世界上著名的画家有哪些

·凡．高 凡高是荷兰人,但长年生活在法 国,是后印象派的重要的画家和他 的同胞伦勃朗一样,凡高也喜欢为自 己画像· 丁托列托 丁托列托出生在威尼斯,是一个染坊主的儿子他长期生活在故乡,用画笔装饰城市的庭院和教堂他曾拜师提香,追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标· 毕加索 毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能他的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力 他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"· 高更 高更是法国后期印象派三大巨匠之一他起步较晚,早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果,但还没有摆脱印象派的手法他不但对埃及古代绘画很感兴趣,而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术被称为原始人产最高典型·列宾 俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。·卢梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。·达利 达利是盘踞在超现实主义中心的一位恃才傲物的怪杰，与毕加索、米罗三人都启蒙于西班牙加泰隆尼亚这块地灵人杰的土地上。其特异独行的艺术，为本世纪的画坛增添了许多灿烂光辉。·米勒 米勒是19世纪写实主义杰出的代表画家。他的童年和青年时代都在农村度过，对农村生活和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了解他们的了欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见，这使得米勒成为伟大的田园画家。·怀斯 安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。他描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。· 雷诺阿 雷诺阿是著名的印象派大画家。他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。· 夏加尔 夏加尔是20世纪极具亲和力的大画家。犹太血统、生于俄国，入籍法国的夏加尔，不但追求天真纯朴，并感性地面对生命、爱情与艺术。· 莫迪利阿尼 蒙巴纳斯王子”莫迪利阿尼只活了三十六岁。他出生于罗马犹太名门，一生追求礼赞生命与情爱，犹太人特有的敏感及意大利艺术的传统与根源均影响他的画作及石雕作品。· 康丁斯基 1910年，具有东方血统(祖母为蒙古公主)的康丁斯基画下了美术史上第一幅纯粹抽象画。三十岁才立志学画的康丁斯基，很少停留在固定的绘画模式中，总是不断思考、审视、推进自己的创作，·柯罗 在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。·米罗 出生于西班牙巴塞罗那的米罗，早期艺术受塞尚影响极深，在经历立体派、超现实主义的洗礼后，发展成自己独特的风格。本书收集了米罗早期作品，及“荷兰室内”、“星座”等系列代表作，另附加造型独特的雕塑 作品与其生平记事，足以解析米罗与众不同的艺术。·杜菲 作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一的劳尔·杜菲，是一位多元化创作的艺术家。除绘画之外，他的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。· 蒙克 北欧表现主义先驱者——蒙克，是一位风格独特的挪威籍著名大画家。他的童年生活几乎都笼罩在死亡与疾病的阴影之下，而这些可怕的经历，不仅在他的心灵上烙下深刻不灭的印象，也间接地变为创作绘画时的灵感素材，这使得蒙克在西方近代绘画史上与众不同。· 德加 生孤独，不善与人交往的德加，是矛盾、冷漠与遁隐的组合。在他的艺术世界中，没有雷诺阿所强调的享乐与随和，也没有梵高的可怜或自我毁灭。他以冷淡而敏锐的观察，描绘出人物动作的瞬间印象，显现出鲜活的魅力。· 马蒂斯 马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。· 勃拉克 勃拉克与毕加索是立体派艺术的两位先驱代表人物。他们曾携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，独特的理论与杰出革新的画作，在现代艺术中，占有重要的地位。· 蒙德里安 20世纪几何抽象艺术大师蒙德里安，是荷兰三大画家之一。在经历了荷兰画派、印象主义及表现主义的洗礼后，于1917年创立风格派，发展出他独特的构图理念，将绘画的基本元素，结合几何图形的排列，建立起独树一帜的新造型主义艺术。·莫奈 莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。他常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。·塞尚 出生于法国普洛文斯，原习法律而后献身艺术的塞尚，一生的艺术生活，都从自身接触自然而来。他认为“自然不是表面，而是有它的深度”、“色彩丰富，画面自然充实”。

虽然冯小刚的油画作品《一念》曾卖出高价，但这是他与被认为是当代中国较具代表性和国际影响的艺术家之一曾梵志合作的，具体他画了几笔不知道。娱乐圈还有一些画功好的明星，被称为演艺事业耽误了的画家，这里略举几例：张馨予、潘粤明、周慧敏、徐锦江、孙俪。

