著名的小提琴家有哪些？

1、弗里茨·克莱斯勒

（Fritc Kreisler，1875—1962）

弗里茨·克莱斯勒是20世纪初叶最有影响的小提琴家。他生于维也纳的一个医生家庭，父亲是一个音乐迷，这对克莱斯勒产生重要影响。7岁时克莱斯进入维也纳音乐学院，10岁毕业后又入巴黎音乐学院从师于法比小提琴学派的著名教授马萨尔，当他以毕业比赛第一名的优异成绩毕业时，年仅12岁。因此，克莱斯勒的演奏兼有维也纳人的温暖人情味和法兰西式的贵族风度，这使得他的演奏风格新颖而独特，同时代的小提琴家几乎都受到过他的影响，如海菲兹、埃奈斯库、蒂博、大卫·奥伊斯特拉赫等等。克莱斯勒的演奏最重要的标志性风格，是对颤指（揉弦）的运用，他赋予颤指技巧以戏剧性的风格，无论是悠扬的歌唱性旋律还是快速音型的技术性段落，在此，颤指都已成为最有力的表情手段和增添色彩的手法，而这一点，正是他的前人们所十分谨慎从事的事情。

2、乔治·埃奈斯库

（Georges Enescu，1881—1955）

乔治·埃奈斯库是一位通才式的罗马尼亚小提琴家。他生于摩尔多瓦地区维尔纳弗县的利文镇。作为作曲家，其代表作管弦乐《罗马尼亚狂想曲》奠定了他作为罗马尼亚民族乐派代表人物的地位。对于他的钢琴演奏，连著名钢琴家阿图尔·鲁宾什坦都这样说：“他是一位就连我也要感到眼红的非常了不起的钢琴家。”而作为指挥家，他在世界各地受到了完全的尊重。埃奈斯库小提琴演奏的最重要特征在于，他将法比小提琴学派的演奏手法于他在童年时代就很喜爱的罗纪尼亚民间音乐中的吉普赛音乐（拉乌塔里，Laoutari）的表演传统有机结合在一起，形成了一种十分独特的演奏风格。由于他的包括作曲在内的多方面的音乐才能，使他的演奏给人们的印象不只是在拉琴，同时也是在即兴创作，他的每一次演奏都是新鲜的，都像是演奏新作。埃奈斯库在小提琴演奏的运弓方面有他独到之处，他喜爱弓幅宽阔的连音奏法，这使他的演奏充满了激情和旺盛的生命力。

3、亚沙·海菲兹

（Jascha Heifetz，1901—1987）

亚沙·海菲兹是当今世界小提琴家中最有影响的人物。他生于立陶宛的维尔纽斯，3岁便开始学习小提琴，父亲是他的启蒙老师，6岁举行了第一场音乐会，而后，他进入彼得堡音乐学院，师从大名鼎鼎的俄罗斯小提琴学派的奠基者奥波尔德·奥厄教授。毕业后，海菲兹即前往柏林、斯堪的那维亚演出，1917年夏，他及全家来到美国加利福尼亚，并在纽约的卡内基音乐厅首次登台，演奏帕格尼尼的《第24首随想曲》等，这场演出获得巨大成功，尤其是他对左手高难度技巧的把握，右手运弓的稳健和娴熟，令所有在场的观众，其中大部分是演奏家们的折服。1925年海菲兹入美国籍。海菲兹十分注意小提琴基本功的训练，尤其对音阶的练习，主张音阶练习要占整个练琴时间的一半以上。其演奏风格体现了他魔鬼般的技术和火一般的热情的个性，现代化的古典主义风格是他所遵循的，他的演奏像“美声”歌唱，每一个滑音都经过精雕细琢，而每一次运弓又都体现着音乐性，他的这种音乐性与技术性的完美结合，使他成为当今最具影响力的小提琴家，并影响了其后的很多小提琴家。

4、大卫·奥伊斯特拉赫

（David Oistrach，1908—1974）

大卫·奥伊斯特拉赫是俄罗斯小提琴学派的重要代表人物。他生于乌克兰的敖德萨，5岁时开始随敖德萨音乐学院教授、著名苏联小提琴教育家斯托利亚斯基学习小提琴，12岁首次公开演出，16岁举行第一次独奏音乐会。三十年代，他获得了多个比赛的奖项：1935年第二届全苏音乐演奏家比赛第一名，1935年维尼亚夫斯基国际小提琴比赛第二名，1937年比利时布鲁塞尔国际小提琴比赛第一名。这些成绩使他获得了世界性的声誉，尤其比利时的那次比赛，在7个一等奖中，苏联人获得了6个，由此奠定了俄罗斯小提琴学派在世界的地位。奥伊斯特拉赫的演奏富于抒情的诗意，艺术上曾受到克莱斯勒的强烈影响，但是他并没有完全照搬，克莱斯勒的具有唯美倾向的发音手法，在奥伊斯特拉赫那里变成了表现内心情感的手段。他的颤指有时采用艺术化的延迟瞬间开始，造成声音的久远延绵。

大卫·奥伊斯特拉赫曾于1957年来我国访问演出。

5、耶胡迪·梅纽因

（Yehudi Menuhin，1916—2001）

耶胡迪·梅纽因是一位与海菲兹旗鼓相当的犹太裔小提琴家。他生于美国的纽约，儿童时便显露出良好的乐感，5岁开始学习小提琴，7岁便在他的老师路易·帕辛格指挥的旧金山交响乐队协奏下演出了拉罗的《西班牙交响曲》。1926年他及全家前往欧洲，并在巴黎与埃奈斯库有了历史性的会见，遂成为埃奈斯库的学生。1927年，11岁的梅纽因第一次登上卡内基音乐厅舞台，在纽约交响乐团协奏下，演奏了贝多芬的《D大调小提琴协奏曲》，1931年他又在巴黎音乐学院的比赛中获得了第一名。梅纽因早期在柏林的演奏曾得到爱因斯坦的关注和赞赏，他在世界各地举行的音乐会上，演奏了不同时期、不同流派的作品，使他闻名于世界。梅纽因在演奏时，握弓时肘的位置明显比手高，这种高手肘“从肩部”就开始的各部分都参与的运弓方式，能使换弓时声音保持不断，声音饱满而结实，并能在弓根以非常弱的力度，用全部或四分之三的弓毛使人几乎觉察不到的换弓，这种方法与他的前辈奥厄提倡的应当保持在能使肘与手形成一条直线的位置的方法显然不同。梅纽因的双手比起正常的标准略为短些，这影响到他右手的运尤其弓子运到弓尖时，但他恰当地解决了这个问题。他的演奏亲切而诚挚，清醒而脱俗，出色的手指技巧和雄浑美妙的音色风格，是他的个性特征所在。

梅纽因自1979年以来曾多次来我国访问演出。

6、艾萨克·斯特恩

（Lssac Stern，1920———）

艾萨克·斯特恩是一位俄国犹太血统的美国小提琴家。他生于乌克兰敖德萨西北350公里的小城克里门内兹，当他出生仅10个月时，全家移居美国旧金山。斯特恩4岁随母亲学习钢琴，8岁从波拉克学习小提琴，11岁首次公演，12岁转到旧金山交响乐团首席布林德门下学习，14岁时，师徒公开演奏了巴赫的双小提琴协奏曲。1943年，斯特恩在纽约卡内基音乐厅举行了一场极为成功的独奏音乐会，由此成为世界级的小提琴家。斯特恩的演奏细腻中见出宏大，追求精确完美，力度多变，音色温馨的品性。作为音乐家，斯特恩在室内乐方面的造诣也引起了世人的瞩目，他与钢琴家伊托明、大提琴家罗斯演奏的三重奏，是室内音乐的经典。

