你买的最贵的一件衣服是什么牌子的呢？

这个还真是有呢，最贵的，肯定印象也就特别深刻了。我个人的话，表示是不喜欢追牌子的，只要是自己喜欢的，不管牌子和价格，都是要买的。说到这个牌子呢，冬天穿的羽绒服是鸭鸭的，搞完活动600多元，还是和老公认识的时候，他给我买的呢，这算是最贵的一件了。

当初我和老公认识的时候，那时候工资都很低，我都不超过3位数的工资，能想到有多么惨么，但是工作的确实很开心，所以一般的衣服我都是从淘宝上买，而且价格还便宜，主要是尺码什么的都合适。而且还可以剩下去逛街的时间，一周六天上班，周天休息就不愿再出家门了，所以也懒得逛街。

和老公认识后的2个月就冷了，说是要带我去他家见父母，那怎么得给我买件像样的衣服穿吧，所以我们就去逛街买羽绒服去了，因为之前我穿过鸭鸭的牌子，只不过之前买的是老款式，所以呢，这次还是一起去了鸭鸭专卖店，最后买了时尚款的这件羽绒服，不过质量确实是没的说，而且形式也没有被淘汰，这都时隔好几年了，我依旧子冬天的时候喜欢穿这件衣服，也可能和这个衣服的购买来源有关吧，从心里就喜欢穿。

到后来真正居家了，也没有那么大手笔的买过衣服了，婚后的生活可能就是这样吧，老公知道节省，那我也得节省，那样才会越来越好，再加上现在信息同步，网上购物如此的简单，而且主要是质量也很好，穿上也很合适，所以呢，能用网络代劳的，我就不再选择去商场了，时间也是金钱嘛！

你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？

于我而言，我觉得这个设计属于是比较

大胆但是又在情理

之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。

香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，

打破了装饰堆砌的审美

，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。

再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。

所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。

可以突破，但是原本的根基不要动摇

。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字

最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。

这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上

事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。

过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。

因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；

手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。

事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。

从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。

上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在

他就是ChristianBérard。

Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。

ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友

刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。

ChristianBérard

01是时装插画亦是艺术

ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。

上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper'sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。

他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。

它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。

是融合了新浪漫主义的诗意风格~

线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的动态勾勒得很传神。

他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。

Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。

毫无疑问，

Bérard提升了时尚插画的艺术水平，

不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。

ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「

为他打开了一个新的世界。

」

而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。

02服装设计的多面手

Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。

下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。

后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。

除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。

Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的**多次设计戏服。

1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。

相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。

他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。

Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。

我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！

03全能美学设计师

除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。

Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——

就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。

于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L'EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。

Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。

如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。

那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场

Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。

前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。

Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。

Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。

如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔

他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？

Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。

有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。

最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。

04设计师们的「Bébé」

Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。

上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~

Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「

能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。

」

据说正是Bérard所说的一句「Isn'tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响

众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。

但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般

香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）

Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年

Bérard为香奈儿创作的时装插画

而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线

ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画

ChristianDior1947年的时装首秀

不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。

Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：

是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。

Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。

我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「

感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉

」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。

我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。

Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。

1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。

对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。

巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。

时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。

AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40's为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。

Berard为Ascher设计的面料

AnnaSui1995SS

在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。

Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。

ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

问题一：哥特风格是什么意思 欧洲中世纪十二至十五世纪时期，是一个经济和社会深刻变革的时期。在统一于强大君主制下的那些稳定的国家中，手工业者、商人和银行家成了新的社会等级，在不断扩展和繁荣的市镇中，

这个新等级开始发展扩大起来。同时，教士亦极大地扩展其影响范围。在艺术方面，这个时期独特的风格就是哥特式风格。

(关于哥特：

A：人类学意义上的哥特，古代欧洲的一个民族。他们住在日尔曼部落的最东部，占据南多瑙河盆地和黑海沿岸的土地，被第聂伯河划分成东哥特和西哥特，两个独立的部落。西哥特人善于移动，攻下罗马，最终被同化到已在西班牙建立起的罗马文化中，8世纪时被摩尔人征服，同伊比利亚的拉丁成分混为一体。东哥特人穿过巴尔干到意大利，公元493年占领了意大利，公元555被吸收到拜占庭帝国中。

