或许你不知道蒙德里安，但你一定知道Dior、香奈儿和YSL。
2013年，香奈儿推出春夏时装系列包款，长这样：
2014年，Dior推出一款春季服装，也有相似的线条和色彩：
但他们都还不如YSL走的快，早在1965年，YSL就推出了一套同样风格的裙子：
仔细观察，你会发现它们有同样的元素：格子和三原色。
所有这些奢侈品的灵感来源，都来自于下面这个人：
蒙德里安。
他是20世纪上半叶风格派的代表人物，以画各种各样的格子闻名：
那么，这些看起来简单不能再简单的格子，到底好在哪里？以至于设计界和时尚界的大牛都纷纷向其致敬？
原因就在于，蒙德里安的格子，实践了“少即是多”的原则，表面上看起来简简单单，但实际上却大有乾坤。
在这些格子里，他试图用抽象的形式，表现普遍的宇宙法则。
蒙德里安的作品简单到什么地步呢？
线条只用直线。
色彩上基本上用的是红黄蓝三原色。
为什么？蒙德里安为什么选择了这种看起来简单至极的形式？
这和蒙德里安的艺术理念有关。
让我们想想，绘画的本质是什么？
是把对象模仿的很逼真吗？
不是，摄影机的发明，使普通人随手拍一张照片，都比任何一个老大师画的作品更要逼真。
是在二维的平面画布上创造出空间的深度吗？
不是。在营造立体感这一点上，雕塑要远胜于绘画，因为雕塑本来就是三维的、可触摸的。
在蒙德里安看来，绘画说白了，就是一种造型关系——也就是构图和色彩。
米开朗琪罗曾认为雕塑高于绘画，原因很简单，就因为雕塑是一种真正的空间的艺术。
比如，你看达芬奇的《岩间圣母》：
画得那么和谐稳固、主次分明，其实就是因为他使用了金字塔构图。金字塔的顶端汇集于圣母头部，因此她是整个画面的主角。
你再看梵高的《星夜》：
大面积使用冷色调，使人们能感受到夜的深邃冷清，但同时辅以热情温暖的星光，让人感到有丝丝缕缕的温情渗入心中。
说白了，绘画的核心其实就两个：构图与色彩。
在蒙德里安看来，那些所谓的形象遮蔽了绘画的最为核心的东西，于是他就不断做减法，将绘画缩减至最基本的要素：线条和色彩。
不要任何可识别的具体形象，不要任何丰富多姿的颜料色彩，最终，连线条和色彩都简化到不能再简化的程度： 线条只有直线，色彩主要是三原色；颜色只有正方形和长方形。立体感和形象性被完全消除了。
摒除一切可识别的主题，对揭示普遍法则而言，是至关重要的。
来看看蒙德里安最经典的一幅作品：《红黄蓝的构成》
这幅画乍看上去，观众会觉得非常简单：不就是直线和色块嘛，给我一把尺子，我也能画出来！
但实际上，认真审视这幅画，你会感到，它虽然简单，却非常和谐，非常有序，让人感到赏心悦目，让人感到这幅画确乎是出自一个艺术家精心设计的手笔，而非一个艺术门外汉心血来潮的涂鸦。
这样的合适感是怎样实现的呢？
首先，我们注意到，他的黑色线条粗细不一。
这是蒙德里安有意为之，在他看来， 视觉运动的快慢和线条粗细有关，线条粗的话，视线就移动得慢一点；线条细的画，实现就移动得快一点。
动感由此形成。除此以外， 这幅画的动态平衡还来源于不对称构图。
画面的左上角，是一个巨大的红色正方形，因此在对角线的另一端，就用一个蓝色正方形来平衡。
在另一条对角线的右侧，则安排了一个瘦长的**长方形，以此来抵消另外两个色块的重量。
白色比其他的颜色要轻一些，却占据了更大的空间，因而取得了和其他色彩相平衡的地位。
这些色彩，没有哪一个能占据主导地位，它们都在公平竞争。
通过这种安排与构造，蒙德里安成功实现了画面的平衡与和谐。
连他本人都说：“新造型主义代表平等，因为各个部分虽然存在不同，它却能使每一部分都拥有其他部分一样的价值。”
曾经我向一个朋友展示这幅画，问她看到了什么。
她回答说，看到了各种颜色的长方形和正方形。
是这样吗？
你如果仔细观察，便会发现，在这幅画里， 没有一个真正意义上的用线条构成的正方形和长方形。
所谓的正方形和长方形，只不过是蒙德里安巧妙地利用了黑色线条和画布边框建构出的一种错觉而已。
于是再仔细审视，我们会觉得，这个画布好像是从一块更大更完整的作品上切割下来一样，被拦截的边线无限地向画面外部延伸。
这幅画没有展示任何生动具体的形象，却依然能够让你无限脑补，这就是这幅作品的魅力所在。
让我们再回顾一下这幅画的精妙所在：
有人认为，创作这样一幅作品，不需要多高超的绘画技巧。
果然是这样吗？
执教于芝加哥艺术学院的艺评家James Elkin曾带领学生做过一个实验。
他带领学生来到博物馆模仿大师作品。一个学生向他表示，自己想要临摹蒙德里安的作品，James有些不以为然——这有些太简单了。
但结果却打了他的脸。事实证明，蒙德里安的画并没想象中那样好模仿。
如果你从右边的边线开始画，你会发现这里蒙德里安改变了主意， 线条在画布边缘处戛然而止，但并未抵达边缘。
如果你蹲下身，逆光往上看这幅画，从画布的纹理可以看出蒙德里安画作中黑色长方形用的颜料较薄，因此看起来，黑色长方形周边的那些黑线好像高于长方形似得。
再看**的区域，会发现这个部分颜料非常厚，因此那些**色块像是浮在线条表面一样。
这幅画的表面纹理丰富密实，看上去均匀协调，比如蓝色区域，你几乎可以想象出蒙德里安是如何用硬笔刷来回刷过颜料的表面。
James的一个学生试图画出这种厚实细密的纹理，但结果却是这样的：
所以，蒙德里安的作品乍看起来很平面，但在这平面之上，却有细微的深浅，精细的笔触，换句话说， 他几乎是把绘画当成雕塑来做。
从上面的分析我们可以看出，蒙德里安表面上平平无奇的画作，不仅仅体现出他高超的制图技巧，更体现了他深邃的哲学思考。
这正体现了少即是多的原则： 一个作品，让你感觉非常简单，但其中却蕴含了艺术家无穷的匠心。
这同时也告诉我们， 把一个简单的事情做到极致，自能收获意想不到的硕果。
这种原则，恰恰适合我们用一颗简单纯粹的心，来应对纷繁复杂的现代生活。
也正因为如此，各行各业的设计都不约而同地向蒙德里安致敬。
比如，荷兰的海牙（蒙德里安老家）市政厅：
1999年，美国艺术家Emily Duffy以蒙德里安作品为原型喷涂了整辆车，并同时设计了与之对应的服装和物件，这辆车成为了当时艺术车展上令人瞩目的焦点。
巴黎创意团队PA Design，打造了一款蒙德里安彩色便签纸。将红色、**、白色和蓝色等不同颜色的便签纸组合在一起，加上保留的适度空隙，共同构成了一幅抽象画。
甚至身边常见的格子衫，Windows的标志，或多或少都受到蒙德里安的影响。
这便是大师的意义：你或许不了解他，但你的生活，却无处不受到他的影响。
参考文献：
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