爱奥尼柱式详细资料大全

爱奥尼柱式 （希腊语：Ιωνικός ρυθμός，英语：Ionic Order）源于古希腊，是希腊古典建筑的三种柱式之一（另外两种是多立克柱式和科林斯柱式）特点是比较纤细秀美，又被称为女性柱，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装饰。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质，广泛出现在古希腊的大量建筑中，如雅典卫城的胜利女神神庙和俄瑞克忒翁神庙。

基本介绍 中文名 ：爱奥尼柱式 外文名 ：Ionic Order 来源 ：古希腊 建筑特点 ：柱身和建筑的柱列脚座或平台分开 简介,特征, 简介 爱奥尼柱式 （希腊语：Ιωνικός ρυθμός，英语：Ionic Order）源于古希腊，是希腊古典建筑的三种柱式之一（另外两种是多立克柱式和科林斯柱式）特点是比较纤细秀美，又被称为女性柱，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装饰。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质，广泛出现在古希腊的大量建筑中，如雅典卫城的胜利女神神庙和俄瑞克忒翁神庙。 爱奥尼柱式起源于前6世纪中叶的爱奥尼亚，小亚细亚西南海岸和岛屿，上面住着操爱奥尼亚方言的爱奥尼亚人。爱奥尼柱式在前5世纪传入希腊大陆。第一个爱奥尼风格的大神庙，是在被地震摧毁前仅仅存在10年，于前570年至前560年间建于萨摩斯岛的赫拉神庙，建筑师为罗伊科斯。在这里，爱奥尼柱被用来装点最伟大的女神：没有别的更显赫的地方能够让它在这么短暂的时间内展示自己了。以弗所的阿耳忒弥斯神庙是存在长达6个世纪的爱奥尼神庙，也是世界七大奇迹之一。 同希腊多立克柱式不同，爱奥尼柱通常竖在一个基座上，将柱身和建筑的柱列脚座或平台分开。爱奥尼柱的柱头由一对标志性的涡形装饰置于模塑的柱帽（echinus）之上，或是从内绽放出。柱帽通常附以蛋与标（egg and dart），一种椭圆与箭头交替排列的装饰线条。最初涡形装饰位于同一个平面上（如右图所示），后来在角落上它们被安排呈角度突出。爱奥尼柱式的这个特点使得它在前4世纪挑剔的眼光中比多利克柱式更为多变适用，同时在角落将它扭转也使得不论在正面或侧面观察，它们都呈同样的宽度。16世纪文艺复兴建筑师和神学家斯卡默基设计了这种完美排列的四边爱奥尼柱头的一个版本，它是如此成功以至于成为了当时的标准，而当希腊的爱奥尼柱式在18世纪希腊复兴式风格（Greek Revival）中重新被介绍回来的时候，人们重新发现它是如此古朴和原始。 在涡形装饰之下，爱奥尼柱可以有一个宽的柱环或带将柱头从刻有凹槽的柱身上分割开，或者由一个花和水果的垂花饰从涡纹的缝隙中，或从它们的“眼”中转出。经过一些早期尝试后，柱身上的凹槽数被固定在24个。这个标准化将刻槽同直径的比例维持在一个相似的程度，即便柱子的高度被延伸亦如此。罗马人在凹槽之间留出一些柱身表面，而希腊人将它们用完只剩刀口以便雕刻。 爱奥尼柱总是比多利克柱要纤细：爱奥尼柱为8或9个直径高，在美国的改良格式中甚至更高。它们通常刻有凹槽。 特征 爱奥尼柱式的主要特征是它的柱头，它也是许多理论和实践论述的主题，全赖维特鲁威（Vitruvius）的一段简短和晦涩的描述[1]。仅有的工具是一把直尺、直角器、线索（以量度半长）以及一个圆规。 柱上楣沟有三个部分：一个平直的柱顶过梁（architrave）被分成两或三条水平带，上面支撑一个通常装帧精美的雕带（frieze），以及用齿饰组成的上楣柱（状如紧密排列的工字钢）。有一个冠状（corona）及反曲线（cyma）的线脚以支撑伸出的屋顶。雕带上栩栩如生（通常为叙述性的）浅浮雕是爱奥尼柱式的一个标志性的特征，而多利克柱式在同样的位置布置的是三联浅槽饰（triglyph）。罗马和文艺复兴时期的实践通过减少柱顶过梁的比例将楣沟的高度浓缩，使得雕带更为显著。 维特鲁威，一名奥古斯都时代的实践建筑师，在他的《建筑十书》中认为多利克式的基础建立于粗壮的男性身体比例，而爱奥尼式则来自“更优雅的”女性的身体。虽然他没有提到这个自觉的、字面的解释的来源，但是它肯定来自于希腊化时期传承的建筑传统，例如米安德的马涅希亚（Magnesia ad Maeandrum，位于吕底亚）的阿耳忒弥斯神庙的建筑师赫墨根尼（Hermogenes of Priene）。文艺复兴时期的建筑理论家接受了他的想法，将爱奥尼柱式阐释为庄重的妇女，而不似科林斯柱式那样全然女性化。爱奥尼柱式是文艺复兴后图书馆和法庭建筑的主导柱式，象征知识和文明。由于没有维特鲁威之前的建筑学理论存世，所以要判断公元前5至4世纪的建筑元素的此种“含义”是很困难的，但却不妨碍它在文艺复兴时期成为标准的经典建筑“语汇”。 主要是多立克柱式的帕德嫩神庙也有一些爱奥尼元素，不过雅典卫城内更纯粹的爱奥尼模式现于厄瑞克忒翁神庙。自17世纪以来，这种式样的一个更引人注目的例子可以在罗马的Fortuna Virilis（雄浑的胜利女神）神庙中找到，它首次在德戈德斯（Antoine Desgodetz）的《罗马的古代建筑》（ Les édifices antiques de Rome ，巴黎1682年）中以蚀刻版画表现其细节。

