西方宫廷舞有哪些分类

　　分类

　　实用舞蹈-分传统,流行两类需自己亲临参与,具有参与感

　　传统实用舞蹈

　　宗教舞蹈

　　西洋古代宫廷舞-公元1100年代-公元1900年代

　　流行实用舞蹈

　　流行交谊舞-主分快，慢，3，4步。中国解放前1949年达到高峰，文化大革命期间被禁止，20世纪80年代恢复，又重新大流行20年，目前在年轻人中已逐渐被迪斯科等新的舞蹈形式所取代。

　　吉特巴(水兵舞)

　　土风舞-历久弥新,参与之舞者具怡情,健身,交友之三大实用性。

　　国际土风舞公元800-迄今

　　妈妈土风舞

　　秧歌舞

　　霹雳舞

　　迪斯科-一种现代舞

　　街舞

　　表演舞蹈-亦分传统,流行两类看别人跳,成就别人,成就归舞者,观者难具参与感舞者更有来自观众之心理压力

　　传统表演舞蹈

　　东洋古代宫廷舞含日本德川,江户幕府及高丽时期

　　中国古代宫廷舞公元前1000-公元1910

　　古典芭蕾舞

　　民族舞蹈

　　流行表演舞蹈-电子媒体兴起后该领域已受压缩

　　现代芭蕾舞

　　中国近代样板舞公元1966-公元1977

　　儿童舞蹈

　　国际标准交谊舞,即体育舞蹈

　　爱尔兰踢踏舞

　　西班牙弗拉明戈舞

　　阿根廷探戈舞

　　巴西桑巴舞

　　夏威夷草裙舞

　　阿拉伯肚皮舞

　　现代舞

　　舞蹈

　　dance

　　以人的形体动作创造形象、表达感情的艺术。人类最古老的文化现象，最古老的艺术形式之一。从广义上说，凡是借助人体有组织有节律的运动来抒发情感、表达思想的都可称为舞蹈；至于表演的舞蹈艺术，指的则是以经过提炼的典型动作，鲜明的舞蹈形象，结合音乐、诗歌、戏剧、美术 、杂技等反映社会生活的综合性艺术。舞蹈艺术包含舞蹈表情、舞蹈节奏和舞蹈构图3个基本要素。节奏是舞蹈的时间因素，构图是它的空间因素，舞蹈表情不只是指表演者的面部表情(这当然也很重要)，而更重要的是结合节奏（时间）、构图(空间)的造型表情，主要通过舞蹈动作的力度、速度和幅度来体现。这3个要素相互结合、相互作用 ，形成了舞蹈艺术独特的表现形式。

　　发展简史 在人类最原始的劳动生活中，就孕育了舞蹈。动作和节奏同劳动是密切相关的，不论哪一种劳动，人的手和脚总是要运动的。手用以拍打，脚用于踩踏，连续重复这种运动，就会产生某种节奏。节奏形成规律，就产生了舞蹈，有时还伴以呼喊或击打木棍石块。

　　在原始社会，舞蹈具有全社会性。人类处在组织散漫和不安定的状态下，需要一种社会感应力才能团结起来。舞蹈就是产生这种感应力的重要手段。不论狩猎还是战争，整个部落必须一起行动，舞蹈就成为共同行动的一种号召和激励。图腾不仅是原始部落的标志，也是部落共同的崇拜对象。在共同行动前后围绕图腾手舞足蹈，在原始人类中已成为惯例，这就是图腾舞蹈。中国的龙舞就是图腾舞蹈的遗存。由于若干部落归并融合成部落联盟，原先某一部落的图腾已不能代表部落联盟，于是把原先一些部落的图腾的特征结合起来 ，出现了由鹿的角、蛇的身、鱼的鳞和鹰的爪综合而成龙的形象。至今美洲的印第安人还跳野牛舞，他们认为跳这种舞野牛就会出现，让他们狩猎。澳大利亚的土著还跳蛇舞，舞蹈者涂面纹身，装扮成蛇。

　　戴着面具跳民族舞蹈的不丹人

　　原始社会解体 ，人类进入奴隶社会 ，图腾崇拜同巫术结合起来产生了巫舞。图腾舞蹈是社会性的集体舞，而巫舞则是巫师个人的“表演”。在巫术中，巫师作为人与神之间的桥梁，他用吟唱和舞蹈为手段，制造出神秘气氛，以利于人神的沟通。巫舞比图腾舞蹈前进了一大步。它从比较粗糙的集体舞转向日趋精湛的个人舞，从“业余”转向了职业 。舞蹈内容也丰富了，出现了人物(神鬼)和故事情节。从历史记载中可以看出，中国春秋战国时期的楚国，巫舞十分盛行，规模宏大，服饰华丽，形式和内容都丰富多彩。

