为什么香奈儿大秀这次偏偏选中了成都？

虽然这是香奈儿大秀第一次来到西南地区，但已不是香奈儿第一次与中国结缘了。2009年12月，香奈儿就带着高级手工坊系列去到上海，开了一场以“Paris-Shanghai ”为主题的大秀。那场秀大胆融合了中式元素，你能在里面看到诸如旗袍、斗笠、雕刻鞋的影子。

办秀的地点定在黄浦江畔黄埔公园一艘85米的驳船上，模特们裙角飘飘地走着台步时，落地的玻璃窗外就是黄浦江水和浦东灯光闪烁的夜景，你甚至还能看到不远处的东方明珠。

去年的时候，香奈儿又把Paris in Rome高级手工坊大秀，从罗马搬到了北京798。更具体来说，是在那个叫751的“大罐子”里。之前在罗马Cinecittà影城5号影棚呈现过的街景重现于京城，几乎成为了当年知名艺人最多的国内秀场。

成都就是这样一个独特的存在，古语有云“少不入蜀”的闲适，到今天也依旧是这座城市最突出的气质。“度假系列”中的“度假”二字，在成都的城市表情中尽显无疑。每到天气放晴，不论是不是工作日，市中心能晒到太阳总会挤满喝茶打牌的人，没有别的事比享受当下更重要。

你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？

于我而言，我觉得这个设计属于是比较

大胆但是又在情理

之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。

香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，

打破了装饰堆砌的审美

，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。

再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。

所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。

可以突破，但是原本的根基不要动摇

。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字

最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。

这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上

事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。

过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。

因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；

手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。

事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。

从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。

上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在

他就是ChristianBérard。

Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。

ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友

刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。

ChristianBérard

01是时装插画亦是艺术

ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。

上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper'sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。

他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。

它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。

是融合了新浪漫主义的诗意风格~

线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的动态勾勒得很传神。

他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。

Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。

毫无疑问，

Bérard提升了时尚插画的艺术水平，

不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。

ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「

为他打开了一个新的世界。

」

而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。

02服装设计的多面手

Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。

下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。

后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。

除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。

Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的**多次设计戏服。

1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。

相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。

他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。

Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。

我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！

03全能美学设计师

除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。

Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——

就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。

于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L'EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。

Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。

如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。

那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场

Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。

前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。

Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。

Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。

如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔

他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？

Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。

有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。

最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。

04设计师们的「Bébé」

Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。

上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~

Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「

能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。

」

据说正是Bérard所说的一句「Isn'tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响

众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。

但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般

香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）

Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年

Bérard为香奈儿创作的时装插画

而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线

ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画

ChristianDior1947年的时装首秀

不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。

Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：

是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。

Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。

我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「

感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉

」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。

我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。

Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。

1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。

对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。

巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。

时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。

AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40's为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。

Berard为Ascher设计的面料

AnnaSui1995SS

在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。

Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。

ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

导读： 朝鲜是世界上政权控制最严格的国家之一，世人对这个国家更是充满着无数的好奇。因此，在这个“与世隔绝”的国家里也会举办年度时装秀这件事，震惊了许多人。时装秀复古风格让人看呆，原来封闭社会也可以有时尚!一起来看看前卫的“平壤style”吧!

英国《每日邮报》11月2日报道 新加坡摄影记者于9月份访问朝鲜时，探访了在平壤举办的年度时装秀，拍摄了一组在时装秀上的朝鲜模特和近千名追求时尚的女性。今年这个年度时装展的举办日期是2014年9月15日至17日。这位摄影师希望通过他的拍摄，来打开一扇能揭开朝鲜神秘面纱的小窗。

朝鲜时装秀让人看呆

自2013年8月以来，阿兰姆·潘曾四次被允许进入朝鲜采访。在这四次探访中，这位38岁的摄影师用手中的相机记录下了他眼中的朝鲜。他拍摄到了朝鲜的真实情况，与当地人一起互动交流甚至还在平壤观看了一场时装秀。

在阿兰姆·潘的最后一次朝鲜之旅时，他有幸参加了第十二届平壤时装展，他用镜头记录下了模特们在伸展台上的样子，感受到了朝鲜最新流行趋势。并且评价这些款式有点过时的衣服“很有香奈儿的风格，而且颜色非常大胆”。