陶器是古代希腊人的生活必须品和外销商品，特具实用和审美意义。希腊陶器工艺先后流行三种艺术风格即：“东方风格”、“黑绘风格”和“红绘风格”。 东方风格指公元前7世纪至公元前6世纪流行的一种陶艺，由于对东方出口，因此考虑到东方人的审美和实用，主要以动植物装饰纹样为主，有时直接采用东方纹样；其次是增强了装饰趣味，将动植物加以图案化。黑绘风格指在红色或黄褐色的泥胎上，用一种特殊黑漆描绘人物和装饰纹样的陶器。红绘风格与黑绘风格相反，即陶器上所画的人物、动物和各种纹样皆用红色，而底子则用黑。故又称红彩风格。流行于公元前6世纪末到公元前4世纪末。这种风格优越处在于灵活自如地运用各种线条刻划人物的动态表情，充分发挥线条的表现力。据说这种风格是由阿提卡的安杜基代斯完成的。 在公元前8世纪之前，在和亚细亚沿岸东方民族的交往中，希腊绘画艺术发展起来。 公元前8世纪的狄普隆墓地的陶瓶，虽已显示出瓶画艺术动人的面貌，但其的黄金时代还得说是在在希腊古风时期和古典初期（约公元前650年—约公元前480年）。 希腊瓶画经历了“黑绘式”与“红绘式”两个主要的发展阶段，黑绘瓶画上的图像是黑色的，红绘瓶画上的图像是赤褐色的。在不少没有留下姓名的瓶画家之外，也有一些人的姓名传了下来，如黑绘名家埃克塞基亚斯（活跃于公元前6世纪下半叶），普斯亚克斯（活跃于公元前6世纪下半叶）；红绘名家欧弗罗尼奥斯（活跃于约公元前520一约公元前500年）等，这是迄今为止，在我们叙述的绘画历史中，首次出现的创作者个人的姓名。 希腊的陶瓶艺术在美术史上占有重要地位。这倒不是陶瓶材料的特殊，而是陶瓶画争得的荣誉。公元前六世纪中叶以后，雅典陶瓶曾垄断了国外市场。它那匀称和谐的比例，精致的工艺，生动的造型，写实的手法，追求理想化的风格，饱满的构图，富于戏剧性的情节，散发出浓郁的高贵美感。希腊瓶画多用黑红两种颜色。早期以红色做底，绘以黑色形象，称为“黑花式”；公元前五世纪出现以黑为底，形象用浅红色描绘，名为“红花式”。刻画人或动物均以线造型，其准确程度令人吃惊。但线条自身多无变化，与中国绘画不同。中国画线条很重自身的美感趣味和风格。 进入古典时期（约公元前480年—公元前323年），还出现了一种白底彩绘瓶画，绰号“阿喀琉斯画家”的作品代表了这种瓶画的风貌。 从黑绘到红绘，再到白底彩绘，反映出古希腊画家的追求，其中的发展变化，充分体现着他们把绘画看成是一面镜子，要复现自然的形态，使观画者注视画出来的图像时，觉得跟真实的事物和景象相似。这种模仿自然，再现对象的态度和方式，成为古希腊美术的基本特点之一，对此后欧洲及西方绘画的发展，产生了极其深远的影响。古希腊绘画与古代东方绘画相互映照，共同构成丰富多彩的艺术景观。 人们可以从保存下来的古希腊瓶画中，看到当时古希腊艺术的素描水平。古希腊瓶画有三种式样。早期的是黑像式，即在白底子上把用线条勾画的形象涂上黑色，像剪影那样。后期叫红像式，即与黑式相反，背景填黑釉而形像留空白（空白处为陶器的红色表面，故称之红像式）。以后又发展到使用白描的瓶画。这些瓶画造型简练优美，结构严谨，本身就是一幅幅素描杰作

