香奈儿首席化妆师给克里斯汀化妆，为什么要把眼线故意画错？

说起高奢品牌，我们不免地会想起熟知的香奶奶——香奈儿。该品牌于1910年在法国巴黎创立，至今已经有百余年的历史。而且产品种类繁多，从服装到珠宝，从配件到化妆品，当然香水也是必不可少的。

虽然香奈儿的定位是走高奢路线，但是它们家的彩妆价格却是比较平易近人的。香奈儿彩妆展示全都由Lucia Pica——全球彩妆创意与色彩设计总监来进行展示。而关于备受关注的香奈儿首席化妆师眼线画错，也是备受瞩目与争议。

首席化妆师在国际美妆领域有着很高知名度，还经常与国际大刊合作，与香奈儿的“老熟人”克里斯汀图尔特——小K进行合作。

想必大家也是听说过小K的吧，她的五官精致而立体，还有着独特的个性，很受老佛爷喜爱。她还是香奈儿彩妆系列的长期代言人，所以这次两大神仙级人物的同框也是吸引了许多的关注，在这期间还发生一件有趣的事情。

化妆师要用香奈儿眼线笔为小K画眼线，为搭配整体妆容选择了深紫色眼线笔，画上眼线时却画了粗粗一坨。这让众人十分惊异，首席化妆师怎么会出这种差错呢？正在大家百思不得其解时，化妆师只用拇指抹了下烟味，却出现了自然晕染的线条。

虽然作为高端皮包香水的生产商，但香奈儿似乎早已化身为时尚与优雅的代名词，该品牌的设计理念：高雅、简约、精美也完完全全印证和显现在了产品上。

自从新任Chanel设计师Karl Lagerfeld在1986年工作初期，便开始采用新方法演绎着香奈儿独特的精神——极致奢华，永不过时。Chanel也说道：香奈儿代表的是一种风格，一种历久弥新的独特风格。

正是有着这种独创的精神并且有着秉持下去的态度，才使得香奈儿矗立在高端时尚舞台上不会动摇。

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    香奈儿传这本书想必大家都不陌生，这也许是我拉战线比较长的一本书。从初一开始读，一直读了一年多断断续续才读完。下面我来分享一些我的感悟以及做汲取的经验。

    首先我们来谈一谈故事梗概：

    香奈儿的出身是比较卑微的。而且她从小也没有那么多的关爱，小时候另外一个女孩就是她的玩伴，她们在孤儿院住，但性格独立且有着远大抱负的香奈儿并没有就此屈服。而是逃离孤儿院到了另一个城市。

    她凭借着自身对时尚的独特见解开始进军时尚领域。她不同于别的设计师的一点是她不会画画，而是自己动手剪裁就成了她想要的作品。

    同时她设计的一些衣服也是从男性的衣服上汲取灵感的，把它们变成属于自己的东西。她崇尚简约大方，并且打破了之前女子华丽的裙装，并且开创了女人也可以穿裤子这一伟大时代。

    香奈儿是很渴望被爱的，所以他再年轻时有很多情人，其中卡佩尔男孩对她的影响很大，同时卡佩儿男孩的离去也给她带来了沉重的打击。

  并且香奈儿也很害怕孤独，所以常常在夜晚邀请很多朋友来家里开派对，这样他就不会感到孤独。

  她也进军帽子领域，打破一贯的女士头上的帽子必须华丽这一观念，而带领了简约大气帽子的潮流。

  同时她也对味道有自己独特的见解，而创造了她自己的第一瓶香水。香奈儿五号这瓶香水也让她的知名度变得更高，在他晚年的时候有人质疑过她，有些人认为香奈儿的时代已经结束，但是香奈儿依然坚持不懈。用自己的双手和她的创造力延续了属于他的时代让人们更加敬佩他。并且香奈儿的离去也是非常平淡的，坦然并安静地与这个世界说了再见。

