拉赫g大调前奏曲有多难

拉赫g大调前奏曲有多难,第1张

是演奏的五级,右手手腕需要极端好的弹性以及和弦触键。拉赫玛尼诺夫是俄国19世纪末,20世纪初伟大的作曲家与杰出的钢琴家,创作的音乐继承了俄罗斯浪漫主义音乐的传统,旋律柔美深邃,气息悠长宽广,反映出当时俄国知识分子的内心情感。钢琴作品g小调前奏曲是24首前奏曲中被演奏最多的一首,演奏难度非常大。

19世纪初至中叶,在欧洲发生了一种新的音乐潮流,它的影响一直延续到19世纪后半叶,这就是“浪漫主义”。“浪漫”(Romantic)一词源于Romance(罗曼语)。在文学中指一种中世纪罗曼语写的讲述英雄人物事迹的传奇故事或诗歌,此处则指18世纪末和19世纪初的一种文艺思潮。浪漫主义时期的钢琴作品是对传统、古典模式和束缚力权威的种种反叛,它重视个性、主观、情感的自由表现和抒发,从而使这个世纪成为钢琴音乐发展的巅峰时代。

  一、在音乐内容方面

  1、注重个人主观情感体验

  18世纪末到19世纪初,英国工业革命和法国大革命对欧洲各国的政治、经济产生了巨大的冲击,人们的思想理念、社会文化结构、艺术欣赏观等都发生了重大改变,作曲家们的地位也随之发生了根本性的改变。他们抛弃了传统的形式,创作了大量适应社会变革所需的作品,这些作品往往借用中世纪的传奇故事、神话为内容,来隐喻个人与社会的冲突,歌颂爱情的伟大与崇高、人类的自由平等,他们力图在钢琴音乐中表现自己的感情世界,把个人的情感寄托于作品之中。

  在某一程度上说,浪漫主义的本质就是表达、传递、流露、强化个人情感。浪漫主义音乐在客观上夸大和加深了音乐心理刻画能力,丰富了对心里刻画的表现手法和技巧。作曲家们的创作灵感大多来自他们的情感世界,来自对大自然的微妙观感,来自诗歌、戏剧、绘画等姊妹艺术的启迪,来自神话、传说和民间文学引发的想象。其中,作曲家个人的生活经历、爱情、传记和各种体验在音乐创作中占有相当的位置。

   2、增强了民族性内容和情趣

   浪漫主义的另一显著特征是民族性因素的增加。肖邦对波兰,李斯特对马札加、舒曼对德国、格里格对挪威、格林卡对俄罗斯等等,都是他们自己民族精神的代表。本民族的古老传说、故事、质朴的民间音乐素材,在他们的作品中占据重要位置,民族性倾向成为作曲家表达情感的重要部分。如肖邦的很多作品都体现了他的民族爱国精神(如《革命》)和民族形式(如玛祖卡、波兰舞曲);李斯特的《匈牙利狂想曲》;格里格富有乡土气息的《特罗尔豪根的婚礼日》等等。

  3、音乐标题性倾向

  在浪漫主义时期,标题性已经成为一种重要的倾向与特征。这时期,音乐经常与姊妹艺术相结合,如文学、戏剧、美术,尤其与诗歌密切交融。因此浪漫主义作曲家的作品带有越来越诗化、文学化倾向,不但给器乐曲加上文字说明性的标题,而且音乐形象也越来越走向直观化,企图用音乐语言来解释文字性内容。如舒曼《童年情景》,13段音乐,每段音乐都有一小标题:如"异国和异国的人民"、"奇异的故事"、"捉迷藏"等,每一段标题都十分形象化地指示听众的思考方向;再如莫索尔斯基《图画展览会》十段标题提示了每个音乐的基本画面等等。

  二、在创作手法方面的特点

   1、 炫技性的写作手法

   这一时期钢琴的构造日趋完善,出现了一批职业的钢琴演奏家,他们炫耀着高超演奏技巧。为了迎合演奏的要求,作曲家们运用了很多炫技性的写作手法,特别显著的是李斯特。这些手法包括:大量的八度(如李斯特超级练习曲2、4、6、7、8、9、10)、连续的大和弦(如李斯特超级音乐会练习曲1、2、3、4、5、8)、超过八度的分解和弦、快速华彩经过句、各种双音(《鬼火》)、复杂的双手交叉、震音与颤音、远距离跳跃(《钟》)、刮键、重复音(《塔兰泰拉舞曲》)等

   2、旋律强调抒情性

   由于该时期钢琴作曲家们侧重于主观的生活体验、内在的心理世界描绘,追求富于幻想的、鲜明的音乐色彩,因此触景抒情或借景抒情成为他们的创作特点。这种情感的抒发表现到旋律上,则变为抒情性的音乐语言。旋律波澜起伏,伸缩性很大,如肖邦的《夜曲》、《第一叙事曲》等等。