作者是继唐纳太罗之后，意大利文艺复兴时期又一位才高艺卓的佛罗伦萨艺术家安东尼奥·波拉约洛（1429～1498）。这位艺术家作为唐纳太罗和加斯比奥两位雕塑大师的学生，有他个人的独特天赋，他不仅擅长雕塑，还善绘画和版画，在技艺上，则要胜于他的老师们。他尤爱作裸体人物，素描功夫也颇深；他精通透视，深谙解剖，所作雕像，形体动势较大，富有强烈的情感表现力。这一点也许与他当时较多接触属于希腊后期的许多罗马雕塑摹制品有关，因为他长期为教廷从事金银工艺品和雕塑品制作，有机会接触宫廷的藏品。

波拉约罗原是一位工艺匠师，后从师承，获得画家、版画家和雕塑家的称号；在思想上又接近人文主义前辈，受他们的新观念影响较早，敢于从古罗马题材中去汲取题材，广泛地用绘画与雕塑来表现违反宗教神学禁律的裸体形象。在他创作的旺盛时期，他承接教会的大量订货，在雕塑上值得回忆的有于1484～1493年为罗马圣彼得大教堂设计制作的教皇西克斯特四世的墓碑；1494～1498年又为上述同一教堂设计的教皇英诺森八世的墓碑。这两座墓碑构图庄严，耗资巨大，形式也较为别致。教皇西克斯特四世的青铜塑像被放置在石椁上躺着，身穿法衣，头戴华丽的高高三重冠；在石椁的两侧，则以娴熟的浮雕技法表现一些寓意性形象--科学与文艺，因而获得雕塑艺术的声誉。

但作为独立的雕塑艺术品，就数这一件组雕《赫拉克勒斯与安泰》最具有代表性了。它在波拉约罗的异教题材的雕塑作品中，不论写实性，还是戏剧性艺术效果，都是最好的一件。在这里，他已摆脱了原来那种珠宝工艺的匠气，使青铜雕像赋有人体力量的美的表现力。

