小丑拉赫钢琴曲做艺考曲冷门吗

不冷门。创作背景：《小丑》是第三钢琴协奏曲《幻想小品集》中的第四乐章，创作于拉赫莫斯科音乐学院毕业后的第二年，其中包括5首各自独立并无联系的小品。他将这个曲集呈献给了他在莫斯科音乐学院时的作曲老师安东·阿连斯基。《音画练习曲》和《悲歌》相比下来《小丑》的整个感情色彩是比较鲜亮的而且气势辉煌，不同于他一些作品中的那种压在心底的阴郁之感，所以感情色彩应该是比较容易处理的。《小丑》是一首比价容易驾驭情感的曲子，而且在拉赫玛尼诺夫的作品中，算是比较简单的，不过也很具有技巧性的。

　　几个世纪以来,在俄罗斯这块东西方文化思想､人文精神交融的土地上,不断出现了征服世界乐坛的作曲家､钢琴家､指挥家和音乐理论家,这种现象在世界上任何一个国家都是罕见的｡俄罗斯人既有东方人细腻､深情､神秘的特征,又有欧洲人科学､严谨的学术精神,以致形成了世界上独有的俄罗斯民族精神和独有的俄罗斯血统文化,从而培育出许多人类文化史上杰出的人物,如普希金､托尔斯泰､列宾､柴可夫斯基等等｡

笔者有幸留学这个国家数年,在此期间,不仅为深入全面审视､解读她的历史名人获得更多信息而狂喜,更为一位20世纪俄罗斯音乐界的新生代的杰出表现而惊叹｡在此,笔者抑制不住内心激动向音乐同行们介绍一位20世纪俄罗斯非常杰出的新生代作曲家､音乐活动家――斯维里道夫・格奥尔基・伐塞利耶维奇｡

斯维里道夫・格奥尔基・伐塞利耶维奇(Свиридов Георгий Васильевич)于1915年12月16日出生在俄罗斯一个名叫法界石-库尔斯的古老城市的邮递工人家庭｡早期(1929―1932)他在家乡接受音乐教育｡从1932年到1936年在列宁格勒(现在的圣彼得堡)音乐技术学校学习,开始跟随博拉乌德(ИБрауд)学习钢琴,从1933年起跟随尤金(МЮдин)学习作曲｡1936―1941年在列宁格勒音乐学院从肖斯塔科维奇(ДШостакович)学习作曲｡他的第一部成名作是为普希金的诗创作的组曲《浪漫歌曲》(1935)｡19岁时因其出色的音乐才能而加入苏联作曲家协会,而这样的年龄加入苏联作曲家协会是极其罕见的｡1941―1944年他在新西伯利亚工作,1944年回到列宁格勒,1956年调动工作到莫斯科,在大剧院和**院工作任专职作曲家｡1968―1973年,成为苏联作曲家协会的领导｡

“斯维里道夫的主要作品有:音乐喜剧《现在的未婚夫》《延伸的大海》《亚洲金莲花》;音诗《纪念谢尔盖・耶斯宁恩》《热情清唱剧》;康塔塔《库尔斯之歌》《古板的罗斯》①《下雪了》《忧郁的歌》《春天康塔塔》;为合唱所写的音乐会《纪念阿―尤劳夫》;由12个部分构成的合唱组曲《不幸的歌》《祖国颂歌》,合唱与室内乐《普希金时代》;为乐队写的《小康塔塔》,弦乐交响乐,二首四重奏,艺术歌曲,声乐音诗《父亲们的祖国》,组歌《我的农民父亲》《离开罗斯》以及声乐性的室内乐作品等等”② ｡

斯维里道夫初期的创作涉及各种不同的体裁｡起初主要集中在声乐性组曲的创作上,作曲家所使用过的诗词的作者有:阿・博劳克(1938)､马・里尔马恩达夫(1938)和阿・普拉高费耶夫､马・伊萨高福斯基｡此外,在1937年和1948年,作曲家先后为交响乐队谱写过两首交响乐作品(有报道说其创作有些不太符合规律)以及为弦乐队创作的有四个乐章组成的交响乐作品(1940),两首钢琴协奏曲,钢琴三重奏､钢琴四重奏,两首弦乐四重奏,两首奏鸣曲和两部为钢琴而写的分谱,儿童钢琴曲集和许多另外的歌曲,并开始尝试轻歌剧的创作｡在40年代初,斯维里道夫的创作体裁开始转向歌剧､**音乐并取得了很好的成果,其中在1941年完成了第一部**音乐《富起来的垦荒地》,1942年完成了戏剧《在热闹的地方》｡

