求动漫《交响情人梦》中的所有交响乐,和另外经典好听的交响乐

求动漫《交响情人梦》中的所有交响乐,和另外经典好听的交响乐,第1张

Orchestra Du Nodame Live CD1

01 贝多芬 第七号交响曲 A大调 作品92 第一乐章 (主题曲音源)

02 贝多芬 第七号交响曲 A大调 作品92 第四乐章

03 贝多芬 第九号交响曲 D小调 作品125 合唱 第一乐章开头

04 盖希文 (服部隆之编) : 蓝色狂想曲 (口风琴版)

05 拉赫曼尼诺夫 第二号钢琴协奏曲 C小调 作品18 第一乐章

06 莫札特 双簧管协奏曲 C大调 K314/285 第一乐章

07 布拉姆斯 第一号交响曲 C小调 作品68 第一乐章

08 布拉姆斯 第一号交响曲 C小调 作品68 第四乐章

09 萨拉沙泰 卡门幻想曲

10 贝多芬 第七号交响曲 A大调 作品92 第四乐章

11 盖希文 (服部隆之编) : 蓝色狂想曲 (片尾曲)

Orchestra Du Nodame Live CD2

01 贝多芬 钢琴奏鸣曲 第八号 C 小调 作品13 悲怆 第二乐章(NODAME版)

02 莫札特 双钢琴奏鸣曲 D大调 K448 第一乐章 (第二小节即出错版)

03 莫札特 双钢琴奏鸣曲 D大调 K448 第一乐章

04 莫札特 夜之女王的咏叹调 (歌剧[魔笛])

05 贝多芬 小提琴奏鸣曲 第五号 作品24 [春] 第一乐章 (峰版)

06 贝多芬 小提琴奏鸣曲 第五号 作品24 [春] 第一乐章

07 贝多芬 第七号交响曲 A大调 作品92 第一乐章 钢琴版

08 巴哈 无伴奏小提琴组曲 第二号D小调 第三乐章 萨拉邦德舞曲

09 拉赫曼尼诺夫 第二号钢琴协奏曲 C小调 作品18 第一乐章 (双钢琴版)

10 萧邦 练习曲 作品10-4

11 德布西 喜悦之岛

12 史特拉汶斯基 彼得洛希卡3乐章 第一乐章俄罗斯之舞

13 舒伯特 第16号钢琴奏鸣曲 A小调 D845

14 莫札特 双钢琴奏鸣曲 D大调 K448 第一乐章 (NODAME与千秋版) 交响情人梦 - のだめカンタービレ Selection CD Book

01贝多芬 钢琴奏鸣曲第八号《悲怆》 第一乐章

02拉赫曼尼诺夫 第二号钢琴协奏曲 第一乐章

03盖希文 蓝色狂想曲

04李斯特 梅菲斯特圆舞曲《乡村酒店之舞》

05莫扎特 双簧管协奏曲 第一乐章

06德布西 喜悦之岛

07拉威尔 《悼念公主的孔雀舞》

08理查·施特劳斯 交响诗《提尔愉快的恶作剧》

09贝多芬 第七号交响曲 第一乐章

10海老原大作 Rondo-Toccata 交响情人梦 - のだめカンタービレ Selection CD Book vol2

01白辽士 序曲《罗马狂欢节》

02拉威尔 《鹅妈妈组曲》第三曲:睡美人的孔雀舞曲

03史察云斯基 彼得洛希卡三乐章 第一乐章:俄罗斯的舞蹈

04拉威尔 水之嬉戏

05普朗克 钢琴、双簧管和巴松管的三重奏

06杜卡 交响诗《魔法师的弟子》

07莫扎特 钢琴奏鸣曲 第八号 A小调 K310(300d) 第二乐章 交响情人梦 - のだめカンタービレ キャラクター·セレクション のだめ编——野田妹篇 01盖希文 蓝色狂想曲

02贝多芬 钢琴奏鸣曲 第八号 C小调 作品13《悲怆》第二乐章

03--04莫札特 双钢琴奏鸣曲 D大调 K448 第一乐章

05贝多芬 第7号交响曲 A大调 作品92 第一乐章(钢琴版) のだめカンタービレ(サウンドトラック盘)(ドラマCD)

