缇是什么意思

缇的意思是：红**，丹**。

缇字造句：但是既然缇娜已经在上幼儿园了，我以为你一心想要重新开始工作了呢；她的黑暗面通常被称为涅芙缇丝，但她也是哈索尔，赛克美特和其他很多女神形态 ；缇姆的灵魂独自留在他失控的身体里，思考着是否他的大脑真的出了问题。

地震的力量击倒了缇尔，她双膝跪地，但还是尽力抓住了鲍丹的手和前臂；退休的赛道灵缇很容易适应家居生活，因为在这之前他们已经被训练成在室内生活，从而成为家庭的一员；当我认为至上本体是活动——他是创造，维系和毁灭——我称他为萨缇或者摩耶或者帕克瑞提，人格化的神。

一个穿制服的警卫打开车门，兰缇下车，你也下车；为了满足速度的需要，灵缇有着一个光滑的呈波状形的体形，和深深的胸部及灵活、弯曲的脊柱；报道称她一直受到其马拉西亚女雇主的折磨，电视频道还播出了一些她被虐的照片，照片上丝缇哈佳的身体布满了伤痕。

对于完美主义者和高成就者来说，完不成任务就像灵缇犬沿着跑道永无止境地追捕机械兔一样让人沮丧。

文明古国的“最初的创世神话”都充满了懵懂与浪漫主义，如有着近亲婚姻与复杂又亲密的血缘关系的伏羲女娲、宙斯赫拉，对理想化过犹不及的毗湿摩于摩诃婆罗多，沿袭到英国亚瑟王传说的骑士道（相论而言古代中国似乎要更加懂得变通）。因为原始的人类对一切都充满了未知与好奇，却有着本能的谦卑，崇拜太阳、动植物、水源、火焰等一切业已存在的事物。人们相信供奉与敬畏这些事物可以得到庇护，所以诞生了神祇之位。

在古埃及的神话体系中，荷鲁斯之名无疑最广为人知，他是代表法老的王权至神，而有关于荷鲁斯的诞生、他的家庭、他的背景，却鲜被关注，其生母伊西斯及伊西斯之姐妹奈芙缇丝体系还有更深入的故事。埃及神话与各古国神话的不同在于，它更擅长展示灵魂的善恶，荷鲁斯甚至还有“复仇者”的形象，源于其父奥西里斯被兄弟塞特多次谋杀。在这些经历中万般受难的荷鲁斯之母伊西斯女神，几乎成为了最显眼的主角，伊西斯为救助丈夫和家庭的辛苦赢得了埃及人民的尊崇。

埃及众神系统里，地神盖布（男）与天神努特（女）结合生下了冥王奥西里斯、生命女神伊西斯、沙漠之神塞特、亡灵女神奈芙缇丝，两男两女近亲又互相结合，奥西里斯和伊西斯在一起成为了埃及的最高统治者，塞特与奈芙缇丝在一起，成为了神话阴暗的那一面。在一些流传的神话版本中，奈芙缇丝因为不满自己嫁给了没有统治王权的丑陋的塞特而嫉妒伊西斯，所以装作伊西斯的模样引诱了奥西里斯并生下了阿努比斯，随后又为了不被塞特发现而抛弃了这个孩子，所以阿努比斯是被伊西斯好心收养而成长为死神的。通过对比发现，伊西斯一来就被分配到了一个极好的命运线索当中，奈芙缇丝倒显出了无奈的悲剧感，而后所作所为体现出了一种“人神同构”，埃及的神与欧洲神话无异都体现出了作为“人”的局限特性，奈芙缇丝

1973年，巴黎时装周正式开始，这些曾经藏匿于沙龙里的时装创意，也终于进入大众的视线。1980年代到1990年代，秀场越发豪华，超级模特诞生。一场时装秀已经不仅仅是新款时装的展示，更是品牌理念、设计灵感全方位的表达。

社交媒体时代到来后，时装秀成为最热门的话题，当年怕被太多人看到，在新时代是怕没有人看到。2020年，这一切戛然而止。全世界迎来一场始料未及的挑战，生活停摆，社交被切断，时装秀也被迫喊停。

站在时代的分岔路口，得到与失去不过一念之间，回望过去，多么精彩美好。当一切回归正常之后，更多数码技术的加入，我们还能等来如过去一般的盛大吗？

1991秋冬高级成衣系列

Versace

20世纪最后一个十年，范思哲用一场时装秀开启了全新的篇章。这场秀之后常常被叫做 “自由！90年代”（Freedom!’90），因为四大模特——琳达·伊万格丽斯塔，辛迪·克劳馥，娜奥米·坎贝尔和克莉丝蒂·杜灵顿在秀中间，一起手挽着手，唱着乔治·迈克尔（George Michael）那首名为《自由！90年代》的歌。

詹尼·范思哲（Gianni Versace）设计强调女性的线条，总有一种蛇蝎美人的气质。这场秀开场一系列黑色的紧身连衣裙和连身裤，金色头发的模特们演绎出都市女性的活力与性感。之后紧接着一系列彩色套装，对80年代的浮夸致敬，又引领着90年代的热闹，最后以做工精良的装饰性短外套和紧身胸衣结束。

1994 春夏高级成衣系列

Chanel

能够想象作为优雅法国女人的代表可可·香奈儿女士穿着朋克风格的马丁靴吗？或者能够想象可可·香奈儿穿着超短裙的样子吗？又或者可可·香奈儿穿着直排轮溜冰呢？

这场秀可能没有近几年火发射场那样令人惊艳的设计装置，T台方面也只是最传统的样子，但从时装层面，这个系列应该可以被认为是，法国老牌时装屋第一次与街头文化结合。

模特甚至穿着一双香奈儿的直排轮，出现在T台上了。这样象征着青年文化的街头运动，居然跑到了时装秀场上，成为当时轰动一时的话题。作为创意总监的卡尔·拉格菲尔德（Karl Lagerfeld）打破了优雅的黑白配色，打破了传统定义下的女性优雅，将丰富又耀眼的颜色带进高级时装中，也将嘻哈文化中的装饰放进系列。