张馨予

她擅长画国画，也曾参加过公益拍卖。同时她也临摹油画，曾经到法国巴黎去进修，深受粉丝们的认可和喜爱。虽然，在娱乐圈中张馨予经常招黑，但换一个角度想想，杨幂、赵丽颖等女星，谁又不是被黑得天昏地暗中摸爬滚打出来的，后来反而越黑越红，——终究靠的是坚持。

潘粤明

潘粤明和董洁离婚之后，好像活的越来越精彩，自从在微博把其画作展出之后，群众才知道原来是一个，被演戏耽误的画家。他的话有一种信手拈来的禅意，聊聊几笔就能勾画出那种宁静和与世无争的状态，让人从画作里面能感受到一种启示，与他本身的气质很相似。

周慧敏

几代人心中的女神，一直有着不老女神的称号，同时也是一个不折不扣的才女，她的画作可以说是专业水准的，屡次获奖以及入选了不少重要的画展。她的很多作品意境却静谧安详，正如她本人一样，温婉、低调、高雅。著名的《新疆老翁》获得“视艺新纪元”奖，《望过去，看将来》入围了首届“中国水彩人物画展”。

徐锦江

作为演员，徐锦江是一个非常优秀的表演者，“鳌拜”、“金毛狮王”，他所饰演的角色都已成为经典深入人心。其实徐锦江也是一个科班出身的艺术家，自幼跟随著名岭南画派名家关山月先生，求学于广州美院，算是正宗的学院派。从国画、油画到雕刻都有涉猎，甚至还多次举办个人展览，让人十分惊讶。

孙俪

大家熟知的孙俪演技爆棚，和邓超之间“相爱相杀”的爱情也十分令人羡慕。在戏里霸道外露的“甄嬛”，在日常生活中却是一个养花养草、剪纸画画、爱好广泛的优雅女子。

孙俪经常在微博上晒出自己的绘画作品，难怪她的画画技术已经十分娴熟了。而且孙俪学无止境，在空余时间仍在学习绘画。

赵少昂：

前段时间和一个从美国归来的华人艺术家聊天，向他问及在欧美等西方国家，哪位中国现代画家的名气最大。他不假思索地说了一个名字，不是齐白石，不是徐悲鸿，也不是吴冠中，而是赵少昂（1905—1998）。

这到底是不是他的一孔之见呢？带着这份疑虑，又问及了几位在西方生活的艺术家朋友，虽然答案并不统一，但赵氏盛名的的确确不让我们所更熟悉的白石、宾虹等诸大师，尤其在华人聚集区，更是如此。但在国内，赵少昂这样一位饱染岭南风格的“地域性”画家，声名并不显赫。尤其是在北方主流画坛对岭南画派的认知仍然存在诸多偏见与误读的大背景中，赵氏画艺仍躲在美术史的幽暗角落，等待更多的人去发现、去认识。

赵氏绘画“很岭南”，这不只是说他对岭南物象矢志不渝地描绘、对岭南风格的独特发扬，还有他对岭南画脉的精心呵护与承传。著名评论家陈传席先生在评述岭南画派的历史光景时，曾下了一个此派“最重师生情谊与艺术承传”的论断，从赵少昂与高奇峰的关系便可见一斑。

他16岁时便师事岭南派先贤高奇峰，成为著名的“天风七子”之一，由此打上了岭南画派的深刻烙印。赵氏谨听师言，乐观师行，虽然侍奉恩师左右的时间不过半年，但感念之心从未懈怠。他在晚年的时候曾如是回忆：“老师最伟大的地方是点燃你心里的美感火焰，我在美学馆的半年，有充沛的激情去临摹和创作，高师(高奇峰)的精神一直教导着我，心中有师、笔下有师，这比身边有师更加重要，师门教的如果就是技法，你没有融会创新的话，一辈子你也离不开老师的。”他最终也的确在“融会创新”的路上“离开了老师”，但师恩念兹在兹。

