海报什么牌子?香奈儿经典创意海报

海报设计哪家好

海报设计推荐：东方尚品牌策略设计、正邦设计公司、东道设计、始创国际、灵智飞扬。

1、东方尚品牌策略设计

北京东方尚企业策划设计有限公司（以下简称东方尚）——中国资深品牌设计与策划公司，创立于1998年，致力于为企业提供高端的品牌设计和策划服务。东方尚汇聚了众多设计、策划、咨询界精英及权威人士，客户遍及全国，跨越众多领域，成功为中国工商银行、葵花药业、紫竹药业、人民保险、好利来、双鹤药业、恒基地产、好当家、三九药业、济南钢铁、奇正藏药等百余家企业、机构提供服务，深受客户和市场的好评。

2、正邦设计公司

正邦是业界享誉盛名的品牌整体识别设计公司，是中国4a协会80家会员之一。正邦品牌荣获“北京知名商标”。正邦已获得包括“德国红点／if大奖“以及中国设计之星奖在内的228个奖项。旗下六大规模成熟、极具影响力的子品牌为：正邦品牌识别（标志VI）设计，邦品牌顾问，邦命名，邦环境导示，邦传媒和邦网络识别，北京上海广州三地全职员工近千人。

3、东道设计

东道总部设在北京，全公司拥有700多名员工。东道的客户均为各个行业的领导品牌，涵盖从B2B到B2C的不同领域。在2013年度“全球最受赞赏的知识性型企业”排行榜“设计服务类”领域，东道位列第一，成为唯一入榜的本土公司，一举超越奥美、扬特等国际知名公司，成为中国市场新的霸主。公司总部设在北京，在国内外设立了若干设计事务所。东道设计公司多次在国内、国外获得VI设计和标志设计的大奖,为国家和设计界争得过荣誉。

4、始创国际

从企业公关活动到产品广告宣传，为企业量身定做包括电子、财会、商务、管理等多种专业培训，帮助企业站在发展的前端，成为竞争中的强者，以专业的形象塑造与传讯服务协助200多家大中型企业迅速实现品牌成长与价值提升，十几年的成功案例及在海内外所获得的荣誉已使得始创成为业界不可动摇的旗帜。始创设计的“中国印_舞动的北京”在全球众多作品中脱颖而出，一举成为2008年北京奥运会会徽。

5、灵智飞扬

北京灵智飞扬广告有限公司是一家集品牌策划、平面设计、互动设计、产品形象包装设计、印刷制作为一体的专业化广告设计公司。灵智飞扬广告具有一批来自清华大学美术学院毕业的资深设计精英，是一支年轻、高素质、充满活力、全心全意为客户服务的创作队伍。在国际国内众多设计大赛中获得优异成绩，为中国设计争得无数荣誉。经过多年的洗礼，灵智飞扬广告已成为北京最专业的品牌设计公司之一。

香奈儿经典创意海报

香奈儿经成为一种时尚界的骄傲,也是这个地球上女人最想拥有的品牌，香奈儿的宣传海报也是比较经典的，下面是由我为大家整理的香奈儿经典创意海报，希望你会喜欢!

香奈儿经典创意海报

香奈儿经典宣传海报

香奈儿的经营理念

无论是经典的香奈儿(Chanel)、在传统与时尚中博弈的保罗·史密斯(PaulSmith)、“快速时尚”风潮的Zara，还是以中国元素走向世界的“上海滩”，这些看似千差万别的服装(服饰)品牌却总能以自己独特的生存方式不断改变着时尚世界。具有悠久历史和独特产品的常青树品牌以其核心单品为生存基础，为适应传统市场的老化以及新兴市场的多层次需求，纷纷利用各自优势寻求可持续发展。

时尚特性：奢华与简洁并重

香奈儿品牌的特别之处在于实用的华丽，从生活周围撷取灵感，创造出一种简单舒适的时尚哲学。正因为如此，在今天人们可以毫不费力地辨别出香奈儿的品牌风格——两件式的斜纹软呢套装、带有强烈男性元素的运动服饰、象征康朋大街的菱格纹、打破旧有价值观的人造珠宝、双色镶拼的羊皮鞋、带有浓郁女性主义色彩的山茶花图腾以及奢华与简洁并重的香奈儿No5香水。

营销策略一：产品“精英化”