这些创新的设计在日后都成为了品牌的新经典，再一次说明了态度和风格可能才是时装最重要的东西。

1995秋冬高级成衣系列

Thierry Mugler

这是品牌20周年的一场秀，异常热闹，创造了无数经典的时装时刻，被视为整个90年代性感时装的最高点。在这场秀中，品牌回顾了蒂埃里·穆勒（Thierry Mugler）那些最经典的设计。

对于时装的态度，穆勒本人在一次采访中说：“亲爱的，这一切都是为了得到一场完美的性爱而已。”可见“性感”在穆勒设计中的地位，他将女人最撩人的一面呈现出来。这场秀太多作品，其中包括如战衣一般的金色盔甲，还有那条转身露出股沟的优雅晚装。极致的创意，不管不顾的性感，成为那个时代最完美的注脚。曾经饱受争议，如今回头看看，这样的大胆自由，十分令人羡慕。

谢幕最后，所有的模特穿着或优雅、或像外星人一样的衣服，在T台上跟着音乐跳舞，拉着设计师一起，扭动身体，掌声雷动。这种人挤人的热闹，今后是不是很难再有了？

1998春夏高级订制系列

Christian Dior

在巴黎歌剧院里百年大理石楼梯上，约翰·加利亚诺（John Galliano）将所有模特打扮成20世纪初参加舞会或沙龙的样子，以意大利怪异美人玛切萨·卡萨提（Marchesa Casati）为缪斯，以世纪之初的俄罗斯芭蕾舞团为灵感，上演一场穿越时空的歌剧秀。所有评论界都对这场秀赞不绝口，甚至有人说这场秀已经超越了时装本身，超越了想象，而是一场梦。

设计师在采访中，只是害羞地说，想要通过剪裁和面料，让人们回到某个华丽时代。每一位模特从这个18世纪就已经存在的大楼梯走下来的时候，眼中都有了属于自己的情节和情绪，那些华丽庞大的衣服似乎因此都有了内容、有了故事、有了生命。

谢幕时候，所有模特错落有致分布在楼下上，天空落下缤纷花瓣，时装秀结束，一个绚丽的时代来了。因为裙摆巨大而坐在楼梯末尾的情景，是不是让人不自觉地想起了女演员詹妮弗·劳伦斯（Jennifer Lawrence）2013年在奥斯卡颁奖礼现场的“经典一摔”？这也算是一场跨越的时空的戏剧巧合吧。

2000秋冬高级成衣系列

Chalayan

一位奇怪的设计师，穿梭在传统和未来之间，似乎从来不在意潮流，也不是单纯设计只用来穿着的衣服。两个世纪转换的之间，侯赛因·卡拉扬（Hussein Chalayan）创造了太多不可思议的时装秀，主题往往很深刻。其中，就包括这场发布在千年之初的系列。

出生在土耳其的卡拉扬，从小生活颠沛流离，不断的搬家在他幼小的心灵上留下了不可磨灭的印象，而这场秀就在讲述关于搬家、关于离开的故事。卡拉扬的经典瞬间很多，这个家具-时装系列，可能是这些经典中最著名的瞬间。

秀场的设定不是传统的T台，而是一个舞台，模特们穿着简单的衣服从后台走出来。来到家具旁边，开始拆沙发套穿上，甚至把茶几拉至腰间变成裙子。这一切都不像是真的，似乎一个超现实主义的**，或者是动画片。这场秀让衣服本身变成一个行为艺术，而那条茶几裙子，更是告诉所有人，衣服的另外一个可能性。

2003 春夏高级订制系列

Christian Dior

在这个系列之前，设计师约翰·加利亚诺刚刚完成了自己为期三周的中国和日本旅行，回来之后他也立刻把自己旅行中的感觉带进了整个系列。看这场秀的视频，常常会被从T台深处冲出来的武林高手吓一跳，那种“打妖精”的恢弘气势让人印象非常深刻。

除了模特以外，约翰·加利亚诺在中间穿插了武术表演。这会让人觉得在看一部武侠动作片，那些穿着讲究的模特就是传说中的女侠。传统中式服装以平面化的结构为主，但加利亚诺的设计却偏偏非常立体。他将中国元素，变化着放在一件又一件巨大的高级定制上，东西方文化在这个系列中融合。

2013春夏高级成衣系列

Louis Vuitton

让人眼花缭乱的方格纹，最初的灵感来自法国当代最重要的艺术家之一丹尼尔·布伦（DanielBuren），他位于巴黎皇家宫殿内的名为“两个平台”的装置艺术，成为了当时创意总监马可·雅克布（Marc Jacobs）的创作起点。

“两个平台”中不一样高度的圆柱集合，也代表了这场秀三个不一样的创意维度，分别是：迷你裙（mini）、迷笛裙（midi）和迷嬉裙（mixi）。简单来说，就是三种不同长度的裙装。看似非常简单的概念，但在设计师手中变化出32对完全不同的时装款式。秀场的设计也跟布伦合作完成，其中有4部手扶电梯，模特们从巨大的电梯上下来，然后是一条用半透明亚克力做成的黄白格子T台。

模特出来的方式也全是两人一组，这样的形式也非常符合当季的主题，其中有迷你裙与迷嬉裙的组合，也有迷你裙和迷笛裙的组合。两位模特像是一面镜子的两面，在非黑即白的二元世界中，分别成为不一样的人。从时装款式到概念，再从秀场设计到展示方式，这都是一场被记住并且被思考的秀。

2014春夏高级成衣系列

Rick Owens

与其说这是时装秀，不如说是一场非洲战舞的表演。40位体形各异、肤色各异的舞者，穿着瑞克·欧文斯（Rick Owens）最新款的时装，跳着遥远部落里最传统的舞蹈。

根据不同颜色的衣服，舞者们被划分成四个不同的方阵，轮番从后台踏步走出。多元化的模特在今天的秀场上已经成为必需，但在当时还是相对少见的。这场秀上的舞者，从体形到走路的姿态都不是标准的模特，包括她们脸上的表情，都是祖鲁族舞蹈要求的“勇气脸”。

欧文斯一直都说，他想要设计一种衣服，能够集合优雅与粗糙于一身。通过这个系列，他又一次证明了世界上真的有这样的矛盾体。原始的部落舞蹈美学，和巴黎高级时装之间，在这场秀上不分彼此，甚至彼此影响。欧文斯也再一次证明了，不是所有优雅的衣服都会束缚身体的运动，看看这些舞者扩张的动作就能明白。