斯特恩自1979年以来曾多次来我国访问演出。

7、列奥尼德·柯岗

（Leonid Kogan，1924—1982）

列奥尼德·柯岗是继大卫·奥伊斯特拉赫之后最重要的苏联小提琴家。他生于乌克兰第聂伯罗彼得罗夫斯克，6岁开始在当地音乐学校学习小提琴，10岁考取了莫斯科音乐学院特殊儿童班，随俄罗斯小提琴学派奠基人之一A·扬波尔斯基教授学琴。1940年他16岁时，便在莫斯科交响乐队的协奏下，演出了勃拉姆斯的《D大调小提琴协奏曲》。1947年，柯岗获第一届世界民主青年联欢节小提琴比赛一等奖，1951年在布鲁塞尔获伊丽莎白国际小提琴比赛第一名和金质奖章，由此引起世人瞩目。柯岗作为俄罗斯小提琴学派的重要代表，其艺术个性却与大卫·奥伊斯特拉赫完全不同，他特别擅长演奏戏剧性的音乐，动作泼辣明快，感情悲壮激昂，音乐对比鲜明，气势刚强雄劲，这些独特的个性，被人成为“柯岗式”的手法，与海菲兹的演奏有些相似。在柯岗的演奏生涯中，分为二个阶段，第一阶段以演奏炫技性的乐曲为主，第二阶段在前阶段的基础上，重点移到涉猎广泛的小提琴曲目方面，因此柯岗不仅有辉煌的技术，更有广泛的曲日积累。

8、萨尔瓦托雷·阿卡尔多

（Salvatore Accardo，1941———）

萨尔瓦托雷·阿卡尔多是一位全能的意大利小提琴家。他生于意大利的都灵，3岁开始学习小提琴，13岁在那不勒斯举行了首次职业演出。1955年在韦尔切利国际小提琴比赛中获奖，1956年在日内瓦国际小提琴比赛中获第一名，两年后的1958年，又在热那亚的帕格尼尼国际小提琴比赛中获意大利广播之春奖和小提琴比赛第一名，从此挤身世界优秀小提琴家行列。或许是意大利人的缘故，阿卡尔多对帕格尼尼的小提琴作品情有独钟，他是第一个全部录制帕格尼尼所有六部小提琴协奏曲的小提琴家，同时还录制过帕格尼尼全部24首随想曲，他演奏的帕格尼尼的作品是用心歌唱，而不是炫耀技巧。同时，他对其它作曲家的小提琴作品也有着深刻的理解，并全方位的演奏和录音。阿卡尔多的演奏注意追求非常歌唱性的声音，他认为小提琴本身就是一个歌唱性的乐器，因此首先要歌唱，然后才是技巧，因此在他的演奏中，哪怕是平淡无奇的乐句也会有着最美妙的表达。

阿卡尔多曾于1996年来我国访问演出。

9、伊扎克·帕尔曼

（Itzhak Perlman，1945———）

伊扎克·帕尔曼是当今世界最引人注目的小提琴家。他生于以色列的特拉维夫，5岁开始学琴，1958年13岁的帕尔曼被选到美国电视台演出，随后即移居美国。由于帕尔曼在4岁时患小儿麻痹症，成为终身残疾，因而无法站立演奏，但他却以超常的毅力，克服困难，最终成为世界级小提琴大师。帕尔曼移居美国不久，就受到著名小提琴家斯特恩的赏识，获得“以美基金会”奖学金，进入美国著名的朱丽亚音乐学院，师从伊凡·加拉米安和多罗西·狄雷教授学琴。1964年，帕尔曼在美国列文垂特国际小提琴比赛中获一等奖，被人称作“小提琴王子”。帕尔曼演奏的最大特点，是把浪漫主义的热情、洒脱和古典主义的和谐、均衡完美地结合在一起。他能驾驭各种音乐风格的作品，并图图用不同的音乐来表达不同的音乐内容。帕尔曼有一双令人羡慕的大手，但手指却十分伶俐，他的运弓饱满且极富倾诉力，他十分注意声音的歌唱性，其松驰的演奏，带给人们的是情感的波动，人们从他的演奏中感受到了力和美。帕尔曼擅长演奏帕格尼尼、维尼亚夫斯基、巴赫等人的作品，尽管他那炉火纯青的演奏技巧，面对那些炫技性的段落完全驾轻就熟，但他对乐曲十分逻辑地音乐处理，和对音乐的深刻理解才是他演奏成功的基石。

帕尔曼2002年8月将到我国访问演出，先在广州，而后去北京、上海。

10、平夏斯·祖克曼

（Pinchas Zukerman，1948———）

平夏斯·祖克曼是当代世界十大小提琴家中最年轻的一位。他生于以色列的特拉维夫，从小随父亲学习音乐，8岁时进入特拉维夫音乐学院。1962年，14岁的祖克曼来到美国，进入朱丽亚音乐学院随加拉米安教授学习。1967年，在第25届列文垂特国际小提琴比赛中获一等奖，由此奠定了他世界小提琴家的地位，并开始了他作为职业小提琴家的生涯。祖克曼到目前为止已录制发行了90多张专辑，全部为世界知名的小提琴和中提琴曲目，还获得了21项格莱美奖提名，其中两次获奖。祖克曼的演奏有很好的控制力和分寸感，既不夸张卖弄，也不过分热情，他在小提琴高音弦上的演奏极富穿透力，而在低音弦上的演奏则充满了甜美和荡气回肠。他还有一个十分独特的演奏个性，即在演奏中常常强调突如其来的重音。这些使祖克曼的演奏别具一格，十分醒目。

说起滑冰来，也有很多非常经典的场景，那些滑冰运动员在滑冰场上表演出各种经典的舞姿，优美的动作，吸引了很多观众的观看，以及热烈的掌声，而在众多的花样滑冰表演当中，能够称得上经典的，有这么几场节目，首先一个是在1995年世界锦标赛上有中国选手表演的《末代皇帝》。这一次的滑冰表演，随着插曲的开始，便进入了滑冰表演的高潮。

其中在整个花样表演当中有5个三连跳，表演的特别出色，成功地夺得了这一次世界世锦赛的冠军。而那精彩的5个三连跳一直都在看过这次表演的人脑海中回旋。还有一个堪称经典的花样滑冰表演《追梦无悔》，是在2010年的冬奥会上表演的，在这一次表演中，选手曾经做出抛跳三周的经典动作，而且还连续做了辗转三周一些高难度动作。

并且在音乐的配合下，显得非常唯美华丽。曾经有一个被世人感叹为“体育精神”的诠释者是一个表演滑冰《拉赫马尼诺夫第二钢琴协奏曲》的女选手。她在表演这个滑冰的时候表现的没有一丝失误，而且动作特别的优美，让人难以忘怀，并且他把那种古典的绝望的意境也演绎得非常贴切，是一次堪称经典的花样滑冰表演。

其实堪称经典的花样滑冰表演还是很多的，因为这种表演是滑冰与舞蹈的结合，它不仅展现给人优美的舞姿，还能融入很多滑冰的技巧，承受着滑到摔跤的危险，使观看的人能够聚精会神地欣赏，同时也为演员紧紧的捏着一把汗，看这种表演是很畅快过瘾的。

造就时代需要英雄，人类文明同样离不开英雄。英雄者，或集风云际会于一身，登高一呼万众麋聚，或又双雄并起，双峰相峙，各领风骚，互为争奇。凡属后者的两人，必定是思维理念、个性举止均对比极其鲜明，反差异常强烈，音乐上如巴洛克时期的巴赫、亨德尔；歌剧全盛期的瓦格纳、威尔第；指挥台上的托斯卡尼尼、富特文格勒和钢琴界的阿劳，霍罗维茨等皆属之。在苏联的小提琴领域正好也有这样的两位大师，可以说正是他们的四只手，在二十世纪后半叶共同撑起了世界小提琴艺术的半壁江山，捍卫了苏联小提琴学派的荣誉和地位。大卫奥依斯特拉赫和列昂尼德柯冈的名字并不因为他们的去世、时事的变迁而销声匿迹；相反，随着岁月的流淌，新生代的不断涌现，知道、倾慕他们的人将会越来越多。