阿兰姆·潘表示，“男士时尚似乎看上去都一样，大多都是单色的服装。但是，女性时尚看上去是一直在发展的，平壤并不是被隔离的。我以前看到过的报道都说，朝鲜法律规定女性不能穿长裤或是穿颜色鲜艳的衣服，这个时装秀绝对是一次惊喜。甚至在马路上，我注意到女性的穿衣打扮的方式变得更加特别。”

“参加这个展会的主要是当地的服装店主，他们把号码牌用大头针别在衣服上，以此排序。“那天在展厅里起码有超过1000人，非常的拥挤。”

在朝鲜，长期以来不管男女在穿着上都受到限制。朝鲜所谓的时尚，是被世人所熟知的“时尚警察”以及穿着符合规定的服饰的居民，还有出现在“外国人”眼前的特定的东西。比如与美国有关的蓝色牛仔裤，长期以来被视为禁忌。

但是现在，这个国家的女性已经可以在城市里穿长裤了，而长裤的款式都是经过国家批准之后的。阿兰姆·潘表示，这种潮流趋势已经从平壤传播到了朝鲜乡村了，乡村的女性也开始倾向于“时髦的”打扮了。在他所拍摄的照片中可以看到一些女性身穿长裤和高跟鞋。

据悉，这些在时装秀上展示的服装，不久后将在朝鲜的商店出售。

现在这个国家的女性可以穿裤子了，但据传闻,在过去保守的朝鲜,女人只能穿裙子,不能穿裤子。这又是怎么回事呢，请看下一页为你揭秘。

朝鲜年度时装秀

朝鲜女人为什么不能穿裤子

金日成曾经说过：“裤子是男人穿的。”所以在朝鲜，无论春夏秋冬，朝鲜妇女都会响应领袖号召，坚决只穿裙子， 裤子。当然，在隆冬季节，聪明的女同志会在长长的朝鲜大裙子里边穿上棉裤以抵御严寒。

一些老有所为的退休阿妈妮，会在马路上以的眼神监督每一个过往行人，上面看他们是否佩带主席像章，下面看每一个女人是否穿裙子。

有一则趣闻说，生活在朝鲜的中国女人和日本女人到了街上，八成会有一个朝鲜老太太箭步如飞地跑过来，以迅雷不及掩耳之势一把拽住，大声训斥道：“同务(在朝鲜，人们称和自己平级或比自己级位低的人为同务，比自己级别高的人为同志)，你作为一个女人能穿裤子吗”

知道这个风俗之后，她们入乡随俗出门只穿裙子，仍不免挨到训斥：“同务，你没看今天的《劳动新闻》吗你怎么能随便穿一条膝盖以上的裙子!”

这一传统直到去年才有所改变。2009年，朝鲜劳动党机关报《劳动新闻》在题为《穿着应方便且好看》的报道中，建议女性们穿“端正的裤子”，并一条一条列举了“可以穿的裤子”和“不该穿的裤子”。报道中说，“紧贴在女性下身的裤子和喇叭裤，不是我们提倡的款式。”

在朝鲜因为女子全部穿裙子，无论春夏秋冬都是如此，男子才穿长裤。因此，他们又把男子叫“裤子”。

据讲，朝鲜女性俗称男性为“裤子”。童男子们被尊称为“新裤子”;离过婚的则被戏称为“旧裤子”;再次离婚的就被贬为“破裤子”;离过三次以上婚的就是“烂裤子”喽!新裤子是多数朝鲜姑娘的目标。

另外，有三种“裤子”最受女娃们青睐，它们就是军裤、党裤、学裤(即军人、党员干部和有高学历的男子)。朝鲜姑娘都渴望着成为这三类“裤子”的配偶。

当然，也有例外的情况。比如朝鲜现役女军人在训练时，就必须穿上裤子，只有这样，才能有效防止女兵们春光乍泄。

1996年一次金正日偶然的谈话，竟成了一道最高命令，朝鲜禁止女性骑自行车了。

不仅如此，因为 裤子，朝鲜女性曾经一度不能骑自行车。1996年，金正日一次看到骑着自行车的女性后表示“朝鲜的女人们传统上穿裙子，但是穿裙子骑自行车很难看。”于是有人就下达了“禁止女性骑自行车”的可笑禁令，朝鲜到处都能听到“将军同志讨厌女人骑自行车的行为”的议论。