2015春夏高级成衣系列

Jean Paul Gaultier

如果提到时装秀的戏剧性，这样让·保罗·高缇耶（Jean Paul Gaultier）在2014年9月上演的时装发布本身就是一出戏，从舞台设计到模特的出场方式，都是一部正经戏剧应该有的样子。这场秀选择在欧洲最大的**院大雷克斯剧院（Le Grand Rex）举行，在这之前，设计师就已经宣布，要暂停品牌高级成衣部分，而专心在高级定制和香水的业务上。

从60年代开始，只有品牌因为商业压力暂停高级定制，高缇耶则成为暂停高级成衣系列第一人。所以这场戏剧一般的秀，对于品牌来说也代表着一个时代的结束。

开场就是一段50年代风格的歌舞，有演员有歌手，好不热闹。中间一大段还是传统的T台走秀模式，结尾就又好玩起来，直接变成了选美大会。所以这场秀也被称为2015年让·保罗·高缇耶**选美大赛，在这场大赛中，参选**都穿着高缇耶的经典设计。

大赛最后，只剩下安娜·克里夫兰和可可·罗恰，经过戏剧性的颁奖仪式，大家再次欢乐地唱歌跳舞。虽然是一种结束，但高缇耶还是像每场秀结束时候一样，微笑着谢幕。

2018度假系列

Louis Vuitton

每年都有时装大师离开我们，今年这个人是日本设计师山本宽斋。在他有生之年最后一次出现在主流 时尚 圈，就在路易威登2018年的度假系列上。品牌在位于日本深山中的美秀美术馆中发布新系列，模特穿梭在如梦幻境的建筑之间，设计上也有跟山本宽斋的神交。

山本宽斋是世界时装 历史 上第一位在欧洲走秀的东方设计师，他用一生时间，将张狂的设计、丰富多变的日本传统元素带到西方世界。他用自己的疯狂震撼了欧洲，成为华丽摇滚之父大卫·鲍伊（David Bowie）最亲密的伙伴。他在70年代的大胆设计，曾经启发过一众后辈，其中就包括路易威登现任创意总监尼古拉·盖斯奇埃尔（Nicolas Ghesquière）。

这个度假系列，品牌找来山本宽斋，一起合作演绎了设计师最为擅长的歌舞伎主题。这个系列也成为了这位东方时装先锋的绝唱，时间在前进，而像是山本宽斋大胆表达的人却越来越少，我们失去的不仅仅是一位时装设计师而已。

2019春夏高级成衣系列

Gucci

2015年初，亚历山卓·米开理（Alessandro Michele）被任命为古驰创意总监，从第一季开始就颠覆了所有人对品牌的想象，之后一季比一季好。他将复古、怪异、艺术、情绪一起结合在时装中，每一场秀都吸引着全世界的眼光。

2019年春夏，他将古驰带到位于巴黎9区的夜店Le Palace。原址建于17世纪，70年代传奇夜店Studio 54在纽约掀起了的士高舞厅与夜生活狂潮，促使有“夜晚的王子”之称的法布里斯·埃马尔（Fabrice Emaer），于1978年收购剧院并将其改造，成为当时巴黎最负盛名的夜总会，明星、名流、设计师每晚在此流连，结识新朋友或是寻觅创作灵感。

在这座巴黎传奇夜店中，米开理用意大利实验剧场先锋莱奥·代·贝迪尼斯（Leo de Berardinis）和佩拉·佩拉加洛（Perla Peragallo）的作品开场。中间又请来英国女歌手，也是时装偶像的简·铂金（Jane Birkin）用法语演唱一首温柔抒情歌。最后，模特们在舞台上汇聚一堂，厚重的幕布慢慢拉上，结束一场关于美好记忆的时装秀。

2020秋冬高级成衣系列

Balenciaga

因为 科技 的发展，声光电技术的运用，能够让时装秀整个视觉更加炫酷，比如这场发布于2020年初的巴黎世家时装秀。大型的室内空间，天花板上是可以变化颜色的光电屏幕，投影出海洋、火焰、天空、光线和城市影像。地板侧一层薄薄的水洼，映照着半空中的屏幕。天地投影，像是一个无尽空间。模特走出来，脚踩在这层水洼之上，打破的是天地之界限。

新款时装因为夸张的肩线设计，被评论界称之为“魔鬼的肩膀”。秀场上的某些模特将眼睛弄成了全部的红色或是黑色，使眼神里散发着非人类的光芒，就像是吸血鬼一样，近看更是让人心里发毛，这特殊的小细节，也让现场氛围更加诡谲。

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撰文／卢笛 编辑／叶超William Yeh

设计／Shengyu 新媒体设计/Dean

插画师是做什么的

插画师可以画绘本出版,可以和报纸或者杂志社约商业插画稿,可以做广告的插画设计,包装的插画设计,可以做**美术概念设计,也可以为小说叙述的情节设计图画。

插画师与原画师有什么区别

原画:游戏原画是将策划用文字所描述和设计的世界,以画面的形式,做出此世界具体形象的说明。为游戏制作提供美术依据和指导。

插画:插画是将小说等文字所描述和设计的情景和情节,以画面的形式,呈现在读者面前,使读者更能理解和融入文字所描述情景和情节之中。同时也为书本杂志提供吸引眼球的宣传的作用。

插画师也是绘画设计师,主要为小说叙述的情节设计图画,故此称之为插画师

插画师该具备哪些东西

1高超的绘画能力:

有高超绘画能力的不一定是职业插画师,但是要成为直接插画师,绘画能力必须过硬。同时对自己的作品有很高的要求,严格要求每个细节,力求完美;

2自成一体的风格:

自成一体的风格首先是成熟绘画能力的表现。拥有自成一体的风格以后很容易拥有高知名度,也方便适合自己画风的单子来找你;

3基本的沟通技能:

鸟先森说的很对,插画其实是绘画和设计的结合体。绘画和设计最大的差别是什么,绘画是随心所欲的艺术表达,而设计师一种带着镣铐的舞蹈。插画作为两者的结合体,其实就是在甲方的要求下发挥自己的技能达到最美最艺术的效果。沟通是必不可少的,如何理解甲方的要求并良好的实施在画作上,是沟通中最基本的技能;