列昂尼德柯冈（Leonid Kogan）与大卫奥依斯特拉赫一样也来自乌克兰，只不过由于柯冈比后者小16岁，因而可以说至少在柯冈崛出之前，大卫在苏联乐坛上的地位还是一言九鼎、无人撼动的。1924年11月14日柯冈出生于乌克兰中部的第聂伯罗彼得罗夫斯克。他的父母都是摄影师，父亲还是业余提琴手，从5岁起柯冈就拿着童琴学习，以后历经两任教师辛勤栽培终于成材。他的这两位老师都姓杨波尔斯基（Yampolsky），前一位叫菲利普，后一位叫阿拉姆，还都是奥尔的学生，但彼此之间没有一丁点儿的血缘关系。如果说家乡的菲利普杨波尔斯基培养他确立了对小提琴演奏的热爱和坚固的基础功底的话，那么从10岁迁往首都起，莫斯科的阿拉姆杨波尔斯基则一手缔造了他通向成功之路的坦途。从天才少年班到中央音乐学校（即莫斯科音乐学院附中），从大学再到研究生，柯冈师从杨波尔斯基长达17年，两人之间的情谊绝非一般的师生所能比拟。想当年，16岁的大卫奥依斯特拉赫以一曲《魔鬼的颤音》掀开了他艺术人生的第一页，而柯冈恰恰也是在16岁那年在莫斯科爱乐乐团的烘托下上演了他的处子作：勃拉姆斯的《D大调协奏曲》，以其精湛的琴艺和与年龄极不相称的成熟素养，轰动乐坛。这次成功原在人们的意料之中，须知此时的柯冈还仅是一位附中的学生呢。4年后，作为音乐学院二年级学生的柯冈已经以莫斯科爱乐乐团特邀独奏家的身份随团去国内外巡回演出，他那令人印象深刻的演技和鲜明艺术个性令听从们惊叹不已。然而，真正让世界感受到柯冈存在的是1951年在比利时布鲁塞尔举行的“第一届伊莉莎白王后国际音乐比赛”上，柯冈以一曲帕柯尼尼的《D在大调第一协奏曲》技惊四座，一举夺得大赛金奖。载誉而归的柯冈旋即被任命为母校的小提琴教授。所谓好事成双，不久，28岁的柯冈又当上了新郎，他的新娘正是比他大5岁的女小提琴家伊莉莎贝塔吉列尔斯。（Elizaveta Gilels）

33岁的伊莉莎贝塔是苏联乐坛上最负盛名的钢琴大师埃米尔吉列尔斯的胞妹。说起来柯冈与伊莉莎贝塔的这段姻缘还亏得这位大舅在无形之中牵线搭桥呢。原来，在1949年，爱好室内乐的柯冈就与钢琴家吉列尔斯以及大提琴家罗斯特罗波维奇组成了一支钢琴三重奏组，经常在音乐会上演奏贝多芬、柴可夫斯基、肖斯塔科维奇和拉赫玛尼诺夫的三重奏作品。久而久之，吉列尔斯那同是小提琴专业的妹妹自然与柯冈也熟识起来。伊莉莎贝塔非等闲之辈，她早年曾拜斯托利亚尔斯基为师在敖德萨音乐学校学琴，后来在莫斯科音乐学院又师从阿拉姆杨波尔斯基，乃柯冈的正牌师姐。1937年，当“伊丽莎白国际小提琴比赛”的前身“伊萨依国际小提琴比赛”创办伊始，如日中天的大卫奥依斯特拉赫以29岁的“高龄”力拔头筹时，同时参赛的18岁的少女伊莉莎贝塔却也以不俗的琴艺取得了第三名的优异的成绩。此后的她虽未能大紫大红，却也一直活跃于音乐舞台上。伊莉莎贝塔倾慕柯冈的年轻有为，而柯冈也从这位师姐那里感受到更多的成熟和温情。两人喜结连理，不仅是彼此艺术上情感上心心相印的升华，也是苏联两个最知名音乐家庭的联姻。几年后随着儿女相继出世，更使柯冈夫妇的生活充满了喜悦，柯冈的事业也突飞猛进。1955年，他应邀前往法国巴黎举行的音乐独奏音乐会，这也是他首次在西方的音乐舞台上亮相。在首场演出中他一口气演奏了莫扎特、勃拉姆斯和帕格尼尼三部时代、风格皆大相径庭的协奏曲，使原本对东欧演奏艺术执有偏见的听众们只有心悦诚服的份。第二天法国的报纸上这样评论道：“柯冈的演奏之出神入化使听众们闭上眼睛就能体会到站在你面前拉琴的原来是位真正的魔法师。”

作为苏联小提琴学派共同的旗帜，大卫奥依斯特拉赫与柯冈之间的关系向鲜见于国内转述的各类文章之中。就一般而言，总是同行相轻，而具有不同个性、风格的学派领袖尤甚。柯冈与大卫奥依斯特拉赫的演奏风格是迥然有异的。柯冈以擅长表现音乐的戏剧性取胜，他与奥氏最本质的区别也许在于他的演奏追求雄奇险峻、声势豪迈的气质，这与情感温馨儒雅和音色细致入微的奥氏招牌形成泾渭分明的巨大反差。然而这种性格上、气质上区别并没影响到他们彼此之间的友谊。1951年当柯冈参加伊丽莎白五后比赛时，评委当中就端坐着奥依斯特拉赫。当柯冈在决赛中演奏完后，大卫对着同是评委的法国提琴大师蒂博不无得意地说：“你当然了解我们的培养方法是优秀的。我们的年轻人演奏得非常出色，他们完全成了听众注视的焦点。列昂尼德和米沙（指米哈伊尔瓦伊曼，他也是杨波尔斯基的学生，当年比赛的亚军得主）根本找不到激烈的竞争对手，我预言他俩将获得比赛的头两名。”比赛的结果一如奥氏所料，26岁的柯和24岁的瓦伊曼昂头挺胸站上了领奖台。柯冈成名后，作为一名后来者，他还经常出席大卫的演奏音乐会以及他晚上在音乐学院的授课。大卫尽管比柯冈大16岁，但却始终把柯冈视作一个平等同行而决非是竞争的对手。当然，在通常情况下大卫总是作为苏联小提琴学派的唯一代言人在各种场合频频亮相，而柯冈则由于天性内敛孤僻，总是尽可能地避免在公众场合抛头露面。至于谈到柯冈心目中的偶象，则非海菲兹莫属。每当回顾起海菲兹1934年的访苏之行，柯冈总是由衷地说：“我去听了他的每一场音乐会，至今我仍能清晰地记忆起他演奏的每一个音符……。”其实，只要留意柯冈唱片封套上的演奏肖像和实况录像的神态，就可发现他与海菲兹在演奏时都是神色冷峻凝重，毫无一丝快意，双眼都直直地逼视着琴上的弓和弦，何其相似乃尔！就连柯冈演奏的琴也大有讲究。据他的儿子帕维尔回忆，父亲在其早年的演奏生涯中使用的是音色更为柔和亮丽的斯特拉迪瓦里，后来他认为瓜尔内里那深邃沉郁的音色更符合自己的个性，于是就改用了一把制于1726年的瓜尔内里“杰苏”琴。此外，柯冈还收藏了一把1733年的瓜尔内里名琴，而这把琴还是大卫奥依斯特拉赫于60年代为他觅得的。俗话说琴为心声，两人的相敬相知由此可见一斑。不过，对于琴弓柯冈倒是更喜欢选用法国的弓，他几乎从不使用德国弓，这一点他又与海菲兹和大卫奥依斯特拉赫有截然不同的审美观。

柯冈一生远官场淡名利，讷于言而敏于行，尽管其生前集功勋艺术家、人民艺术家、列宁奖章获得者等诸多荣誉于一身，然而他与他家人的演奏录音都并不好找，尤其在国内，几乎是唱片爱好者收藏上的一个盲点。为此，谨就个人收集到的资料将其流变略述于后。以备有心者日后寻觅。

柯冈的录音其实不少，但苏联国家级的“旋律唱片公司”（Melodyia）发行的大都还止于LP的载体形态，于欣赏、收集都带来莫大的不便。与此同时西方世界对于柯冈艺术的价值似也远不如对大卫奥依斯拉赫那么看重，后者的唱片可谓俯拾皆是，可五大唱片公司发行的柯冈唱片却屈指可数。倒是几家名不见经传的小公司在这方面眼光独到，做出了值得嘉许的成绩。