波拉约洛还创作过一幅同名的绘画作品，人物造型也基本相同，现收藏于佛罗伦萨的乌菲齐博物馆。

08年奥运会吉祥物的五个动物是“贝贝”、“晶晶”、“欢欢”、“迎迎”、“妮妮”。

1、贝贝象征繁荣，它的原型是鱼，鱼和水代表了收获，贝贝的头部运用了鱼纹的图案，和奥林匹克中的蓝环交相辉映。

2、晶晶的原型是我国的国宝大熊猫，它代表着欢乐，熊猫圆滚滚的，憨态可掬，受到了许多外国友人的喜爱，所以晶晶是以熊猫的原型所创造出来的，他代表奥林匹克中的黑环。

3、欢欢的原型是奥运圣火。设计师将我国的火纹图案运用到了欢欢的身上，目的是让它将奥林匹克精神传递到全世界，将热情传递给每一个人，他代表着奥林匹克中的红环。

4、迎迎的原型是藏羚羊，它象征着健康。藏羚羊是我国的保护动物，迎迎作为奥运福娃，是为了将美好的祝福传递给国家，也呼吁大家要保护动物，他代表着奥林匹克中的黄环。

5、妮妮的原型是京燕，它象征着好运。它来自天空，作为燕子，就是要将每一年的好运带给大家，妮妮用京燕作为原型，就是为了美好的祝福，给大家带来好运，他代表奥林匹克中的绿环。

阿尔卜列希特·丢勒生于1471年5月21日，出生地为德国当时的人文主义思潮中心纽伦堡。这个城市十分繁荣，科技文化也很发达。其父原为匈牙利的一个金银手艺匠。丢勒幼年时跟随父亲学手艺，但逐渐表现出对绘画的极大兴趣。1496年，丢勒跟随当地著名画家沃尔盖莫特学画，以后又拜了几位名师。1494年，丢勒回到纽伦堡，成立了自己的画室。不久，他在妻子的陪伴下第一次遍游意大利，回来后开始创作。这一时期他的作品主要是德莱斯特与卡巴希的祭坛画《父亲的肖像》、《自画像》，铜版画《圣一克里索斯多姆》、《三农民》、《浪荡子》，木刻《男子澡堂》、《山姆逊》以及15幅木刻组画《圣约翰启示录》。历史学家们历来都把这15幅无论是创作思想，还是技法上，都取得了杰出成就的版画，作为德国中世纪美术终结的标志以及新的艺术时代到来的里程碑。在这些杰出的作品中，丢勒开始使用自己那种新颖别致的签名——合(即A与D的组合)。

《圣约翰启示录》一举成功，使丢勒名声大振，一跃而成为德国画坛上的新星。丢勒不但绘制了这种似乎带有一点神秘主义色彩且寓意颇深的自画像。而且，在他的大幅宗教题材的作品《罗塞库拉契的祝祭》与《圣三位一体的礼拜》中，他也以“旁观者”或“助手”的形象多次出现在画面上。

1500年以后，丢勒在绘画上又有了新的发展与成就。例如《博士来拜》、《海之奇迹》、《复仇女神》、《圣玛丽娅祭坛画》、《亚当与夏娃》等都是比较优秀的作品。

1505年，正当纽伦堡瘟疫流行的时候，丢勒第二次游历意大利。他在威尼斯画派的大画家乔凡尼·贝里尼的指导下，对威尼斯的油画技法与色彩有了深切的感受，同时，他在艺术上的杰出成就也受到了意大利同行们的青睐与敬佩，从而出现了开头的那一幕。这一期间，丢勒主要创作了《威尼斯妇人》、《戴念珠的圣母》、《罗塞库拉契的祝祭》与《圣三位一体的礼拜》及《赫拉祭坛画》等，只是最后这幅杰作《赫拉祭坛画》不幸于1509年遭到焚毁。

丢勒经过两年的学习之后回到纽伦堡。这一时期又产生了不少作品，其中的《骑士、死神与魔鬼》、《在书斋中的圣哲罗姆》、《忧郁》等三幅被公认为他创作黄金期的三大铜版画。这三幅铜版画标志着丢勒版画艺术的高峰。这三幅作品中，丢勒利用新颖的构图，采用平行线、交叉线及点线的结合来表现物体的不同质感与形体，从而获得了完善的效果，让17世纪带有匠气的铜版画黯然失色。

