼，舞者开始了独舞，之后再度变成行板，人们开始宣誓、祷告，钢琴敲击出沉闷的和弦；而后转为稍快的快板，人们开始狂欢，他们又唱又跳，并且节奏越来越快，终曲为强烈的“弗利斯卡”，以急板与稍快的快板交替，巧妙地描写出人们狂欢的景象，全曲最终以激烈的急板结束。

（文章部分内容来源于网络，如有侵权请联络）

在挑选小提琴前，维罗尼卡（veronica）带大家解下小提琴的基本构造。

（提琴结构来自于网络）

小提琴由30多个零件组成。

       其主要构件有琴头、弦轴、指板、琴弦、琴码、腮托、拉弦板、面板、背板、侧板、音柱、音梁等。

       小提琴共有四根弦，分为：1弦（E弦）、2弦（A弦）、3弦（D弦）和4弦（G弦）。

     小提琴琴身由具有弧度的面板、背板和侧板粘合而成。维罗尼卡（veronica）小提琴的面板采用俄罗斯云杉，背板和侧板为枫木，琴头用整条枫木，指板为乌木。

     小提琴的音质基本上取决于它的木质和相应的结构，维罗尼卡（veronica）提琴能把发出的每个声音的基音和泛音都同样灵敏地传播出去。

       在了解小提琴的基本构造后，维罗尼卡（veronica）给大家整体的介绍一些如何挑选分辨小提琴的品质。

       首先我们从面板、背板、侧板、琴头、配件、油漆来辨别小提琴的品质，选一把物有所值的小提琴。

1·从面板上分析

      面板材质：大部分都用云杉木材制作小提琴面板

       面板对小提琴的音质起着很重要的作用，如果面板制作的不规范尺寸不精准会直接影响到琴的音质。

       一般的小提琴面板需要自然干燥6年以上为佳，如果时间更久就更好。维罗尼卡（veronica）的每把小提琴均使用3000多天以上自然干燥的木材。

挑选的时候观看表面，首先面板的表面不能有结疤、或者修补过松油，年轮清晰，年轮不能太宽，年轮之间的间距以均匀为宜，尽量不选择年轮宽窄不一的木材，面板上的镶线属于手工镶嵌，也有制琴工作室为节省成本用笔画线，以达到手工镶嵌的感觉，罗尼卡（veronica）提示购买者还需仔细辨别。

2·从背板上分析

       背板材质：槭科类枫木（品种很多，北半球温带地区都出产枫木，最好的也是阿尔卑斯山脉波斯尼亚地区的枫木。国内制作者常用产于四川）

小提琴背板同样也是很重要的，它和面板还有侧板组成了琴箱。小提琴背板和面板的木材都需要自然干燥几年甚至十几年才可以制作高品质的小提琴，背板木材要比面板木材干燥的时间还要长，因为背板干燥的时间慢，不易干燥。在挑选小提琴的时候一些人认为首先花纹深的琴，这也是可以理解的，谁都喜欢花纹好的背板，但是花纹好的背板声音不一定好，维罗尼卡（veronica）提示：背板的花纹不是挑选小提琴的唯一标准。

       价格低廉的小提琴的背板为贴皮粘合的，也是很容易分辨的。贴皮粘合的花纹一般大小一样，极其均匀清晰，天然的枫木木材花纹大小都是多少有一些变化。

       小提琴的背板分为拼板和独板，对小提琴的音质没有什么实质的影响，只是外观不同罢了，可根据个人喜好选择。

3·从侧板和琴头上分析

       小提琴背板、侧板、琴头这三个部位都是使用同样的木料

       小提琴侧板在烫弯的时候很容易弯折，特别是花纹较好的小提琴侧板，有可能没有完全弯折就会出现不圆滑，或者有裂痕。所以在挑选的时候观察侧板用手指捋一遍感觉一下有没有死弯，这种情况一般会出现在接近角的地方，然后再整体观察侧板有没有裂痕。