1950年,斯维里道夫为阿・伊萨阿金恩的诗词创作的声乐音诗《父亲们的祖国》标志着作曲家的新创作风格变革时期的到来｡从这个时期开始,声乐性作品是作曲家主要的创作体裁｡50年代,作曲家创作的声乐性组曲有:1955年《为拉别尔特・别尔恩斯的诗词谱写的歌曲》,1956年为谢・耶塞尼恩的诗词创作的《我的农民父亲》,还为费・臼特切夫､谢・耶塞尼恩､弗・玛伊高夫斯基､弗・赫烈博尼高夫､贝・嘎尔尼拉甫等俄罗斯诗人的诗歌谱写过一些独立的歌曲｡在50年代后半期,斯维里道夫创作了大量的声乐性交响作品,这些作品使他成为家喻户晓的著名作曲家,如1956年为男高音､混声合唱和大交响乐队而创作的《纪念谢尔盖・耶塞尼恩》,这部大型声乐交响作品中所有的唱词是诗人耶塞尼恩不同年代创作的诗歌｡整部作品由10个部分构成:1被遗忘的地方;2冬天在歌唱;3在这里;4脱粒;5伊万的深夜;6伊万的深夜;71919……;8农民小伙儿;9我是乡村里最后的诗人;10天空――像祈祷的钟声(笔者注:第5､6题目相同,诗歌､音乐内容不同)｡在创作过程中,作曲家抓住了诗人叶赛尼恩“用多于全部的爱去抚慰故乡土地上曾经受尽痛苦､受尽压迫､受尽折磨的人民”③的思想,希望“以自己对生活满腔热情的爱,用抒情的戏剧性创作,恢复用无限炽热的真情对待创造了人类历史诗篇的､始终让我们激动不已的人民”④这样一条真理｡作品充分呈现了斯维里道夫在艺术作品中贯彻深刻性､复杂性､悲剧性的创作能力｡

在作品中,作曲家始终贯穿了“耶塞尼恩式的”抒情性创作思维｡例如,在第一､第三､第六､第九作品中,我们可以听到故乡土地上各种令人心醉､无比忧伤的倾诉声,当主人公耶塞尼恩在讲述自己的不幸人生时,森林中的树妖(注:某些斯拉夫民族中的精神图腾)也为之动容落泪……

作曲家在以平铺直叙的合唱演绎形式展现俄罗斯的自然风光的同时,衬托了滔滔不绝的男高音声调｡有时有雄伟壮阔､有时自然祥和(如第二首)､有时神化般地着迷神往(如第五首),这里作曲家使用四至五度音程的旋法,但作品的基础不只是旋律,还有各声部的织体综合所塑造的音乐整体｡

作品的第四首反映了劳动者的创造与欢乐,而在第七首塑造了劳动者面对果实的窘迫与沮丧,都深刻地提示了在俄罗斯大地上经济的崩溃和土地的荒芜｡作曲家在这里通过合唱织体变换,在描绘俄罗斯自然景象的同时,也使创作思想得到了进一步的统一｡

作品的第十首是悲剧性的终曲――“天空――像祈祷的钟声”｡作品展示了在令人神往的蔚蓝色天空下,响彻着低沉的钟声,钟声音响来自乐队､钢琴､自然钟｡在这些错综复杂的节奏音响中,合唱重重地咏诵着歌词｡音乐塑造出了规模宏大的浩瀚“宇宙”｡笔者认为,斯维里道夫此时的创作思维显得意义重大:钟声是俄罗斯民族精神与灵魂的象征,只要民族精神还在,俄罗斯的未来就有希望｡

最后还值得一提的是,作曲家在整部作品中运用了多种体裁的综合:有连绵不断的农民歌曲,有古代的曲调,有城市浪漫曲的音调,也有俄罗斯民歌(四句头短歌)的动机等等｡所有这些不同特征的､跨时空的综合音符混合流淌在不停的钟声里｡

作曲家在这部作品中所反映的杰出创作才华和深邃的人文､哲理思想,使他成为了俄罗斯人民敬仰和爱戴的著名作曲家｡作曲家德米德里・肖斯塔科维奇在聆听了这部作品的首演后说:“……他掌握了读懂诗歌的方法,并懂得这种能力对一个作曲家的重要性,尤其是在声乐性的作品创作上的重要作用｡在这一方面,可以说斯维里道夫在全苏联作曲家当中是唯一的第一人｡”“我在预祝这位天才作曲家在今后能在这样的大型作品方面取得更多的成功之时,希望在我们的音乐界能出现更多这样的优秀作品”⑤｡

此外,在50年代的最后一年,作曲家用弗・玛伊高夫斯基的诗词为独唱演员､混声合唱､大交响乐队创作了《热情清唱剧》｡这部作品的问世进一步把斯维里道夫推向了艺术成就的高峰｡

从60年代开始,作曲家大部分时间集中在康塔塔体裁上｡当时诗人耶塞尼恩的《小诗集》正好与斯维里道夫产生的想法相吻合,于是作曲家用耶塞尼恩的诗创作了由《古板的罗斯》《贵客》《忧伤的歌》组成的《小康塔塔》作品｡在70年代又用诗人阿・博劳克的诗词写了《巴尔嘎的生活》和《难于表达的光明》,这首作品与《黄昏的云朵》一起被出版成为传世佳作｡在60―70年代里创作的康塔塔还有:1964年以民间诗词创作的《库尔斯之歌》以及用恩・尼克拉萨夫的诗词创作的《春天康塔塔》｡