赵少昂画作：《岭南独秀》

赵少昂一生专注艺术，与世无争，他的作品中经常用的一方闲章“此生只愿做闲人”就足以表明其心态。他曾经说：“因为我写话，所以此生只愿做闲人。”他专注花鸟画，对蝉题材有开拓之功，甚至齐白石也曾托人“请少昂君画蝉寄来”。对此，他曾解释：“蝉是最好的，它只是靠饮露养大，其他东西也不用吃，因为露水是最清洁的，撇开所有的东西，都是为了清洁，所以我借蝉作比托。回顾80多年来，尤其是经过这么多的战乱，真好像发了场大梦，哪会再希望什么呢？”或许，能让这样的老先生聊以自娱的便是画画了。

一个艺术家与一座城

“我将乘风归去，折柳揖别。过庾岭，香云千里，一山春色……”

1986年元月，赖少其（1915—2000）举家离开安徽迁回广州定居，写下了这首《相见欢》，心中对新的生活满怀期待。但阔别故土五十载，时过境迁之后，赖少其在广州的生活与艺术交往到底是怎样的场景？这是一个颇为玩味的话题。对此，彼时几乎天天跑到赖少其家，几成“父子”关系的庄小尖（1949—），揭开了赖少其晚年在广州的诸多细节。

且看庄小尖的山水绘画，就可以找到他与赖少其的精神性关联。庄小尖说，结识赖少其是“命中注定”。庄小尖读小学的时候，就得以相遇赖少其。其时，庄小尖在绘画上显示出过人才华，常被地方领导叫去相陪造访的艺术家。

有一次，赖少其偕同画家唐云、周怀民回故乡，其时，唐云的名号要远远高过赖少其，只酷爱国画的庄小尖对赖少其反而没有留下太深的印象。

赖少其山水画。

赖少其举家回到广州后，最早住在环市路的华侨新村。彼时，庄小尖正在白云宾馆附近上班，两地相距不过两三百米。已近不惑之年的他，早已知道赖少其在版画、国画领域的高深造诣，禁不住内心的崇仰，不时登门求教。

当时，庄小尖正在为一些报纸杂志做美编，就常找赖少其给报纸写栏头与题签，平日也多有书画探讨，长此以往，两人便熟络起来，直至赖家把他当作自家人。

赖少其，画作。

1990年，赖少其将家搬到水荫路，庄小尖的单位也恰巧搬到了附近，两处只相隔一条街。每天一早去单位，处理完事务之后，他就赶往赖少其家里去，一待便是一中午。“保姆看到我来，就主动在锅里多加一把米。”庄小尖与赖家关系可见一斑，庄小尖的父亲将他们亲密无间的关系比作“父子关系”。

正是这种特殊的“父子关系”，让庄小尖掌握了大量赖少其其人其艺的诸多“秘密”。比如，赖少其写书法从来都是积极向上的内容，表达一种入世的乐观精神，而极少写归隐、出世等消极精神。有一次，有人找他写陶渊明的一个诗句，他并未应允。

再比如，赖少其没有钱财概念，更没有存私房钱的心思，而家中事无巨细以及他的艺术活动，都由其夫人曾菲女士操持，两人性情可谓一静一动。有一次，庄小尖将一笔稿费交给了赖少其，曾菲女士发现后就叮嘱老伴“下不为例”，而赖少其的一句“有点钱也不错嘛”的调侃，就惹来夫人一顿唠叨，“柴米油盐酱醋茶大小开销都要钱，以后有钱要及时交给我。”曾菲女士去世后，庄小尖送去一副挽联，“共赴国难，义无反顾真战士；齐臻艺德，事无巨细女丈夫”，熟识赖家的人都深以为然。

但最能引起庄小尖注意的是，赖少其与岭南同道的复杂关系。他的客厅里悬挂着一副自书对联“欲佩三尺剑，独弹一张琴”，透出了一种豪迈、苍凉的气息与艺术的自信。而庄小尖的解读则是：赖少其来到广州，进入岭南派的地盘，多少有一种寂寞的心境，也袒露了愿在岭南派的大本营走另一条路的心志。

赖少其书法作品。

经过长期观察，庄小尖了解到，常来拜访赖少其的艺术家多是北京、上海、安徽等外地的人，鲜见广州本土艺术家踏入赖家，相互之间都有礼节性的尊重，但委实没有多少实质性的来往。平时和赖少其交往密切的“广州人”，多是王贵忱（1928—）等文化人，以及省、市领导。