意大利的“丑角”唱片公司（Arlecchinl）推出的《柯冈的艺术遗产》（Leonid Kogan Legacy）为30CD，虽未号称全集，却几乎涵盖了柯冈在各个重要时期演奏的不同风格、不同体载的作品，有全集之实。而日本的三全音乐株式会社以“希神”（Triton）也为30CD，其编辑思路与曲目编排与“丑角”又有所不同，曲目也并不完全重叠。以上两种是欲收藏全集的理想目标，至于选集类的CD，当首推英国“圣约”（Testament）的一套6张CD（编号为SBT1223—1228），这一套的重要性在于收录了柯冈所演奏的足以显示其鲜明个性和卓越琴艺的经典小提琴协奏曲，其中包括了贝多芬、勃拉姆斯、门德尔松和柴科夫斯基的所谓“四大协奏曲”还有他与夫人伊莉莎贝塔合作的泰勒曼、列克莱尔和依萨伊的小提琴双重奏鸣曲等，实为收藏之圭臬。倘再退而求其次，只求一碟在握以闻其音者，EMI唱片公司“名家档案系列”（Artist Profile）的柯冈专辑（2CD）无疑是首选（CD编号为ZS0777 76773223）。它遴选了柯冈演奏的贝多芬、勃拉姆斯和柴科夫斯基的三首D大调，外加一首拉罗的《西班牙交响曲》，由康德拉辛、西尔韦斯特里等名家指挥，为柯冈全盛时期的代表作。可惜该片已被EMI从目录上删除有年，不知今后会再版否？值得注意的还有韩国的“炎唐古典”唱片公司（Yedang Classica）发行经由美国“干线音乐公司”（Pipeline Music）从苏联获得版权，并进行了模转数处理的一批珍贵音乐档案，其中就有柯冈演奏的数种，由于这批CD唱片自2000年起才陆续问世，相比较而言，“炎唐”的唱片倒是柯冈爱好者们最易觅获的对象。

http://entsinacomcn/y/2006-08-29/16531222256html

排名第一：拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》 拉赫玛尼诺夫的《第三钢琴协奏曲》表现了最坚毅的俄罗斯精神与最强大的生命力，而作曲家本人的人格力量，也在这部作品中也得到最充分的展示：“拉赫玛尼诺夫是用钢铁和苋金铸成的，钢铁是他的手臂，黄金是他的心灵。”这正是拉赫玛尼诺夫的音乐最珍贵之处。 拉赫玛尼诺夫本人作为钢琴独奏者在纽约首演时，曾把自己这首协奏曲戏称为“大象之作”，比喻其庞大与沉重。一位著名的音乐学者也曾形容演奏一次“拉三”在体力上的付出等于“铲十吨煤”，其难度可见一斑。澳大利亚的音乐家传记影片《闪亮的风采》描写过钢琴家因演奏“拉三”而导致精神崩溃，我们可以籍此想象出“拉三”所具有的情感震撼力！ 拉赫玛尼诺夫说，能把这首钢琴协奏曲演绎好的只有霍洛维茨。

排名第2：麦可斐尼西的《EnglishCountry-Tunes》 英国作曲家麦可斐尼西在三十多年前创作出来的“EnglishCountry-Tunes”钢琴曲。这首号称是全世界最难演奏的钢琴曲，琴谱上有时一个小节里就挤进三百个音符，弹奏的时候手指头和手肘都要用俄罗斯女钢琴家丝罗克兰德曾在日本首度演奏这首曲目。

排名第3：普罗科菲耶夫 第2钢琴协奏曲 普罗科菲耶夫第二钢琴协奏曲，G小调，OP．16，作于1913年，因当时同班好友斯密特霍夫自杀，故此曲呈献给斯密特霍夫，因原谱丢失，普罗科菲耶大1923年凭记忆再整理而成。此曲1913年8月23日由普罗科菲耶夫主奏而首演。首演时，因为一直是节奏的激烈敲击与不协和弦的连续，曾遭许多人退席谩骂。多数报道称：“这种未来的音乐，送给魔鬼去吧。我们是来享乐的，我家的猫也会弹这种音乐。”而当时贾吉列夫正是听完此曲而邀请普罗科菲耶夫为他创作舞剧音乐，批评家卡拉蒂吉（Viatcheslav Karatygin，1875—1925）则称：“我确信10年后，听众会给这位年轻作曲家的天赋，报以相当的掌声来为昨日冒失的嘲笑赎罪。” 此曲共4个乐章： 第一乐章：小行板，G小调，奏鸣曲型的自由形式。呈示部以弦乐拨奏和单簧管2小节序奏作引导，钢琴左手弹分散和弦，右手出现充满忧愁的第一主题。主题在木管与钢琴间一来一往后，移至快速音群。第二主题为小快板，钢琴弹出第二主题后，不断展开华丽的音型。移至长笛与双簧管、长笛与单簧管后，稍慢一点，以乐队合奏结束呈示部。发展部以钢琴在大提琴震音背景上展开第一主题华丽发展始，以快速达到高潮，平静之后再现部钢琴一出现第一主题立即结束。 第二乐章：谐谑曲，活泼地，D小调，三段体，为快速进行的托卡它型乐章。第一段一开始就以强烈的钢琴主题为中心，弦乐拨奏，管乐作滑稽音型夹在中间。中段是伴奏的乐队不断奏跃动性乐念，钢琴不断继续托卡它音型。 第三乐章：间奏曲，温和的快板，三段体。第一段以乐队沉重步伐似的序奏始，钢琴进入作华丽发展。中段小提琴拨奏出明确主题并加以发展，钢琴一再奏滑奏音型，乐队与之互为纠缠，构成优美的音色效果。第三段把第一段要素作各种不同变化。 第四乐章：热情奔放的快板，G小调，A—B—C—B—A结构。A以钢琴与长笛呈示自由奔放的旋律始，钢琴以敲击手法进入，与弦乐拨奏形成对比。B速度转慢，钢琴敲出一半和弦后，单簧管、低音管、大提琴奏出平易的俄罗斯风格的D小调旋律，钢琴继承后再交给低音管、双簧管，圆号又以逆行。C速度转快而进入快板，长笛与弦乐拨奏造成音型交叠，乐队咆哮和钢琴和弦构成高潮。平静后，在沉重的和弦后，钢琴独奏华彩，B段要素再现，到行板趋于平静，又变成快速音群，钢琴冥想性独奏。然后乐队形成尖锐的音响，回到热情奔放的快板A段曲趣，最后进入C段要素构成的短小终结部而结束。

2009-11-8 19:43 回复

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2楼

排名第4：李斯特《唐璜的回忆》 李斯特根据莫扎特歌剧《唐璜》改编的钢琴曲《唐璜的回忆》是李斯特众多改编曲中的精粹,技术之艰深,场面之宏大,在原作的丰富表情上制造出惊人的气势。 莫扎特的歌剧《唐璜》本来长约两个半小时，被李斯特改编后，成了简短的钢琴曲。钢琴曲没有删除歌剧中的一个音符，整首曲子无论是节奏还是技巧，都是难度非常高的。《唐璜的回忆》被称为是最难的钢琴曲之一，鲜少有人弹奏。