　　奴隶社会末期，巫舞开始世俗化，更多地被奴隶主阶级利用。到了封建社会，巫舞逐渐演变为宫廷舞。因为统治者的重视和扶植，宫廷舞得到迅速的发展，按性质它可分为祭祀性的和宴饮助兴的两类。中国的汉魏和隋唐是宫廷舞发展的两个高峰。宫廷内设有专门收集、管理乐舞的机构，如乐府、太常寺、梨园等，负责培养专职的宫廷艺人。东方国家如印度、波斯、日本，宫廷舞也十分发达。古希腊、罗马在奴隶社会后期，宫廷舞一度十分繁荣，但在中世纪，舞蹈被教会认为是不道德的而加以禁止，直到文艺复兴时期，宫廷舞才再度辉煌。从18世纪起，西方宫廷舞有相当一部分成为社交手段，并在资产阶级民主思想影响下走向社会大众，渐渐发展成为舞厅舞。芭蕾是从欧洲表演性的宫廷舞发展而来的。它在发展过程中形成一整套技术规范和程式要求，因此它是表演性舞蹈中要求最严格、最讲究技巧和形式的舞蹈。20世纪初，在现代主义思潮影响下，现代舞兴起。虽然它的流派很多，但总的倾向是反对传统艺术观念，提倡法则自然。芭蕾和现代舞是世界性的舞蹈，流传极广。

　　在漫长的舞蹈发展史上，民间舞常常被人忽视，其实只有民间舞才是舞蹈发展的主流，也是舞蹈发展的源头。历史地看，原始舞蹈、图腾舞蹈、巫舞本身就是民间舞蹈，而宫廷舞蹈也是从民间舞提炼加工，使其符合贵族审美趣味而形成的。芭蕾和现代舞中也包含着大量民间舞和民间舞素材 。民间舞源远流长，它没有因为被禁止而停滞不前，也没有因为被宫廷舞吸收而改变自己的乡土本色，始终以绚丽多姿的风貌在民间流传发展。

　　蒙古族舞蹈《鄂尔多斯婚礼》

　　功能 中国古籍《毛诗·序》说 ：“情动于中 ，而形之于言。言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故咏歌之；咏歌之不足，不如手之舞之，足之蹈之也。”这段话的意思是 ，当人的感情高度冲动时，就会不知不觉地舞蹈起来。的确 ，舞蹈的最原始的意义就在于自娱和宣泄感情，而这种作用今天依然存在。这种作用正是舞蹈的审美功能。这种功能体现在舞蹈的节奏、表情、构图给人的美感和愉悦上。但舞蹈的审美功能并不是孤立地单独地存在着，它总是结合着一种动机，去为某种目的服务。

　　捷克民间舞蹈

　　舞蹈的第二个功能是教育功能。有人甚至认为舞蹈的教育功能早于审美功能而存在。因为在审美作用产生以前，原始人类已经在用舞蹈传授狩猎技艺、厮杀搏击和宗教信仰了。阶级社会出现以后，统治者从来都很重视舞蹈教育，如在中国的周代，“设乐师掌国学之政，教国事小舞；凡舞，有帗舞、有羽舞、有皇舞，……”(《周礼·春官》)其目的就在于利用舞蹈，潜移默化地把一整套规范化的礼仪道德输入贵族子弟之中。同样，在欧洲国家，舞蹈也曾是贵族子弟的必修课。

　　舞蹈是人类社会的产物，社会的发展决定着舞蹈的发展，通俗些说，也就是有什么样的社会就产生什么样的舞蹈，舞蹈是社会生活的反映。这就是舞蹈的认识功能。通过各个历史时期的舞蹈，可以直接或间接地了解这些历史时期经济 、政治、伦理、哲学、宗教乃至风俗等各个方面。中国古代思想家就曾以某个国家或王朝的乐舞风气来判断它的民风和盛衰。

　　舞蹈的这些功能并非孤立存在，而是相互联系、辩证统一的。在一般情况下，它们总是统一地作用于人和社会。

　　一、什么是舞蹈？

　　舞蹈和我们的生活有着非常紧密的联系。清晨，在城市的街心公园，一群群的中老年人、有的随着锣鼓点在扭"秧歌"、有的跟着节奏鲜明的音乐跳"迪斯科"、还有的人在优美的旋律中跳着自编的"健身舞"；晚间，在剧场可以欣赏到舞蹈或舞剧作品的演出、也可以到舞厅或联欢会去跳交谊舞；节日期间还可以在一些公园等旅游点举力的"游园花会"看到各地的民间舞蹈表演；如果有兴趣和需要、你还可以到各种舞蹈训练班学习芭蕾舞、民间舞、国标舞……来提高自己的舞艺。