在60年代作曲家同时创作了根据普希金的故事拍成的**《暴风雨》的**音乐以及根据弗・嘎达耶夫的浪漫诗《穿越时空》的配乐｡

1970年到1990年期间,作曲家以强烈的激情重捡起自50年代末就已开始创作的无伴奏合唱音乐体裁,例如在1958年根据俄罗斯诗人的诗创作的五首合唱｡在作曲家的最后的创作时期,创作了几十首独立的小型合唱艺术作品､合唱组曲､合唱音诗､合唱音乐会作品｡最后,也是斯维里道夫一生创作中最大的作品,那就是无伴奏宗教性合唱组曲《赞美与祈祷》,这部合唱中所有用到的唱词全部取自于教堂中的诗词｡这部作品是“伟大与美丽”的杰作,是俄罗斯宗教音乐艺术中的一枝独秀｡俄罗斯著名音乐学家菲・阿达耶夫斯基说:“这部作品的优秀个性､杰出的合理性､高度的历史概括性以及艺术价值,没有另外的作品可以与这部作品相比”⑥｡

作曲家晚期的作品主要集中在极富诗意的艺术作品的创作上｡如1977年以谢・耶塞尼恩的诗歌谱写的带钢琴伴奏的声乐作品《离开罗斯》和1995年以阿・博劳克的诗歌谱成的《彼得堡》,为男低音与乐队而写的组曲《从普希金那儿来》,以及康塔塔《金色的梦》(词作者儒博皂夫)等等｡

在最后的十年,作曲家的创作主要集中在《从东正教礼拜的幻想中走来》这部大型作品上,这部作品有无伴奏的众赞歌部分､各种领唱的章节部分､合唱与乐队部分｡

斯维里道夫一生创作的核心主要集中在声乐性作品上,即使是交响乐､室内乐作品也同样带有浓郁的俄罗斯民族的“歌唱性､声乐性”特征｡“伦理思想的革命､俄罗斯历史的命运､现代人的道德探索等成为斯维里道夫作品中的主题思想”⑦｡作曲家在创作上深受民族宗教――东正教的影响｡因此,要真正解读斯维里道夫的作品,俄罗斯民族宗教――东正教礼拜中的“圣咏形式”是个重要的研究因素｡除此以外,俄罗斯民族的古老的特殊艺术传统在斯维里道夫的作品中也有鲜明的体现｡著名音乐学家阿・别拉涅恩高说:“他像一座桥梁,让古老的俄罗斯特殊艺术传统与现代人的世界观､音乐思维走在了一起｡他合拢了几乎失传了的千年俄罗斯古老合唱音乐文学的纪念丰碑与音乐编年史两块巨石｡激活了这一音乐体裁,使其重新有了新的生命与活力”⑧｡斯维里道夫的创作成了20世纪下半叶诞生新的“现代合唱”音乐会的体裁的源泉。

“作曲家一生在音乐创作道路上取得的成就,社会和国家给予了诸多的荣誉和勋章｡作曲家一生曾获得了几十项国家奖励和荣誉称号,例如,1963年荣获‘国家艺术家’称号,1960年为列宁津贴获得者,1965､1971､1975､1985年为列宁勋章获得者,1995年为俄罗斯文化部津贴获得者,1997年为俄罗斯总统津贴获得者等等｡斯维里道夫是20世纪俄罗斯杰出的作曲家之一,是家喻户晓的人物｡”⑨

俄罗斯国家(尤劳夫)合唱艺术团指挥家､国家音乐学院指挥教授弗朗基米尔・伊万诺维奇・沙诺金曾对笔者说:“斯维里道夫是20世纪最杰出的作曲家之一,但他的时代还没有真正到来｡……我认为,在20世纪的俄罗斯作曲界最具影响力的作曲家是斯维里道夫和塔涅耶夫､肖斯塔科维奇､施尼特凯四人”｡这使笔者忽然想起马勒曾对自己的预言:我的时代终究会到来的(奥尔夫冈・施雷伯2004:136)⑩｡笔者坚信,斯维里道夫的时代也一定会到来｡

最后,笔者以俄罗斯作曲家弗朗吉米尔・米宁对斯维里道夫的评价来结束全文:“斯维里道夫作品的精神境界是非常深刻的,可以说所有的作曲家在这一领域的创作中,他的作品代表着最高水平｡他在精神性这一领域的作品甚至超越俄罗斯古典文化中的穆索尔斯基和拉赫玛尼诺夫的作品｡”{11}

参考文献

1Золотв Андрей Андреевич:(作者:萨劳特夫・安德烈・安德烈维奇)1983,《Книга О Свиридове》,Москва,Всесоюзное Издательство-｡1983年,《解读斯维里道夫》,莫斯科,苏联作曲家出版社｡

2Белоненко Александр:(作者:别拉宁高・阿列克桑德尔)1989,《Георгий Сверидов Сочнения Для Хора》,Москва,Издательство-Музыка｡1989年,《斯维里道夫的合唱作品》,莫斯科,音乐出版社｡

3Белоненко Александр:(作者:别拉宁高・阿列克桑德尔)2001,《Георгий Сверидов-Полный список произведений》,Национальный Свиридовский Фонд｡Москва-Петербург2001年,《斯维里道夫作品全集目录》,莫斯科-圣彼得堡,“斯维里道夫”国家研究委员会｡

4Шавльзон,Н(Главный редактор):(沙福利绍恩 主编)2002,《Музыкальный справочник》,Москва, Издательский дом 《Золотое Руно》｡2002年,《音乐手册》,莫斯科,金月亮出版社｡