B：艺术风格，出现于十二世纪晚期，主要体现在建筑与绘画上，起源于法国的巴黎附近。从来源上看，哥特式美术和建筑借鉴了罗马技术，但是把它们置于与前辈完全对立的一种革新的美学观点。哥特式风格在建筑上主要是运用了飞檐扶壁，这样可以使墙体的负担大为减轻，使在墙面上开出大幅的玻璃花窗成为可能，同时使建筑的整体具有强烈的向上的特征。这样，从视觉角度来看，建筑――主要是教堂――具有高耸入云的外观，而其内部空间则在大幅的彩色玻璃花窗透射出的迷离光线和更高的中庭的双重作用下给人强烈的升腾感。

C：恐怖的、黑暗的、怪诞的、野蛮的，就象“拜占庭式”意指了不必要的繁复那样，哥特式（Gothic）成为了一个形容词。这个维度也指向了哥特小说的哥特的涵义。让人想到17、18世纪流行于英伦，描写发生在阴森恐怖的哥特式城堡中的复仇或志怪故事的小说。后来又有了新的扩展，比如司各特爵士的历史小说，按美国人的说法，哥特小说已经延绵到了安妮・赖斯的吸血鬼系列小说，甚至还包括了斯蒂芬・金的恐怖小说。)

问题二：哥特式是什么意思？？？ 性格：有一种看透世事，桀骜不驯的18世纪英伦贵族的既忧郁又有些邪恶恐怖的高贵气质。

长相：面色苍白，像《理发师陶德》里的海伦娜・邦汉・卡特和《剪刀手爱德华》中的约翰尼・德普那种。

着装：偏重于阴暗色调黑色，深灰，或者是暗红和金黑色。惯用黑白泡泡袖和蓬蓬裙。

装饰：宗教和金属装饰，像十字架，哥特式城堡中的繁复装饰之类的

问题三：哥特是什么意思啊 哥特(Goth)包含多种意思，主要有：1、哥特人的，哥特族的（指曾入侵罗马帝国的一支日耳曼民族）；2、哥特式建筑的（12至16世纪流行于西欧的建筑风格，以尖拱 拱顶 细长柱等为特点）；3、哥特派的，哥特风格的（18世纪的一种文学风格，通常描述有神秘或恐怖气氛的爱情故事）；4、指字体，哥特字体的；5、指颜色，红与黑哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

问题四：哥特式女孩是什么意思 好吧估计楼主又看见某个非主流的小妹子取了个这样的网名

哥特啊 这个范围界定有些困难，哥特式什么的如果从哥特血统最纯正的来说就是没落了的贵族，他们依然有着原来的那份气息，但是生活已不如意，思想上都走了个偏门。像吸血鬼就是哥特最大的代表。

不用管那么多什么哥特式女孩，哪来那么多哥特

问题五：哥特式美丽 是什么意思？ 哥特族像是神秘传说中的人物，有的将维多利亚的高贵与吸血鬼的形象融为一体,有的类似朋克外表各异却有一些共性:神秘,令人映象深刻又具有美感,还有不少 和挑衅的味道苍白的脸色,浓黑的眼影,复杂而经过精心配搭的衣服以及很特别的发型,明显是那种跟平凡人的生活划清界限的一类哥特是个泛化的形容词,并不能很好的解释为什么这些人会在每天的生活中这样打扮是迷恋恐怖和吸血鬼文化还是只对这样的装扮感兴趣这些跟随着Carpe Noctem(使用黑夜和人生阴暗面)口号的人到底是谁他们通常对死亡感兴趣,渴望死亡或是对真实世界生活感到厌恶,然而光是这样就足以让他们每天做那么复杂的打扮,并一直保持 人心的造型吗这里面应该还有更大的魔力,而不仅是一种时装表象每个哥特的答案都是不一样的,是生活方式,是次文化或是有着完整理论基础的文化,是一种社会运动或者只是一种时髦如果哥特只是时髦或者只是着装风格,为什么至今仍令人倍感神秘和未知只有跟随历史轨迹和演变,才能将哥特的幽暗面貌分辨清晰,理解或至少了解这种阴郁的生活方式