直到2007年，曾发生因女性骑车被扣车，一怒下跳河自尽的事件，朝鲜才开始解除该禁。

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

朝鲜时装秀

CHANEL 2022春夏高定发布会，Karl Lagerfeld再一次用天马行空的创意征服了来者。巴黎大皇宫被化为一座地中海花园，夏日的气息环绕整个秀场。秀场中央一池碧水，周围树木环绕而立，不禁让人想起十八世纪的法式花园。

所以在DIOR 2022春夏高级定制系列中，Maria Grazia Chiuri以马戏团风格的菱形图案、驯兽师的皮革胸衣、马戏短裙、西服、以及杂技演员的亮片元素，搭配小丑的妆容向杂技演员、骑手和驯兽师的着装致敬。

　　高定系列中，除了日装，最重头戏的非数礼服莫属。这次礼服系列上没有采用定制的奢华，Maria Grazia Chiuri用带有光泽感、垂坠感的面料搭配细密的褶皱，故意散开的毛边、局部重工的碎钻，随着模特走动而“波光粼粼”。

秀场上还专门请来英国杂技公司Mimbre的表演者。表演者均为女性，用无性别小丑借此表达性别平等，再度强调了女权。PC酱倒是怪表演者过分吸睛，反倒使礼服变得稍显“暗淡”

　　对于此次大秀，“时装圈”内的评价褒贬不一。但PC酱看得最多的评论是：同是诠释女性主义，现在回过头来看“前任”西蒙时期的DIOR，还是被它的精致所美哭　　论“风格”，PC酱心仪的“西蒙”略胜一筹(此处仅代表个人观点，接受反驳)。但如今怀念“西蒙”时期的Dior的小伙伴们，又曾记得他首次发布Dior高定系列时也是饱受质疑的呢。

每个女孩心里都有一个香奈儿，或许是一管香奈儿的42号色丝绒口红，或许是一款菱格链条包，又或者是一款经典小黑裙。TA的“双C”轻轻合拢便聚起了无数女孩的欲望，将一个时尚帝国高高托起。

在巴黎有这么一句话，“如果你不知道该穿什么衣服，那你就穿香奈儿”。这个名字，早已成为优雅独立的代名词。

香奈儿的魔力在于，它让你觉得，与它并肩走在生活中的你，会脱离苦大仇深的凡人相，拥有一种无比精致又高贵的姿态。你背着香奈儿的包包，涂上香奈儿的口红，着一身赫本式经典小黑裙，再喷一款5号香水，即使走在人头攒头的街上，你也是如此的熠熠生辉，光芒万丈。你可以成为生活里光华交汇的好姑娘，也可以做自己无懈可击的女王。

这样的描绘并不过分，去看看夜以继日奔向巴黎的瞻仰香奈儿百年老店的游客和某宝“香奈儿”品牌的代购盛况，你便笃定，从一个品牌到一种精神信仰，香奈儿背后一定有一个强大的灵魂。

她被称为可可·香奈儿**。

从6岁的孤儿院少女到88岁的迟暮美人，这位香奈儿**身上惨淡，情路坎坷，一生不被爱，不讨人喜欢，却缔造了经久不衰的时尚帝国，给所有心里只有爱情和活在他人眼光里的姑娘一记耳光。

将服装艺术真正带入20世纪，两度建立时尚帝国，一生被无数男人爱恋却终身未嫁。

在一切的世俗眼光面前，她选择忠于自我。“我的生活不曾取悦于我，所以我创造了自己的生活。”

从孤穷少女到时尚女郎：她的灵感诞生在孤儿院

她的出身与贵族毫无关联，孤儿院，花心的父亲，冰冷得没有温度的成长环境，这便是成年之前的香奈儿的生活标签。

若是你到过巴黎，去她生活的奥巴辛西都会修道院重访，你会发现CHANEL的色彩根源便来自于这个毫不起眼的修道院。修女衣服上的白和黑，神父袍子上的金以及后来冲入视线的粉红色，都成为这个经典“双C”logo的灵感源泉。

成年后她前往巴黎闯荡，做裁缝女工，去酒吧驻唱，日子虽艰辛，却因为她的一再尝试而焕发着生机。她是明艳动人的青春少女，她因一首《coco》唱得婉转动听被人亲切地唤作“coco**”，继而被法国军官狂热追求，他带她出入高档的社交场所，她的灵感与野心伴随着她的眼界一步步打开，开启了她从贫穷孤女到都市女郎的第一步。