维罗尼卡（veronica）小提琴琴头为纯手工雕刻。

4·从指板上分析

       小提琴指板基本都使用乌木制作，在挑选小提琴的时候可以把小提琴侧过来，一手拿着中腰部位，一手拿着琴头，从琴头部位观看侧板是否有变形，如果有变形的现象，可能是因为这把琴的制作好以后存放的时间过长造成的；也有可能是因为指板的质量不可靠造成的。

5·从音孔和音柱上分析

       小提琴音孔也是观察一把小提琴的品质所在，音孔就像是人类的眼睛要秀气，修削的不完美会影响到外观。

       一把做好的小提琴，音柱和音梁是无法看到它的全貌，只能透过音孔看到局部。

6·从油漆上分析

      小提琴油漆主要是看自己的爱好，喜欢浅色或深色等等。维罗尼卡（veronica）提琴使用中草药调制的油漆，每把提琴需要30多遍反复上漆打磨，这样才可以让木材的纹理清晰明亮。

7·从配件上分析

       弦轴、指板、弦枕、弦板和腮托，常用乌木。除指板用乌木，其他可用枣木、红木等制作，国外也有采用巴西红木和欧洲黄杨木，这类木材也稀有昂贵。

       琴码对小提琴的声学性能有举足轻重的作用，琴码的选材和修削是提琴装配时的主要工作之一。

       常用的进口琴码有：AUBERT（法国奥伯特琴码）、DESPIAU（法国三棵树琴码）、TELLER（德国泰勒琴码）等

       小提琴的琴弦有尼龙弦、铝镁弦、钢弦等等。

国外琴弦品牌：Dominant、Vision solo同为奥地利Thomastik-Infeld厂牌制的小提琴琴弦、Evah Pirazzi

别名(绿美人)又被称(绿魔鬼)、Gold Evah Pirazzi 别名(金美人)又称(金魔鬼)，是绿魔鬼的进阶版本、Larsen、Peter

Infeld、Wondertone solo、Obligato 又称(红太阳)、Tonica

声明：本文所有提琴均为维罗尼卡（Veronica）系列产品实拍，维罗尼卡（Veronica）品牌对本文中所有提琴的拥有独家版权，严谨盗用！如需下载使用必须在下方标注：来自维罗尼卡（Veronica）品牌，否则维罗尼卡（Veronica）保留一切法律诉讼的权利。

本文作者：见习编辑

学习钢琴最重要2点，1，掌握弹奏基本功技巧，没有技巧就没有音乐，具体就是训练快速准确的音阶。还有快速和弦的训练。这些都是弹奏音乐最重要的基本功。。。2，掌握技巧之后就是音乐表现。要多方面提高音乐修养。。钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”，其基本功包括很多内容和方面。下面我结合自己的学习，就如何练好钢琴的基本功谈一些体会。

我认为，钢琴最重要的基本功，也可以说是“重中之重”是高抬指。所谓高抬指，就是在弹奏时尽量抬高手指的一种大幅度的关节运动。高抬指训练作为一种最基础的弹奏技巧，历来被钢琴师视为重中之重。如同武术高手一定要扎实的马步功底一样，一个职业琴手一定要有扎实的高抬指工夫，很多复杂的弹奏技巧均是建立在高抬指的基础之上的。我们进行高抬指训练的终极目的，就是要让习琴者的每个手指都学会如何在琴键上“正确地走路”。高抬指的正确与否直接影响到习琴历程中的每一步，因为姿势的正确性、肌肉的力量及各关节的协调一致性都建立在此基础之上。因此，把高抬指的训练比喻为婴儿学步，一点不为过。

高抬指的弹奏方法要求首先在琴键上摆好手型，做好击键前的准备动作。然后由指根部位高高地举起手指，手指的第一关节适度弯曲，以手指自身的力量向下击键。这样便完成了一次完整的高抬指的弹奏。高抬、下键、指力、强度、力度控制以及时间分配，是掌握高抬指弹奏技巧的几个关键，吃透了这些，则可谓得其要领，也就是等于掌握了高抬指。