　　如果有人问：什么是舞蹈我们将怎么回答呢

　　用简明的话来说，舞蹈是一种人体动作的艺术。但是，这个人体动作，必须是经过提炼、组织和美化了的人体动作---舞蹈化了的人体动作。另外，属于人体动作范畴的艺术也有许多种，如杂技、哑剧、人体雕塑、韵律操等等。所以，舞蹈不同于别的人体动作艺术的主要方面是：它是以舞蹈动作为主要艺术表现手段、着重表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表观的人们的内在深层的精神世界---细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格，和人与自然、人与社会、人与人之间以及人自身内部的矛盾冲突，创造出可被人感知的生动的舞蹈形象，以表达舞蹈作者（舞蹈编导和舞蹈演员）的审美情感、审美理想，反映生活的审美属性。另外，由于人体动作不停顿地流动变化的特点，它必须在一定的空间（舞台或广场）和一定的时间中存在；而在舞蹈活动中，一般都要有音乐的伴奏，要穿特定的服装、有的舞蹈还要手持各种道具，如果是在舞台上表演，灯光和布景也是不可缺少的。所以，也可以说舞蹈是一种空间性、时间性和综合性的动态造型艺术。

　　二、舞蹈的特性---舞蹈和其他艺术有哪些共同性又有哪些区别

　　艺术是人类审美活动的大家族，它的成员有文学、美术、音乐、舞蹈、戏剧、**、曲艺、杂技等。各个门类的艺术都是反映社会生活和表现人们思想感情的，但是艺术的反映和表现、不是一般的概念的抽象的反映和表现，而是个别的具体的形象和审美的反映和表观。所谓审美的反映和表现、就是艺术家根据自己的审美情趣、审美理想，对社会生活进行选择、概括、加工、并根据艺术的特点和规律予以创造性的反映和表观。

　　在社会的历史发展中，人们创造了各种艺术形式、这些艺术形式的主要区别就是各有其独自的物质载体和不同的艺术表现手段。文学的物质载体是语言、文字；美术的物质载体是纸张、画布、颜料、油彩，它的主要表现手段是色彩、线条、构图和造型；音乐的物质载体是声音；戏剧的物质载体是人们在舞台上的行动（表演活动），除舞剧外，主要以语言、歌唱和动作为主要表现手段。**的物质载体是人们的表演通过科学技术的方法摄制在胶片上，用电光在银幕上放映出来；曲艺的物质载体是一至二、三人在舞台上的表演、其主要表现手段是说和唱。杂技和舞蹈有着共同的物质载体---人的身体是其主要的艺术表现工具，多数杂技品种和舞蹈一样，是以人体的动作、姿态造型和构图变化为主要表现手段。杂技也是一种表演艺术，演员也塑造一定的角色，但是它不像舞蹈那样着重表现人物情感的发展过程，一般不具有情节事件，而是通过高难度的技巧表演，表现出一种概括性的勇敢、坚毅、智慧的品格力量。因此，杂技具有更多的观赏性和娱乐性。舞蹈作品中的舞蹈动作也要具有一定的技艺性，舞蹈演员要具备跳跃、旋转、翻腾、柔软、控制等高难度的技巧能力，但是，在舞蹈作品中表演高难度的技巧动作本身不是目的，而是一种表现人物思想感情、塑造人物性格和精神面貌的一种手段。如果在舞蹈作品中，以手段作为目的、演员高超的技艺不以反映生活、表现人物的思想感情为其存在的前提，或是不以舞蹈内容出发采选取相应的舞蹈动作技巧，而是以展示演员所掌握的舞蹈技巧能力出发，那就会使舞蹈作品由于内容和形式的脱节，或是缺乏艺术的完整性，而陷于失败，舞蹈演员的技艺本身也就沦入了杂技性的技巧表演，而丧失了舞蹈艺术的基本品格。

　　三、舞蹈的起源---舞蹈艺术是从哪里来的

　　据艺术史学家的考证，人类最早产生的艺术就是舞蹈。在远古人类尚未产生语言以前，人们就用动作、姿态的表情来传达各种信息和进行情感、思想的交流。以后由各种声音发展成为语言和音调以后，才相继产生了诗歌和音乐。在劳动中，由于制造工具，人的手逐渐变得灵巧起夹，又诞生了绘画和雕刻。随着人类的进化，思维能力和认识事物水平的提高，曲艺、小说、戏剧等艺术才相继被创造出来。那么，舞蹈作为一种最古老的艺术，它的源头来自哪里呢

　　我国古代和古希腊的神话传说中说，人类是从天帝那里学来的舞蹈、或是人类受到掌管舞蹈的女神的启发才创造出舞蹈来。我们知道，古代的先民，对神和人的概念的理解，并不像现代的人分得那样清楚。那时的人们往往把一些具有不凡才能的人、超出一般人的智慧和力量的人，或是对于人类作出大较大贡献的人，都看成是神的化身，或是能通神的人。现在，我们知道，各种各样的神都是人根据自己的影象为基础，经过想象而创造出来的。是神创造了舞蹈，归根结底也就是我们人创造了舞蹈。那么，人又是如 何创造了舞蹈呢

　　有的学者认为，人由模仿的本能，舞蹈是人用有节奏的动作对各种野兽动作和习性的模仿。有些舞蹈还是对一些自然景物动态形象的模仿，如柳枝的摇曳、海浪的翻滚、风的飘荡旋转等等，人们都可以模仿它们进行舞蹈。