当时的巴黎贵族名媛们都极为喜欢繁复的设计，出席宴会带的都是那种插满羽毛，边缘缀满各种饰物的沉重的帽子，香奈儿在出席宴会前突发奇，将一顶插满羽毛的帽子拔得只剩一根羽毛，这样的装扮遭到了宴会主人的鄙夷，当场宣称： 下次请不要带她出现在我们的宴会上。

也许是修道院的压抑和禁锢对年幼的香奈儿影响太深，成年后的香奈儿一生都在追逐自由，并把这种理念深刻地运用到了她的设计里。

即使遭受这般质疑，她依然以简约的礼帽装扮穿梭在宴会间，这样的特立独行一击击中了在场一位男士的心。他便是后来香奈儿**的一生挚爱——卡柏先生。

香奈儿的过去是贫穷的，卑微的，不起眼的。她也试图隐瞒，她也试图掩盖，然而这不是她最重要的事情，她的使命，是带着天赋和随之而来的自信，冲破藩篱，创造一个属于香奈儿自己的时代。

从特立独行到世界闻名：她从未放弃忠于自我

她与卡柏的相遇，不仅开启了她一生的美好爱情，更是让她的时尚之路走上巅峰。

她当时是巴勒森军官的情妇，但当她在宴会上认定卡柏后，便选择爱他，打听到卡伯当时正在煤矿上，她租了一辆马车赶了两天两夜的路去追寻卡伯。她出现在他面前，蓬头垢面，满身却闪着爱情的光。从一开始，她就握住了自己想要的爱情。哪怕这样身份悬殊的爱情，不能冠以婚姻之名。

卡柏资助香奈儿在康朋街31号上开了一家帽子店，专门为贵族妇女设计独特的帽子。她将大帽檐改成平顶帽，再用丝带稍加点缀，简洁而别致。几乎是所有女子从一开始就接纳了香奈儿，名流演员们改戴香奈儿的帽子，也博得人们啧啧称道。

从这款礼帽，香奈儿开启了她传奇的一生。从卡柏的身上，她得到源源不断的支持与鼓励，她说那时她生平得到的最美好的力量。

“服装的优雅在于行动的自由”，她的设计从始至终都在践行这句话。她设计的衣服是为了让女人舒适，而不是取悦男人。她发明了第一条休闲女裤，让20世纪备受裙箍和紧身胸衣束缚的巴黎仕女们可以自由的骑马运动，而不是扎着紧紧地束腰像个花瓶一样晃来晃去。

她还从水手服中得出灵感，设计出了经典的海魂衫，也是今天条纹系列服装的始祖。

不止服装，她还变革了保守的香水业，在那个只崇尚单一花香的时代，她用80多种花材调制出一款抽象而神秘的香水——ChanelN°5号，这款诞生于1921年的香水，现在仍是全世界最畅销、最著名的香水。它并没有受到时代变迁的影响，一直屹立在时尚的浪潮中。

香奈儿**创造了一款属于未来的香水，如她所说，她成为了未来的一部分。

不同于其它女人的嗜好，香奈儿喜欢户外运动，喜欢穿起男装长裤去骑马，不介意那些嘲笑她的女人；喜欢在海边游泳；喜欢把肤色晒得黝黑；还喜欢穿着炫丽又与众不同的服饰，在温泉小镇的舞会和赌场中玩得汗流浃背。

对那些她所周旋的男人们而言，她既是一个优雅的女士，又是一匹驰骋的野马，她是如此的与众不同。

这个成长于纷繁乱世的女子，她眷恋男人但又追求自由。她是女性主义者的先驱，却不是简单的抛弃女性本能中的柔美。

一个女孩应该拥有两样：她自己和她想成就的。

若是没有那一串沾满鲜血的珍珠和冒着风雪回程遭遇车祸的卡柏，香奈儿**的爱情，必定也会成为一番传奇。

她的挚爱，世界上最支持与理解她的恋人卡柏在一场车祸中身亡，香奈儿悲痛欲绝，并在现场发誓，要让全世界所有的女人都穿上黑色的衣服。七年后，香奈儿经典的小黑裙横空出世，她用自己的方式悼念恋人，小黑裙的力量穿越时空、横扫万物，至今仍让无数人着迷。