   3、和声丰富多彩、复杂化倾向

   浪漫主义时期的和声在古典主义功能性的和声基础上更进一步扩展了。和声丰富多彩,通过运用和弦外音、变化音和声、拓展的和弦(七和弦、九和弦、十一和弦等)、复杂化和弦(重属、重导和弦;副属、副导和弦)等手法来获得新鲜的和声效果。同时还大量的增设了没有准备的和不解决的不协和和弦。和声的发展完全超出了规整的范围。

   4、调性音乐为主,但有含混之感

   浪漫主义的音乐还是属于调性的,但这个时期的调性不像古典主义一样仅限于近关系调。这个时期的调性由于和声的复杂化引导调性的复杂化,远关系的转调频繁出现。如肖邦练习曲作品10之四的中16到27小节便是每两小节转个调。这种调性的频繁转动在浪漫主义的后期更加明显,以致于到了李斯特、肖邦、瓦格纳的晚期创作,其各自通过不同的途径达到调性崩溃的边缘。

   5、体裁多样性

  浪漫主义是钢琴音乐发展的巅峰时期,在体裁方面出现了具有浓厚浪漫气质的新体裁。如即兴曲、夜曲、叙事曲、谐谑曲、音乐会练习曲、幻想曲、各种民间色彩的舞曲(玛祖卡、波兰舞曲、匈牙利狂想曲等)、无词歌等等,还出现了小品性的乐曲及小品性组成的套曲(舒曼的《狂欢节》)等。这些体裁在浪漫主义作曲家的手下运用的游刃有余,并得以高度的丰富、发展和完善。

   三、在钢琴演奏风格上的特点

   1、多层次音色

  浪漫主义时期钢琴家们致力于开发钢琴的各种音色,使钢琴能发出更丰富的声音。作曲家常通过特殊手法、特殊音区、特殊和弦创作出一些前所未有的音色。如肖邦《第一叙事曲》85到86小节的降低六、七级而制造出柔和的音色和降低四音得到增五度而创造出来深沉的音调。因此在弹奏浪漫主义钢琴作品的时候一定要注意作品中奇异超自然的声音,和多层次的音色表达。

   2、外向化速度

  浪漫主义的速度幅度对比夸张,它比古典时期的速度又有了很大的扩展。它最快的能达到每分钟200拍,最慢能到每分钟42拍。强烈的速度对比,给听众听觉震撼。如肖邦《练习曲曲集》最快是每分184拍,最慢是每分50拍;舒曼《维也纳狂欢节》最快是每分184拍,最慢是每分69拍。在速度上还有一个显著的特点是,浪漫主义钢琴作品开始把自由速度标记出来,该时期的自由速度已经不再受限制,有伸缩地、自由地减慢或加快旋律的进行,随感情而走。

  3、夸张、极端的力度幅度

  浪漫主义时期的钢琴已经非常接近于现代的钢琴,该时期所标记的力度记号也和现代的相符合。力度的范围从pppp到达fff。浪漫主义时期的钢琴音乐强调表现人的情感,包括热情、激动、悲愤等,因此力度起伏很大,极端力度运用的比较多。如柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》第一乐章就出现三次fff,华彩中段出现极弱的ppp;第二乐章甚至出现pppp;拉赫玛尼诺夫的《#c小调前奏曲》仅62小节,却出现四次fff,三次sfff,更震撼的是在50小节还出现了sffff,力度跨越之大令人吃惊。

  4、琴人合一的触键方法

  在演奏歌唱性乐句时,运用指面内向外“拖”的演奏法,使声音细腻;演奏断奏时用指尖部位向里“勾”,使声音有弹性;演奏慢速时要弹的深一点,使音响饱满;演奏较轻的弱部位、时值短或不重要的经过音或收音时要弹得浅些;在演奏快速的华彩乐句时,只能弹四分之三或五分之四。在演奏这时期作品时不能只用手指发力,我们还要运用身体的其他部位。在伸张性的地方运用手腕;在连续八度、远距离跳跃时运用肘部;在深沉的大和弦演奏时用大臂。除此之外,在有时还要运用到全身的力度,从而达到琴人合一的阶段。

   5、精细化的踏板运用

  随着钢琴技术的提高,踏板的运用也越来越细致化。延音踏板出现了四种不同的踩法:长踏板、模糊踏板、浅踏板、颤踏板;弱音踏板和持续音踏板也都运用频繁。

  总而言之, 浪漫主义时期是一个巅峰时期,当时的音乐家们无论是舒曼、勃拉姆斯、肖邦、李斯特等都是世界上最伟大的钢琴家们,他们对现代各钢琴学派建立了无可估量的影响;他们钢琴作品为人类留下了高贵的精神文化财富。

初级阶段:

初学钢琴,可用拜厄《钢琴基本教程》。汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材:这阶段主要是学习用手臂重量弹琴,学会手指支撑手臂的重量。运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法:主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》(599)《钢琴简易练习曲》(作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849);巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》;《小奏鸣曲集》;布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。这阶段学习的内容,是演学生在上一阶段的基础上,进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。巴赫作品中复凋的训练,对学生来说是一个新的课题,弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲,可以丰富学生的音乐表现能力。