香奈儿产品独特的魅力令人向往，高高在上的价格却让普通消费者望而却步，但品牌的定位却越来越精英化，甚至还加大了其产品中最奢华的系列的份量，以吸引更多“超有钱人”的腰包。香奈儿品牌已经处于奢侈品品牌的顶端，高品质和高价格是它维持品牌形象和存在价值的唯一途径。在面对全球低迷的经济背景之下，香奈儿的全球总裁穆林·琪凯特则决定为其标志性的菱格纹手袋做一个全球性展览——流动的艺术。尽管有人认为在这个时候推广全球最昂贵的手袋是不明智的，但穆林认为，就算在经济最不景气的情况之下，人们也不会放弃对美好事物的追求，因为这可以振奋大家的士气。

营销策略二：品牌“年轻化”

2002年，曾担任过法国欧莱雅、美国盖普及BananaRepublicCEO的43岁的穆林·琪凯特成为香奈儿公司全球总裁，她的目标是通过取悦于新一代奢侈品买家，从而带领这个强大的品牌更上一层楼，为了实现这个目标，她采用了奢侈品零售业罕见的消费者导向型发展策略，并且借鉴了盖普公司的“填补市场的缝隙”经验。拥有欧美时尚品牌经验的穆林让香奈儿的营销更进一步，加上与设计师卡尔的合作，创下了150亿美元的品牌价值。

营销策略三：占领新兴市场

随着西方社会经济的低迷，奢侈品也受到严重冲击，而以俄罗斯、中国以及巴西等为代表的新兴国家市场成为奢侈品销售新的增长点。2009年岁末，由设计师卡尔·拉格菲尔德领军的香奈儿品牌高级手工作坊系列来到中国上海，为全世界奉上了跨越东西半球、贯穿中西文化的香奈儿“巴黎——上海”系列，这是继2008年推出“巴黎——莫斯科”系列后的又一新兴市场拓展计划的一部分。2010年伊始，香奈儿又在另一新兴国家巴西推出了奢侈冲浪板系列。不得不说，在全世界应对金融危机的保卫战中，香奈儿为众多奢侈品牌振奋了士气的同时，也为自己开辟新兴市场抢得了先机。

营销策略四：保持高贵的渠道形象

在冲绳逛街看到一个b开头的牌子，很像香蕉的英文，水原希子拍的海报，是啥牌子

应该是迪奥的Beauty系列。

水原希子牵手Dior_eauty成全球首位亚洲代言人

水原希子3月1日受邀出席Dior_eauty东京新品发布会，并获官宣正式成为该品牌全球形象代言人。

所以应该是这个Dior的海报，本来她代言的品牌就只有之前IT集团旗下的B+AB（主营服饰）和刚刚代言的Dior_eauty系列。

刚刚代言加上产品预热宣传，所以应该是Dior_eauty的广告。

2021早秋高级手工坊系列。根据查询香奈儿官网显示，香奈儿2021早秋高级手工坊系列新款有珍珠手腕链条小零钱包。香奈尔品牌的创始人是加布里埃香奈儿，女性，1883年8月19日出生于法国索米尔，毕业于修女院学校，法国先锋时装设计师。

2021/22高级手工坊系列发布会于巴黎全新高级手工坊中心19M大楼举行，系列作品精致而都市感十足。

香奈儿2021/22高级手工坊系列发布会开场造型。长及脚踝的黑色大衣点缀闪亮的珠宝钮扣，口袋上的亮片图案演绎高级手工坊中心19M大楼的外墙造型。

黑色短大衣点缀珠宝钮扣，贴袋绣以珍珠、珠子与羊毛织线，大衣内搭羊驼毛条纹粉彩调毛衣，搭配幻彩浅粉色皮质贴身半身裙，玩味不同材质的层叠。

无领大衣以天鹅绒与金银线斜纹软呢打造，其上的丝缎提花滚边勾勒出套装般的轮廓，敞开的衣摆下显现出钴蓝色针织百慕大短裤。一枚水晶山茶花胸针晶莹闪烁。

紫罗兰色丝缎套装线条流畅，搭配织线刺绣斜纹软呢平顶帽与短款飞行员外套。外套配以运动衫口袋，其上的亮片刺绣演绎涂鸦风格的图案。

极致优雅，感知内在匠心；时髦摩登，勾勒华丽轨迹。香奈儿2021/22高级手工坊系列 将旗下各个手工坊的技艺展现得淋漓尽致。创意总监维吉妮·维娅将自身的喜好与香奈儿女士心中的标志性元素相互融合，为 香奈儿高级手工坊的技艺和经典文化不断注入现代活力。精湛的手工艺技巧和对细节的执着追求，让香奈儿时光流转，熠熠光彩。