排名第5：勃拉姆斯降B大调第二钢琴协奏曲 勃拉姆斯降B大调第二钢琴协奏曲 （Concerto for Piano no 2 in B flat major, Op 83） 作于1881年。从莫扎特、贝多芬时代起，经舒曼、肖邦以至近代作曲家创作的协奏曲，基本都是三乐章结构，但勃拉姆斯为他的第二钢琴协奏曲增加了谐谑曲乐章，从而使作品扩充成为四个乐章，形式和性格都已接近于交响曲，独奏乐器也成为乐队的一员，这种交响化的理念脱离了协奏曲原来“竞奏”的意义，因此,这首乐曲有时候也被后人称为“由钢琴主奏的交响曲”。 这首钢琴协奏曲的形式十分特殊：首先乐曲采用协奏曲历史上罕见的四乐章形式；其次本曲中的主奏钢琴并未占据绝对主导的地位，作者特意让钢琴与管弦乐“完全平等”。这首协奏曲既无莫扎特式的流畅，又无贝多芬式的雄壮，是地道的勃拉姆斯式作品。与第一协奏曲相比，显得更加沉重暗涩，技巧也特别难，有人讲勃拉姆斯的降B大调协奏曲是“要钢琴家血汗的至难协奏曲，它不要钢琴家的妙技，而是要他们成为苦力。” 这首乐曲具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重，同时又有他明朗、温柔的另一面。1878年春，勃拉姆斯第一次到意大利旅行，这一南欧古国的风土人情给作者留下了极为深刻的印象，由此勃拉姆斯开始构思这首乐曲。1881年三月，作者再度访问意大利，这一次彻底唤起了他的灵感，于是回国后立刻伏案疾书，当年夏天便完成了这首乐曲。实际上，本曲中的意大利风格并不明显，但无疑是作者真实情感的流露，堪称勃拉姆斯的代表作品之一。这部作品最后完稿于1881年，同年11月9日作者本人担任钢琴独奏使用乐谱草稿，在布达佩斯首演。 全曲共分四个乐章： 第一乐章：不太快的快板，降B大调，4/4拍子，奏鸣曲形式。传统的双呈示部。第一呈示部是管弦乐，首先由圆号奏出由两小节组成的第一主题动机，钢琴推迟一小节跟上，像影子一样进行模仿，木管声部进行发展，略带伤感的第二主题由小提琴呈示后乐章进入第二呈示部，钢琴呈示新的主题并发展，第二主题钢琴则以热情的变奏呈示。F小调展开部后音乐进入再现部（第二主题用降B小调）。尾声中管弦乐奏出第一主题的部分动机，钢琴用华丽的琶音伴奏，最后以强有力的开始动机结束。本乐章写得厚重而有力， 颇具勃拉姆斯风味。贯穿乐章始终的主题动机，由雄浑的圆号引入，钢琴加以应答。在乐队协奏下的钢琴时而温婉优美，时而热情壮丽。本乐章中有许多处理方式与古典派协奏曲截然不同。 第二乐章：热情的快板，d小调，3/4拍子，三段体。典型的谐谑曲，但奏鸣曲式结构非常清晰、规模庞大，给人以深沉之感。第一主题，钢琴用激烈的强奏开始，乐队紧紧相随。第二主题为A小调，用弦乐齐奏呈示，之后钢琴反复。展开部发展上述两主题，再现部用的是完全不同的乐器编制。其旋律热情而富于幽默感，同时也很有魔力。 第三乐章：行板，降B大调，6/4拍子，三段体。由管弦乐奏主旋律，钢琴演奏装饰音型，并作主题变奏。第一部分由大提琴奏出甘美的旋律开始。中间部分更柔和，由单簧管奏升C大调主题，富于幻想的歌唱性旋律虔诚得近似祈祷。最后再现降B大调主题。本乐章充满浪漫气氛，是在“德国式的”厚重风格中另有意大利明朗色彩的典雅乐章。 第四乐章：优美的小快板，降B大调，2/4拍子，回旋曲形式。优美的具有舞曲性格的华丽终曲。清新活泼的回旋主题由钢琴独奏开始，乐队模仿。之后带有匈牙利乡土风格的插入部用A小调呈示（后移D调再现）。其他许多辅助的插入部，在钢琴与乐队间交错穿插，有时钢琴用音型和经过句装饰管弦乐主题，有时乐队用色彩性和声给钢琴以烘托，编织成辉煌的终曲。这个乐章的大致结构为A-B-A-B-结尾的程式。由钢琴开始的舞曲风主要主题，纤巧精细，又不乏厚重华丽

排名第6：斯特拉文斯基 彼得鲁斯卡 伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基，美籍俄国作曲家、指挥家，西方现代派音乐的重要人物。父为圣彼得堡皇家歌剧院男低音歌手。他曾师从里姆斯基一科萨夫学作曲。1939年定居美国，并先后入法国籍和美国籍。作品众多，风格多变。《彼得鲁斯卡》原为管弦乐曲，后来改编为钢琴曲，献给鲁宾斯坦。 难度极高 沈文裕在英国演奏难度极高的《彼得鲁斯卡》时,当地的《当代音乐厅》杂志称赞他“技巧高超,音色变化之丰富,甚至超过了波里尼(著名钢琴大师)。”

排名第7：李斯特 超技练习曲第5首 鬼火 李斯特的《12首超技练习曲》是钢琴史上令人生畏的高难曲目。从技巧上看，李斯特的这12首作品难度过分艰深，仿佛是钢琴演奏艺术的象牙塔尖，即使在20世纪钢琴大师如过江之鲫的年代，也很少有演奏家敢于挑战。 超技练习曲鬼火拥有高难的双音技术，12超技当中最难的一首，拉赫说它是最难的练习曲，技术刁钻不说，还必须弹得轻灵有趣方能服人。

排名第8：巴拉基耶夫 伊斯拉美 巴拉基耶夫是一位出色的钢琴演奏家，他弹琴都是凭记忆，从不看谱。他创作了一套技巧性很高的钢琴作品，最著名者，就是这首《伊斯拉美》。这首《伊斯拉美》作于1869年由尼古拉·鲁宾斯坦首演。这是一首极难演奏的作品，是巴拉基列夫1870年到高加索地区采风的产物，这部作品的副标题为“东方幻想曲”。其正主题是高加索达开斯坦地区勒斯基人的一种舞曲，第二主题（仿佛是一个中段）则是巴拉基耶夫在莫斯科听一个歌剧演员演唱的一首歌曲的旋律。这首作品三段体：先是主奏，表达主题；然后是中段，奏出充满感情的小行板；然后结尾，加快速度，回到主题，尾奏是十分狂热性的激烈的急板。因为其极高的难度，许多钢琴家把它当作一个挑战。

排名第9： 李斯特 帕格尼尼练习曲 第3首 钟 《钟》这首乐曲又译成《康派涅拉》，是李斯特根据意大利小提琴家帕格尼尼的《B小调第二号小提琴协奏曲》的主题改变的钢琴独奏曲，李斯特最出名的炫技作品。 《钟》用回旋曲式写成，主题每次出现都变换一种新的演奏手法，充分发挥钢琴演奏的技巧。李斯特改编的《钟》比帕格尼尼的小提琴协奏曲《钟》篇幅要短，由于主题多次出现，给人印象很深刻。《钟》这首乐曲是钢琴家们经常在音乐会上演出的曲目，因为它可以充分表现出演奏家的高超技巧。演奏者需要极高超的钢琴技巧才可能良好的驾驭此曲 当然，我们的李云迪曾在演奏会上弹过此首乐曲。

排名第10： 贝利尼《诺玛的回忆》 意大利歌剧作曲家文森佐· 贝利尼在《诺玛》中铺陈出华丽而浑然天成的抒情旋律，以强烈对比的剧情张力，展现爱情、仇恨与宽恕的角力，更提早一个半世纪预告了女性主义

演出日期　　演出团体　　指挥　　曲目推荐20140411　　北京交响乐团谭利华1、A小调小提琴协奏曲-德沃夏克（曲）、吕思清（独奏）

2、《罗密欧与朱丽叶》组曲 20140412中国国家芭蕾舞团交响乐团张艺1、帝尔的恶作剧 - 施特劳斯（曲）

2、死与净化 - 施特劳斯（曲） 20140413天津交响乐团汤沐海D大调第二交响曲 -勃拉姆斯（曲）20140416中国国家交响乐团陈燮阳1、《罗恩格林》三幕前奏曲 - 瓦格纳（曲）

2、意大利随想曲 - 柴可夫斯基（曲） 20140417中央歌剧院交响乐团俞峰C小调第二交响曲”复活“ - 马勒（曲）20140418深圳交响乐团克里斯蒂安·爱华德1、《爱格蒙特》序曲 - 贝多芬（曲）

2、第五交响曲 - 马勒（曲） 20140420中国爱乐乐团夏小汤1、《科里奥兰》序 -贝多芬（曲）

2、曲C小调第五交响曲 - 贝多芬（曲） 20140424上海交响乐团张洁敏1、《女人心》序曲 -莫扎特（曲）

2、降E大调钢琴协奏曲 -莫扎特（曲）

3、D大调小提琴协奏曲 -贝多芬（曲） 20140425台湾长荣交响乐团葛诺‧舒马富斯 1、斯拉夫进行曲 -柴可夫斯基（曲）

2、《威廉·退尔》序曲 -罗西尼（曲）

3、第五交响曲 -肖斯塔科维奇（曲） 20140426贵阳交响乐团陈佐湟1、第五钢琴协奏曲 -贝多芬（曲）20140427广州交响乐团李心草1、第二钢琴协奏曲 -拉赫玛尼诺夫（曲）20140430国家大剧院管弦乐团陈佐湟1、第二琵琶协奏曲（亚洲首演） - 赵季平（曲）