01拉赫曼尼诺夫 第二号钢琴协奏曲 C小调 作品18 第一乐章

02李斯特 梅菲斯特圆舞曲《乡村酒店之舞》

03布拉姆斯 第一号交响曲 C小调 作品68 第一乐章

04布拉姆斯 第一号交响曲 C小调 作品68 第四乐章

05盖希文 蓝色狂想曲 交响情人梦 - 千秋真一(指挥)、R☆Sオーケストラ_ブラームス:交响曲第1番

01--04 布拉姆斯 第一号交响曲 C小调 作品68 第一~四乐章

05--06 德沃夏克 第九号交响曲 E小调 作品88《自新大陆》第一、二乐章

06贝多芬 第三号交响曲 降E大调 作品55 《英雄》第一乐章 交响情人梦 -「のだめカンタービレ」オリジナル·サウンドトラック(TVOST)

1-1(3:08) のだめカンタービレ!

1-2(2:49) 梦见る乙女

1-3(3:03) 喜びの歌

1-4(3:40) おお运命の女神よ

1-5(6:28) 美しき夕暮れ

1-6(1:53) 我が母校

1-7(2:22) ミルヒーの踊り

1-8(2:57) アムールの国

1-9(2:07) 人の望みよ喜びよ

1-10(2:51) 花の歌

1-11(1:29) 愉快ないたずら

1-12(2:38) 千秋受难曲

1-13(2:31) 爱の挨拶

1-14(3:17) われは知る、わが主は生きたもうことを

1-15(3:31) 月光

1-16(2:56) 梦のあとに

1-17(4:43) TWIN DRAGON(Bonus Track)

07贝多芬 小提琴奏鸣曲 第五号 作品24 《春》 第一乐章

08肖邦 幻想即兴曲 F小调 作品66

洛维兹 Vladimir Horowitz 1904~1989

世界最伟大的钢琴家之一, 俄国钢琴家

生平概略

霍洛维滋1904年10月1日出生於俄国基辅,父亲是工程师,母亲是钢琴家,曾在基辅的贵族音乐学校里受过钢琴训练,家境富裕。四岁便由妈妈启蒙开始学钢琴。平时除了一般课业外,他常与同学一起玩各式各样的音乐,联弹、室内乐、歌剧、交响乐,接触各式音乐。霍洛维兹在11岁时,曾透过叔父的安排跟俄国钢琴家史克里亚宾会面。在听过霍洛维兹的演奏后,史克里亚宾对他母亲说:「这个小孩将来会是个钢琴家。不过,一定要给他完整的教育,不要只懂音乐,生活各个层面都要兼顾。艺术的范围很广,除了音乐还有绘画、文学、甚至哲学,这样,他才会成为一个有深度的音乐家。」

原本,霍洛维兹想成为一位作曲家。1920年他於基辅音乐院毕业时,俄国大革命野火燃烧到基辅,富裕的家庭被视为资本阶级而被破坏殆尽,家里的财产全部被充公,家庭经济顿时陷入绝境。17岁的霍洛维兹只好提早展开他的职业演奏生涯,开始以开演奏会来赚钱贴补家用。起初,刚开始演奏时,由於知名度尚未打开,他的音乐会并不受到大家的注意,音乐厅观众席几乎是空的;后来情况虽然渐渐好转,但也常常只有半场的观众人数而已; 渐渐 知名度打开, 所到之处受到许多爱乐者的欣赏。 有一年的冬天,他光在列宁格勒就举行23场音乐会,弹了200多首曲子,俊秀的外表,加上演奏时的强烈震撼力,在列宁格勒成为无人不知的风云人物。乐迷疯狂的程度,可媲美当今的偶像歌手;有八名少女更组成 "绿衣团"跟著他到处巡回。对於自己早先从几乎是空的音乐厅,到后来全满的观众席之间所经历的这一切,霍洛维兹觉得对一位音乐家来说是再恰当也不过的事了。

后来,霍洛维兹认识了密尔斯坦,两人常常一起举行合奏会,再加上霍洛维兹的妹妹跟另一位大提琴手,便成为俄罗斯几个大城市里家喻户晓的四重奏团体。几场音乐会下来,20岁时,霍洛维兹又以「电与光的钢琴家」扬名全国。当时还有一批身穿绿衣的少女组成啦啦队,只要霍洛维兹举行演奏会,她们一定到场加油,为他鼓噪助威。后来,这些女孩得悉霍洛维兹要离开俄国到欧美闯天下,这下她们可慌了,便打定主意要留下一点纪念品。於是在某场演奏会后,女孩们来到后台,一拥而上把霍洛维兹团团围住,人手一剪,把燕尾服喀擦乱剪一通,再把这些战利品平分成八条,各与一朵黑玫瑰配戴在绿衣上,以示悼亡之意。