说起赖少其与岭南派的关系，就不得不提及他与同时代的关山月、黎雄才的交往。庄小尖依然清晰记得，1994年5月16日上午，赖少其从艺60周年书画回顾展在广东画院开幕，场面非常隆重。时近中午12时，所有的来宾与工作人员都陆续移步到东方宾馆就餐，唯独曾菲女士没有去。她在等一个人，她知道他一定会来。果然，曾女士等待的这个人——关山月来到了展厅。

“对不起，上午家有来客，无法抽身，现在才赶来祝贺，抱歉抱歉！”关山月还拿出一页稿纸，端正题写了一首贺诗。当时关山月送完贺信，便告辞回家。关山月的贺诗次日就登在《羊城晚报》上。

在庄小尖看来，关山月一直是广东乃至全国画坛的中心人物，而这次展览的主角无疑是赖少其，他“错峰”赶来，一来出于对赖少其的敬重，二来也避免了展览引他为首的尴尬场面。

至于赖少其与黎雄才的交往，在庄小尖的记忆里，并无特殊印记。据其介绍，赖少其曾带着好朋友唐云去拜访黎雄才，黎雄才向唐云赠送了一本新出的画集，而对赖少其少有言辞，其中究竟，后人难以捉摸。

“不要将赖少其定义为一个岭南画派画家，他的艺术不能归类于岭南，也不能归类于安徽，而是属于全国。”不管岭南是一个地域概念，还是一个画派概念，在庄小尖看来，将赖少其与岭南扯上紧密联系，都是站不住脚的。

赖少其与广州的缘分，早在20世纪30年代，便已经确立。1932年，他考入广州市立美术学校西画系，两年后开始致力于木刻创作，再过两年，从学校毕业。

在他读书的时候，就与鲁迅先生鱼雁往来，其中前辈所写的“巨大的建筑，总是一木一石叠起来的，我们何妨做做这一木一石呢”等警语，影响了后辈的一生。

而从“文革”后复出到1986年年初回广州定居这段时间里，他在合肥给王贵忱、苏烈等“晚辈”邮寄的信件，呈现出这一重要时期生活与艺术的特别历程，彰显出他巨大的人格魅力，文献与艺术价值同样不可小觑。《赖少其书信集》（岭南美术出版社，2005年版）一书，便收录了他在20世纪70年代末到80年代中，写给王贵忱、苏烈等人的95通信件。

《赖少其书信集》，岭南美术出版社，2005年版

在这段时间里，赖少其长期担任安徽文艺界的领导，工作非常繁忙，这在信中可见一斑，他曾说：“我现在事情过多，疲于奔命，对创作极不利，也无可奈何。”他的艺术创作主要是利用业余时间或者请创作假来进行，尽管如此，他仍坚持以写信的方式与同道及朋友保持密切联系，即使是1983年9月、10月头部动手术住院期间，他依然给朋友写过不少信件，而不会假手于人。

从这批信札中，我们可以看到赖老写信的一些基本习惯：绝大多数情况下，都以毛笔写字，偶尔才使用钢笔、圆珠笔；采取由上而下，再自右到左的传统书写格式，即使是信封也多见竖行形式；笺纸不太讲究，五花八门、规格不一，以常用公文纸为多见。

另一重要的特征便是，他在信中叙说，不管对象是何许人，不管说的是劝勉还是批评，他的语气都极为客气平和，毫无傲慢与强人所难之意。比如，“未知对否”“未知兄以为如何”“阁下以为何如耶”“你说对么”之类的商量式口吻，经常在信札中出现，体现出文化人的人格风范。

赖老的信札给人最深印象莫过于书写非常认真，谨守法度，甚少懈怠与草率之笔，这许是他严肃认真人生态度的反映。不管是流程爽利、风神洒脱，还是凝重拙健、燥润相生，都由他诚恳端庄写出，都体现了他高深的书法修养，是可观可赏的艺术佳构。观赖少其信札，便可知其“奇玩”之趣，也可洞察其人格。