2、交响舞曲 -拉赫玛尼诺夫（曲） 20140501 波士顿交响乐团洛林·马泽尔1、帕格尼尼狂想曲 -拉赫玛尼诺夫（曲）

2、第五交响曲 -柴可夫斯基（曲） 20140502波士顿交响乐团洛林·马泽尔1、第三十八号交响曲“布拉格” - 莫扎特（曲）

2、第五交响曲 - 马勒（曲） 一、“中国交响最强音”为主题，汇聚了目前国内实力较强的乐团，是中国交响乐界难得一见的“群英会”。

二、“交响乐之春”是国家大剧院的交响音乐会品牌项目，始于2008年，每年四月举办。本届“交响乐之春”堪称中国交响乐界难得一见的“群英会”。既有130余年历史的上海交响乐团，也有建国初期创办的中国国家交响乐团、中央歌剧院交响乐团，改革开放初期创办的深圳交响乐团，还有新世纪以来领衔交响乐坛新军的中国爱乐乐团、国家大剧院管弦乐团等。　　其中指挥大师洛林·马泽尔带领的波士顿交响乐团将作为特邀乐团首次出现在国家大剧院的舞台上。作为1979年中美建交之后首度造访中国的美国交响乐团，此次演出是该乐团在35年之后重返舞台的历史性时刻。此外，中国爱乐乐团、台湾长荣交响乐团也将首度登上“交响乐之春”舞台。　　从莫扎特、贝多芬到勃拉姆斯，从理查德·施特劳斯到古斯塔夫·马勒 ，本届”交响乐之春”全面地展现了德奥交响乐博大精深的经典魅力。缔造7次欧洲巡演奇迹的老牌交响劲旅北京交响乐团在著名指挥谭利华的带领下拉开 “交响乐之春”序幕，小提琴名家吕思清亦将加盟本场音乐会，演奏安东尼·德沃夏克的小提琴协奏曲。中国爱乐乐团在“交响乐之春”的首度亮相，为乐迷带来最为熟知的贝多芬《第五交响曲》，80后钢琴家卡蒂娅·布尼亚季什维莉也首次与乐团合作、广受乐迷欢迎的爱德华·格里格《a小调钢琴协奏曲》。中国交响乐团历史上最古老的上海交响乐团联手最年轻的张金茹和王雅伦带来莫扎特和贝多芬的协奏曲。广州交响乐团也将在著名指挥家李心草的带领下，同年轻钢琴家袁芳合作拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》。波士顿交响乐团的首场音乐会带来莫扎特第38交响曲和马勒《第五交响曲》，古典主义与晚期浪漫主义交织，如此独特精巧的曲目安排，让乐迷同时领略到德奥音乐的艺术性与经典性。

作为本届“交响乐之春”特邀乐团出现的波士顿交响乐团将在指挥大师洛林·马泽尔的带领下带来两场音乐会，这支与中国有着特殊感情的乐团，此次是首次登上国家大剧院的舞台。此外，中国爱乐乐团、台湾长荣交响乐团是首度登上“交响乐之春”舞台的国内乐团。

三、曲目设计方面，德奥交响经典、民族乐派精品、现当代中国作曲家作品让本届“交响乐之春”的整体曲目安排既具艺术性与经典性，又具可听性与民族性。特别是，从莫扎特、贝多芬到勃拉姆斯，再到理查·施特劳斯、马勒，可以说是德奥交响乐历程的一次较为全面的展现。朱践耳、江文也、赵季平、张千一等中国现当代作曲大家的作品也将被演奏。此外，贵阳交响乐团还将呈现第二期国家大剧院“青作计划”获奖作品《碧塔海之晨》，“国交”音乐会演奏新生代作曲家王沙里的《日冕》，展现当代中国青年作曲家在管弦乐创作上的成绩。 北京交响乐团

拥有7次欧洲巡演的老牌交响乐团，演绎过所有曲目并维持旺盛的生命力，同时本场演出中，小提琴家吕思清加盟并演出德沃夏克小提琴协奏曲。

中国国家芭蕾舞团交响乐团

青年小提琴家黄蒙拉加盟演出，此前曾获帕格尼尼小提琴比赛金奖，本场与乐团合作布鲁赫《苏格兰幻想曲》，被评论界认为可以展现演奏家的高超技艺和沉厚音色，同时还会演出理查·施特劳斯《蒂尔的恶作剧》、《死与净化》两首交响诗。

天津交响乐团

乐团鼓励中国交响乐作品的创作，先后演绎了叶小纲、鲍元恺、金湘、唐建平、姚盛昌、刘庭禹等著名作曲家的一些作品，并且均由乐团首演。

中国国家交响乐团音乐会

本次乐团特邀了陈燮阳执棒本场音乐会，并且演出朱践耳、沙汉昆、赵季平等作品。

中央歌剧院交响乐团

乐团将演出马勒《第二交响曲》，在演绎该部庞大作品在国内实属难得。

深圳交响乐团

柏林音乐学院指挥系主任、乐团音乐总监克里斯蒂安·爱华德教授将执棒本场音乐会。音乐会将通过马勒的作品展现这支乐团的水准，马勒《第五交响曲》是一部颇有“观众缘”的作品，特别是其中的“小柔板”乐章是很多听众古典乐入门的必听曲目。

中国爱乐乐团音乐会

乐团首度亮相本届音乐节，将会演绎耳熟能详的贝多芬《第五交响曲》，其中，80后钢琴家卡蒂娅·布尼亚季什维莉将首次与乐团合作格里格的《a小调钢琴协奏曲》。

上海交响乐团音乐会

乐团是亚洲最早建立的、具有广泛影响的专业音乐团体，最早演奏了中国第一部管弦乐作品并培养了众多中国音乐人才，拥有着最早培养的一批中国交响乐听众，是中国交响史上最古老的乐团，被誉为“远东第一”。

台湾长荣交响乐团音乐会

乐团是一支“年轻有活力，专业有特色”的民营乐团，该团对古典作品的诠释以及在台湾本土民谣的交响乐有深刻理解，本届受邀演出是乐团第一次亮相“交响乐之春”。同时在音乐会的曲目选择上，德国指挥家、音乐总监葛诺·舒马富斯将执棒柴科夫斯基、理查·施特劳斯、肖斯塔科维奇等风格各异的作品，展现乐团的多面性。

贵阳交响乐团音乐会

乐团现已经聚集了八十多位海内外优秀音乐人才，平均年龄只有27岁的朝气蓬勃的音乐团队，本场音乐会将在国家大剧院音乐艺术总监陈佐湟带领下，演出第二期“青作计划”第二名作品《碧塔海之晨》。

广州交响乐团音乐会

老牌交响乐团，在世界五大洲都留下足迹，本场音乐会将在李心草的带领下，演奏拉赫玛尼诺夫与巴托克作品，钢琴家袁芳也将与指挥家李心草和乐队合作拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》。

国家大剧院管弦乐团音乐会

指挥大师陈佐湟将执棒国家大剧院管弦乐团，带来韦伯、赵季平、拉赫玛尼诺夫三部风格迥异的作品。

赵季平的《第二琵琶协奏曲》由颇具创新的琵琶演奏家吴蛮与乐队共同演绎，同时，本场音乐会也是这部作品的亚洲首演。

波士顿交响乐团音乐会

该团是自1979年中美建交后首个造访中国的美国交响乐团，本场受邀演出是该乐团继35年前在中国历史性演出后的首次亮相，并且由指挥大师洛林·马泽尔执棒。

音乐会上将演绎莫扎特第38交响曲，马勒《第五交响曲》，带来德奥音乐风格，《帕格尼尼主题狂想曲》由被称为西方“郎朗”的钢琴王子、青年钢琴家贝竹特·阿贝都莱默与乐队合作演奏。

深圳吕思清小提琴独奏音乐会将在9月5日晚20点深圳音乐厅举办，喜欢吕思清或者小提琴的朋友不要错过，深圳吕思清小提琴独奏音乐会的详情，感兴趣的朋友一起来看看吧！

吕思清小提琴独奏音乐会

时间：2021年9月5日20:00

地点：深圳音乐厅

演出票价：680/580/480/380/280/180

主演简介：

小提琴独奏|吕思清

作为第一位夺得国际小提琴艺术最高奖之一——意大利帕格尼尼国际小提琴大赛金奖的东方人，他的琴声早已遍布维也纳金色大厅、美国纽约林肯艺术中心、洛杉矶好莱坞碗型剧场、加拿大多伦多福特中心、渥太华国家艺术中心等世界著名的演出场所。吕思清以他激情洋溢的演奏以及无可比拟的音乐魅力赢得了全球超过四十多个国家及地区的观众的喜爱。