霍洛维兹一直憧憬要离开祖国到欧美打天下,1924年,经纪人Alexander Merovitch 看中他,想介绍他到欧洲表演,1925申请出国不过,却遭到阻碍。后来他的父亲想出以要到德国科隆拜Schnabel 为师的申请理由,才得以获准过关。当霍洛维兹把自己攒来的五千美金藏在鞋底准备出境时,站岗的卫兵狠狠地盯住他说:「别忘了祖国!」虽然霍洛维兹从来没忘了祖国,但是这一次离别出国境,要等到整整六十年以后,霍洛维兹才有机会光荣回到俄国。

欧洲时期

霍洛维兹刚到欧洲时,小有名气,从早到晚都在赶音乐会。在德国开了几场叫好不叫座的音乐会;当他到德国汉堡时,正好有一个机会成为他一生的转捩点。当时有一位经纪人临时找他代打,在没有排演的情况下,请他代替昏倒的知名女钢琴家演出柴可夫斯基的第一号钢琴协奏曲。两小时后,音乐会开始,指挥霍布斯坦被霍洛维兹的弹奏方式吓到了,他跟著霍洛维兹的拍子来指挥,直到整首曲子结束。当演奏会结束,所有听众歇斯底里地叫喊,几乎要把音乐厅掀翻了!汉堡当地的乐评也对当晚的音乐会佳评如潮。

美国时期

到了美国,又是柴可夫斯基的第一号钢琴协奏曲让霍洛维兹一举成名!不过这回是跟指挥家毕勤合作。纽约时报乐评家将这场演出称为「键盘热烈冒烟的演出」。

1932年,指挥暴君托斯卡尼尼决定启用霍洛维兹,与纽约爱乐合作演出贝多芬第五号交响曲''皇帝'' 。 音乐会结束的餐会中他认识了未来的伴侣---托斯卡尼尼的女儿温达。8个月后,俩人於1933年圣诞节前夕宣布结婚,霍洛维兹成了托斯卡尼尼的女婿,也转变了他的一生。从那时候开始,霍洛维兹的演奏生涯就逐渐保持在高峰状态,他更藉多次退隐与复出来制造话题,提高自己的知名度。温达终身扮演著霍洛维兹的伴侣、侍从、和第一线的乐评,直至1989年霍洛维兹去世为止。

霍洛维兹被称为拉赫曼尼诺夫作品的最佳诠释者。他有几次机会演奏给当时已颇有名气的拉赫曼尼诺夫听,他曾经形容说'' 他把整首曲子吞下去了''。

霍洛维兹跟拉赫曼尼诺夫是怎麼认识的?这就要从小提琴家克莱斯勒的一封信说起。克莱斯勒曾写信告诉拉赫曼尼诺夫说:「有一个年轻的俄国钢琴家用过去从来没有听过的弹法弹你的第三号钢琴协奏曲和柴可夫斯基的协奏曲,你应该见见他。」就这样,霍洛维兹一到美国就接到拉赫曼尼诺夫的邀请,两人一见如故,相谈甚欢,时常一起到纽约史坦威钢琴公司的地下室练琴,终其一生都维持非常亲密的关系。当拉赫曼尼诺夫完成他的经典名作「帕格尼尼主题狂想曲」时,霍洛维兹正好在瑞士,每当他完成一段变奏,就会打电话到瑞士告诉霍洛维兹,由此可见两位巨匠深厚的情谊。

霍洛维兹曾4度退出表演舞台,时间分别是:1936-1937、1954-64、1968-1974、1983-1985。他退隐的理由很简单,他说:「我受不了一个礼拜旅行五天的劳顿,在火车上、旅馆里,吃不好、睡不著。我像一辆该停的汽车,若不停下来,引擎就要烧坏了。一位艺术家若不断付出,他的内涵便会越来越空虚。」