5Ивановна Аверьянова Ольга:(作者:伊万诺夫娜・阿费尔伊诺娃・奥里嘎)2004,《Отечественная Музыкальная Литература ХХ Века》,Москва,Издательство-Музыка｡2004年,《20世纪俄罗斯音乐文学》,莫斯科,音乐出版社｡

6Андре Одер:(作者眼法演安德烈・奥杰尔)2004,《Музыкальные Формы》,Москва,Издательство-Астрель,Перевод с форанцузкого ВШабаевой｡ 2004年,《音乐曲式学》,莫斯科,阿斯特列尔出版社,弗・沙巴耶娃根据法文翻译｡

①罗斯是指17―18世纪的东斯拉夫民族｡

②沙福利绍・恩主编，2002年,《音乐手册》,莫斯科,金月亮出版社，第103页｡

③伊万诺夫娜・奥著，2004年,《20世纪俄罗斯音乐文学》,莫斯科,音乐出版社， 第211页｡

④同③｡

⑤萨劳特夫・安德烈著，1983年,《解读斯维里道夫》,莫斯科,苏联作曲家出版社，第14页｡

⑥同③,第217页｡

⑦别拉宁高・阿列克桑德尔著，1989年,《斯维里道夫的合唱作品》,莫斯科,音乐出版社，第9页｡

⑧同⑦｡

⑨别拉宁高・阿列克桑德尔著，2001年,《斯维里道夫作品全集目录》,莫斯科-圣彼得堡,“斯维里道夫”国家研究委员会｡第22页｡

{10}(德)奥尔夫冈・施雷伯著《马勒》,高中甫译,2004,人民音乐出版社,第136页｡

{11}同⑤,第41页｡

邵晓勇浙江湖州师范学院讲师

(责任编辑张萌)

这是拉赫玛尼诺夫19岁时创作的作品。1892年4月3日至17日，即将从莫斯科音乐院毕业的拉赫玛尼诺夫用15天完成全剧创作。这部独幕剧一举赢得莫斯科音乐学院有史以来第三枚“自由艺术家”大金质奖章。1893年5月10日，《阿列科》由伊波利特·阿塔尼任指挥在莫斯科大剧院首演，大获成功。由于当时深受阿伦斯基、塔涅耶夫和柴可夫斯基的褒奖，这部作品才得以出名。

根据罗伯特·沃克所著的传记丛书《拉赫玛尼诺夫》中所讲，这是拉赫玛尼诺夫的早期作品，剧本是弗拉基米尔·奈米洛维奇-丹申科依据普希金的爱情叙事长诗《茨冈人》（作于1824年，出版于1827年）改编的。原诗是普希金在南俄高加索山流放期间创作的，要旨在于解救贝沙拉比的吉普赛人脱离暴政，重获自由。由于这一内涵对当局来说过于敏感，因此它的情节被删改，并变成了19世纪歌剧中很普遍的题材——爱情悲剧：阿列科与的茨冈女孩金姆菲拉之间的爱情悲剧。

主人公阿列科讨厌贵族社会的消沉气息、厌倦了城市虚伪生活、精神彷徨而空虚、崇尚自由生活，于是与吉普赛姑娘（茨冈女）齐姆菲拉相爱。齐姆菲拉有着诗意般生活、性格热情而奔放。然而，当他得知齐姆菲拉与另一吉普赛小伙子有染后，便为了贵族的荣誉将他们杀死。

剧情：

时间：19 世纪初。地点：南比萨拉比亚的茨冈人露营地。 

歌剧在具有乡土气息的吉普赛风格的“吉普赛老人动机”的序曲开幕，紧接着出现了“阿列科动机”。阿列科上场并以哑剧形式表现了自己和吉普赛人的感情。随后，随着竖琴的伴奏音乐，出现了弦乐优美的歌唱旋律。 

场景转到了河边，那里松散地排列着茨冈人的帐篷。右侧前边有阿列科和金姆菲拉的帐篷，后面有带蓬马车。燃着篝火的哨岗，大锅里正烧着夜餐。茨冈男女和儿童在吃晚饭，轮流从锅里取出食品。周围一片寂静，河对面露出了美丽的月亮。茨冈姑娘们开始唱着赞美自由的流浪生活，男人们也随之加入。接着，茨冈老人回忆了自己的青春时代，他痛切地以歌唱的形式讲述了一个故事——自从妻子逃跑，留下女儿金姆菲拉后，他不再相信女人。阿列科听完故事说：“为何不杀那女人？”

和阿列科有了孩子的金姆菲拉和茨冈青年共同唱着“爱是自由的，一直旋转下去吧”。由于金姆菲拉的心已经远离阿列科而倾心于茨冈青年，因此和充满嫉妒的阿列科产生了对立。全体茨冈人的合唱阻拦了他们两人：“收起那些话，我们愉快地跳舞吧！”单簧管开始奏起了以日本旋律为中心的圆舞曲。紧接着是手拿铃鼓的妇女跳着独舞，在舞蹈的进行中，金姆菲拉和茨冈青年消失在夜色中。 强有力的管弦乐部分。男人们的舞蹈，音乐中借用了茨冈音乐的主题，依照原样继承了乌克兰的哥萨克舞蹈的节奏传统。舞蹈结束后，众茨冈人一边齐唱具有无伴奏效果的、变化了的圣歌风格的合唱，一边进帐篷睡觉去了。金姆菲拉和茨冈青年从舞台左侧上场。茨冈青年热烈地要求接吻，金姆菲拉害怕被丈夫看见俩人商量着再次幽会。被阿列科发现后，茨冈青年急急忙忙地走了，金姆菲拉进了自己的帐篷，坐在孩子的摇篮旁边，阿列科忧愁地站在帐篷附近。金姆菲拉和阿列科发生了激烈的争吵，她训斥了丈夫的嫉妒，并公开说出了自己对茨冈青年的爱情。