4搜集素材的能力:

插画师应当了解各种领域的各种知识,才能更好的完成作品。关于这点,本题内匿名知友已经回答的很好,这里不赘述;

5作品集:

从刚开始学习到成为插画师的过程中,每一张作品都应当被很好地保存。遇到接单的时候可以很快给出往期作品阐述自己的实力和风格是应当具备的基本能力;

6基本的品德:

不抄袭他人作品,尽量不拖稿,不天窗。在入圈之前搞明白抄袭、借鉴、参考和致敬的区别。

中国十大插画师

中国著名插画师

Krenz(K大)

来自祖国宝岛台湾的cg艺术家KrenzCushart,画风非常独特,热衷于画美丽可爱的

小仙女

,Krenz的基本功很扎实,色彩上把

高级灰

运用得炉火纯青,可以说他是一位具备了超高审美艺术家和教育家,很多粉丝把他称为被一个画画耽误的教育家。

倪传婧,中国香港插画师

中西风格相结合,美轮美奂,令人陶醉。

RuanJia

国人CG艺术家,是一位

80后

鬼才画师,对中国游戏概念有着重要影响的人物,在CG艺术圈里,大家对他并不陌生,画作风格惊艳而独特,对色彩运用上有着自己的独特风格和理解,自成一派,只要他一发他的插画作品,就会引起CG艺术圈里不小的轰动!

CHENBO神不月

拳头游戏

御用的CG插画师,同时也是一位国人画师,曾经担任

广州美术学院

CG讲师,是一位非常喜欢

《魔兽世界》

玩家,而且曾经在暴雪嘉年华玩家绘画大赛上蝉联两届冠军,可谓是魔兽世界国服知名画师了!

黄光剑

国内资深CG艺术家,知名概念设计师,作为非美术科班出身的学生,是一位25岁之后才从会计师转行到CG艺术圈的插画师,还取得了相当不俗的成就,特别是他的

十二星座

插画系列出来之后,不管是在人物塑造还是色彩运用上,每一张

画都

充满了对每一个星座的了解,在CG艺术圈里也引起了不小的轰动!但是他却在那个时候,毅然选择去国外深造,对于他的果断选择和学无止境的贯彻可谓是充满了敬佩!

小k

从事美术教育却非常低调的一位CG艺术家,扎实的美术功底,作画手法细腻,色彩运用上总有他独特的想法,每次看到他的画都被他的色彩惊艳到,他的主页上写着“俺小K,凡人!修人!修心!修画!有一天我会老去归尘,但我的心会留在画里很久很久,”可以见得他对于画画的热爱和执着了!

EvanLeeCG

一位来自台湾CG概念设计师,插画师,独特的作画风格,拥有20余年的绘画经验,以超强的塑造能力、细腻的绘画风格吸纳众多粉丝。而他的作品也出现在我们熟知的手机游戏、PC游戏、棋类游戏和**中。被网友们称为中国最会画“胸”的插画家。

wlop

一部名叫

《鬼刀》

的漫画作者,以厚涂方式画的漫画,吸引了众多观者,潦草却不失精致的画风,每一幅画作都如同在讲述一段故事,给观众一种全新的视觉感受,然而就是这么一位全球知名的画师,他的本职工作却是朝九晚六,写代码修bug的工程狮,很多画师有了一定的知名度和经验之后,都会选择做一个自由的画师,但是对于wlop来说,画画只是他的一个兴趣爱好,他曾说过“对于圈里的地位,称号、评价、排名都没有任何兴趣”,就是这样的wlop,却是吸纳众多粉丝,也深受我们这些粉丝的喜爱!

LANGE刘远

插画师、概念设计师,《缪斯之瞳》

《鸢》

画集的作者,干净利落的线稿,

色彩搭配

上非常清新雅致,他曾说过“除了画画,我也不会做其他什么事情,我得好好珍惜”所以看到他的画作时,总会联想到他在作画的过程中是多么的专注!

Caroline,本名李晓林,名字素雅如其人。明明可以靠脸,却拼才华。作品走红后,很多人称她为“中国最美插画师”。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

魔鬼恋人（吸血鬼逆后宫恋爱类）

简介：主人公小森唯是个普通的高中生，只是不知不觉之中，她的周围逐渐开始发生各种奇怪的事情。比如忽然看见了不知名的幽灵，又或者是各种灵异事件……但是乐观向上的女主并没有为这些事烦恼，依然继续着她的生活。因为父亲的调职，高中二年级的女主转入了满是艺人和名流的岭帝学院高校，这所表面堂皇的学校，却流传各种吸血鬼伤人的不详传说。女主顶住了所有流言，依然决心转校，于是顺理成章地和有着“最恶六兄弟”之名的六位美男住到了一起。逐渐地，女主发现这兄弟六人，其实都不是普通的人类，而是吸血鬼。于是，唯不安、恐怖的新生活就此开始了……

 

圣魔之血（吸血鬼神魔类）简介：在Armageddon文明消失的遥远未来，异种知性体 吸血鬼(vanpire)和人的斗争不断地持续着，以罗马为据点地的通用国家机关 教皇厅(vachikan)为了守护人类，派遣了执行官到各地猎杀吸血鬼。那个神秘的人叫阿贝尔·奈德罗特，乍一看是一个可以让人信赖的男人，不过，他的原形却是以吸食吸血鬼的血存活的吸血鬼！而与阿贝尔相遇的少女艾斯蒂尔的命运，竟然是事关人类与吸血鬼存亡的最后赌注。

如何成为插画师成为插画师的条件

一_世界没给的,我们自己给,只要肯学,没有学不会的插画。

小伙伴,如果你打算学习插画,那就开始学,不要顾忌这条件那条件,有的纠结没学历能学嘛有的纠结没有美术基础能学吗有的纠结自己年龄大了能学吗其实这些统统都不是什么大问题,没有基础,多努力一个月,基础不就有了吗谁也不是天生就会的吗没有学历又有什么关系呢别人看的是你的作品,看的是你的实力,而不是你的学历,你学历再高,画出来的是垃圾,那卵用也没有。所谓的年龄,更不用着急了,多大都可以学,学习插画和年龄无关,和努力有关,重要的是你肯不肯学,这一点是非常的重要的,