第一次退隐 由於托斯卡尼尼、温达的严厉督促与压力,1936年,他毅然决定退隐潜修,去加深自己音乐内在的表达方式。1939年,於法国东山再起。

第二次退隐 1953年2月25日在卡内基厅举行独奏会后,又宣布无限期的退出舞台,但录音继续。十二年的退隐生活,一方面为了回复身心健康;同时也为了静下心,重新思考,建立自己的风格。他阅读了许多书籍,重新研究音色触键,追求更高层次的境界。在此段期间,他并没有放弃录音,哥伦比亚公司(CBS)为方便他录音,於1962年,在他家架设一套完整的录音设备,只要他想要录音,可自己操控,或拨一通电话,录音技术人员马上到。

1965年3月19日记者会中,宣布霍洛维兹将於5月9日重返阔别12年的舞台。这场音乐会一扫过去乐迷的疑念,钢琴美声歌唱的迷人音色变化决不是靠录音的技巧。

第三次退隐 1968年为了满足各地乐迷,亲自策划一场在卡内基厅电视现场转播演奏会。之后,又因健康因素,第三度隐退。1974年第三度复出演奏会。这场音乐会,连远在欧洲的卡拉扬也前来聆听,此时霍洛维兹的音乐呈现非常个人主观的诠释方式。晚期的霍洛维兹,弹奏的音乐常被冠上太自由古怪,他的诠释常出乎意料,和一般我们认定或听到的版本不同,呈现给我们完全不同的音乐思想。

1968年后半,他已很少公开演奏,但家庭录音仍照常。1989年11月5日,因心脏衰竭逝世。

三度退出舞台

霍洛维滋为了自己音乐的更上一层楼,呈现给乐迷更丰富的音乐,三度放弃他大好的事业,潜心研究练习,这是一般演奏者很难办到的。 的确,在他退隐又再重返,每次都有对音乐更深层的表现。他在不同时期常弹奏相同的曲目,录音纪录他每段时期对乐曲思考的改变,我们可从不同时期的录音看到一个演奏家的成长。

弹钢琴的动作

现在坊间很容易便可以买到霍洛维兹的音乐会录影; 银幕上的霍洛维兹永远上身没什麼大动作或摇动,利用大脑控制两只手,做出变化多端的音色,没有任何夸张多余的动作。和现今许多''演音乐的"音乐家(及表情丰富、动作夸张,音乐听起来平淡无奇)相反。音乐是用来听的不是用来观赏的,是不

未曾参加过比赛的钢琴家

霍洛维兹一生未曾参加过钢琴比赛,他觉得比赛根本不是音乐家参与的活动; 一个音乐家应走出自己的路,比赛只会扼杀这种行为。 一个音乐家应不断鞭策自己练习,不断的进步。 这或许可以提供许多学音乐的老师家长、学生思考--- ''比赛'' 只是鞭策学生练琴、更进步,得奖与否并不那麼重要。一个钢琴家的好坏,并不一定以比赛得奖为依规,波哥雷利奇是另一个成功的例子。

史坦威钢琴的爱用者

霍洛维兹到任何地方演奏,均带著自己的钢琴,这是众所皆知的事情。 他有五台史坦威钢琴,分别是 CD186、 CD314 503、 CD223、 CD75、 CD443 (全由史坦威钢琴免费提供),他最喜欢的一台是CD314 503。史坦威钢琴并提供一个专属调音师Franz Mohr给他 Mohr为他调音20余年,霍洛维兹非常信赖他,Mohr没空替他调音,他宁可取消演出。霍洛维兹对钢琴的触键、音色有非常严格的要求,有个人的喜好; 他要求键盘重量比一般轻,弱音踏板也需仔细处理过。

敏锐的耳朵

霍洛维兹非常在意音乐厅的音响效果。 每到一个新的演出场地,他都会察看舞台上下所有状,仔细剔除他认为会影响音效的物体,包括布幕的高度跟卷法,对於钢琴应摆在舞台的哪一个位置,他亦要求严格;会不断的在演奏会前试弹,不停地要求舞台人员调整钢琴的位置,并查看舞台的各不为所有会影响音响的物体,找到他认为最适当的位置,常常把工作人员弄得精疲力竭。美国卡内基音乐厅曾为了这件事想到一个一劳永逸的方法:从1965年起,卡内基音乐厅舞台地板上就一直有一个标有「霍洛维兹的螺丝孔」的字样。此法确实替大家省去找到「正确」位置的麻烦。也因为有如此敏锐的耳朵,霍洛维兹才能制造出如此丰富多变的音色。