月亮高高升起来了，周围还有些灰暗，剩下阿列科独自悲伤和悔恨，为了儿子，他不知如何是好。紧接着是阿列科的谣唱曲，歌唱中插入前面的一段音乐，后半段一面回忆过去爱情的幸福时光，一面在绝望、阴郁的音乐声中退场，这是此部歌剧中最著名的唱段和场景。英国管、中提琴的交替和竖琴的滑奏一起演绎着宁静的主题。描写了月亮渐渐远去，天空开始渐亮的变化情景，一群男女在跳着爱情舞蹈。茨冈青年在竖琴的伴奏下唱起了浪漫曲：“好似月亮在不停地旋转，爱心的变化谁也不能阻挡”。

黎明，金姆菲拉和茨冈青年上场。他们正在忙着商量如何私奔，阿列科走进来看见他俩，步步逼迫训斥金姆菲拉，金姆菲拉回应道：“令人讨厌！”阿列科此时还想去企求挽回爱情。两个年轻人唱到：“可怜的阿列科。”阿列科产生了报仇的决心，金姆菲拉叫喊着想逃走，茨冈青年被阿列科用餐刀刺死。阿列科同时把一边抱着尸体哭喊一边叫骂的金姆菲拉刺倒了。众茨冈人起床，合唱道：“那吵吵闹闹的声音，到底是为了什么？”茨冈老人听到消息后，急忙叫喊着跑来。众茨冈人一起合唱：“世上最可怕的事。”金姆菲拉说：“父亲，我是被嫉妒所杀。”然后死去了。阿列科站着呼喊着金姆菲拉的名字。此时，茨冈老妇人突然出现，男人们在挖坟，妇女们则合上了死人的眼睛，并同他们吻别、歌唱。茨冈老人对阿列科沉痛地唱到：“我们是流浪人，我们不会惩罚罪责。但是我们不愿同杀人凶手生活在一起。”合唱也以同样的语言反复。不久，众茨冈人以圣歌风格的合唱庄重地唱着：“我们是善良的人，你从这里走吧！”并随之离开，音乐变为送葬进行曲风的乐曲，留下阿列科独自悲叹：“悲伤啊！忧愁啊！唯独剩下我一人”先前回忆的音乐动机再次出现，在宁静而阴郁的乐曲声中全剧落幕。

1986年4月20日的下午，4点，天下着雨。几百名莫斯科人打着伞在雨中，旁边，莫斯科音乐学院的大礼堂里，正举行着一场音乐会。雨中的人们一个音符也听不见，他们站在这里只是为了以后能对别人说：“那天，我在那里。”

演出的时间已到，在一片雷鸣般的掌声中，一个瘦小的老人出现在台上。他身穿着蓝状，打着蝴蝶形领结，掌声夹杂着欢呼声，老人不太灵便的走到舞台中央，对着狂热的观众耸耸肩，挥挥手，笑了笑。然后，他轻轻抚了一下钢琴，似把乐器和自己都安置稳当，等待观众沉静下来。

手放在了键盘上，按下了斯卡拉蒂奏鸣曲的第一个音。历史，欢悦、激动的音乐从他手上流淌出来，仿佛宣示着：弗拉吉米尔 霍洛维茨，这位82岁的老人，在阔别祖国六十年之后回来了。

60年前的那天，当22岁的霍罗威茨在边境准备出关时，一位闻知这位年轻钢琴家大名的士兵，将手放在了他的肩上：“你走了，别忘了你的祖国。”霍洛维茨紧张的心放了下来，他知道，这位士兵不会再检查他了，而他的鞋里藏着几千美元，这是他出国后的全部费用。他的签证只有6个月，而他一去便是60年。1942 年，他放弃了苏联国籍。他常说，他不想回苏联。

然而，时至暮年，他却开始生出了一个愿望：在死之前，再看一看莫斯科。1985年，随着美国与苏联间文化交流的恢复，他的回国之行安排好了。这年，他82岁。

听到他要回国的消息，他的侄女艾莱娜马上激动的来信确证。他出国时，她才9岁。在莫斯科机场的休息处，叔侄俩不顾记者的闪光灯和提问就坐在椅子上叙开了旧。

在莫斯科，霍洛维茨拜访了斯克里亚宾的故居。霍洛维茨9岁时，斯柯里亚宾就听过她的演奏。在作曲家生前用过的钢琴上，霍洛维茨位作曲家的女儿叶莱娜弹奏他父亲的练习曲。。。。。。