我的感受有许多：

1我们要像香奈儿一样，懂得打破常规。自己资源不够不是你放弃的借口，因为香奈儿的出身也是很贫穷的，但是她却有自己的想法，与别人不同，创造出了自己的一片天地。

2香奈儿在做她喜欢的工作时毫不含糊，对待员工和自己都要求完美，做到极致。我们也一样，对待自己该做的事不要敷衍了事，要发自内心的投入其中，尽力做到最好。因为投入了相同的时间，只有提升的一个质的变化，才不浪费时间。

3香奈儿有自己独特的风格，她不为别人所动，我们也要学习这其中的一些，不要对别人的一些看法太较真，做自信的自己最好。

4同时香奈儿的孤独也是我们有目共睹的，我们也要吸取教训，不要怕被爱，也要发自内心的对待别人。不要做一个封闭自己的人，这样下去只会让你更孤独，有内心的不满一定要找人诉说，不要憋在心里。

最后，我非常推荐大家阅读这本书，香奈儿真的是传奇女人，也是我的偶像，我们都需要学习“香奈儿精神”

引子

《墨子》：“言则称于汤文，行则譬于狗豨。”

猪是中国传统家畜之一，据考古研究可以得知，早在我国母系氏族公社时期，古人就已经学会圈养并食用家猪。猪的重要程度相信大家都不会感到陌生，除了食用之外，养猪甚至还是一个赚钱的手段，比如说古籍《朝野佥载》当中，就记载了唐朝时期一个农户靠养猪发家致富。

被纹身的猪

到了现代社会，一位艺术家给活猪纹身，让它也过了一次时尚的瘾。这位艺术家从小生活在农场当中，对这些大自然的动物抱有非常深厚的感情，而这头被他纹身的猪，就是从小陪他一起长大的玩伴。猪的寿命自然是无法和我们人类相比的，这头身上有纹身的猪离世之后，这一张猪皮卖70多万，被香奈儿买走做成限量皮包。

他的名字叫做维姆，一位出生于比利时的艺术家。我们都说搞艺术的人头脑似乎和正常人不太一样，很显然维姆也是这类人。在他很小的时候，父母就已经发现了维姆的与众不同。他很喜欢画画，然而画出来的东西却没人能看得懂，绘画的内容非常抽象，和其他同龄人画出来的作品完全不同，对于这些古怪的绘画，维姆却有着自己的个人理解。

因为维姆在农场长大，因此他平日里除了在学校上课以外，就是在家中的农场玩耍。久而久之，就与那些被父母饲养的家禽产生了浓厚的感情，而这些家禽当中他最喜欢的，就是那头体态丰盈的公猪。一天下午，他突然意识到，自己可以在这头猪的身上作画。

也正是从这一天开始，维姆便开始了自己的人体绘画之路，无论是动物还是我们人类，他都用自己的画笔留下了一幅幅精美的画作。随着时间的不断流逝，那头从小陪他长大的猪也已经快要离世了，为了能够纪念它，为了完成自己心中的梦想，他决定以一名艺术家的身份，给这头活猪纹身。

猪皮带来的价值

虽说是维姆第一次纹身，但很显然他的技术还是非常好的，成功在这头猪上留下了精美的图案。自此之后，他便爱上了在活猪的身上留下各式各样的图案。随着纹身猪数量的越来越多，维姆的个人技术也变得愈加精湛，在当地变得小有名气。

如此前卫的理念，不可能不受到他人的兴趣，一封邮件就这样被送到了维姆的家中。原来，法国的香奈儿公司看中了他的想法和技术，希望能够与对方进行深度合作，一同打造一个猪皮时尚品牌。双方见面商谈之后一拍即合，被香奈儿买走做成限量皮包。

这些猪皮的身上，大多都纹有维姆创作出来的图案，其中最贵的一张猪皮卖70多万，看得出来在时尚界，一个出色又有趣的点子是多么重要。在猪皮上纹身，相信对于那些技术精湛的纹身师而言，这绝非是什么难事，但能够想到这么做的，却只有维姆一人，因此他获得了事业的成功，成为了一名时尚达人。