正确的读谱同样是基本功之一。乐曲是作曲家内心的感情的表现，也是为了让演奏者能了解作曲家的创造意图，因而在开始练习时就首先要读谱，用正确的方法读谱来提高视奏能力，我们在对五线谱不熟悉时，常把那几个音记在脑里，低头演奏不看谱，害怕弹错，如长期这样，眼睛就不能离开键盘，不但不会边看谱边弹，连最基本的识谱能力都没有，因此，就会觉得枯燥、吃力，所以，在练习过程中我们要学会看谱弹奏，养成看谱的习惯，而在弹奏中要看清谱号、调号、拍号，要记住指法，有关术语、音符、时值、表情记号等，养成边看边弹奏的好习惯。等到练习熟练、识谱能力、视奏能力都提高后才可以考虑背谱

练习手指是钢琴演奏基本功的重要内容，练习基本功是弹奏钢琴的基础。十个手指的弹奏、力度、和各种的触键方式都是直接影响到钢琴演奏的重要环节，而对于手指的练习是为了更加独立、平稳、灵活、清楚自主的弹奏，比如《哈农钢琴练指法》它的每条练习都针对左右手不同的手指运动，独立、主动性更强，左右手都能够均衡的得到练习，使手指得到更好的锻炼，还有，什密特《钢琴手指练习》也是为手指练习所作，此外还有很多，但总的说来并不是你弹了多少，而是你是怎样去弹的，手指练习不像乐曲有好听的音乐来刺激你的听觉，而手指练习通常都比较枯燥无味，如不用心去弹，去体会，那手指的动作就会形成一种很机械的运动，这样是得不到任何效果的，因此，在做手指练习时思想要集中，要认真，要注意手指的变化，要保持手型的正确抬指，迅速下键有力，而下键后又马上将这一力量转移到下一手指上，同时还要注意节奏的变化练习，以及其他的变化练习来强化手指的练习，在钢琴演奏技术中，音阶也是一种基础，音阶的内容包括：大调，小调。而大，小调又分为自然大调，自然小调，和声，旋律小调，五声音阶，半音阶等，它的练习又可分为：同向、反向，从一个八度到四个八度，可于不同的节奏变化来练习，在练习中要注意手指下键后起键要快，每个手指要做好准备，集中力量，音阶讲求的是快速又均匀。除了手指要放松以外，更重要的是穿、跨指的准备。穿、跨指要求快，手指提前到位来做好准备。用手腕配合。穿、跨指后手指要马上返回，做好下一个准备的工作，而琶音的练习和音阶是同样重要的，琶音练习手的伸缩幅度比音阶大，它一般的包括大、小三和弦，属七和弦和其它三和弦，七和弦等转位的练习，而琶音又分为短琶音和长琶音，练习琶音要注意手指力量的转移，手腕的动作，而穿、跨指仍然的一个重点，在弹奏琶音时手臂不能来帮忙，跨度大的地方不能弹成断奏，要连贯，当刚开始练习琶音时可用短琶音来帮助练习。

在钢琴演奏中还有一个基本的训练，那就是和弦，和弦包括三和弦、七和弦，属七和弦等，和弦的练习有原位，转位的练习，有整和弦也有分解和弦，一般先弹奏三和弦，首先要坐正，身体要放松，手臂、肩都要放松，要注意力量的转移，要脚踏实地的来支撑你的整个身体，弹奏时身体要向前稍稍倾斜，而当手指在键盘上找好音后，要迅速的把力量从肩到大臂、小臂，再到手腕到手指最后力量都落在指尖上把力量送出去，声音要结实，不能虚、飘，在弹奏和弦时送力量出去这个过程要快、准，弹下去时指尖要站立好，而其他部位要放松。