　　也有学者认为，在艺术的起源中，模仿虽然重要、但还不是真正的起因，艺术的起因是"游戏的冲动"，游戏是自白的人性的表现。游戏也是人类最终脱离动物界的标志。这里的的游欢，是指人的审美需求，即以假象为快乐。如人模仿动物的舞蹈、就是通过这种假象的游戏来获得快乐和宣泄自己的情感。

　　还有学者认为，由于原始人的思维分不清主客观的界线、认为一切自然物都和自己一样是有灵魂的，由此而产生了图腾崇拜、原始宗教、巫术祭祀等，而这些活动都离不开舞蹈，甚至舞蹈是巫术活动的主要内容和最主要的表现手段。因此，有人断言"一切跳舞原来都是宗教的"。

　　不少学者从原始人为了生存的需要，把繁衍下一代看作是非常重要约事情，而舞蹈是择偶、求婚和进行情爱训练的主要方式和手段，因此认为舞蹈起源于性爱活动。而有的学者，认为舞蹈不仅表现人的情爱，人们的各种激越的情感，人们生活中有重大意义的情感和活动，都会用舞蹈来表观。再没有别的艺术行为，能像舞蹈那样的转移和激动一切人类，我国古代乐舞理论中就有："清动于中而行于言，言之不足故嗟叹之；嗟叹之不足故咏歌之；咏歌之不足，不知手之舞之足之蹈之也。"这也生动地说明了舞蹈是表现人们最激动的情感的产物。

　　我国有很多学者主张舞蹈起源于劳动的理论，因为劳动是人生存和发展的第一需要，也是劳动创造了人自身，是劳动使人脱离了动物界，是劳动创造了人类社会。在原始人的舞蹈中，表现狩措和种植以及各种劳动生活的占有最大的比重。

　　我们认为以上各种舞蹈起源的理论，都有一定的道理，但又都不十分完整和全面，因为舞蹈活动是人类生活中的一种社会现象，它的起源和世界上的一切事物的构成一样都不是单一的，而是有着多种因素的，所以人们主张"劳动综合论"，即：舞蹈起源于人类求生存、求发展中劳动实践和其他多种生活实践的需要，如果再详细一点来说，舞蹈起源于远古人类在求生存、求发展中劳动生产(狩措、农耕)、性爱、健身和战斗操练等活动的模拟再现，以及图腾崇拜、巫术宗教祭祀活动和表现自身情感思想内在冲动的需要。它和诗歌、音乐结合在一起、是人类历史上最早产生的艺术形式之一。

　　四、舞蹈有哪些种类

　　艺术，是由各个不同的艺术品种所组成的。作为艺术之一的舞蹈，同样是一个非常广阔的天地，它也是由各个不同种类、不同样式、不同风格的舞蹈所组成的。根据舞蹈的作用和目的，舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类。生活舞蹈是人们为自己的生活需要而进行的舞蹈活动；艺术舞蹈则是为了表演给观众欣赏的舞蹈。

　　生活舞蹈包括有：习俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈、教育舞蹈等。

　　习俗舞蹈，又可称为节庆、仪式舞蹈，是我国许多民族在婚配、丧葬、种植、收获及其他一些喜庆节日所举行的各种群众性的舞蹈活动。在这些舞蹈活动中，表观了各个民族的风俗习惯、社会风貌、文化传统和民族性格特征。

　　宗教、祭祀舞蹈，是进行宗教和祭祀活动的舞蹈形式。主要用以祈求神灵庇佑、除灾去病、逢凶化吉、人畜兴旺、五谷丰登，或是答谢神灵的恩赐；祭祀舞蹈，是祭祀先祖的一种礼仪性的舞蹈形式。过去人们用以表示对先祖的怀念或是希望先祖和神佛对自己的保佑和赐福。

　　社交舞蹈，是人们进行社会交往、增进友谊、联络感情的舞蹈活动。一般多指在舞会中跳的各种交际舞。另外，我国许多少数民族在各种节日所进行的群众性的舞蹈活动，多是青年男女进行社会交往、自由选择配偶的社交活动，因此，也可以说是各民族的社交舞蹈。

　　自娱舞蹈，是人们以自娱自乐为唯一目的的舞蹈活动。用舞蹈来抒发和宣泄自己内在的情感冲动，从而获得审美愉悦的充分满足。

　　体育舞蹈，是舞蹈和体育相结合，以艺术审美的方式锻炼身体，使身心全面健康发展的舞蹈新品种。如各种健身舞、韵律操、中老年迪斯科、冰上舞蹈、水上舞蹈，以及我国传统武术中的舞剑、舞刀和象征模拟各种动物、特定形象的象形拳、五禽戏等均是。

　　教育舞蹈，是指学校、幼儿园等进行审美教育的舞蹈活动，以及开设的舞蹈课程，用来陶冶和美化人的思想感情、道德情操，培养人的团结友爱、加强礼仪，以及增进身心健康、都能起到潜移默化的作用。