一定要记住,世界没给的,我们完全可以自己给,平静的湖面,练不出精悍的水手,安逸的环境,造不出牛掰的插画高手,勇敢的开始你的插画学习之路,这就是最好的学习条件。

二__安寤纫盘な档,再练飞檐走壁。

学习插画,一定要先打好基础,没基础可以学,练好基本功,再往上学,就会变的非常的容易,学习不要急躁,要放平心态,学习插画,只有脚踏实地,一步一个脚印才能量变引起质变、

三_好的老师,会让你的插画学习一飞冲天。

很多同学问我有没有认识的优秀的插画老师,当然有奥,给大家说一个比较适合大家的,他每天晚上8点都会再网上免费直播讲板绘插画公开课,讲了很多年了,每天晚上都有很多人来听,也有很多零基础的小伙伴,因为讲的好啊,讲的通俗易懂啊,也非常的好玩,与其把时间浪费在玩手机上,还不如听听老师的课程,想听的同学,可以到他的唯心(谐音):首先开头的一组是:w9_缓蠛蟊叩囊蛔槭:kaka_颜饬阶榘凑障群笏承蜃楹掀鹄醇纯,非常的简单。

很多同学总是想的太多,做的太少,心太浮躁了,如果是这样的话,别说学插画了,学什么都费劲,再次强调,一定要脚踏实地的,这是一种坚持,只有经受的住时间的考验,所有的努力才不会被浪费,没有一路到底的执著,没有既定的目标,就算有一颗不浮躁的心,也不一定能够取得成功,也有可能沦为平庸。

四_绾卧诓寤氖澜缋,打造一片属于自己的天地

一个人的成功不是靠他的智慧,而是靠他的毅力。没有人天生就是优秀的原创画家或插画师

1打好基础。

只有打好基础,才能爬得更高,走得更远。这也是为什么零基础的学生,要从美术基础,也就是素描开始。就像盖房子一样,如果基础不扎实,那么后面就很难继续。级别越高越危险,甚至无法继续。了解黑白、构图、透视、人体解剖学/肌肉骨骼、色彩论证、阴影对比等等。

没有这些基础,你最好不要称自己为画家。要想更进一步,不仅要学基础,更要学精髓和透彻。很多同学急于求成,所以在美术基础上花了一点时间,因为觉得美术基础没意思,所以想上计算机。当他们在电脑上画到一定程度后,还是觉得基础不扎实,导致了瓶颈期。当时回去学美术基础,才知道打好基础,以后画画才能爬得更高,走得更远。

2视野开阔。

当你开阔了眼界,你会有更多的遐想空。永远不要做井底之蛙。高视野可以完全打开你宽广的胸怀,紧跟时代和时代潮流,不断探索新的风格和不同的绘画方法,学会举一反三。其实世界上所有的文化,历史上的艺术运动,都是你灵感和灵感的来源。融合不同时代、不同文化的艺术风格,或许这会产生意想不到的效果。

3学会思考。

绘画和语言一样,是一种表达内心的方式。我说出我的想法,我写下我的意思,我画出我的感觉。但偶尔停下笔,回想一下自己的作品是表达了自己的一些真实想法,还是对世界的反思。你放在作品中的思想,会让你的作品更有深度,更有意义。

4不能机械地重复实现。

简单的事情不容易重复。人为什么会犯错是因为不熟悉造成的,就像大家不会把一加一错当成二一样。是的,艺术来源于生活,又高于生活。你的画应该讲述一个故事,表达一种情感,反映一种心情。

5不要只做表面文章,要实事求是。

没有人的成功可以走捷径,成功是不可复制的。成功人士有一个共同点:现实、务实。新手一般都喜欢没完没了的画软皮肌理,都画的跟瓷娃娃一样。有必要排除好的和坏的。

6其实表面纹理完美与否并不重要。

表面画的不错是真的,看起来让人觉得你的作品很光鲜亮丽。但是,如果人体的构成比例和透视比例不对,人画得再漂亮,皮肤画得再细腻,都是没有用的。就像一道选择题。如果你做了错误的选择,再多的解释也无济于事!方向错了只会相反!

7对自己有信心,坚持学习!

大师需要时间和经验的积累。罗马不是一天建成的。你不能一口吃成胖子,所以你不可能在一天之内成为一名优秀的画家。很多人喜欢吹嘘自己有多有才。他们从来没有拿过画笔,一上来就画得和达芬奇一样好。就算画一两个速写本,也不过是万里长征的两小步。

以画家为例。画十几手不会让你一夜之间就知道怎么画手。不管画家们怎么说,我以前从来没有拿过画笔等等。。一个真正优秀的画家,只有画了成百上千只手,才能真正画出手来。如果你画了几个练习,觉得没有突破,那是正常的。不要认为自己没有天赋。

五插画学习需要掌握的一些基础知识:

1插画基础与描线:

零基础学习插画,重点在于学习线的多种表达技法以及线的多种处理手法包括造型运用,因为插画绘制前期对线的要求比较高。

2插画素描:

插造型与透视必须要准确,交界线是素描能不能过的最基本的要求,三大面五大调也是插画动漫基础必须要理解与掌握的,同时插画的材质练习也要掌握。

3人体:

零基础上手学习动漫插画,还要掌握基本的人体比例、骨骼与体块的概括,同时能够建立插画动漫人体框架,理解插画动漫中肌肉与脂肪的奥义,掌握结构与动态的标准绘制思路,同时理解插画人物五官的结构以及插画动漫头像光影的绘制。

4服饰:

掌握并能够绘制插画里面常见不同类型的衣服;衣褶布纹表达清晰;对插画中角色设计有一定的理解并有清晰的思路;能够独立表达和完成插画动漫中的角色设计。

5构图:

最后是理解插画中的常用构图法则,绘制出以角色为主的插画线稿,并且合理构图。熟知取色、配色以及插画绘画上色技巧,掌握当下流行的插画动漫上色方式,对插画的画面精度要有意识,可以提升插画的画面完成度,完整进行高完成度的插画绘制。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

插画师多久可以学出来

插画师要入行大概需要两年半的时间。

插画师需要学的内容:

1素描是一种用绘图工具使其表现在二维材质上的视觉艺术。使用的工具包括石墨、铅笔、蜡笔、墨水等,以及电子绘图。素描最常见的载体是纸,其他材料如硬纸板、皮革、木材、帆布等都可使用。