在我们学习钢琴时，有时会因为基本功的不牢固而导致弹奏某些曲目的部分地方有困难，而影响了全曲的完美，而这时有困难的地方应该怎么办呢那就需要把这些难点的地方提出来练习，在开始弹奏时，就先读一遍谱，然后把难点的地方提出来练习，如果难点的地方是速度上不去，节奏不合拍，那就可能是手指不够灵活，左手跟不上右手或右手绊着左手，那就要先分手练习，练好后又再慢速的合手，直到两只手都弹均匀，弹清楚了，就可以加速来练习了，如果难点是双手位置不准确，老爱弹错音的话，比如琶音和大跳的和弦等，那可能就是因为转指、换指的不熟练，距离的位置感不强，距离感较差，那就要反复练习，关键就是转指、换指的缺口要反复练习，练习找到手指的位置，用手腕来配合转指、换指的位置、大跳和弦的位置，在反复弹奏的过程中使手形成一种条件反射，到什么位置该下什么手指，到什么距离该弹什么和弦、什么音，也还有看着谱不要看琴键的练习，这样距离感就会更强了。

钢琴之所以会被称为“乐器之王”，是因为它能演各种多声部的音乐，其中就有一种叫复调音乐，那我们弹奏复调作品需要具备哪些条件呢首先要分清声部，要用耳朵来听辩，其次，是手指的弹奏能力，复调的学习已经成为我们学习钢琴必不可少的了，复调的形式是多种多样的，有二声部，有三声部，甚至四声部，而目前我们复调作品弹奏得最多的是巴赫的作品，从开始的《小前奏与赋格》到《二部、三部创意曲》再到《巴赫平均律集》这些都是复调音乐的一个体系，每个时期都有不同的作曲家写复调音乐，但是我们想要弹好复调作品也不是一件容易的事，那我们弹奏的时候就要注意，首先要读谱，先把谱例分析一下，找出它的主题，它的这个主题会在不同的地方和不同的调式上出现，那就要先把主题出现的地方搞清楚，然后分手把每个声部弹清楚，搞清楚是几个声部、指法、节奏、调号，分手弹要弹得声部清晰、明确、在复调作品中各个声部都是独立的，那就要求主题的地位是很重要的，主题在任何一个声部出现都应该使别人很清楚的听到，复调作品的每个声部都是一个很独立的声部，所以弹奏时每个声部都要做到清楚、明确，但是如果主题出现的声部没有弹奏得很清楚，而是让其他声部所盖过，那这首曲子的主题部分就被掩盖了，所以，在弹奏复调作品的时候要分清主次，其他声部不能盖过主题，主次要非常鲜明，要有对比，比如我们现在弹奏的较多的是巴赫的作品，那我产就必须了解巴赫生活的那个时代，创作作品的时代，巴赫是生活在17世纪末和18世纪上半叶的巴罗克后期，那时，他的复调作品都是在古钢琴上而作的，那我们现代人用现代的钢琴来演奏300多年前的作品就不得不考虑古钢琴的特点和那时的生活背景，那我们在弹奏巴赫的复调作品时就要弹奏得平稳些，音乐起伏性小，不要用踏板，跳音弹咸，非连音就可以了，不能弹得像其他作者比如贝多芬的作品那样的强壮、热情。

练好钢琴基本功是一个综合课题，也是一个循序渐进的过程，在基本功练习中，尤其要注意对视觉、触觉、听觉的训练，充分发挥这三觉的独立作用与相互的结合：

三、克服一些不良倾向，练好钢琴基本功

音乐能最敏感地触及人的心灵，使人产生真善美的感悟。柴可夫斯基的第一钢琴协奏曲开篇那澎湃的激情使人精神振奋，而其第三乐章结束前的高潮，却让人豁然开朗，领略到明媚的阳光、新鲜的空气，如此的壮阔宏伟，激情万丈，让人不由得热爱生活热爱生命。贝多芬几首奏鸣曲的结尾，让人感悟到光明洒满大地。梁祝爱情的情爱主题，让人感到优美的旋律浸润心灵而引起的共鸣。马思聪的思乡曲勾起了我们对家乡的思恋，德沃夏克“致新大陆”的第二乐章主题，也深深包含着这种眷恋之情。而拉赫玛尼诺夫悲剧性的激情，能把人生沧桑的感受抒发得淋漓尽致。我相信，只要我们能够真正认识到钢琴基本功的重要性，在日常学习和演奏中切实加强基本功的锤炼，勤于练习，不断超越，就一定能够达到钢琴艺术的最新、最高境界！