哥特族普遍只想成就一件事:挑战

哥特族同时使用,异教徒和撒旦的标志物,十字架,反十字架,古埃及符号和五角星都很常见但对于佩戴的人来说,这些饰物更重要用于挑衅而非表达个人信仰哥特族从现存的朋克文化中截取很多的元素比如黑色的衣服,皮革,绷带还有壮丽的发式,并加入自已创作的或戏谑或矗漫的其它物件当朋克再不能给人震憾,哥特族就开始了近乎亵渎的装扮方式他们把耶稣钉于十字架的像,圣母像与吸血鬼,怪兽饰或五角星混用,色彩以黑色为主,掺有深蓝,火红和紫色,穿束胸衣,内衣,渔网状的紧身裤和上衣,皮革长外衣和夹克是必须品露出点内衣(袜子,吊袜带,胸衣)也很常见,经典的诗人衫领口,袖口和胸前的褶绉也被广泛使用女孩必备的单品还有绸缎或橡胶质地的长手套,男孩必须有一条皮裤,一双马丁靴有人偏爱更戏剧化的斗蓬或长及脚踝的宽大外衣黑暗怪诞效果的配饰则包括丝绒领结,狗颈皮带或绷带领子,当然还有长垂穗,钉扣,链子化妆上必须脸色苍白,黑色眼影眼线,黑色或深红色嘴,眉毛要修得非常细或全部剃掉再画上细细的两条头发多染成黑色或漂白成极浅的金色,也有一些喜欢深红和紫色哥特发型是A形短发或乱七八糟叫做Ratted out的发式,厚厚的喷发胶和混乱不堪也是一种标志造型典范包括The Cure乐队的Robert Smith,始终不变的乱发型,深红色晕开的嘴,厚重的黑色烟熏眼影;The Sisters of mercy的Andrew Eldrich,永远不摘掉黑色眼镜,光泽的黑发,皮裤,皮夹克,敞开的衬衫;女装典范则是Betty page,她是50年代的著名壁花女王,长长的黑色卷发,剪短成齐流海,细细的眉毛和最深色的口红另一种装扮风格来源于Anne Ricer的小说Dracula或吸血鬼Lestat,维多利亚风格的长发,长裙,很多的褶绉,丝绒,歌剧式斗篷,束胸衣,马甲都是必须品

问题六：哥特是什么意思啊？ ：哥特(Gothic)这个词汇是很好解释的，是一种18世纪以前的文学做平，

麻烦采纳，谢谢!

问题七：哥特式人是什么意思啊？？ 我其实并不喜欢《哥特形式论》这本书。原因也是书中那种十九世纪末，二十世纪初那种躁动的情绪。翻译者说的更好：他的这种写法与表现主义时代弥漫在德国文化界的那种普遍骚动、狂乱精神气氛形成呼应。其实十九世纪以来，前期的浪漫主义、青年德意志、叔本华、后期的尼采都是充斥着主观色彩浓重的叫嚣或 的。我现在很讨厌这种写法。（不过自己这样写的时候很有劲的）刚开始的时候很奇怪，印象中还有很多人都说德国人一直以理性著称的，但是为什么这么多产生重大影响的人都这么主观化？再想想伟大的元首希特勒，不也是充满着狂热的人？而正是这个人，以其如簧之舌，蛊惑了一个以理性著称的民族，这样的事情，本来不就应该奇怪吗？ 或者理性这个词用来指称德国人本来就是误用。对于德国人来说，确实是擅长哲学思辨，海涅不是说了吗：“德国被康德引入了哲学的道路，因此哲学变成了一件民族的事业。一群出色的大思想家突然出现在德国的国土上，就象用魔法呼唤出来的一样”。但是哲学思辨的形式本身并不意味着对世界的真实把握。还是用笛卡儿的那句话来说：我思，故我在；但是世界何在？思考在确证了自己的存在的同时，却忽略了对世界的认识。不止有一个人强调德语“精神”这个词，指出这个词兼含“意志”的意思。我对德语一窍不通，但如果这是真的，也许意味着在德国，思考，已经具有太过巨大的力量，这个民族过于偏爱这种灵魂的力量，甚至妄图用自己的精神意志，包容甚至改变面前广大的世界。或许正因如此，同样是出于对罗马教皇的斗争，在北方的德国产生了更为固守道德的清教主义，以自己纯洁的基督教道德来抗击教会的贪婪；而在南方的意大利则产生了张扬个性的文艺复兴，以个人冲决教会的网罗。这是两个截然相反的路径，却共同为欧洲走向近代化提供了必须的思想养料。就形式而言，清教主义争取权利的形式是惨烈的，（虽然也终于确立的宗教宽容的原则）而文艺复兴时代则更多的是那种不乏机智的嘲弄。或许，德国其实一直就是一个悲剧的民族。一个因为精神而沉溺到巨大悲剧的民族。刚毕业的时候曾经买了一本英国人詹姆斯写于本世纪初的《神圣罗马帝国》，随便翻了翻，因为历史史实过于琐细，难以读进去。但是里面有句话，也是结论，给我留下了很深的印象：他说：神圣罗马帝国，既不是神圣的，又不是罗马的，也不是一个帝国。德国人正是因为陷溺到这种幻想之中才在中世纪后期沦落为国家四分五裂的局面。呵呵，这本书也是写在第一次世界大战前的。想想当时的霍亨斯陶芬王朝，还有希特勒的第三帝国，其实都不过是因为这个帝国幻想才导致国家倾覆的。