　　艺术舞蹈，是指由专业或业余舞蹈家，通过对社会生活的观察、体验、分析、集中、概括和想象，进行艺术的创造，从而创作出主题思想鲜明、情感丰富、形式完整，具有典型化的艺术形象，由少数人在舞台或广场表演给广大群众观赏的舞蹈作品。由于艺术舞蹈品种繁多，根据各个不同的艺术特点、大致可分为三类。

　　第一类、根据舞蹈的不同风格特点来区分，有：古典舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈、当代舞蹈和芭蕾舞。

　　古典舞蹈：是在民族民间舞蹈基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工创造，并经过较长期艺术实践的检验，流传下来的，被认为是具有一定典范意义和古典风格特点的舞蹈。世界上许多国家和民族都有各具独特风格的古典舞蹈。欧洲的古典舞蹈，一般都泛指芭蕾舞。

　　民间舞蹈：是由广大人民群众在长期历史进程中集体创造，不断积累、发展而形成的，并在群众中广泛流传的一种舞蹈形式。它直接反映人民群众的思想感情、理想和愿望。由于各国家、各民族、各地区人民的生活劳动方式、历史文化心态、风俗习惯，以及自然环境的差异，因而形成了不同的民族风格和地方特色。

　　现代舞蹈：是19世纪末和20世纪初在欧美兴起的一种舞蹈流派。其主要美学观点是反对当时古典芭蕾的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的形式主义倾向；主张摆脱古典芭蕾过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。

　　当代舞蹈(新创作舞蹈)：即不同于上述三种风格的新风格的舞蹈，它常常是根据表现内容和塑造人物的需要，不拘一格，借鉴和吸收各舞蹈流派的各种风格、各种舞蹈表现手段和表现方法，兼收并蓄为我所用，从而创作出不同于已经形成的各种舞蹈风格的具有独特新风格的舞蹈。

　　芭蕾舞：是一种经过宫廷的职业舞蹈家提炼加工、高度程式化的剧场舞蹈。"芭蕾"这个词本是法语"ballet"的音译，意为"跳"，或"跳舞"，其最初的意思只是以腿、脚为运动部位的动作总称。法国宫廷的舞蹈大师们为了重建古希秸融诗歌、音乐和舞蹈于一体的戏剧理想，创造出了"芭蕾"这样一种融舞蹈动作、哑剧手势、面部表情、戏剧服装、音乐伴奏、文学台本、舞台灯光和布景等多种成份于一体的综合性舞剧形式，在西方剧场舞蹈艺术中占统治地位达300余年，至今已历四个多世纪。1958年北京舞蹈学校建立引进俄罗斯芭蕾至今也已四十多年。

　　第二类，根据舞蹈表现形式的特点来区分，有：独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞、歌舞、歌舞剧、舞剧等。

　　独舞，由一个人表演的完成一个主题的舞蹈，多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。

　　双人舞，由两个人表演共同完成一个主题的舞蹈。多用来直接抒发人物的思想感情的交流和展现人物的关系。

　　三人舞，由三个人合作表演完成一个主题的舞。根据其内容可分为表现单一情绪和表观一定情节，以及表现人物之间的戏剧矛盾冲突等三种不同的类别。

　　群舞，凡四人以上的舞蹈均可称为群舞。一般多为表现某种概括的情结或塑造群体的形象。通过舞蹈队形、画面的更迭、变化和不同速度、不同力度、不同幅度的舞蹈动作、姿态、造型的发展，能够创造出深邃的诗的意境，具有较强的艺术感染力。

　　组舞，由若干段舞蹈组成的比较大型的舞蹈作品。其中各个舞蹈有相对的独立性，但它们又都统一在共同的主题和完整的艺术构思之中。

　　歌舞，是一种歌唱和舞蹈相结合的艺术表演形式。其特点是载歌载舞既长于抒情，又善于叙事，能表观人物复杂、细腻的思想感情和广泛的生活内容。

　　歌舞剧，是一种以歌唱和舞蹈为主要艺术表现手段来展观戏剧性内容的综合性表演形式。

　　舞剧，以舞蹈为主要艺术表现手段，并综合了音乐、舞台美术(服装、布景、灯光、道具)等，表现一定戏剧内容的舞蹈作品。

　　五、舞蹈欣赏

　　舞蹈欣赏，是人们观赏舞蹈演出时所产生的一种精神活动，是对舞蹈作品的感受、体验和理解的整个过程。因此，它本质上是一种认识活动。但它又不同于一般的认识活动，而是一种特殊的对舞蹈作品的认识活动。舞蹈欣赏，就是观众通过舞蹈作品中所塑造出的舞蹈形象，具体地认识它所反映的社会生活、人物的思想感情、以及舞蹈作者对这种生活现象的审美评价。观众在欣赏舞蹈作品的过程中往往会联系自己的生活经历，引起情感上的共鸣，激发起记忆中有关的印象、经验。以及一系列的想象、联想等形象思维活动，来丰富和补充舞蹈作品中的舞蹈形象，使其更加完整、生动和鲜明。从而能在观赏舞蹈作品的过程中体会到更加宽广的生活内容和深刻的思想含义。