曾在曼尼斯音乐院 Mannes College of Music (我的母校)任教

由於演出繁忙,霍洛维兹虽然在演奏上达到本世纪的高峰,但却后继无人,除了他脾气急烈暴躁,没有什麼耐性指导学生之外,他也觉得这辈子没碰过几个弹得还可以的年轻人,在他一生中正式成为他的门下子弟的只有六人,且都只是短暂的指导。我意外发现,不热中教学的他,居然曾经在我母校曼尼斯音乐院任教。霍洛维兹教学时很少示范,因为他始终认为:示范会抹杀学生的想像力。他发现,现在音乐学校训练出来的学生,每一个弹起来都很相似,常常分不出谁是谁,他觉得这是示范跟模仿太多的缘故。霍洛维兹认为:只有知道自己如何去指导自己的人,才可能会有成功的一天。

有一次他在广播里听到一段钢琴演奏,一边听一边想,这个年轻人弹得还算不错,但是应该可以再好一点。一会儿主持人报出演奏者的名字,没想到正是霍洛维兹他自己!霍洛维兹之所以不听自己的演奏,是因为他认为如果听了以前的演出,就会造成某种程度的模仿,这对音乐家来说是很危险的。

曾霍洛维兹的小指

如果你仔细看过霍洛维兹演奏时的照片,会发现他的指法非常独特。他手指平放在键盘上,看似肌肉僵硬,尤其是右手小指翘起,好像肌肉紧张一样。这跟学校教的标准指法正好背道而驰。不过他的双手力道惊人,能弹出如雷贯耳的声响,也能够弹出最后一排听众清楚感觉到的弱音。他对踏瓣的运用也非常特别,例如:他演奏李斯特作品时,常常不用踏瓣。

不听自己的演奏

霍洛维兹语录

1 「弹钢琴是天底下最简单的一件事。」

2 「贝多芬的音乐是可以改进的,乐谱并非圣经。」

3 「由於我弹奏得非常清晰,一有错你就听得出来。如果你要我只按照音符来弹,不特别强调音色的强弱,那我绝对不会弹错。永远不要害怕,放胆去做。永远不要仿效别人,不必求人提供意见,自己弹吧!」

4 「如果我有什麼缺点,那就是我需要人爱。我不需要向别人说我弹得多麼美妙,我自己知道。我公开演奏,是请观众爱我。我出场时面露笑容,我感到快乐。我和你一样,不同的是我不必买票。」

5 「每次走上舞台,我就感觉自己是君临一切的国王,是全场的主宰。」「我是将军,我的兵就是琴键,我的任务就是要指挥这些琴键。」

6 「当我对著钢琴哭泣、欢笑,也希望听众能跟著我一起喜怒哀乐。」

7 「听众付钱,他们想聆听并观赏一些美学的事物。」

8 「唱片是一种回忆,是一张印有风景画的明信片。」

9 「我认为歌剧是音乐的根源,音乐最重要的就是歌唱。」

霍洛维兹论其他音乐家

1 「莫札特是个敏感热情的人,他有著各种不同的情绪,而他把这些感情都表现在音乐中。由此可见他是个十足的浪漫作曲家。」

2 「我认为李斯特是历史上最伟大的钢琴巨匠,最了解钢琴性能的就是李斯特。」

3 「萧邦对於我们了解钢琴这个乐器有非常大的贡献,他是一个只为钢琴而存在的作曲家。尤其是他的练习曲,对现代的钢琴来说非常困难。」

其他人对霍洛维兹的评语

1 乐评家哈洛德‧荀伯格:「霍洛维兹这种光彩夺目的演奏法,音响强烈厚重颇具炮弹似地抛射力,无人可以企及!」「海飞兹至少有一个华丽的继承人-帕尔曼。然而当霍洛维兹停止演奏时,没有人能继承他!」