也许你并不知道，双C标的第二个C是卡柏的起首字母，而小黑裙，是在卡柏男孩去世后，香奈儿对他的怀念：让全世界的女人为她的男人穿上丧服。

后来她说：“你可以穿不起香奈尔，你也可以没有多少衣服供选择，但永远别忘记一件最重要的衣服，这件衣服叫自我。卡柏让我明白我可以照自己的方式生活，照自己的意思经营事业，照自己的欲求选择爱人，这是卡伯给予我的最好的礼物。”

从迟暮**到终身未嫁：没有找到一个男人能和‘可可·香奈儿’媲美

如果你以为香奈儿**一路顺当那就大错特错，她曾因为战争离开时尚界15年，二战结束后以70高龄复出。

70岁的可可香奈儿**在一个阳光灿烂的午后重新打开了康邦街31号的大门，此刻的巴黎仿佛日薄西山，而房间里布满了灰尘与蜘蛛网，零落的布料散了一地，缝纫机生锈了，电话线也断了。当人人纷纷议论着这里的破败与衰亡，迟暮的香奈儿**说:我来这里就是为了重整河山。

随后她以标志性的255菱格纹手袋与时尚奥斯卡奖征服了媒体与观众。美国《生活》杂志说：“71岁高龄的嘉伯丽尔·香奈儿所呈现的与其说是一种潮流，不如说是一场革命。”香奈儿很快东山再起，再次以独特风格风靡全球。

在影片 《香奈儿女士》 中，她坐在康朋街总店的台阶上，四周布满了她喜爱的金器、乌木漆面屏风与水晶制品。注视着身着香奈儿服饰的模特们走过。她的目光迷离，仿佛在回忆她人生中那一段段的流光溢彩。也许从那一刻起，香奈儿**注定会孤独终老，因为她知道她要追求的更多。

她有过很多段情史，但最好的一段情史是与她自己。

从法国军官到卡柏再到温莎公爵，她将每一次的恋爱经验融于自我的完成与体验。在逝去恋人卡柏手握的珍珠上，她得到灵感，将人工珠宝镶嵌在天然珠宝中，开创出香奈儿珠宝。在温莎公爵传统西装面料粗花呢中，她设计出香奈儿的经典粗花呢外套。

当我们已然忘记香奈儿**情人的名字，她的名字便在历史中永存。从此，人们只记得香奈儿，而不是某某的情人或附庸。

有记者采访80岁的香奈儿：为什么终生不嫁，何况有那么多的机会？

她坦然回答：“大概因为我没有找到一个能和‘可可·香奈儿’媲美的漂亮名字。”

她是一个过于骄傲且懂得自我的女人，以至于对她可以无声地任由她所爱的男人离去，她并没有被男人们遮掩，她注定要比这些男人更加光彩照人。

一个有份量的女人，说的话总是带着影响力的能量。经过岁月的历练，最终成为女王。

她可以做到30岁华丽，40岁名人以及令人无法抗拒的余生。

在一个冬天的周日，香奈儿**与世长辞，她早已为自己设计好了安息之地，“不要给我盖上压棺石”，她说，“这样我就可以随心所欲，自由出入。”

也许每个女孩心中都有一个香奈儿，但香奈儿所表达的独立自由并非为所有人铭记。也许在女孩心中香奈儿变成了奢侈品的代名词，又或者是测试男友是否爱自己的试验品。但我想，香奈儿**并不在意。

香奈儿告诉我们：奢侈品是梦想的果实。你此生忠于什么，把时间浇筑在哪里，这就会成为属于你的奢侈。

以可可·香奈儿之名，愿你能够掌握自己的人生，独立勇敢，一生幸福。

导读：斜纹软呢、塔夫绸、乌干纱及丝缎等高级面料是如何与纸艺完美结合水晶、珠片如何在精湛的手工下施展出微妙光色。

　摘要： 斜纹软呢、塔夫绸、乌干纱及丝缎等高级面料是如何与纸艺完美结合水晶、珠片如何在精湛的手工下施展出微妙光色。

　 为你独家揭秘CHANEL高级订制服的幕后天机：斜纹软呢、塔夫绸、乌干纱及丝缎等高级面料是如何与纸艺完美结合水晶、珠片如何在精湛的手工下施展出微妙光色谜底即将一一解开。