　　人们进行舞蹈欣赏这种舞蹈的审美活动，首先必须具备一定的主观条件，也就是说要具有一定的舞蹈知识、舞蹈欣赏水平和认识能力，舞蹈欣赏活动才能正常和顺利的进行。这正如马克思所说的那样："如果你想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。""只有音乐才能激起人的音乐感；对于不辩音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义，音乐对它说来不是对象，……"所以，我们了解舞蹈艺术的特性、舞蹈和其他艺术的关系、舞蹈形象构成的各种因素，及其产生的过程等，就非常必要了。在前面我们曾谈过，舞蹈是以经过提炼、组织、美化了的人体动作为主要表现手段，表现人们的情感和思想，反映社会生活的一种艺术。从舞蹈作品诉诸于欣赏者的感觉特点来看，它是一种综合了听觉(时间性)和视觉(空间性)的表演艺术。舞蹈`

法语ballet的音译,意指:①一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体,用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。

　　ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷,这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王和贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。

　　1661年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变,引起了舞蹈技术和审美观点的变化,演员站立的姿势越来越外开,由此正式确定了脚的5个基本位置,这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生,并逐步取代了贵族业余演员,职业女芭蕾演员也开始登台演出,舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的,宫廷作曲家JB吕利在歌剧中加入芭蕾场面,实际上是一连串舞蹈表演,剧情反而显得无关紧要,这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师JG诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张,强调舞蹈不只是形体的技巧,而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮,在他和其他许多演员、编导的持续努力下,芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革,这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离,形成一门独立的剧场艺术。

　　在芭蕾发展史上,主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为,芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导Bde博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美,几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节,往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中,舞蹈要表现戏剧性内容,"情节和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题,和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消",舞剧中"不仅是舞蹈技术光辉夺目,更须通过戏剧性表现,从情绪方面感动观众"。上述两种主要观点至今仍在起作用,不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品,也有的编导热衷于无情节芭蕾,注重形式美,两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。20世纪以来,各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。

　　创作一部芭蕾作品,编导是关键人物,他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构,再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)--芭蕾技术技巧,以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力,编导应该深谙它们长于表现什么,不能表现什么;而演员则应该训练有素,能适应并创造性地体现编导的构思,只有具备这些基本条件,芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有:独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等,编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等,按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场,如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化,以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中,这些规范和程式已被大大突破,不断出现新的探索和创造。

　　世界芭蕾舞发展概况

　　宴会芭蕾

　　芭蕾出现于15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的，1489年在意大利的一个小城里，为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼，演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同，它的每一段表演大致都与上菜联系在一起，比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉；海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后，许多神话人物上场献上许多菜肴和水果，最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。

　　宫廷芭蕾

　　随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利的“芭蕾”演出被带入法国，1581年，在亨利三世皇后妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《皇后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台，观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上，表演则在大厅的地板上进行。编导者博若瓦叶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗，但不得不向法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。路易十四时期（1643-1715），法国芭蕾发展到它的鼎盛时期，路易十四本人喜爱舞蹈，并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，扮演阿波罗神。

　　情节芭蕾

　　18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品，要使芭蕾象戏剧一样，表现现实生活，提倡芭蕾要有社会内容和教育意义，这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，集中体现了启蒙运动的民主主义精神，他在《舞蹈和舞剧书信集》中，提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益谨慎》至今还在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。

　　浪漫主义芭蕾

　　浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”，在舞蹈技巧，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下：

　　1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。

　　2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。

　　3、在演出形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾服装和舞鞋，产生一种诗意轻盈的风格。

　　浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂，从19世纪30——40年代，仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐移致俄国。

　　俄罗斯芭蕾

　　19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。

　　20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。

　　当代芭蕾

　　1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。

　　英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。

　　美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。

　　丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。

　　20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。

　　在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《红**花》，是俄国第一部英雄主义的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。

　　从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术繁华似锦，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和交响芭蕾等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。

　　如何欣赏芭蕾舞

　　欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。

　　传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……

　　现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。

　　这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？

　　这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。

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　　宫廷舞

　　courtdance

　　古代宫廷皇室中享宴娱乐的舞蹈。大多来自民间，也有宫廷专业艺人加工创造的。内容多为帝王歌功颂德或歌舞升平，形式上比较工整华丽，结构也比较严谨，一般皆属当时艺

不同的地区在建筑和室内装修方面都有不同的风格，现在全球化的社会将不同地区的风格相互传播，使得很多建筑已经有了混搭各个风格的特点，提到俄罗斯，大家脑海中浮现的一定会有十分具有俄罗斯特色的教堂建筑，俄罗斯风格对我国东北地区的建筑也有一定的影响，那么俄罗斯风格究竟有什么独特的呢，今天我们就来具体地为大家展开介绍。