在这本书信集中，赖老写给著名学者、收藏家、书法家王贵忱的信件有64通之多，成为我们考证这一时期两人艺术与人生状态的重要资料。

从这些信件中，我们首先可以看到赖少其对朋友的真诚态度与一腔古道热肠。1977年1月8日，赖少其写给王贵忱第一封信件，在信中，他首先对这位“虽未见过面，但神交已久”的后辈给予鼓励：“你的书法是很有功力的，我也喜欢。”当年8月16日，在他得知王贵忱因为工作环境不适而有退休之意后，竭力劝告其打消这一念头，说：“我已63岁，还不肯退休，其实如果退休了，就像下棋一样，是下了一着死棋（‘死棋’两字画着重号）。因此，当今之计，首先要安排好工作，搞好上下左右的关系，包括安排好家庭生活，再集中精力研究一门学问。”10日之后，他再次写信强调：“希望你不要退休。”

彼时，王贵忱学术研究兴趣广泛，赖少其也提出了自己中肯的意见：“你应在‘精勤’入手，突其一点，期有所成。”（1977年6月12日）他还针对王贵忱的文风直接发表了自己的意见，并现自省之意。他先说：“我喜欢你的文字，但缺点是好像古人写今人，好像有意不讲缺点似的。优点中包含着缺点，这是无可奈何的事。”（1977年8月19日）再说：“任何学古都应注意，应有所新意，既要继承又要发展。我也常常食古不化，为古所泥，有事不能自拔。出现这种情况时，作为同志就应互相指责，使有所警醒，你说对吗？”（1977年9月1日）

王贵忱。

赖少其与王贵忱两人都嗜收藏，从信件中可以看出两人相互馈赠的真实情况，文人之间的慷慨之风昭然若揭。两人曾互通有无不少艺术品，最重要的要数黄君蒨所刻的陈洪绶《水浒牌》和黄宾虹的《画学篇》书法手卷。其中，《画学篇》是赖少其为答谢王贵忱割爱将容庚相赠的邓尔雅（1884—1954）对联转赠于他，而主动出让的。

据赖少其介绍：“当时宾翁是华东美术家协会主席，我是党组书记，故虽眼睛患白内障，几乎在失明情况下写的，力疾而书，如锥画沙。”两位先生对这样的稀世瑰宝虽珍爱有加，却又能举重若轻，轻松相赠，足见两人之高谊。

赖少其在与王贵忱的通信中，会直言不讳地表达自己的艺术观念，或对古今名家略施评骘，或对文艺现象聊发感喟。因为是私人交往，评论时多了几分自由，少了一些掣肘，其真知灼见愈发独到精辟，可谓直指其艺术思想核心。

就在他写给王贵忱的第一封信中，他谈道：“晋唐以前的书法，兼有篆隶行楷，只要有本事，都可以发挥。

乾隆年间的书家，已经注意到这个问题，如金农和以后的尹秉绶、邓石如都有新发展。一般人不能欣赏，这是可惜的。”（1977年1月8日）对于邓石如的印章，他则直接表示：“印至完白，所谓前无古人；虽后有来者，惟吴让之、赵撝叔可与相比，黄牧甫则不如，齐白石更不如了。”（1977年3月13日）

对于岭南的艺术家，两人谈论最多的要数邓尔雅。邓尔雅是近代广东著名的篆刻家、书画家，是容庚的舅父。据赖少其自述，20世纪30年代初，他在广州读书时，有一位同学的哥哥在文德路开了一家古董店，匾额“尊古斋”三个字便出于邓的手笔。他当时看到后，印象很深，“至今记忆犹新”，他对王先生说：“我极望能多见邓尔雅先生印章和书法，我见得不多，但感到他有独到之处，尤以朱文最佳……邓尔雅先生楷书朱文是一大创造，对当今篆刻极有参考价值，如能集成一册，广为流传，影响所及，当可生面别开（别开生面）。”但他并非一味赞赏，对不满意之处也会直接点出：“但我不喜欢他的诗集上的篆字楹联，可能缩得太小，未能见其真面目。”（1977年4月13日）

在写给王贵忱的信中，赖少其也会详细记述自己的生活状况与工作安排，凭此可列出一个清晰的年表，史料价值巨大。比如，晚年定居广州一事，就曾经历了一番波折，在多封信中有记录。早在1983年9月19日，他就有交代“顺便落实定居问题”。