结语

这便是个人眼界的重要性，一张普通的猪皮，它的背后或许就蕴藏着巨大的商业价值，在生活当中也是一样，很多机会或许就在我们不经意间溜走，能够敏捷地发现并抓住它们，就能够走向成功。

或许你不知道蒙德里安，但你一定知道Dior、香奈儿和YSL。

2013年，香奈儿推出春夏时装系列包款，长这样：

2014年，Dior推出一款春季服装，也有相似的线条和色彩：

但他们都还不如YSL走的快，早在1965年，YSL就推出了一套同样风格的裙子：

仔细观察，你会发现它们有同样的元素：格子和三原色。

所有这些奢侈品的灵感来源，都来自于下面这个人：

蒙德里安。

他是20世纪上半叶风格派的代表人物，以画各种各样的格子闻名：

那么，这些看起来简单不能再简单的格子，到底好在哪里？以至于设计界和时尚界的大牛都纷纷向其致敬？

原因就在于，蒙德里安的格子，实践了“少即是多”的原则，表面上看起来简简单单，但实际上却大有乾坤。

在这些格子里，他试图用抽象的形式，表现普遍的宇宙法则。

蒙德里安的作品简单到什么地步呢？

线条只用直线。

色彩上基本上用的是红黄蓝三原色。

为什么？蒙德里安为什么选择了这种看起来简单至极的形式？

这和蒙德里安的艺术理念有关。

让我们想想，绘画的本质是什么？

是把对象模仿的很逼真吗？

不是，摄影机的发明，使普通人随手拍一张照片，都比任何一个老大师画的作品更要逼真。

是在二维的平面画布上创造出空间的深度吗？

不是。在营造立体感这一点上，雕塑要远胜于绘画，因为雕塑本来就是三维的、可触摸的。

在蒙德里安看来，绘画说白了，就是一种造型关系——也就是构图和色彩。

米开朗琪罗曾认为雕塑高于绘画，原因很简单，就因为雕塑是一种真正的空间的艺术。

比如，你看达芬奇的《岩间圣母》：

画得那么和谐稳固、主次分明，其实就是因为他使用了金字塔构图。金字塔的顶端汇集于圣母头部，因此她是整个画面的主角。

你再看梵高的《星夜》：

大面积使用冷色调，使人们能感受到夜的深邃冷清，但同时辅以热情温暖的星光，让人感到有丝丝缕缕的温情渗入心中。

说白了，绘画的核心其实就两个：构图与色彩。

在蒙德里安看来，那些所谓的形象遮蔽了绘画的最为核心的东西，于是他就不断做减法，将绘画缩减至最基本的要素：线条和色彩。

不要任何可识别的具体形象，不要任何丰富多姿的颜料色彩，最终，连线条和色彩都简化到不能再简化的程度： 线条只有直线，色彩主要是三原色；颜色只有正方形和长方形。立体感和形象性被完全消除了。

摒除一切可识别的主题，对揭示普遍法则而言，是至关重要的。

来看看蒙德里安最经典的一幅作品：《红黄蓝的构成》

这幅画乍看上去，观众会觉得非常简单：不就是直线和色块嘛，给我一把尺子，我也能画出来！

但实际上，认真审视这幅画，你会感到，它虽然简单，却非常和谐，非常有序，让人感到赏心悦目，让人感到这幅画确乎是出自一个艺术家精心设计的手笔，而非一个艺术门外汉心血来潮的涂鸦。