2色彩,知识结构比素描要系统的多也比较抽象,而且很多时候你以为自己看到的是颜色A,但实际却是B。色彩要上的准,要知识要经验;色彩要上的妙,有风格,要天赋。太多人黑白线稿画的过得去但是易上色就马上变难看了。也有一些人可以通过上色让一个粗糙的线稿变得好看。丰富多样的颜色可以分成两个大类无彩色系和有彩色系,有彩色系的颜色具有三个基本特性:色相、纯度(也称彩度、饱和度)、明度。在色彩学上也称为色彩的三大要素或色彩的三属性。饱和度为0的颜色为无彩色系。

3速写顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇,属于素描的一种。

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只在音乐范畴内，其实上个世纪80年代，张国荣也只是和谭咏麟平分秋色，甚至获奖还不如谭校长，张国荣真正走向音乐巅峰其实不是那个时代，是97年复出歌坛后的表演，那已经是走向世界之巅，那已经不是音乐的范围，是艺术。但谭咏麟之后复出的演唱会，也只能称得上是好看的演唱会。

哥哥leslie复出歌坛之后 可能是经过**的洗礼（霸王别姬中见到了哥哥的表演知道了什么才是艺术，什么是不疯魔不成活），哥哥的音乐从此已经不再只是视听上，更是表演上的艺术，97世界巡回演唱会已经成为经典，2000年世界巡回热情演唱会，哥哥担任艺术指导，艺术家让保罗高缇耶做服装设计，音乐史上最好的秀之一，在艺术、人生、性的理解，审美，思考已经颠覆到精神层面。唯一的争议是首场之后香港记者的对造型的负面评价（可这些记者所有媒体回头再看，才发现那是多么的完美的艺术），也导致让保罗高缇耶从此不再和亚洲艺人合作，说亚洲没有品位，离开香港世界巡演后却各国媒体极高评价，国外一票难求，场数一加在加，最讽刺的是世界转了一圈之后在再回到香港，香港记者才知道什么叫艺术，态度来了个180°转变高度评价这场秀，就像伦勃朗，梵高，巴赫、猫王，他们刚开始都收到了争议，可事实最终证明了他们是改变艺术的人，连同行都称这次演唱会是“前无古人，可能都后无来者”。这场秀已经不单用经典来形容了，这是最完美的艺术品，就像美国影响最大的新闻周刊，有世界“史库”之称的“时代周刊”评价说的，这是激情和时尚的巅峰。

2010年，美国CNN选出过去五十年里全球最知名的20位音乐家，华人只有张国荣，邓丽君（其实邓丽君已经比崔健，罗大佑地位高很多）入围，入围的还包括麦当娜等巨星，最终前五作为全球五大指标音乐人。哥哥列为第三， 前五的有1MJ，2披头士，3张国荣，4猫王，5，鲍勃马利,是唯一入选的亚洲人，足可见到哥哥在乐坛的地位。

现在的华语乐坛出现了很多录音棚歌手，虽然录音版的歌曲经过后期处理，几乎没有瑕疵，但是对于喜欢音乐的听众来说，现场版才是王道，那种真实与激情，简直不要太享受。

这些录音棚歌手，最怕的就是开演唱会，甚至连大型演出他们都不敢真唱。

以至于人们越来越喜欢怀旧，喜欢听老歌，它就像是生活中的一剂良药，能让你开心，也能抚慰伤痛，能让你扫去阴霾，也能鼓励你砥砺前行。

尤其是那种经典的演唱会现场，即便只能通过录像重温，但带给人的感动与震撼依旧鲜活。

1984年1月7日，邓丽君在台北中华 体育 馆举办了15周年巡回演唱会。

此次演唱会被大众称之为“十亿个掌声”，并广为流传。

何为“十亿个掌声”？

起初，演唱会命名这个问题，困扰了工作人员很长时间，直到演唱会开始前的报幕，也没能确定。

当主持人田文仲说：

正是他这句“十亿个掌声”的无心之语，解决了演唱会命名问题。

不久后，各大媒体电台在报道台北站演唱会的内容时，便使用了“十亿个掌声”这个名字。

这场演唱会不仅有台湾电视公司录影转播，还有英国国家广播公司以及纽约时报的大力报道。

“十亿个掌声”演唱会的舞台效果、表演形式以及创新价值，给当时的华语乐坛带来了巨大的冲击。

邓丽君在演唱会中首次尝试爆炸头、紧身衣、露背装、超短裙以及西式舞步，让台下17000名观众看花了眼睛。

开场曲《漫步人生路》瞬间点燃现场气氛，紧接着就是《独上西楼》《夜来香》。

这场20世纪最经典的演讲会，在浩大的声势中结束。

邓丽君不同于其他歌手，她是华语的天花板，是一种文化，一个时代的象征，并且她还以歌手身份入选文化部评选的十大文化影响力第一名。

她获得过世界级的荣誉和奖项，被美国《时代周刊》评为世界七大女歌星；时代周刊世界十大最受欢迎女歌星；美国CNN全球最知名的20位音乐家；20世纪百大最具影响力艺人；香港乐坛最高荣誉“金针奖”；日本大众音乐殿堂唯一外国歌手。

可惜，众多荣誉光环加身的邓丽君，有生之年从未到过大陆，没能踏上这片土壤，也许是她最大的遗憾。

演唱会 上世纪80年代初，伴随着改革开放的春风，西方摇滚乐队——包括甲壳虫乐队、警察乐队、滚石乐队等，经过非正规途径传入中国，并深深影响了一大批人。

1984年，北京歌舞团的崔健、杨乐、文博、刘元、安少华、李秀丽和周晓明七个年轻小伙，组建了一支名叫“七巧板”的电声乐队。

1985年，为纪念联合国将1986年定为“国际和平年”，由迈克尔·杰克逊和莱昂纳尔·里奇共同作曲的《We Are The World》横空出世。

同年，罗大佑、张艾嘉、李宗盛等人模仿《We Are The World》的公益模式，创作了《明天会更好》。

另外，他们还出面召集了中国台湾、中国香港、新加坡以及马来西亚等地共60位华人歌手共同演唱。

其中就有蔡琴、苏芮、潘越云等歌手。

1986年，远在北京的郭峰深深被这两首歌触动，在女朋友张丹丽的建议下，提出了用音乐呼吁“爱与和平”的想法。

不久后，在中国录音录像出版总社和东方歌舞团的支持下，创作了歌曲《让世界充满爱》。

郭峰：

说干就干，公布消息后，在5月9日当天，毛阿敏、田震、丁武、韦唯、崔健、常宽、成方圆、蔡国庆、付笛生、程琳等100多位初出茅庐的歌手齐聚北京工人 体育 馆，一场轰轰烈烈地“让世界充满爱”演唱会就此拉开了帷幕。