问题八：哥特式是什么意思？ 哥特式（Goth）最早是文艺复兴时期被用来区分中世纪时期（公元5-15世纪）的艺术风格，以恐怖、超自然、死亡、颓废、巫术、古堡、深渊、黑夜、诅咒、吸血鬼等为标志性元素。哥特式风格用黑暗、恐惧、孤独、绝望的艺术主题，来往于内心世界神圣与邪恶的边缘，描绘在爱与绝望之间的挣扎，嘶叫的痛苦和清醒。

哥特，是英语词Goth的音译，Gothic一词（意为“哥特式”）即源自该词，原指代哥特人。另有一说称Gothic源于德语Gotik ，词源是Gott音译“哥特”（意为“上帝”），因此哥特式也可以理解为“接近上帝的”的意思，“哥特式”只是德语词的音译，平时所说的一切“哥特式”都可以理解为“形式上或感觉上给人一种接近上帝的感觉”，比如建筑艺术，文学，音乐等哥特式。

哥特式被广泛地运用在建筑、雕塑、绘画、文学、音乐、服装、字体等各个艺术领域，艺术是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征，主要代表元素包括蝙蝠、玫瑰、孤堡、乌鸦、十字架、鲜血、黑猫等等。

起源

哥特（Gothic），又译为“歌德”，原指代哥特人，属西欧日耳曼部族，最早是文艺复兴时期被用来区分中世纪时期(5~15世纪)的艺术风格，它的源由是来自于曾于公元3~5世纪侵略意大利并瓦解罗马帝国的德国哥特族人，在15世纪时，意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动，由于意大利人对于哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以释怀，因此为了与这段时期有所区分，他们便将中世纪时期的艺术风格称呼为“gothic”，即“哥特”，意为“野蛮”。

尽管“哥特”这个词多少有些负面的意味，但事实上，中世纪后期哥特形式的寓意并非是消极而负面的，反而具有流动状态的特点，即哥特式并非一种固定的形态，而是表现出一种状态，一种过程，是历经中世纪漫长思想禁锢过程后人们开始对世界重拾思考的迹象，可能体现了一种“虽然真理永不可得，但仍旧要追求不息”的精神。

建筑

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格，常被使用在欧洲主教座堂、修道院、教堂、城堡、宫殿、会堂以及部分私人住宅中，其基本构件是尖拱和肋架拱顶，整体风格为高耸削瘦，其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。哥特式建筑以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感，对后世其他艺术有重大影响，其魅力来自于比例、光与色彩的美学体验，即通过对光的形而上的沉思，通过对数与色的象征性理解，使灵魂摆脱俗世物质的羁绊，迎著神恩之光向着天国飞升。这种建筑虽曾于欧洲全境流行，不过在欧洲文艺复兴时期，一度颇为被藐视。

十八世纪，英格兰开始了一连串的哥特复兴，蔓延至十九世纪的欧洲，并持续至二十世纪，主要影响教会与大学建筑，哥特式大教堂等无价建筑艺术已列 合国教科文组织的世界遗产，其也成了一门关于主教座堂和教堂的研究。