这样的合适感是怎样实现的呢？

首先，我们注意到，他的黑色线条粗细不一。

这是蒙德里安有意为之，在他看来， 视觉运动的快慢和线条粗细有关，线条粗的话，视线就移动得慢一点；线条细的画，实现就移动得快一点。

动感由此形成。除此以外， 这幅画的动态平衡还来源于不对称构图。

画面的左上角，是一个巨大的红色正方形，因此在对角线的另一端，就用一个蓝色正方形来平衡。

在另一条对角线的右侧，则安排了一个瘦长的**长方形，以此来抵消另外两个色块的重量。

白色比其他的颜色要轻一些，却占据了更大的空间，因而取得了和其他色彩相平衡的地位。

这些色彩，没有哪一个能占据主导地位，它们都在公平竞争。

通过这种安排与构造，蒙德里安成功实现了画面的平衡与和谐。

连他本人都说：“新造型主义代表平等，因为各个部分虽然存在不同，它却能使每一部分都拥有其他部分一样的价值。”

曾经我向一个朋友展示这幅画，问她看到了什么。

她回答说，看到了各种颜色的长方形和正方形。

是这样吗？

你如果仔细观察，便会发现，在这幅画里， 没有一个真正意义上的用线条构成的正方形和长方形。

所谓的正方形和长方形，只不过是蒙德里安巧妙地利用了黑色线条和画布边框建构出的一种错觉而已。

于是再仔细审视，我们会觉得，这个画布好像是从一块更大更完整的作品上切割下来一样，被拦截的边线无限地向画面外部延伸。

这幅画没有展示任何生动具体的形象，却依然能够让你无限脑补，这就是这幅作品的魅力所在。

让我们再回顾一下这幅画的精妙所在：

有人认为，创作这样一幅作品，不需要多高超的绘画技巧。

果然是这样吗？

执教于芝加哥艺术学院的艺评家James Elkin曾带领学生做过一个实验。

他带领学生来到博物馆模仿大师作品。一个学生向他表示，自己想要临摹蒙德里安的作品，James有些不以为然——这有些太简单了。

但结果却打了他的脸。事实证明，蒙德里安的画并没想象中那样好模仿。

如果你从右边的边线开始画，你会发现这里蒙德里安改变了主意， 线条在画布边缘处戛然而止，但并未抵达边缘。

如果你蹲下身，逆光往上看这幅画，从画布的纹理可以看出蒙德里安画作中黑色长方形用的颜料较薄，因此看起来，黑色长方形周边的那些黑线好像高于长方形似得。

再看**的区域，会发现这个部分颜料非常厚，因此那些**色块像是浮在线条表面一样。

这幅画的表面纹理丰富密实，看上去均匀协调，比如蓝色区域，你几乎可以想象出蒙德里安是如何用硬笔刷来回刷过颜料的表面。

James的一个学生试图画出这种厚实细密的纹理，但结果却是这样的：

所以，蒙德里安的作品乍看起来很平面，但在这平面之上，却有细微的深浅，精细的笔触，换句话说， 他几乎是把绘画当成雕塑来做。

从上面的分析我们可以看出，蒙德里安表面上平平无奇的画作，不仅仅体现出他高超的制图技巧，更体现了他深邃的哲学思考。

这正体现了少即是多的原则： 一个作品，让你感觉非常简单，但其中却蕴含了艺术家无穷的匠心。

这同时也告诉我们， 把一个简单的事情做到极致，自能收获意想不到的硕果。

这种原则，恰恰适合我们用一颗简单纯粹的心，来应对纷繁复杂的现代生活。

也正因为如此，各行各业的设计都不约而同地向蒙德里安致敬。

比如，荷兰的海牙（蒙德里安老家）市政厅：

1999年，美国艺术家Emily Duffy以蒙德里安作品为原型喷涂了整辆车，并同时设计了与之对应的服装和物件，这辆车成为了当时艺术车展上令人瞩目的焦点。

巴黎创意团队PA Design，打造了一款蒙德里安彩色便签纸。将红色、**、白色和蓝色等不同颜色的便签纸组合在一起，加上保留的适度空隙，共同构成了一幅抽象画。

甚至身边常见的格子衫，Windows的标志，或多或少都受到蒙德里安的影响。

这便是大师的意义：你或许不了解他，但你的生活，却无处不受到他的影响。

参考文献：