　 32条铺满精美剪纸工艺品的圆柱，84张铺满白色纸花、纸桌布的圆桌，耗费4800工时制作的7000朵手工折纸花朵……CHANEL春夏系列可谓至臻化境，堪称当代高级订制服工艺之巅。在Karl的亲历指导下，Lemarié羽饰工作坊、Lesage刺绣工作坊、Massaro鞋履工作坊强强联手，倾力复兴巴黎传统手工艺的精华之作，一件凝聚了800小时手工制作的刺绣滚边衫裙从此掀开高级订制的“谦逊新时代”。

　Lemarié 羽饰工作坊

Karl Lagerfeld选择了工作坊提交的10个刺绣样本，工作坊制作了8款造型。部分款式绣满以人手剪裁、折压或熨压而成的花卉、叶片及花瓣装饰;折压或熨压工序均以人手操作，主料为丝或雪纺，蕾丝表面覆以喷色羽毛。

Chanel的黑白山茶花均以人手剪裁、折压或熨压而成的花卉、叶片及花瓣装饰。短身可拆卸的小斗篷是本季的轴心设计，方角立体的肩部轮廓令人耳目一新。

立体剪裁和手工缝制，从里至外地完美体现高级手工坊的精湛手工。

　Lesage 刺绣工作坊

工作坊为春夏系列制作了15款刺绣设计，设计灵感来源于立体漫画书，主要图案为花卉及叶片，部份设计采用蕾丝及丝光棉，全部为珠片刺绣。每朵塑料珠片襟花制作需时400小时，衫裙绣满白色镜面小珠片及丝带滚边，制作需时700小时，白色丝光薄纱裙装，刺绣珍珠、珠片及手工裁制的叶片和花朵装饰，制作需时800小时。

Lesage刺绣坊将喷色羽毛覆以蕾丝薄纱表面

在薄纱面料上手工刺绣蕾丝叶片和花朵

薄纱衫裙的领口，由Lesage刺绣工作坊人手绣满白色镜面小珠片，乌干纱真丝滚边。

　Mssaro 鞋履工作坊

令腿部线条更显修长的系带厚底高跟凉鞋 是Massaro鞋履工作坊的设计主题，备有8款物料或颜色变化。在柔软的小羊皮上饰以圆形、菱形打孔，以漆皮或蜥蜴皮制作鞋跟及厚底，而制作此凉鞋款式的困难之处，在于鞋跟由鞋底加固板延伸而出的专业技术。

在柔软的小羊皮上，饰以圆形、菱形打孔也要破费一番工艺。系带厚底高跟凉鞋，令腿部线条更显修长。

解词：什么是高级订制服装

“高级订制”这个概念是从欧洲舶过来的，法国国粹高级时装历史悠久，高级订制起源于19世纪中叶。说到高级定制服装这一概念的由来，就不得不提到“时装之父”查尔斯·弗莱德里克·沃斯。在19世纪之前，裁缝只是按照顾主的要求裁制礼服 ，纯粹是copy顾主的想法。而沃斯将设计的观念引入时装界，并于1858年在巴黎开设了第一家专为顾客度身定制的高级时装店。从此，高级服装就进入了现代生活。

高级订制是时装界的最高境界，是时装设计师也是穿衣者的终极梦想，是对理想生活方式的追求。

“高级订制”之所以与传统的量体裁衣和成衣购买截然不同，其中最关键的一点便在于它赋予顾客的是一个真正个性化、独一无二的设计理念。这一点，正是“高级定制”的魅力所在。人的体型千差万别,购买的成衣很难达到绝对的完美与协调,而服装定制则弥补了这一不足。

巴黎是高级服装的发祥地，全世界高级的定制品牌都集中在巴黎。自1945年起，法国 对高级时装定下了一系列准则，迄今为止只有不到20个公司获权生产高级时装。现在全世界大约有一两千人享受着高级定制时装，其中包括王族公主、财经钜子、影视明星 ……

由于顾客羣相对固定，所以几乎每一个老主顾都拥有自己的人体模特，并经常根据本人体形变化而调整。定制成本昂贵，日装一套的最低价格约为12万美元，晚装一套最底约为4万美元。每一套衣服需要经过6次试装，每一套衣服都有自己的名字……总之，这些极品服装象征着财富和地位。