莫斯科音乐学院贴出了告示，霍洛维茨将举行演奏会，惊喜传遍了莫斯科。。。。。。

正式音乐会即将开始时，200多名没有票的音乐学院学生，避开警察的防线，钻进礼堂挤满了边道。。。。。。

现在，欢悦、激动的斯卡拉蒂奏鸣曲结束了。可是这首四五分钟的小区还不足以宣誓老人登上舞台为乡亲演奏的欣喜之情，第二手接着是莫扎特的《c大调奏鸣曲》，清新、欢畅、纯净的莫扎特音乐，让劳热更透彻的艺术情怀。斯卡拉蒂、莫扎特的的这两首曲子，是霍洛维茨深为喜爱的，他谈了多少次，可他今天弹得甚至比年轻人还有活力，还要有灵性。82岁的高龄竟然没有在这里印下痕迹，而且，今天圆润、自然、优美达到了他一生从未达到的境界，美得让人难以按耐住心中的喜悦。

接下来是拉赫玛尼诺夫的前奏曲和斯克里亚宾的练习曲。进入角色之后的霍洛维茨，要触及自己与听众共有的心魂了--俄罗斯的音乐。

第三首曲子是，拉赫玛尼诺夫的《g大调前奏曲》。以往多少次的演奏中，霍洛维茨曾在这个美丽的曲子中倾注了无限的优美与幻想的。但今天，味道不同以往，这首小曲的优美与幻想中，精神头出了从未有过的宽阔深情与苍劲感慨。

台下观众的心肯定在为之颤栗，他们肯定从中听到了俄罗斯大地上的歌声，感受到了一个在海外漂泊了60年的老人对这个伟大而饱受磨难的祖国的无限的感怀。许多观众落泪而泣，在这个悲得让人充实、美得让人落泪的曲中哭泣，激动而又幸福。

演奏在莫斯科人的欢呼与泪水中继续前行：肖邦、李斯特、舒曼。。。。。。

大厅以外，世界并不安宁。四时，北非的利比亚遭到了美国空军的轰炸，美国此举也是向敌人苏联的挑衅。但在莫斯科这边，从美国回来的老钢琴家正在为俄国乡亲演奏舒曼的《梦幻曲》。西欧、美国都在转播这场演出，从银幕上关注战争情况的人们，此刻也正从银幕上观看这场音乐会。

早在1731年，一个来自于意大利的歌剧演出团就把歌剧这种艺术带到了莫斯科，然而到了12年之后，这座城市中才建立起第一个歌剧院，以演出莫扎特的歌剧《蒂托的仁慈》而拉开了帷幕。

18世纪中叶，欧洲大陆风靡意大利歌剧，为了追逐时髦，使当时的皇室贵族享受这种歌剧，1776年，叶卡捷琳娜二世女皇命令创建了那时的莫斯科大剧院。后来被大火焚毁。1780年，剧院由英国人马多克斯设计建造。早先该剧院以彼得罗夫斯基命名。1805年剧院再次被大火焚毁。随后又开始重建，并于1825年开放。1853年因剧院内部设施被烧而停止使用。1856年，卡沃斯将其修复，这时期修复后的该剧院能容纳近2000观众，舞台宽度相当于英国科文特花园皇家歌剧院的一半。 莫斯科大剧院曾三次被焚毁于火灾和战争。1958年剧院在原有的基础上大规模地改建，使之成为世界上最宏伟的剧场建筑之一。

莫斯科的帝国剧院建立于1806年，这里最初是一个戏剧表演团与歌剧团组合在一起，并且招募了当时莫斯科最好的剧院中最优秀的演员、歌唱家、舞蹈家和音乐家。在剧院刚刚成立之后的一段时间里，戏剧、歌剧和芭蕾舞的表演都在一间剧院中进行，但是随后便逐渐分流。

从1825年到1860年，作曲家沃尔斯托夫斯基在帝国剧院中担任过各种不同的指导角色，正是由于他的存在而使当年莫斯科的歌剧表演水平有了很大的提高。世纪最初的年代中，大剧院的艺术活动有了令人瞩目的扩展，它的歌剧演出剧目中增加了许多艺术质量上极其出色的新制作，里姆斯基，科萨科夫，阿连斯基，科列钦科和拉赫玛尼诺夫等许多作曲家都将他们的新歌剧交给大剧院首演。与此同时，亚历山大·戈尔斯基加入了大剧院的芭蕾舞团，成为一名芭蕾舞指导，从而逐渐树立起俄罗斯芭蕾的光荣传统，使其向戏剧化的方向迈进了一大步。

大剧院的另外一位舞蹈家季赫米洛夫也在俄罗斯芭蕾学派的形成过程中发挥了重要的作用，他训练出一代芭蕾舞蹈家。拉赫玛尼诺夫曾经于1904年到1906年在大剧院担任指挥，在他之后出任指挥之职的是瓦茨拉夫·苏克，在此阶段，大剧院也拥有最伟大的歌唱家，如夏里亚平、萨比诺夫和涅兹丹诺娃等。

“十月革命”以后，大剧院仍然是莫斯科音乐戏剧活动最重要的中心，它一直以拥有最出色的歌唱家和舞蹈家而骄做，大剧院所表演的俄罗斯古典歌剧和芭蕾具有很高的艺术水准，尽管在世界范围来说，它的芭蕾舞团似乎比歌剧团更为著名，也更具实力；但是这里仍然是俄罗斯声乐学派最出色的歌唱家们所向往的最高殿堂。在大剧院所有的歌剧都是用俄语演唱，偶尔也会有来自国外的知名歌唱家在这里登台。