虽然《让世界充满爱》这首歌采取的是100多人合唱的方式，但由于当时流行音乐属于刚起步阶段，歌手个人气质及演唱风格并不是太突出。

整场演唱会，最亮眼的当属崔健带来的《一无所有》。

他抱着一把吉他，穿着松垮的衣服，卷着高低不齐的裤筒，开嗓就是一句“我曾经问个不休”，嘶吼的声音如同一把利剑划破了沉寂的长空，不仅震惊了台下的观众，就连当时的华语乐坛也为之颤动。

中国摇滚，就此诞生，崔健也开始了他的摇滚长征。

而《一无所有》，也成为中国摇滚乐当之无愧的开山之作。

很多人对于黄家驹的beyond乐队，一直都有种相见恨晚的感觉。

如果你喜欢Beyond，那么必须要了解1991年的《生命接触》演唱会。

如果在世界范围内评选20世纪最具影响力的演唱会，那么“Beyond1991Live”必然在列。

90年代的香港乐坛，歌手不到红馆开演唱会，那就说明你不够红。

黄家驹自1983年组建Beyond乐队后，曾先后举办过数十场大大小小的演唱会，不过这些演唱会留下来的录像画质很粗糙。

但是，1991年在红馆举办的演唱会跟以往完全不同。

当时，举办公司为大名 娱乐 ，这是第一次极其专业的把Beyond演出记录下来，无论是前期录像还是后期的制作都很认真。

1991年9月19—23日，Beyond在红馆连开5场。

这次盛会亮点实在太多，《金属狂人》的前奏响起时，黄家驹穿着一条背带花裤，光着光着膀子从后台直奔出来，一声仰天长啸冲开束缚，把狂人的金属气质展露无遗。

他唱得身上大汗淋漓，而现场歌迷也发了疯的嘶吼、呐喊。

演唱会期间，黄家驹说：“因为我不是很会说话，希望今晚我们用音乐来让大家领略我们的喜怒哀乐。”

何勇“狂言”一出，香港乐坛哗然一遍。

刘德华、郭富城、黎明的歌迷把他们演唱会海报全部撕毁。

随着事情愈演愈烈，主办方担心出大乱子，不得不把红磡 体育 场封了一面看台，随即又将演唱会门票压缩到8000张。

为了演唱会正常举办，王菲也出面自嘲“我也是小丑”借此来平息争端。

好在，最后演唱会如期进行，不嫌事大的何勇居然在演唱《非洲梦》的时候，朝着台下的四大天王走去，还“亲切”的问候他们圣诞快乐……

期间，现场很多四大天王的粉丝并没有躁动，反而沉迷在何勇的音乐之中。

这是一场不应该被遗忘的演唱会，也是中国摇滚乐迄今为止最高水平的演唱会。

可惜，这种辉煌成了最后的狂欢。

多年后，香港乐坛因为模仿翻唱走向没落，众多歌手纷纷转战内地市场。

当时，窦唯说了一句：“港台的那些人过来，脸上带着笑，但笑里藏着的是什么？他们真的是过来发展本土音乐的吗？”

窦唯也好，何勇也罢，他们对音乐的态度跟黄家驹如出一辙，只不过黄家驹少了他们那种目空一切和张扬的态度。

2000年7月31日，当那束蓝色灯光投映在香港红馆舞台上的时候，张国荣“热情世界巡回演唱会”拉开了帷幕。

张国荣极为重视这场演唱会，并且自己亲自担任艺术总监，从音乐到歌曲编目，从唱法到舞台效果，甚至是唱腔他都精心准备，只为给歌迷带来最好的体验。

大众并不清楚这场名为“热情”的演唱会过后，会赢得多少赞誉，又会面临多少流言蜚语，或者掀起多大风浪，这些都是无法预估的。

因为他在舞台上扮演着不同的角色，试图通过多元的文化形式打破人们固有的性别概念认知。

事实上，确实有很多人不能接受张国荣在舞台上的表演风格，尤其是穿“女装”的模样，港媒甚至评价他“妖气冲天”、“不男不女”。

其实那并不是“女装”，而是他邀请法国殿堂级时装设计师让·保罗·高缇耶为他设计的拉丁俊男概念的演出服。

“热情演唱会”的主题是从天使到魔鬼，信仰到背叛。

而备受某些人争议的服装，都是围绕着“热情”的主题打造。

第一套白色羽毛装，象征着天使的化身。

第二套鱼鳞装，象征着天使到人间。

第三套苏格兰贝母裙裤，象征着人间美少年的成长。

第四套金属色西装，象征着火辣青年。

第五套透视上衣、皮裤、红袍，象征着从青年到魔鬼的魅惑。

第六套白色背心搭配流苏仔裤，象征着放浪的情 人。

第七套灰色西装，象征着成熟优雅。

第八套白色浴袍，象征着欣赏自我，自我认知。

张国荣在演唱会最后说：“其实我整个的主题就是说人要懂得怎样去爱人之外，最重要的是懂得欣赏你自己——我。”

演唱会本身是一场秀，但张国荣把它当成了艺术，“热情”绝对是他的巅峰之作，也是第一次有人把哲学艺术融入到演唱会当中。

张国荣是一个真挚、努力、敢于突破的人，这场演唱会极具概念性和突破性，就连一向苛刻的中央电视台音乐频道都这样评价：

“张国荣的热情演唱会从表演形态，艺术理念，服装道具，观众反响都代表着中国演唱会的最高水准，无人超越。”