Chanel在中国内地实现了两位数增长。”Bruno Pavlovsky早前出席古巴早春系列发布会时说道。这样的业绩在今天的中国市场实属罕见。

早在去年4月，Chanel突然宣布全球价格协调，首次尝试将部分产品的中国售价调低20%，同时照常上调欧洲价格，试图让全球价差不大于10%。 “此项价格协调会在2015年对所有精品的产品系列进行陆续调整。一方面能持续提升顾客在精品店内的购物体验，同时还能抑制海外代购市场对于品牌形象的影响。”Chanel中国区当时告诉界面说道。

鉴于Chanel不对外发布营业额数据，由目前官方给出的回复来看，在中国进行价格协调这步棋在短期内确有成效。Chanel对Paraffection的定位非常清晰，我们不单需要最好的设计，也要最拔尖的工艺。Chanel与工坊间的关系不仅止于朋友，更像是堂兄弟。我们希望它们能够专注于创意层面，与品牌合作是必须的。重要的是，这些工坊不再停留于过去，而是凭借传统技法寻找自己的未来。

2002年Chanel高级手工坊系列发布了第一季。此后每年的12月，Karl  Lagerfeld都会选择一个和Chanel品牌有密切联系的城市作为创作主题，并发布“高级手工坊系列”。Chanel每一季的发布会都是业界最为期待的时尚盛事。Chanel的发布会不仅是一种潮流风向，还可以第一时间欣赏到顶级品牌的极致工艺。

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一时尚插画的开始时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亚伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二十九世纪的时尚图样（Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。三二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》（Gazettedubonton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的****，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（CharlesMartin），爱德华多·加西亚·贝尼托（EduardoGarciaBenito），乔治·巴比耶（GeorgeBarbier），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（UmbertoBrunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。在美国，大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发，《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（HelenDryden），乔治·沃尔夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape），莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（EduardoBenito），查尔斯·马丁（CharlesMartin），皮埃尔·布里索（PierreBrissaud）和安德烈·马蒂（AndreMarty）。四时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。五时尚插画的毁灭与复兴到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章，或从事广告活动。1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹（AntonioLopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代，先驱插画师EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！时尚元素在时装插画中有哪些应用？可以具体介绍一下吗？

时装插画作为现代广告设计当中的一种独特而又古老的视觉传达形式，有着明朗直观的形象，具有真实的生活感和艺术美感，迅速占据了受众的视野，例如文化活动、商业活动、影视文化等领域。时装插画的形式多种多样，可由传播媒体分类，亦可由功能分类。以媒体分类，基本上分为两大部分，即印刷媒体、影视网络媒体。

1印刷媒体

印刷媒体包括报纸插画、杂志书籍插画、招贴广告插画、产品包装插画、企业形象宣传品插画等。尤其以时尚类杂志为主，其定位目标人群多为女性，其文章大都面向女性读者推广，因此，时装插图中通常是不同风格的独具魅力的女性。而女性热衷于好看符合当下潮流的服饰配搭，所以将女性与时装结合在一起进行插画设计更具时尚性。

2网络与影视媒体

网络与影视媒体包括网站、游戏、影视剧、广告片等方面的角色设定或界面设计。其中服装插画在各类时尚类网页当中应用十分广泛，而且还会根据网站受众面的不同进行不同风格作品的设计。在游戏方面,伴随着玩家审美素养的提升，对手机游戏画面的视觉要求以及游戏中的情感交互的需求也越来越高。手机游戏既是科技产品,又是具有艺术性的文化产品。一款手游如果想在激烈的市场竞争中脱颖而出，除了在玩法上应该具备创意性外，在美术设计上必须重视游戏人物的角色塑造。时装插画会提升游戏人物角色的个性化与时代性，互联网时代的服装插画不但继承了传统插画的艺术性，还具备现代设计的功能性，成为一种被人们接受的视觉语言和信息传播载体。