到了9月28日，他又说：“广东省委、安徽省委、中组部均已同意我们离休后到深圳落户。”由此可见，他落叶归根的首选之地是深圳，而非广州。但最终，1986年元月，赖少其举家迁回广州定居，开启“衰年变法”的艺术人生。

本章摘录于《我在画里遇见你》，韩帮文 著，广东岭南美术出版社，

2021年1月出版。

「严肃的艺术」以追求美为目的，题材上比较严肃。

在音乐上，流行音乐通俗易懂，容易被大众喜欢；古典音乐内容更深，属于严肃的艺术。在美术上，插画、漫画以及其他商业性质或工艺性的美术比较容易流行，各个年龄都可以喜欢（尤其青少年）；油画属于严肃的美术，相比前者随着潮流改变而很容易快速更迭，一副经典的严肃的美术作品则可能流芳百世。

油画是西画的主要画种，严肃的题材自然也可以用水彩、素描、粉彩等其他媒介表现。另外，今后如果没有在「美术识」的文章里特别说明，国画均不在讨论范畴，不然自然也是属于严肃的美术。

在古希腊时期西方艺术达到了一个巅峰，其载体主要为雕塑。甚至到今天，那时的雕塑依然是很多艺术家学习的典范。他们追求一种理想的高尚的美。这些作品严谨而自由，裸露却庄严，不会引人生邪念。

Gian Lorenzo Bernini 是十七世纪伟大的雕塑家，他即继承了古典的理想美学，又发展了极具个人风格的艺术。即使这个雕塑作品（如图）「Apolo 和Dafne」需要表现爱欲、激情，我们也可以感觉到作者严肃优雅的趣味。

如果这里需要一个反例的话，那可以找一副游戏里流行的人物。如图，这个也非常好，人物的动态也很美。但是，可以明显看出，对他们来说，最主要的还是表面的漂亮、颜色的绚丽、构图的华丽。

除了目的的差别以外，还有技巧的差别，相对来说，为了表现更深的内容，严肃的美术往往需要更高的技巧。

那是不是说相对严肃的油画雕塑，其他的就「低一等」别误会，当然不是。首先功能不一样，这个世界需要不同的艺术；其次形式不一样，像漫画除了画面以外，剧本也同样重要。

我看了宫崎骏的动画和漫画之后，才知道什么是严肃的动画、严肃的漫画。而且很妙的是这些作品可以让天真无邪的小孩子喜欢，长大后回过头来再看，又是另外一种喜欢。这时才了解到了这个老爷爷在作品里倾注了多少他的思考、理想、还有爱。

同样的，油画这类媒介一般用来表现严肃的题材。但是如果使用他的作者只想哗众取宠、赚人眼球，那其结果也只能流于庸俗。

这绝对不是一个公正的盘点，因我个人的认识有限。但我觉得向大家介绍我看到过的这个时代最好的一些艺术家还是很有意义的。

二十一世纪的当代，优秀的画家很多（不讨论雕塑），尤其技术好的很多。这大概是因为现在有更多人可以学画画。但是能达到古代大家那种程度的几乎没有。单凭技术的精湛不能称为伟大，不然现在国内外那些数不清的可以画的和照片一样的画家就都是大师了。

这是当代难得的油画家。他很喜欢瑞典大画家左恩，有很多向左恩致敬的作品。如这幅（如图）划船的男子，应该是模仿左恩，因为左恩也有一副一样的构图。不过方法上他和左恩完全不一样，左恩用笔很肯定、非常自由，他的用笔比较碎。而且左恩不需要照片，但是他的作品则很多需要参考（可以看的出来），这个也是当代很多画家的常态。下面精选我觉得非常好的五幅他的画作。

这也是一个当代少见的大画家。他的作品大多描绘裸体的或者伴有丝织物的少女。画法细腻优雅、风格雅俗共赏。唯一的问题是有时候颜色很多，在暗部也是如此，有「越线」的风险。

和前面两个比较雅俗共赏的大画家不同，他的刚好是另一种情况，另外一种美。他的作品都十分严肃，没有丝毫讨好观众的意思。画中人物的个性经常十分明显，他很注重人物心理的表现。