在丢勒的晚年，他的创作趋于圆熟。其中，最为著名的就是《四使徒》。两年之后，即1528年4月6日，丢勒在纽伦堡去世。

推荐如下作品，这些古典音乐听起来很有画面感——

沃恩威廉斯：为小提琴和弦乐和钢琴而作《云雀高飞》

斯特拉文斯基：《夜莺之歌》

舒曼：森林情景

柴可夫斯基：青年纪念册

西贝柳斯：图翁内拉的天鹅

约翰施特劳斯：春之声圆舞曲

斯美塔那：交响诗《我的祖国》

里姆斯基柯萨科夫：交响组曲《舍赫拉查德》（天方夜谈）

莱斯庇基：罗马三部曲之《罗马的喷泉》、《罗马的松树》

马斯奈：管弦乐组曲第四号（绘画般的风景）、第六号（仙界的情景）

李斯特：艾斯特庄园的喷泉（旅游岁月第四首）

菲尔德格罗菲：《大峡谷组曲》

法雅：《西班牙花园之夜》

德沃夏克波西米亚森林

戴留斯：管弦乐小品《北国素描》、《夏日黄昏》

德彪西：版画、意象、牧神午后

鲍罗丁：《在中亚西亚草原》

巴托克：管弦乐《两幅画像》

格拉那多斯：戈雅之画

东西方生活方式的不同，主要表现在语言、饮食、教育、建筑、绘画、音乐等方面。

1，语言方面

东方的代表是中国，官方语言是汉语，是中华五千年历史逐渐积累演化来的。中国是象形文字，方块字，只有汉字书法是一种艺术。汉语含蓄、典雅、华美。西方语言直白、坦率，有些奔放。

例如东西方反应爱情的《长亭送别》和《罗密欧与朱丽叶》，同样反应爱情使用的是两种不同的语言风格。

《长亭送别》诗句优美，辞藻华丽，勾勒了恋人分别的场景，没有过多的正面描写人物形象，而是通过借景抒情表达人物的思想感情。“下西风黄叶伤飞，寒烟衰草凄迷”，用飘落的黄叶，连天的衰草，凄迷的寒烟，形成荒凉的意境，让我们感到崔莺莺是何等的凄凉。还多次利用典故，如“淋漓襟袖啼红泪”让人体会出其中的意境。所以汉语含蓄，但仍能让人读懂，并且了解明白。

《罗密欧与朱丽叶》中，只有罗密欧与朱丽叶的对白与独白，景物描写极少，可见其语言的直白，爱就痛快的表达出来，不需要试探，遮掩。

2 ，饮食方面

用餐方式上，中西方存在巨大差异。中国人喜欢热闹，大家围在一起聚餐。西方人喜欢在安静、优雅的环境里就餐，每个人都有自己的餐盘，都是提前分配好的。

中国主食以谷物为主，其次是蔬菜，植物类占主导地位。西方人食物以动物居多，这与他们游牧民族，航海民族文化有关。

3，教育方面

西方教育的主导思想是：每个人都是特殊人才。给予所有学生机会去发挥自己特长。东方教育则强调集体，团体意识，不注重个体的差异。

4，建筑方面

东西建筑风格的不同，从本质上看是因为文化的不同。中国文化重视人，而西方文化重视物。中国文化重视道德与艺术，西方重视科学与宗教。

在制造空间上，西方先通过墙确立空间，上面在加一个盖子。东方正好相反，屋顶是最重要空间因素。通过柱子支撑的屋顶确立空间后再填充墙。

西方强调内部空间，东方强调外部空间。

5，音乐方面

中国音乐注重情韵，西洋音乐注重和谐。西洋音乐源于古希腊和古罗马的数学与几何学的科学性；中国的情韵源于先秦诸子百家的哲学。

6，绘画方面

西方绘画讲究透视法，就是用线条或者色彩在平面上表现立体空间的方法。中国传统绘画，则以“形神兼备”为主，重在抒发主体精神。