钢琴伴奏丨薛颖佳

薛颖佳是当今中国最具实力，曲目涉猎最广泛的钢琴家之一。他是2004年巴黎斯克里亚宾国际钢琴大赛第一名获得者。除此之外，薛颖佳还曾在诸多比赛中屡获殊荣。2003年获比利时杜莫帝耶国际钢琴比赛第二名;同年7月获意大利拉赫玛尼诺夫国际钢琴比赛优胜奖;2005年获比利时YAMAHA国际钢琴比赛唯一大奖。

演出曲目

勃拉姆斯：a大调小提琴奏鸣曲，作品100号

JohannesBrahms：SonataforViolin&PianoinAMajorOp100

圣-桑：d小调第一小提琴奏鸣曲

CamilleSaint-Sans：SonataforViolin&Piano

No1inDminor,Op75

——中场休息——

梁祝小提琴协奏曲

TheButterflyLovers-Violin&PianoConcerto

购票须知

一人一票;纸质门票请妥善保管，遗失不补;演出门票一旦售出不得退换。

如有疑问，请致电深演赏悦会客服电话：0755-82113333

入馆须知

为配合我市疫情防控要求，观众进场必须科学佩戴口罩，配合体温测量，并持“健康码”或“行程码”(“行程码”显示近14天内未曾抵达疫情高中风险地区)在场馆安检处，听从现场工作人员的指引，保持1米社交距离有序入场。

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③体温检测异常(体温≥373℃);

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演出前30分钟开始检票，请务必携带本人身份证提前入场。如无法出示有效证件，将被拒绝入场。同时，请严格按门票指定座位就座，切勿随意更换座位。

　　《帕格尼尼主题狂想曲》是拉赫玛尼诺夫最重要的作品之一，假如拉赫玛尼诺夫所有的音乐都被世界遗忘了，最后剩下的也会是《帕格尼尼主题狂想曲》，很多音乐爱好者通过这部作品认识拉赫玛尼诺夫，后来才接触他的其它作品，如《第二钢琴协奏曲》、《交响舞曲》等等。

　　《帕格尼尼主题狂想曲》写于1934年，此时世界乐坛正在发生着很大的变化，传统的调性体系、曲式、节奏等惯用的音乐法则被抛弃，代之而起的是流派纷呈的“新音乐”，无调性音乐、表现主义、后浪漫主义、新古典主义、十二音列等等相继出现，“求异响于新声”是欧美音乐的时代潮流，而拉赫玛尼诺夫不为所动，仍然在十九世纪的风格和形式里寻求个性的表现。《帕格尼尼主题狂想曲》取材于一百多年前帕格尼尼的《24首小提琴随想曲》，利用其中第24首随想曲的音乐主题，写成单乐章的钢琴与乐队曲，技巧复杂精深、气势辉煌，成为十九世纪浪漫主义音乐炫技一派的绝响。

　　帕格尼尼这位小提琴魔鬼被许多人描绘成炫技能手，看不到他的辉煌技巧给浪漫派带来的风格上的影响，这不但低估了帕格尼尼的艺术价值，也是对浪漫主义艺术本质的忽略。浪漫主义是一种不受拘束和无穷无尽的美，浪漫音乐最突出的特点是狂热的主观表现。音乐家表现狂放无羁的感情世界，必须有炉火纯青的技巧为依托，才能进入横无际涯的艺术境界。有一件趣闻说明的正是这个问题，有一次，一位提琴手拿着乐谱去找贝多芬，提出某些小提琴部分的音乐太难，不好演奏，请作曲家修改一下，贝多芬却说：“当上帝唤醒我的时候，你以为我还会去考虑你那倒霉的提琴吗？”

　　帕格尼尼精妙绝伦的演奏技巧和火热的演奏风格正是浪漫派作曲家渴求的境界，激发了许多音乐家的热情，追随效法者甚众。他们一方面在技巧和演奏风格上提高精进，另一方面直接从帕格尼尼的音乐里获取灵感，把他的作品改编成其它乐器的独奏曲，或者是以他的音乐主题为素材创作出自己的音乐。在大量的改编曲里，最著名的当然还是几位大作曲家的手笔，其中包括舒曼、勃拉姆斯、李斯特、拉赫玛尼诺夫，作为音乐会曲目至今还频繁演出的当推拉赫玛尼诺夫的这首《帕格尼尼主题狂想曲》。

　　狂想曲是这样一种曲式：它以烈焰般的激情歌颂狂傲不羁的英雄气概，用饱满的热情表现民族精神。狂想曲不是从古典时期继承来的形式，它是十九世纪浪漫主义音乐家的激情锻造出的曲式，音乐内容一气贯通的单乐章作品。拉赫玛尼诺夫写的这部《帕格尼尼主题狂想曲》也可以称之“帕格尼尼主题变奏”，音乐取材于帕格尼尼的第24首小提琴随想曲，在一个音乐主题上展开24个变奏，铺衍成一部气势辉煌的大型作品。这24个变奏前后分成三组，很像是不间断连续演奏的协奏曲的三个乐章，而且独奏钢琴与乐队展开炫技性的竞奏，又很符合协奏曲。但是从音乐狂热的激情和艰深的技巧看，还是应该按照作曲家自己的标题理解为狂想曲。

　　作为一位作曲家，拉赫玛尼诺夫首先是一位钢琴演奏家，而且技巧精湛，风格健朗，他的名字被列入伟大钢琴家的行列，他在当时唱片录制技术已经很完善，所以我们今天还能听到他的演奏艺术。如此说来，拉赫玛尼诺夫要比他的老师柴科夫斯基幸运得多，他不必像柴科夫斯基那样拿着新完成的协奏曲去征求钢琴家的意见，结果触了霉头，一部不朽之作被说了个一无是处。拉赫玛尼诺夫写钢琴音乐从不担心技术问题，有些技巧艰深的部分，音乐甚至是在跟着飞舞的手指奔跑，听凭它把音乐带到哪里，浪漫派音乐里充满的热情往往就是这样表现出来的。

　　《帕格尼尼主题狂想曲》以辉煌的技巧表现作曲家的个人风格，然而作品里最令人难忘的却不是眼花缭乱的技巧，而是慢速的第18个变奏，整部狂想曲到这里速度突然放慢，奏出一支纯朴抒情的曲调，这个旋律开朗优美，动人心魄，其中当然也隐含着永不褪色的“俄罗斯忧郁”，这个旋律先在钢琴上唱出，质朴而平和，然后让位给弦乐，热情在逐步增长，随后发展成浪漫激情的颂歌。这段音乐有感人至深的艺术魅力，尤其富于浪漫气息，它虽然只是一个音乐片段，不是一个乐章，也被抽出来编入一些浪漫曲集的唱片，在芭蕾舞台上也可以见到这段音乐的芭蕾小品。拉赫玛尼诺夫当初写《帕格尼尼主题狂想曲》时有意表现帕格尼尼传说中的舞台形象，瘦骨嶙峋、苍白、狂热、鬼魅般的躯壳包裹着热情的灵魂，被艺术之神唤醒时，便光芒四射地疯狂演奏，辉煌的音乐照亮整个大厅。拉赫玛尼诺夫甚至在写这部狂想曲的同时就在考虑把它搬上芭蕾舞台，他提供了芭蕾剧情构思，编舞导演当然又是芭蕾大师福金。

　　《帕格尼尼主题狂想曲》表现的是一位狂热的浪漫派艺术大师的艺术个性，也是拉赫玛尼诺夫自己的写照，他消瘦清癯，表情忧郁，举止矜持，不苟言笑，登台演出则激情进发，高贵而尊严，这是他的性格特点，也是他的艺术个性。他尊崇古典浪漫传统，厌恶庸俗的艺术趣味，他青年时代写的升C小调前奏曲名扬海外，移居美国后只要一有演出，观众便一定要求加演这首前奏曲，使他对自己的这首杰作产生了怀疑，他认为这首前奏曲里一定有某种东西迎合了庸俗的趣味，于是他开始憎恶自己的这首作品。

　　拉赫玛尼诺夫1917年移居美国，按照民族主义的理论，他应该就此失去了灵感，写不出什么东西了。他创作的新作品的确不多，但这不能印证这种断言，因为拉赫玛尼诺夫把主要精力用于演出，作品自然就少了。他写《帕格尼尼主题狂想曲》时已六十有奇，这不是创作的最佳年龄，但他的热情并没有减退，仍然写出了堪称经典的杰作。