大剧院的制作风格非常传统，而其演出剧目也完全建立在俄罗斯经典歌剧的基础之上，以柴科夫斯基，穆索尔斯基，包罗丁，格林卡和普罗科菲耶夫的作品为主。一些规模较小的制作，或者是较具实验性的作品，通常是在与大剧院相对应的小剧院中举行。

（liuxue86com）为留学生全程报道海外留学相关新闻：《徜徉在俄罗斯的艺术空间》05月10日报道。

2011年我考上了中国传媒大学，在莫斯科的亲属已提前给我安排了春节俄罗斯之旅，在莫斯科、圣彼得堡两地拜访名师、感受艺术氛围。最初对俄罗斯的印象并不好，当来到了这片土地，在求师过程中我才发现，我对这个国度是多么陌生多么主观臆断。

老师谢里万诺夫

童年的音乐学习是痛苦的且无成效的。这个感觉是在莫斯科上了第一堂巴扬课之后产生的。寻师可谓不易，中国巴扬一流高手曹野推荐我跟几位国际超一流巴扬大师学习，但几位大师都很繁忙，无暇顾及我。最后曹老师找到他的同事谢里万诺夫，30出头的他曾多次拿到世界各大巴扬比赛的冠军，每年在世界各地办大师班。1月15日清晨我们就去见老师，莫斯科的大雪真是壮观，但导致我们开车花了2小时的时间。

老师很热情，让我忐忑的心情得以平静。老师测试了我目前的水平，我小心翼翼地拉了一首雪绒花，心想这下可露怯了。

“很不错。”谢里万诺夫说。

“很难，都不会怎么处理。”我说。

“不，很简单！你要是会了，那就是你来教我了。”

我的一堂课就这么开始了。一堂课是1小时，结果转眼间就快2个小时了。

“真对不起，我想多给你点知识。”谢里万诺夫老师居然向我致歉。

课程结束后，我跟老师说，能否租一把琴，让我在莫斯科期间练习用。老师随即拿出一把意大利名琴借给我用，分文不取。

短暂的学习，让我瞬间顿悟。指法、姿势、风箱这些关键的东西以前我都没有学到。等于我和谢里万诺夫老师是从零开始。这样很好，放下包袱轻装前进。后来曹野老师说，只要你刻苦练习，谢里万诺夫的方法是最有效且正确的。以后你的学生跟你学绝对不会走弯路。

在一次与格涅辛音乐学院毕业的音乐教育博士王晓佟的谈话中，他说到：俄语中的学琴，实际词义是玩的意思，而汉语是练琴。在与谢里万诺夫的学习过程中才感受到兴趣中学习的真谛，而不是枯燥中的练琴。

最后一课，我与老师恋恋不舍，我在他身上学到的不仅是巴扬的正确方法，而是对音乐的兴趣和师德。我和老师约好，定期视频检验我的进度。暑假可以再来莫斯科学习。

莫斯科的音乐氛围

除了学巴扬，我把莫斯科的景点也顺便参观了。克林姆林宫、红场、胜利公园、麻雀山、阿尔巴特街都去过了。给我留下极深印象的是格林卡音乐博物馆和柴可夫斯基音乐学院的音乐会。

一进音乐博物馆，首先映入眼帘的是格林卡的雕塑，雕塑左侧是他的一句名言：“音乐是人民创造出来的，而艺术工作者只是将他们谱写出来。”这话很高深，需要时间去消化。右侧则是一段谱子。博物馆共两层，一层只有1台钢琴，二层陈列的展品，规模不大，展品颇丰。二层展厅包括音乐的各个时期，各个国家，从欧洲、亚洲、美洲到非洲，还有许多俄罗斯著名音乐家的原物，包括拉赫玛尼诺夫使用过的钢琴，一架小型管风琴，还有美国当时的一台自动钢琴。蒙古当时使用的胡琴也与二胡有较大差别，不仅仅从体型，弦数也有差别。各式各样的琴使我迷花了眼，不能说大开眼界，只能说积累的太少，很多都不认识。参观结束，看门的老大妈热情邀请我们留下听音乐会。

我去柴可夫斯基院音乐厅多次，第一次的影响最深，对我的冲击最大。柴可夫斯基音乐学院“俄罗斯音乐的白银时代”学生演奏会。由3位俄罗斯柴可夫斯基音乐学院学生演奏俄罗斯杰出的作曲家梅特纳、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫创作的曲子。

第一位出场的赫罗金科演奏了一首梅特纳38号作品《被遗忘的旋律》，清新淡雅的曲子不失舞曲的活力，手指清晰，并有颗粒性的在钢琴上舞蹈。闭上双眼，我看到了在乡村的风景，小孩子在田野上奔跑，奔跑出田野间泥土的芬芳，还看到了蜻蜓和孩子赛跑。描述的是这样一幅画面。演奏者用娴熟的技艺展现给我们一幅会动的画面，既是一首抒情诗又是一首很能表现技术的动听的曲子。第二位演奏者古格宁则选择了4首斯克里亚宾的曲子，在中国很少学生练习难度系数这么大的大曲子，古格宁运用娴熟的技艺展现了俄罗斯的那个白银时代，那是一个不仅仅是在文学、美术，在音乐上也达到了一个全盛的时代，雄浑有力的音符犹如一把大锤，敲击在我的心房，还让我感到一股温暖的洪流涤荡在我的血液之中，仿佛我获得了强大的力量，无人可以阻挡，又像一个高大的巨人，踩在属于自己的土地上。第三位演奏者格纽沙斯演奏了2首拉赫玛尼诺夫的曲子。宏大的场面被描绘得那么的细腻，那么投入，汗水从他的脸颊上流了下来，洒在施坦威的大琴上，浇铸在钢琴上的汗水，获得的是施坦威给予的神秘。格纽沙斯也是90后，他现在上大学四年级，可是比我们强很多，甚至国内的几所著名的音乐学院的研究生都比不过他们，这使我陷入沉思，这是为什么？