俄罗斯风格空间特色

俄罗斯传统建筑的几个特色：从木结构发展出来的技巧，如层次叠砌架构与大斜面帐幕式尖顶，还有衍生而来的外墙民俗浮雕;另外，独立的塔形结构与堆砌成团的战盔形剖面装饰则是时代背景下的产物。

奢华装饰的最重要标志就是琐碎，细微到有些过分的程度才是最地道的俄罗斯风格;俄罗斯风格最有代表性的当属它那华丽雍容的图案设计了，极尽色彩的奢华之所能，将贵族宫廷的唯美与装饰韵味充分发挥。奢华冶艳的皮草，充满异国情调的半宝石和刺绣、滚边和浓郁色彩，在一片低调的秋冬秀场洋溢着充满奢华与唯美的高调气质，华美的彩色宝石、闪耀的华丽项链、腰链、别针、手镯，再现了凝重的帝俄风格。

俄罗斯风格色彩运用

浓郁的色彩是俄罗斯风格的奢华基调，墨绿、宝蓝以及饱满金是唯美装饰的基础;以本色皮草最有质感，灰色与褐色相形之下最有奢华浮躁之气;这就是俄罗斯人的品味世界。

俄罗斯风格美学特点

随着工业和技术的发展，19世纪下半叶起，金属结构的多层楼房越来越多。这时，综合各种风格的趋向，在建筑中占了主要地位。卡·托恩创始的俄罗斯—拜占庭样式就是折衷主义风格，他得到官方支持，设计了莫斯科大克里姆林宫(1839—1849)、克里姆林官兵器馆(1844—1851)等建筑。同时，还兴起了模仿古俄罗斯民间建筑在城镇建房的风气，城镇里建起了不少木结构的私邸别墅，其型制多数较小，但也有大型建筑，如莫斯科近郊马尔菲诺庄园建筑群(建筑师贝科夫斯基)、拉多加湖瓦拉姆岛上的修道院(建筑师戈尔诺斯塔耶夫)。有的建筑师(如加尔特曼)用民间刺绣和木刻图案来装饰建筑物，这比古俄罗斯建筑更有俄罗斯风味。19世纪20世纪初，现代派建筑风格开始在俄国出现，它们采用钢筋水泥技术，把建筑外形、阳台、梯子、飞檐等设计得奇形怪状，窗户样式不一，玻璃上带绘画，室内护墙板上涂着彩画，整个设计给人以突出个性自由的印象。舍赫捷利是俄国现代派建筑的代表人物，他按这种风格改建了莫斯科艺术剧院(1902)、设计建造了莫斯科卡恰洛夫大街原里亚布申斯基宅邸和雅罗斯拉夫斯基火车站(1902)。

在上文中，我们为大家介绍了有关俄罗斯风格的一些信息，我们在这篇文章中主要为大家介绍了三个方面有关俄罗斯风格的知识，首先在文章第一部分我们介绍了俄罗斯风格的空间特点，俄罗斯这个国家的面积比较大，所以空间运用也是比较有特色的，然后我们介绍了俄罗斯风格的色彩运用，最后介绍了俄罗斯风格的美学特点，大家可以仔细阅读了解一下。

天气丹瓶底字母的区别是代表不同国家生成的，每个国家都有自己的专属批号。天气丹是whoo品牌下的经典系列产品。

区别天气丹的真伪：

1、瓶身

正品瓶身的字圆润， 表面logo 的拉花类似于毛笔渲染， 流畅饱满。

假货瓶身的字瘦长，表面logo 拉花比较随意 ，拉花乱 。

2、背面

正品背面字印刷清晰 ，没有字连在一起的 ，字有粗细变化。

假货的背面字印刷粗糙 ，多处字笔画连在一起 ，字的粗细渐变很生硬。

3、盖子顶部

正品的盖子顶部小钢珠精致圆润饱满密集， 一个连着一个。

假货的盖子顶部小钢珠是小点点， 中间有缝隙。

“The History Of Whoo后”，意为皇后的秘诀。是韩国顶级的宫廷韩方护肤名品，臻选《东医宝鉴》、《本草纲目》等传世医典中记载的皇后养颜秘方，萃取稀缺名贵的韩方药材，结合现代护肤科技，浓缩提炼药材内数十年的自然精华，凝练成供现代“皇后”使用的宫廷级奢华保养品。

自进入中国以来，以其独特的韩方宫廷概念，阐释了东方宫廷之美的杰出名作，深受高端消费者的喜欢。现在在中国有44家柜台，只要您光顾后品牌，您就可以亲身体验这一切，奢华不再是单纯的“奢侈”。