　　《帕格尼尼主题狂想曲》也是1980年美国拍摄的**《时光倒流70年》的主题曲

　　　在霍罗维兹诞辰一百周年之际，回顾这位魔幻钢琴大师留下的音乐遗产毫无疑问是有趣的。弗拉基米尔・霍罗维兹是迄今为止最为伟大的钢琴艺术家和音乐家，他卓越的技艺和情绪化的演奏使他成为了钢琴演奏史上无可置疑的霸主，几乎没有哪一位钢琴家像他那样在评论界和音乐爱好者当中引来如此之多的议论。他在键盘上的所作所为既给自己赢得了爱也为自己召来了恨。他夸张的表述受到赌咒并被指责为企图用自己的感觉取代作曲家。不过他的天赋和对音乐革命性的处理总会激起狂热的激情和羡慕。

霍罗维兹1904年出生在乌克兰的基辅，在他二十一岁踏入西方之前，他的音乐教育一直是在前苏联完成的。他用柴科夫斯基的第一钢琴协奏曲征服了柏林和纽约。这部作品也成为他创造性演绎的顶峰。那个时候，柴科夫斯基的第一钢琴协奏曲几乎就是他的代名词。这部作品他至少录制过四次，其中最为重要的录音当数1943年与托斯卡尼尼合作录制的那个现场版本；如今这个版本已成为了全球霍罗维兹信徒们手中的圣经。到目前为止，还没有哪一位钢琴家能够超越他在乐曲中那段有名的“抗争”主题中的表现。第一乐章微妙和变化多端的乐句成为了霍罗维兹特有的标志。尽管里赫特的演绎同样具有这样的变幻，但在力度方面看来还有些不足。倍受称道的阿格里奇与迪图瓦版虽然光芒四射，却未能把握住乐曲神秘变幻的情绪色彩。她威风凌厉的结尾比起霍罗维兹来，仅可以用激情爆发来形容。而霍罗维兹的乐章结束语不单单是以漂亮的双八度音程闪现出令人激动的辉煌，他双手惊人的和谐演奏也使炽热的乐曲透射出一种神秘的悲凉感。霍罗维兹并不急于在第一乐章结束时就进入高潮，他向听众预示了将在曲终出现的冲突。真正进入第三乐章后，他也不象其他钢琴家那样全力以赴急于发威，似乎他感悟到了柴科夫斯基的用意，用左手断奏和弦来表现第一主题，并以此慢慢引出一个缓慢的上行。他全然不顾韵律的平坦和精确，令人惊讶地采用十六分音符进行描绘并流畅地进入第二主题。他精湛的技艺有能力使他的演奏更加具有独特的想象力。4′55″，真正的高潮到了，霍罗维兹在他奏鸣式的八度音程中注入了巨大的力量，它征服了一切，征服了所有的钢琴演奏家，它才是这部乐曲的最终辉煌；也是柴科夫斯基和霍罗维兹的辉煌。在这里，霍罗维兹展示出了他至高无上的地位。尽管存在着其他异议，但霍罗维兹的这部柴科夫斯基第一钢琴协奏曲现场录音无疑是上个世纪最为伟大的录音版本。

俄国作曲家拉赫玛尼诺夫是霍罗维兹心中的偶像，而拉氏的第三钢琴协奏曲又是所有钢琴家们的必修课。对于这部作品，霍罗维兹留下了三部录音。其中最幸运的是他在纽约的首演，拉赫玛尼诺夫本人出席了那场音乐会。这是个极为成功的演出，拉赫玛尼诺夫提出愿与霍罗维兹共同彩排他的这部协奏曲，并用另一部钢琴自己弹奏乐队部分，当霍罗维兹弹奏完毕之后，拉赫玛尼诺夫走上舞台当即宣布“霍罗维兹完全掌握了整个作品。”半个世纪以来，霍罗维兹一直把这部协奏曲看成是他自己的珍藏品。与拉赫玛尼诺夫的深厚友谊使得霍罗维兹成为了其作品的权威演绎者。在处理作品上，拉赫玛尼诺夫常喜欢连续地使用踏板，然而作品一到霍罗维兹手中，所有的旋律线条就会异常清晰地展现出来。尽管如此他的演奏却是最接近拉赫玛尼诺夫本人风格的演绎。

此外，作为钢琴家霍罗维兹还显示出他极高的音乐修养和远见，他预见到钢琴技巧将越来越走向系统化，新一代钢琴家们将在技术上毫无疑问地超越他们的前辈。实际上，阿格里奇的八度音程就比霍罗维兹来得快捷，从一开始，波里尼的琶音就比霍罗维兹更为匀称。甚至有人认为波戈雷里奇在拉威尔《夜之幽灵》中引人入胜的声音渐强处理方式让霍罗维兹处于不利的地位。但霍罗维兹毕竟还是霍罗维兹，他对音乐具有一种完整的控制能力。举例说吧，普列特涅夫在他近期录制的斯卡拉蒂钢琴奏鸣曲中显示出了极为丰富的音乐色彩，评论界自然将他描绘为深沉的演奏家，但几乎没有哪位钢琴演奏家不会不对霍罗维兹那难以想象的微妙清晰度感到吃惊。这就是霍罗维兹掌控音乐的能力。对此，我们也可以从老一代钢琴家们，如科尔托的演奏中体味到这样的微妙，不过从更广泛的层面上他也不具备根本的实力与霍罗维兹作进一步的比较。普遍认为他的《冬日之风》练习曲缺乏应有的力度。

霍罗维兹的演奏具有一种完全另类的倾向性，他把88个钢琴键看成是一个具有88件乐器的乐团。“我是一名将军，我的士兵就是键盘，我必须统帅它们。”正如难以给大多数伟大的器乐演奏家如里赫特、海飞兹和罗斯特罗波维奇定义那样，要给霍洛维次排类同样不容易，多年来这是一个困扰很多学者的难题。霍罗维兹喜欢强调重音和弦，他会在高音位处作一个引人注目的短暂停顿以增强戏剧效果。对他来说这也许是个极好的过渡准备；这种情况特别是他70岁之后，即70年代至80年代初期那段时期尤为明显。那时他的运指已不太灵活，他试图在音乐会上营造一种奏鸣曲的演奏气氛（肖邦叙事曲No1和No4，RCA），与此相反他此前十多年的演奏却不是这样。在现场录制莫扎特K331时他的音阶演奏比起其他人来都显得得更有气度。而第一乐章变奏曲则向我们展示了钢琴上的美声演唱，然后用慢节拍演奏土耳其风格曲以求结构的平衡。尽管莫扎特迷们更喜欢轻柔活泼的触键，但霍罗维兹的每一个音符犹如宝石般绚丽。

随着年岁的增长，霍罗维兹试图抓住他即将逝去的青春活力。但从70年代早期开始直到80年代后他的这种特性开始慢慢减退，不过在他长达70年的艺术生涯中的其他时期，他的演奏却是如此非凡，特别需要提及的是30年代他在HMV录制的肖邦作品尤为美丽动人：那是一种单纯朴实、精致完美的艺术品，一种没有刻意雕琢的天真，一种令人愉悦的自然之美。他的音色传奇似地充满了迷醉般的万般风情而不失真实。很多40年代他在RCA录制的肖邦作品仍然保持了这样的风格。然而霍罗维兹越来越多地被标榜为戏剧张力大师，也许这样的结果应当归罪于残忍的评论界。当一件完美的艺术品展现在人们面前时，他们更多的是希望看到它某些超越人性的东西。尽管这完全改变了艺术的真实。霍罗维兹感到了他就是这样的牺牲品。”完美的本身就是不完美“这是他发自内心的感叹。1951年他与莱纳共同创造了拉赫玛尼诺夫第三钢琴协奏曲这样的具有高度情感张力的录音奇迹后不久，便退出了协奏曲演出舞台，在这之后长达十年的时间中他没有录制过协奏曲。对于像霍罗维兹这样的艺术家来说，这是个相当漫长的时期，他把注意力转向了室内乐，并录制了很多精巧优美的室内乐作品，不过这些作品已经没有了他30年代演奏音色中所蕴含的微妙与自然。