在中国境内知名的哥特式建筑包括北京的西什库教堂、青岛天主教堂、永宁天主教堂等等。

哥特式建筑的基本构件是尖拱（ogival，或称尖拱券、尖券）和肋架拱顶（ribbed vault）。

哥特式建筑虽曾于欧洲全境流行，不过在欧洲文艺复兴时期，一度颇为被藐视。

1137－1144年，圣邓尼斯修道院院长絮热（Suger，1081－1151）主持了圣邓尼斯修道院教堂（Abbey Church of St Denis）的重建。圣邓尼斯修道院教堂始建于8世纪晚期，以早期基督教时期的一位圣徒圣邓尼斯（St Den>>

问题九：哥特式是什么意思？？？ 性格：有一种看透世事，桀骜不驯的18世纪英伦贵族的既忧郁又有些邪恶恐怖的高贵气质。

长相：面色苍白，像《理发师陶德》里的海伦娜・邦汉・卡特和《剪刀手爱德华》中的约翰尼・德普那种。

着装：偏重于阴暗色调黑色，深灰，或者是暗红和金黑色。惯用黑白泡泡袖和蓬蓬裙。

装饰：宗教和金属装饰，像十字架，哥特式城堡中的繁复装饰之类的

问题十：哥特女什么意思 穿丝绒、蕾丝、鱼网布、皮草制作的暗色系时装：强调衣服设计感，从不对称剪裁，维多利亚式层层褶皱，披披搭搭的布条、破洞到rock味十足的水钻镶嵌等等；配件方面，除了之前提到的十字架项链，还可以考虑黑色水晶饰品，黑色塑胶手镯或者一朵Chanel式蝴蝶结头花，任何带有哥特主义象征物如天使、恶魔、蔷薇、骷髅、蜘蛛的暗色或银制饰品；发型，黑色长直发是首选，不要有刘海，Jean Paul Gaultier秀上，由于选择了古典的中分发型，也变得很哥特；妆容，通过夸张的烟熏妆突出黑色眼线、眼影，粉底比平时用的浅一至两个色号，强调不自然的白。如果觉得这样太夸张，简单涂个黑色指甲油，就可以传递哥特气息。

1、Malo(383万元)

意大利羊绒奢侈品牌，1972年在佛罗伦萨创立，最贵的一款罗纹围巾售价49000欧元，折合人民币383万元左右。

2、LV路易威登(18100元)，路易威登旗下Monogram围巾系列最经典最出名，目前最贵的一款COLD REYKJAVIK，售价18100元人民币。

3、Gucci古驰(17800元)

古驰的经典围巾目前最贵的一款驼鸟毛斗篷围巾，采用双绉真丝织就，饰有鲜艳明亮的橘色驼鸟毛，曾惊艳亮相于2020早春时装秀场，售价17800人民币。

4、Versace范思哲(13194元)

十大奢侈品牌围巾之一。来自意大利的奢侈品牌，目前最贵的一款FENDI MANIA羊毛真丝混纺围巾为典范之作，售价1685欧元，折合人民币13194元左右。

5、CHANEL香奈儿(11900元)

世界名牌十大围巾之一的香奈儿始终走高端路线，目前最贵的一款香奈儿围巾售价11900人民币。

6、Hermes爱马仕(11550元)

迄今180多年历史的爱马仕依旧坚持采用古老工艺在尼泊尔织造，售价11550人民币。

7、Armani阿玛尼(10745元)

1975年创立于意大利米兰，为全球围巾品牌排行榜前十，目前最贵的一款阿玛尼围巾售价10745人民币。

8、Burberry博柏利(7800元)

极具英国传统风格的十大奢侈品牌围巾之一博柏利，目前最贵的一款猴印花轻盈羊绒围巾、徽标图案轻盈羊绒围巾，售价7800人民币。

9、亚历山大·麦昆(6600元)

Alexander McQueen的服饰系列，目前最贵的一款BEATING HEART SKELETON，以国王与皇后骷髅骨为主题，售价6600人民币。

10、蔻驰COACH(3950元)

美国高端生活方式时尚品牌蔻驰，目前最贵的一款围巾售价3950人民币。