综上所述，时装插画设计在现代社会艺术领域内属于十分重要的内容及艺术形式，并且在当前社会中的很多领域得到了十分广泛的应用。时装插画家借助各种绘画工具与高新科技结合，产品更加多元化，参与到了时尚风潮中来，甚至制造时尚风潮，使整个流行时尚走向繁荣。

因为 科技 快速进步，很多人惶恐在未来机器人会取代所有人力，但是千万不要小看人类的艺术和工艺，因为光是连一条裙子上的完美打折和花朵缝制，CHANEL香奈儿都不认为机器人可以取代Métiers d'art工坊之中的任何一位工匠。

在看科幻**的时候你是否也会不断有这个疑问：未来会怎么样？AI智能发展的程度不是直线爬升，而是以像扭开水龙头的方式在倾泻、逐渐浸润我们的生活。未来，人类工作会被机器人取代吗？

一些不需要情绪、经验或美感判断、只需要精准节省人力或容易造成生命危险的工作，当然部分会被AI取代，比如收银员、司机、甚至医疗相关人员。但也有完全不用担心的部分，好比像艺术，机器人可以精准摹拟出毕卡索的画，但他永远不可能成为另一个毕卡索。这个逻辑套用在 时尚 产业亦然，但CHANEL香奈儿一直引以自豪的Métiers d'art工坊系列，却又更清晰地让我们看到，也许未来没那么多人再想穿机器大量生产的成衣，一件需要靠专业工匠才能制成的衣服，没有季节性，只有人脑艺术加持过的光辉，加上未来资源稀缺，以后我们肯定需要过着”买得少、但穿得更好”的日子。

相信女生们没有人不喜欢香奈儿，拥有香奈儿包包不稀奇，真正的 时尚 行家，绝对都会渴望穿上CHANEL工坊的衣服，哪怕一辈子就拥有那么一件外套、那么一件百搭黑洋装，也会觉得异常满足。在过去30年间，CHANEL现任创意总监维吉妮‧维娅一直是品牌创意工作室与旗下效力Métiers d'art各工坊间沟通的灵魂人物，她与工坊之间不停地进行各种以手工制作艺品般服装的研究与试验。今天想特别介绍给大家，是维吉妮‧维娅操刀的2020 CHANEL巴黎-康朋街31号工坊系列中，一件由Lognon褶饰工坊打造的粉红色百褶裙。

Lognon布料褶饰工坊创立于1945年，是法国硕果仅存的褶饰工坊。一般普通成衣是靠机器测量并快速压出一批一批精准的折子，但Lognon褶饰工坊却先像做劳作一样，依布料需要的特色折出「纸模具」，两片纸模具中放上雪纺纱之后再由工匠以人手铺压出折子、放入蒸汽烤箱中定型。为什么不用机器？因为在高级制衣技艺里，折子的宽度、在布料上折痕的质感都能呈现截然不同的气氛，只有工匠的眼、脑和手，才能判断这多零点一公分之间会呈现多么不同的视觉感受。而在工坊系列中，一针一线一丝一缕都是工匠用眼睛判断、用手去缝制，每一件单品的装饰上都多了人的气味、美学的思考与审视。

谈到工坊，就不能不提到CHANEL在去年在9000平方公尺土地上开始动工的一个超大型计划「Le 19M」，这将会是一栋集结全巴黎最强 时尚 手艺工作室与工匠的大本营，未来的某一天，我们就能看到在巴黎第19区这栋集结Lognon褶饰工坊、Lesage刺绣工坊、Montex 刺绣工坊、Massaro鞋履工坊、Lemarié山茶花羽饰工坊、Maison Michel帽饰工坊、Paloma服饰面料加工坊、泳装与内衣工艺品牌Eres 、Goossens金银工坊等法国一流工匠集聚在一起工作、互相支援的壮观场面。

这个计划背后代表的意义就是希望在创新的时代下能同时保护「手工艺」的永续发展，因为巴黎这些古老又具有名望的 时尚 工坊，代表的就是法国的文化影响力。 科技 不该取代也不可能取代人类的手工艺术，反而应该站在协助发展的角色，使之与时并进。

正在兴建的CHANEL 「Le 19M」呈现出保护手工艺技术的超大企图心：M代表的是手(Mains)、 时尚 (Mode)、工坊(Métier)，未来这将会是一栋集结全巴黎最强 时尚 工坊的大本营；施工中的工地墙面还邀请艺术家Case Maclaim彩绘，其中这个画面就是Lognon褶饰工坊的工匠之手。