梅艳芳在病重之际曾说过这么一段话：

梅艳芳是一个宁天下人负她，她绝不负天下人的人。

她心里很清楚，如果再不开演唱会，就真的没有机会跟歌迷告别了。

2003年11月6日，梅艳芳在香港红馆举行了“经典金曲”演唱会。

即使身体虚弱，她也不欺场，不假唱，正如她在现场说的话一样：“只要有信心，无难事！”

连开八场演唱会，透支了梅艳芳原本就病重的身体。

更衣室里放着6台取暖器，可她还是觉得很冷，因为血小板低，每次唱完，她都要伏在助手身上，喘息好长时间。

2003年11月7日，在演唱张国荣的歌曲《今生今世》时，梅艳芳哭成泪人，她难过、痛心。

待心情平复，她向粉丝道歉：“头先好失礼，做歌手不应有自己的情绪。”

2003年11月9日，当晚梅艳芳略有低烧，但心情格外高涨，她穿上婚纱劝歌迷们早点结婚。

对于过往的遗憾，她也早已释然：

之后唱完《夕阳之歌》，她背对舞台，独自拖着长长的婚纱一步步走向楼梯，孤独的背影让人心疼。

在最后一场演唱会中，梅艳芳再次穿上婚纱，歌迷们疯狂呐喊，同样是演唱《夕阳之歌》，但为了不再让她一个人穿着婚纱孤独地走上去，刘德华以喜庆红杉率陈奕迅、谢霆锋、草蜢等人一起当花童，为梅艳芳拖裙尾，陪她走完最后一幕。

八场演唱会，梅艳芳私下留票邀请很多朋友在演唱会上见面，也是做最后诀别。

她舍不得这个舞台，舍不得歌迷，舍不得这么多好友……

2004年10月5日，张学友在香港会展中心举办了《活出生命live演唱会》。

“活出生命”演唱会又名“气死原唱”演唱会。

何为“气死原唱”？

原来，这场演唱会的宗旨是为慈善募捐。

张学友只唱了5首自己的歌曲，其余都是翻唱别人的歌，令观众听得如痴如醉。

这在他的演唱会中，可谓仅此一场。 而且，很多编曲改动幅度颇大，甚至有的歌节奏比原唱要快。

当然，也有不少人说，只是风格不同，不存在谁高谁低，但更多的观众认为张学友碾压了原唱。

比如，翻唱杨千嬅的《小城大事》。

据说，这首歌成了杨千嬅的心理阴影。

还有陈百强的《等》，张学友痴心的陶醉身心投入，引人入胜，尤其最后的哼唱，余音绕梁。

翻唱张震岳《爱我别走》时，加速的曲调，立即显示出“歌神”醇厚的声线，那种莫名的骚气，丝毫没有原唱中悲伤挽留无奈的感觉。

《但愿人长久》是邓丽君的经典曲目，王菲翻唱过，也别有一番滋味。

但是，没有人敢说能胜过邓丽君，王菲不行，张学友也不行。

不过，张学友翻唱的《但愿人长久》，应该是男版最好的版本。

整场演唱会，单从演唱技术而言，均高于录音棚水平。

其中有一段，张学友为了润喉，一边吃苹果一边唱歌，完全没有影响到发声，台下歌迷可谓是过足了瘾。

2004年10月2日，周杰伦“无与伦比”巡回演唱会在台北开场。

这是一场音乐至上的盛会，那时的周杰伦略显青涩，不太懂怎样与歌迷互动，就连感谢的话都没说完整，站没站姿，坐没坐相，走路左摇右摆，头发还染了一撮白……

但是，每一首歌都被他演绎到了极致，现场版甚至比CD版的还要好听。

《七里香》时他故意要跳下舞台，引起歌迷欢呼时嘴角扬起的笑，酒窝特别可爱。

《梯田+爸我回来了》的串烧极为巧妙，从比卡丘卖萌的歌词，到被称为神改编的编曲，到最后的笛声结尾。

原来，杰伦还会吹笛子。

《晴天》《断了的弦》《东风破》《你听得到》等歌曲，比录音棚里的那种中规中矩更有特色。

2004年的“无与伦比”名副其实，就连周杰伦自己也无法超越，更无法复刻。

“少年不听李宗盛，听懂已是不惑年。”

2006年5月5日，李宗盛的“理性与感性”世界巡回演唱会在台北小巨蛋开场。

何为“理性与感性”？

当48岁的李宗盛穿着宽松的休闲长裤、格子衬衫出场的时候，那种轻松，安静，平和、舒缓的气氛真实不做作，与台下歌迷就像多年未见的老友一样惬意陶然。

纵观整个华语乐坛，谁又能像他以这种豁达的方式出现在自己的演唱会上？

观众座无虚席却井然有序，掌声不息却波澜不惊，没有人发了疯的呼喊，也没有荧光棒发光字牌的衬托……这就是理性。

整场演唱会李宗盛的节奏感掌握得恰到好处，简单点说就是有人被节拍带着走，节拍为主，歌唱为辅，而他却是能和节拍共舞的人。

李宗盛的歌曲，唱的是人生，是感悟，是留恋。

他不仅局限于情爱，也不仅限于空洞乏味的说教。

李宗盛的内容，充斥着最普通、最平实的语调，而这些东西真真实实地戳到你的内心深处。

“理性与感性演唱会”没有花哨，听完之后就像是听了一段人生，听了一个老人诉说 情感 和过去。

那种内心的独白，更容易打动人。

2008年7月25日，李宗盛、罗大佑、周华健、张震岳四人成立了纵贯线乐队。

2009年3月7日，纵贯线世界巡回演唱会首场在台北小巨蛋开唱。

罗大佑和李宗盛是华语乐坛当之无愧的教父，而周华健和张震岳的实力也是毋庸置疑。

他们的巡回演唱会，注定不会平凡。

罗大佑表情丰富，宗盛还是很深刻，周华健笑的很暖，张震岳很腼腆。

才华这个东西，一山难容二虎，更何况这一次是汇集了四个。

四个老男人年龄加起来一百九十岁，出道资历八十六年，创作超过六百首歌曲，发行过七十张专辑。

可惜，“纵贯线”这颗如流星般闪耀短暂的神话般的组合，只成立了不到两年时间。

以上10场经典演唱会，代表了华语乐坛最高水准。

虽然近几十年来，华语乐坛不乏优质歌手，但能像他们为大众带来现场演唱盛宴的人，寥寥无几。