中级阶段:

常用的练习曲有车尔尼的《钢琴快速练习曲》,(作品299)、《钢琴练习曲50首》 (作品740),克拉莫的《60首钢琴练习曲》。复调作品可用巴赫的二部、三部创意曲、《法国组曲》、《十二平均律钢琴曲集》中一些较容易的作品。大型作品可以从海顿、莫扎特、贝多芬、舒柏特等作曲家的奏鸣曲中挑选一些程度较浅的作品来学习。乐曲方面又可从格里格的《钢琴抒情小品选》、门德尔松的《无词歌》、柴科夫斯基的《四季》、肖邦的《圆舞曲》、《波罗涅兹舞曲》、《夜曲》等作品中挑选。

高级阶段:

选的教材面就可以更宽了,大部分实际上已经是音乐会曲目了。

练习曲方面,常用的有:克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、 莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、肖邦、李斯特的《练习曲》。

复调作品方面主要学习巴赫的《十二平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《古组曲》等。奏鸣曲、协奏曲和乐曲等方面的范围就更广了,除了选用维也纳古典乐派作曲家的作品外,浪漫主义时期作曲如舒柏特、舒曼、勃拉姆斯、肖邦、李斯特、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫以及印象派作曲家德彪西,拉威尔和近代作曲家的作品都可选用,这里就不一一列举了;还是一句话老师领进门修行看个人

拉赫玛尼诺夫第二和第三钢琴协奏曲是有三个乐章的,总的来说这两个曲子的写作风格是很明显的“拉赫玛尼诺夫式风格”。

拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏曲:(乐章分析)

也许是拉赫玛尼诺夫音乐中所暗含的忧郁引起了我们的关注,那是一种无法用语言形容的忧郁,一种暗含在“音乐”这样一种能够表现心境的事物中的忧郁,一种特殊的忧郁。拉赫玛尼诺夫所作的《c小调第二钢琴协奏曲》也许正是我们所要寻找的那一丝忧郁,那是一些阳光下忧郁的碎片。本文将以拉赫玛尼诺夫《c小调第二钢琴协奏曲》作为例证,分析其曲式结构特征并挖掘其中所暗含的那些“忧郁的碎片”。

第一乐章 奏鸣曲式

第二乐章 复三部曲式

第三乐章 回旋奏鸣曲式

这三个乐章从不论音乐材料上、音乐形态上、调式和声上都形成了一个不可分割的整体,它是一种音乐创作上的延续与贯穿。下面将以“乐章”为单位逐一分析。

拉赫玛尼诺夫第三钢琴协奏曲:(乐章分析)

全曲共3个乐章:

1.不太快的快板,D小调,自由的奏鸣曲式。弦乐与低 音管前引后,钢琴立即以八度音程表现第一主题,移到乐队后,钢琴做装饰。单簧管和圆号出现新的动机,形成第二主题素材要素。插入钢琴华彩后,第一主题再出现于乐队,平静之后钢琴右手在左手分散和弦之上呈示第二主题。扩大抒情性平静后进入发展部。发展部第一主题在各种调性中作变化,在更加活泼的部分用新要素作发展,然后进入极快的快板的华彩。再现部极似华彩之后的终结部。

2.间奏曲,慢板,A大调, 变奏曲式,三段体。第一段在弦乐暗示下,由双簧管表现出主题,钢琴以三连音构成的狂想曲型乐念加入,转为降D大调,主题作浪漫处理。中段为“更加活泼”,钢琴左手展开半音阶型的滑奏,右手为强有力的和弦,单簧管、低音管奏第一乐章第一主题衍生出的旋律。转为慢板后,钢琴配合半音阶性音型如歌的旋律。然后钢琴以厚重和弦奏稍快的主题,与钢琴发展成雄壮的乐念,钢琴奏华丽乐段,趋于平静后,钢琴才以华彩终结。

3.终乐章,D小调,奏鸣曲式。在乐队进行曲节奏下钢琴有力地奏第一主题、反复几次后,速度更快,钢琴以切分法向前推移,再以G大调奏抒情的第二主题,反复后变为极快板快速音群,缓和下来后结束呈示部。发展部以降E大调谐谑地开始,乐队奏第一主题的变形,钢琴装饰推进。然后钢琴进行第一乐章第二主题精练后的旋律,钢琴单独发展,速度更快,在快速音群的曲趣后转为广板,钢琴更富表情奏第一乐章第二主题的原貌。再现部按原顺序,第二主题以F大调,接着有活泼的快速音群,短暂的华彩后进行D大调终结部,实为大型的最急板,强有力地结束。

拉赫玛尼诺夫的G小调前奏曲Op23 No5是钢琴演奏中比较有名的曲目,但难度相对较低。它需要演奏者具备较高的音乐表达能力和技巧水平,但并不像其他曲子那样需要强烈的手指技巧和速度。然而,要演奏好这首曲子,仍需要相当的钢琴技巧和音乐理解能力。

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