以上资料参考：-WHOO

外国文艺美学要略·流派·三一律

“三一律”亦称“三整一律”，是欧洲古典主义戏剧创作的艺术法规。其中规定剧本动作、(情节)地点、时间必须完整一致，故而称之为“三一律”。

上述规定即如法国古典主义文艺理论家布瓦洛在《诗的艺术》中所说： “剧情发生的地点也要固定、说清。/庇里牛斯山那边诗匠能随随便便，/一天演完的戏里可以包括许多年：/在粗糙的演出里时常有剧中英雄/开场是黄口小儿终场是白发老翁。/但是我们对义理要服从它的规范，/我们要求艺术地布置着剧情的发展;/要用一地、一天内完成的一个故事/从开头直到末尾维持着舞台的充实。”这里所说的“要用一地、一天内完成的一个故事”，即要求每剧限于单一的故事情节，事件发生在一个地点并于一天之内完成。这就是“三一律”包括的基本内容。

三一律作为古典主义戏剧创作的艺术法规，其形成有一个历史过程。亚里士多德在《诗学》中提出情节整一性的问题，十六世纪的意大利作家、批评家钦提奥根据亚里士多德在《诗学》第五章中所讲的“就长短而论，悲剧力图存在于太阳的一周之内，或者不起什么变化”，提出“时间整一律”问题。

十六世纪的另一个意大利学者卡斯特尔维屈罗在校勘亚里士多德的《诗学》的过程中，对后来称之为“三一律”的古典主义艺术法规所涵盖的内容，作了充分的阐发。他从舞台条件和观众出发，提出悲剧中情节、地点、时间须保持各自的整一、一致。认为情节应为有机整体，地点“必须真正限于一个单一的地点，并以一个人所能看见的为范围”， “事件的时间应当不超过十二小时”，概括起来就是“在一个极其有限的时间和极其有限的地点之内完成的主人公的巨大幸运转变”。至此，三一律的制定工作才告完成。到了十七世纪，法国诗人、文艺评论家、法兰西学士院秘书长沙坡兰根据执政者的意图，以官方形式正式肯定了“三一律”。

马克思指出， “路易十四时期的法国剧作家从理论上构想的那种三一律，是建立在对古希腊戏剧(及其解释者亚里士多德)的曲解上的”，这些法国人“是按照他们自己艺术的需要来理解希腊人的”布瓦洛及当时的法国执政者，所以要求作家恪守三一律，无非是企图将它作为普遍的、永恒的创作原则，以适应当时宫廷和权贵的风尚和需要，屈从理性支配，服从王权统治。这就是说，三一律并不是真正艺术规律的体现。所以到了十九世纪初叶，“三一律”就被浪漫主义文艺彻底抛弃了。

外国文艺美学要略·流派·洛可可艺术

洛可可是一种艺术风格的名称。它的涵义是“贝壳形”，源于法语 rocaille，又叫“路易十五式”，指法国国王路易十五统治时期(1715—1774)所崇尚的艺术风格。

洛可可开始于路易十五继承王位时期，并在菲利普·奥尔良就任摄政王时，有了新的发展，开始代替了巴罗克艺术。它是由宫廷及其贵族、包括一部分富裕的市民阶层追求而流行开来的艺术风格，并波及到意、德、奥等欧洲国家。洛可可艺术主要体现在建筑与室内陈设的装饰设计、应用艺术上，同时也反映在雕刻、绘画等方面。

洛可可艺术主要特征是：注重艺术的纤细、轻巧、华丽和烦琐的装饰性;追求自由曲线、漩涡形、波浪纹和轻淡柔和的色彩构成它的形式感。在建筑上强调内部空间和室内装饰的统一，造成一种舒适豪华的环境。室内还布满了绘画、雕刻、挂毯、工艺品、镜子，从墙壁到天花板之间，到处利用花卉、草茎、棕榈、海浪、贝壳作装饰图案，室内装饰精美高贵、趣味纤秀活泼。家俱是室内装饰重要组成部分。洛可可风格的家俱倡导豪华而优雅的装饰风尚，造型上多用曲线构成形体，追求轻柔流畅，富于韵律的效果，在装饰手法上广泛运用了雕刻、贴木、镶嵌、贴金、铜饰等技术，并吸取中国漆器金描工艺作为重要装饰手段。在绘画上主要是表现那些浮华欢乐场面;在形式上大胆运用轻艳的色彩和细腻的笔法表现各种婀娜的姿态。

法国洛可可风格代表画家是弗朗索瓦·布歇(1703—1770)，他曾任宫廷首席画家，被当时上流社会冠以“巴黎之光荣”的头衔。他以希腊、罗马神话中恋爱故事为题材，画了许多男女神裸身谈恋爱的作品，富有装饰性的《浴后》、 《维纳斯梳妆》等迎合了宫廷与贵族们的口味，受到法皇和宠姬的支持。然而，当时进步的启蒙思想家狄德罗，严正的指出布歇的作品代表了贵族艺术，他说： “我敢说，高雅、正直、真纯、朴素等观念对他几乎已经是生疏的了。”十八世纪中叶，法国的洛可可艺术逐渐衰落为新古典主义艺术兴起而代替。