这才是灵魂插画师！手绘图只画一半也惊艳，这衣服效果比高定还美

都说艺术来源于生活,在很多艺术作品中,那些让大家有同感的地方,就是来源于自然和生活的部分。在一位时尚插画师就堪称“灵魂设计师”,在他的作品中,我们就能看到这样的艺术,

他的手绘时尚插画几乎都是只画一半,却比完整作品更“充实”且惊艳,尤其是衣服的效果简直比高定还美。

时尚插画,听起来就是种很专业的艺术,但插画虽然需要专业,但“时尚”确实每个人都能看懂。图中这件作品,更是

生动地向我们展现了时装的另一种魅

力,它的创作人就是

ShamekhAlBluwi,一位来自约旦的设计师。

常规印象中的时装,都是通过插画师的手调色上色,在纸上展现出迷人的时尚色彩。但

ShamekhAlBluwi在工作的旅途中萌生出将美景化作时装的想法,将插画的一部分变成空白的镂空,用生活中的美景填满,也让时尚融入更多生活元素。

正因为这个创意很接地气,实实在在地融入了生活元素,在他发布这个创意后,迅速收获了全网的好评。

将现实中的美景融入图中女孩们的衣服中,让艺术变成大家都能看得懂的想象力,实在是个巧妙又让人惊喜地尝试。

你可以在Shamekh的作品中看出他有多喜爱自然,也能看到他在很认真地观察生活。院子里的树木、小鸟,都能成为模特身上亮眼的点睛之笔。

他要做的只是拿着这张裁掉一部分的插画,将它移动到他想要的画面上,用相机记录下来。

他的创意简单到每个人都可以复制,很多网友开启了自己的创作模式,每个人都能简单地尝试创作艺术的过程,这也是Shamekh的作品受欢迎的原因。

而他作品中很多独特的视角,也通过美女身上的一条条的裙子逐渐展现。

像是每天抬头就能看到的天空,无论是雾蒙蒙还是夕阳晚霞,都能成为裙子上唯美的渐变色。

蓝天白云,也可以是很唯美的裙子印花。一条纯净的蓝裙配上点点深浅不同的蓝色,果然自然中的美才是真正的巧夺天工,这一些甚至无需创造,用镜头记录下来就好。

街边的一角也是Shamekh的创作场所,可以是水泥墙,也可以是植物与墙壁的连接与拼接,这些日常平平无奇的画面,“印”在裙子上一手,变成了完全不同的画面。

想要来点亮眼的,路上的标志和行进的车,都可以成为时髦裙子上的装点。

Shamekh还很喜欢从一些物品中“借”点花纹,

比如这个很有特色的沙发垫,人物印花自带复古宫廷风,马上成为很别致的艺术感。

路边的灯,也可以是Shamekh的创作灵感,自带光感的裙子搭配镂空花纹

,亮眼又很别致,这些怕是很多设计师都想不到的巧妙印花。

更多复古有原味的镂空、花纹,都可以成为别具特色的裙子印花

,只需要裁剪好一个裙型,轻松用“空白”借着美景创造出独特的设计感。

这些本身很有风格感的瓷砖,也能瞬间成为美女身上的复古印花,几乎一件裙子可以有数种风格和印花。

Shamekh还会和很多别人创作的艺术来个小“联名”,将他人的艺术结合在自己的裙子中,这样的创意时髦又有新意,和印象中的时尚插画完全不同。

还可以结合巧妙的角度,将眼中立体画面变成平面,印在自己的作品中。

日常很普通的厨房一角,瞬间变成了美人的披风与碎花裙摆,实在是巧妙又惊艳。

同一位“模特”、同一条裙子,还可以演绎出N多种不同的风格与配色,让我们看到时尚并没有那么高深复杂,也没有那么高高在上,它也可以很日常。

Shamekh的作品还有很多很多,虽然都是取自生活中、自然中的场景,但这也需要创意和敢于发现美的眼睛。

每次看完不同的场景变成的裙子,依旧觉得好惊艳,这才是时尚该有的样子。你觉得呢

这才是灵魂插画师!手绘图只画一半也惊艳,这衣服效果比高定还美。

时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

3肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为15个头长(特殊款式的服饰可能不同)。

4腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。

5腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

强调身体的部位和人物的某种姿态

合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

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当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!