记得霍洛维茨最后的嫡传弟子是我们中国的钢琴家韦丹文老师，他说“使用踏板是一样很神奇的东西，需要用心领悟才能明白”。在演出过程中，我也观察了一下，的确，很好的将技术和理解融合在一起，成为了一座桥梁。每个演奏者都有着自己的专利，但都是俄国传承下来的传统与精华，同时还有创新。

马林斯基剧院艺术盛宴

莫斯科大剧院的老剧场经过多年翻修已开始对外演出，但票价惊人，而且订票只能订到3个月以后，可谓一票难求。我们决定去圣彼得堡欣赏彼得堡派的芭蕾舞《天鹅湖》。

大年初三我们乘坐游隼号动车，踏上了俄罗斯北方首都圣彼得堡的征程，抵达后坐上朋友的车直奔马林斯基剧院。感觉剧院的门面很小，但马林斯基剧院的名气、地位占有了世界芭蕾舞的最高峰。走进剧院，想象力如同插上了翅膀，能想象到当年沙皇坐在马林斯基剧院里观看演出是什么样的姿态。至今，人们一直保留着对艺术的尊重，男士穿着大多西服革履，女士的穿着更不用说，自然典雅大方、姿态高傲。

进了剧场，顿时骇呆了眼，鎏金溢彩的装潢比书上的照片还夺目，乳白色的柱子上雕满了黄金纹饰；天花板上自然少不了贵族般的古典壁画，那些宗教的文化沉积，沉淀出艺术的萌芽；吹着笛子的小天使雕塑，形态小巧可爱，仿佛即将奏出跳动的音符；广阔的乐池，一本厚重的总谱，诉说着那时柴可夫斯基的800卢布；偌大的升降幕板、雍容华贵的舞台灯光、不拘俗套的座椅是现代技术工艺与艺术的完美融合。演出共分3场，4个场景，结尾自然采取完美圆满的结局，王子打败巫师，救出公主。强大的视觉冲击力需要有音乐的支撑，坐在导演彩排坐的座席上，较高昂的门票，必然收获声音上的甜点。当看到小丑在台上娴熟的技艺，一圈又一圈的转动，赢得观众的鲜花、掌声，你不得不为他台下一次又一次的跌倒，为他不怕挫折的一颗恒心打动；当看到4只小天鹅在嬉戏，耳畔又听到老柴那段熟悉已久、百听不厌的旋律，又燃烧起那把心灵之火，迸发激情的火苗，而两侧的两打小天鹅却一动不动，似乎为他们的欢快在引颈高歌，但又有几个人去看这两打群众的辛劳？当你看到假公主奥吉莉亚出场，你同样会被她精湛的舞艺吸引，她身上的妖艳气息是你无法抵挡的，谁都不会拒绝她的惊艳。当看到王子舍身搏击老鹰，救出白天鹅公主，舞台的电闪雷鸣、交响音乐的气势恢宏，你也会被王子的勇气、爱心打动。

提到古典音乐，我们往往首先想到德奥作曲家的交响曲、俄罗斯作曲家的热情粗犷、法兰西的浪漫风情，但北欧作曲家也为19世纪音乐的繁荣作出了可贵的贡献。他们的作品或是简约明快，或是洋溢着民间气息，或是充满着宗教哲思，徜徉其间总能感受到一点心动、一点惊喜。下面是两位您不可错过的北欧作曲家。

爱德华·格里格

作曲家爱德华·格里格（1843-1907）出生于挪威第二大城市卑尔根，祖先是来自苏格兰的移民。父亲博览群书，母亲曾在汉堡学习声乐。童年时代的格里格经常听到母亲弹奏莫扎特、贝多芬和肖邦的音乐。15岁时格里格接受挪威小提琴家欧·布尔（O Bull)的建议，前往莱比锡音乐学院深造。

在莱比锡，他并不满意学院的教学，而是拜钢琴家莫舍莱斯为师，研究了贝多芬钢琴协奏曲，这为他后来创作A小调钢琴协奏曲奠定了基础。在写下这首清新隽永的协奏曲时年仅25岁。1863年格里格开始游历丹麦哥本哈根，在这里写下了他唯一一部交响曲（C小调）。

让·西贝柳斯

西贝柳斯（Jean Sibelius，1865-1957）是最著名、最受喜爱的北欧作曲家之一。他留下的传世之作有七部交响曲、音诗《芬兰颂》，《忧伤圆舞曲》、《卡雷利亚》组曲、《图奥涅拉河上的天鹅》。