关于裸体画，他有这样一句话：“看到裸体画后一般有两种不同的反应。一种人看到后，目不转睛，留着口水想入非非；另外一种人看到后，马上扭过头，脸上露出厌恶的表情，觉得伤风败俗。那么，是不是还可以有第三种反应呢？”

他是巴塞罗那很重要的一个肖像油画家，也擅长静物油画。他很喜欢十八世纪的法国画家夏尔丹，有很多作品都可以看出向其致敬的意思。

他曾经感慨，“现在的画家画的内容都是很消极的，这个世界也有很多美好的东西啊！”

我特别喜欢他的这幅「靠在红枕头上的少年」，很安详、平静的感觉。我也喜欢他为他妻子画的几幅画，也许是因为画熟悉的人，这几幅比他其他的大多画都显得洒脱。

想必画水彩的人都会知道这个画家。他还经常有在国内被邀请授课。

当代的水彩发展飞快，涌现了一大批优秀的水彩画家。这使得水彩这一在古代没有那么受重视的材料，其地位被提升到了和素描差不多。在众多很好的水彩画家中，如果非要找几个代表，那他一定是其中之一。

他的作品都很洒脱、轻快，注重色调，灰色较多。他的作画时间一般较短，题材重复。这些大概都是当代水彩画家的共同点。里面有很多优点和创新，但是也有一个可能的问题:那就是他们很多时候太过注重方法，就容易缺少那份柯罗所祈求的“多希望自己每天起来像孩童那样看世界”的朴实。

另外一个厉害的水彩画家，我还突然发现他是里面最年轻的画家。他有几幅港口的（如图）海景着实让人惊艳。因为当代的水彩画家大多画的比较浅，而这几幅则比较深入。关键是深入的同时也没有丢失水彩轻快的特性，真的很不容易。后来看到他的一些油画和肖像，发现基本功了得。果然要做好的作品，没有丝毫运气。

不过也有当代的一些通病在他身上体现。他其他很多画我不喜欢，给我的感觉是很多时候太想用漂亮的颜色，太想画流行的题材。

第一次看到他的静物画，我还以为是古代的。他这种精致的像古代一些静物画家那样的画法很少见。他也有尝试画一些比较自由的，像这幅（如图），不知道是不是模仿夏尔丹，也是画的非常好。不过我还是更喜欢夏尔丹。

他崇尚传统，有很明确的美术观念，这在当下尤为可贵。很明显，看他的画马上会让人想到伦勃朗。他对运用强烈的明暗对比有深入的研究。

在youtube里有一些他的现场作画视频，很珍贵哦。

在国内，可能不学画画的人也知道陈丹青。做为一个学者，他经常批评时事，是个敢说的文化名人。有时候我担心他成为愤青。因为批评很好，但最重要的是做点什么。那他是个画家，是个难得的大画家，画画是他最有力的武器，如果因为那些「琐事」而耽误了「为这个世界带来一些美好」，值得吗？如果连他这样的画家都如此，那还要批评谁呢？而且，能批评的人太多，画的这么好的，很少。

这幅背对观众、坐在木椅上的女人，我觉得是第一幅（就我看到过的来说）用西方的方法表现了东方之美的油画作品。而且还有个创新，那就是给裸模穿上了高跟鞋。

说到创新，大家总以为是那些稀奇古怪的，尤其现在似乎没有画家觉得自己没有创新。然而很多所谓创新都无比雷同或毫无意义。实际上真正的创新很多时候是很自然的。可能陈丹青老师他自己当时都没有觉得说要搞新鲜的，只是看到旁边的高跟鞋很好看，让模特穿起来试试，就画了。就像很多人讨论他画时尚模特，他自己则说，“他画那些模特和画农民是一样的，只不过以前没有模特。”艺术的发展很多时候反应了时代的文化变迁，这其中会产生变化、创新是很平常的事情。

写了这么多，大家可别误会我这种对大画家们的评头论足（虽然确实很爽）是因为我觉得自己很懂了，那种情况我就会把自己也列为其中之一了。其实只是因为我觉得加上一些我的看法，可能会给读者带来启发，很多也不一定是对的，仅此而已。

最后，我好奇你们最喜欢哪一个呢