2 小提琴家密尔斯坦:「霍洛维兹是举世无匹的,他可能常常出错,但你不能说尼加拉瀑布有错。」「别的钢琴家是香水,但霍洛维兹是制造香水的『香精』。」

3 钢琴家兼指挥家伯恩斯坦:「我和霍洛维兹最不同的地方,就是他弹出了乐谱上的百分之百,而我只弹出了百分之七十而已。」

马克西姆maksim个人档案

马克西姆

又名: Maksim Mrvica

职业: 演奏

所属地区: 克罗地亚

出生地: 克罗地亚

生日: 1975年5月3日

马克西姆受过非常严格的钢琴训练。他出生于 1975年,家

乡是在亚德里亚海岸一个名叫希贝尼克的小镇。他9岁开始

练习钢琴(第一次公开表演也是在这年),仅仅三年后,

他就 和交响乐团一起合作表演海顿(奥地利作曲家)的

“c大调钢琴协奏曲”。1990年,战争爆发,在他居住的

小镇上,每天都有上千颗 手榴弹爆炸,但是他和他的

导师玛利亚塞克索(marija sekso)都坚决的认为应该

继续进行音乐学习。在那样危险的环境中,支持马克西

姆的就是他的钢琴。尽管当时环境如此恶劣,他还 是在

萨格勒步(南斯拉夫西北部的一个城市)获得了生涯中

第一个比赛大奖,至今他都认为那是他最重要的一个奖

项,而且“那是我演奏 生涯中最美妙的时刻。”随后

他在瓦拉基米尔卡潘教授(vladimir krpan,意大利

著名钢琴演奏家米凯兰杰里的弟子)的教导下在萨格勒

步音乐学院度过5年时光,接着又在布达佩斯著名的李斯

特音 乐学院学习。这段时间(1999年)他获得鲁宾斯

坦国际钢琴大赛头奖。2000年他定居巴黎,受业于伊格

拉斯科(igor lazko),2001年他赢得巴黎庞拓斯钢琴

大赛首奖。

他的生涯从此转变,等他回到克罗地亚后顿时成为

了媒体关注的焦点,有数不清的电视节目和访谈等着他。

然后他录制了开头我们提 到的那张专辑《gestures》。

他在萨格勒布市拥有2000个席位的利辛斯基音乐厅

(lisinski hall)举行的演奏会景况让人叹为观止,

舞台布景包括镭射灯,干冰和巨大的电视墙,而观众人数

中有一半都低于30岁。马克西姆 说:“我总是想尝试些

与众不同的表现方法。但是这只是为了营造出一个让人

激动的气氛,等我开始弹钢琴时,镭射灯就得停下来,

我不 想有任何东西干扰我的演奏,以及听我演奏的观

众。”演奏会后半段,他关掉了所有的镭射灯,电视墙

等花哨的东西,换上正装,然后演 奏俄罗斯鬼才拉赫

曼尼诺夫的第二号钢琴协奏曲。“我可不想给那些评论

家们逮着把柄来数落我!”说到这里,他哈哈大笑。

很快他受到了克罗地亚音乐才子tonci huljic(为古典

辣妹做过很多曲子)的注意,并将他介绍给音乐制作人

/经纪人梅尔布什(mel bush,也是陈美的经纪人),

当时梅尔已经在开始寻找一个年轻有为的钢琴家,结果

马克西姆的才华让他赞叹不已,随即签约,并由 emi古

典部制作发行新专辑——我们现在所熟悉的《piano

player》(钢琴玩家)。

专辑介绍:

《钢琴玩家》

《piano player》专辑制作完成后,公司做宣传的方向

首先选在了市场潜力巨大的远东地区。他先后在 台湾,香

港,韩国,日本等地做宣传,后来又到内地,并作为嘉宾参

加了 cctv-mtv音乐盛典。这张专辑的影响好象旋风一般可

以说选择远东地区做为宣传头站是获得了成功。现在我好好

审视一下这 张融合了现代流行因素与古典音乐为一体的跨

界专辑。第一首,就是国内古典乐迷,甚至说即便是不常古

典的人都很熟悉的“野蜂飞舞”(flight of the bumble-

bee)。此曲原作者是俄罗斯著名音乐家里姆斯基·科萨科

夫,是他的歌剧《萨尔丹沙皇的故事》中的幕间曲,音乐描

写的是王子变成了一只野蜂,不停的飞舞,追叮他所厌恶

的人。这是首欢快,节奏简练的小品。看过**《闪亮的风

采》(shine) 的人一定记得大卫叼着烟,手指飞快的演奏

这首曲目,震惊了当时酒馆里的每个人。即便是不爱听或者

没听过古典钢琴的人,也都很容易 从这首速度飞快的小品

中一窥古典音乐的魅力。专辑中该音乐做为第一首,无疑就

是先声夺人,给听众一个良好的开头印象。改编的“野 蜂

飞舞”配上了舞曲的节奏,感觉倒也不过不失,互相没什么

坏的影响,同时由于这是一首小品,时间不长,于是第一首

曲目中还混合了 整张专辑其他精彩的部分,最后再以“野

蜂飞舞”结束,做为介绍整张专辑,提起听众的欣赏欲望,

制作方倒是动了不少脑筋。 第二首,葛利格钢琴变奏曲

(grieg: piano concerto in a minor)是挪威著名音乐家

爱德华·哈格吕普·葛利格生前唯一完成的一部协奏曲,也

是他最著名的一部作品。此曲年代久远,是葛 利格早期最

重要的一系列作品之一,完成于1868年,随后这部作品成为

了十八世纪末十九世纪初欧洲浪漫主义运动中,最常被演奏

的 协奏曲。该曲节奏明快,旋律优美和谐,充满了幻想色

彩。专辑中的这首曲子更加舞曲化,电子键盘的开头很有经

典舞曲的氛围,这里伴 奏交响乐团,电声乐器与马克西姆

的钢琴结合的很好,由于曲目本身旋律就非常好,节奏也很

轻快,整个过程非常轻松愉快。

第三首到了该专辑的主打曲, “出埃及记”

(exodus)。关于原曲最熟悉的出处自然就是同名**配乐

了,不过**中“出埃及记”讲的可不是摩西带领犹太人

逃出埃及法老奴役的故事,但也和犹太人有关,是讲述以

色列建国的辛酸历史。本曲其实也不是就出自这个**,原

本就是演奏曲,加了 词就做了**主题歌 。该曲目气势宏

大,雄壮,很有悲壮的历史感,熟悉欧美老流行经典的乐迷

肯定不陌生。要说做为本专辑主打,该作真是足够气魄,只

是 改编曲给配上了典型的hip hop节奏,本来悲壮的氛围给

弄的淡化了不少,本人并不很欣赏这种改编风格,但是单就

动听,不考虑什么别的因素,倒也合格。

第四首“克劳汀幻想曲”(claudine)是tonci huljic

创作的曲目,是一首典型的浪漫钢琴作品,听上去好象跟理

查德克莱德曼演奏的东西相差无几,既然是“钢琴家”,

那 么除了古典,也来点甜密的情歌不算什么坏事,流行乐

迷估计会很对胃口。第五首“wonderland”(新乐园)也是

tonci huljic的作品,风格变的大气了点,不过听起来好象

还是克莱德曼在演奏。

第五首,“亨德尔的萨拉班德”

(handel'ssarabande),这是出生于德国的英籍音乐家乔

治弗雷德里西亨德尔的一出歌剧《萨拉班德》的主题,同

时saraban de也是古典曲种之一,是一种交际场合的舞曲

,源于波斯,十六世纪末传入法国后演变为节奏缓慢庄重的

风格。本曲听起来一般,并没 有什么吸引人的地方。不过

段落的安排倒是不错,节奏依然为舞曲。

第六首是俄罗斯传奇音乐家拉赫曼尼诺夫的“帕格尼尼

主题狂想曲”(rhapsody on a theme of paganini )。

这是一首非常著名的曲目,钢琴部分的难度比较大。主题

采用了意大利伟大的音乐家,历史上最著名的小提琴演奏

家尼科洛帕格尼 尼常采用的一些习惯,其中也有莫扎特

《安魂曲》的一些旋律。这个曲子讲述了许多帕格尼尼的

传奇,比如与恶魔交易,比如他爱的女人 ,比如他在教

堂碰到的麻烦,最后全被他克服掉。音乐时而优美,时而

热情,整体的效果非常吸引人。面对如此著名的曲目,专

辑中没有 做什么大的改编,基本沿袭原曲的变化,顶多就

是配了些流行节奏,甚至可以忽略不记,正好让听众专注

于本曲目的

精彩。

接下来的“汉娜的眼睛”(hana's eyes)又是tonci

huljic的作品,制作的非常动听,曲调带点幽幽的哀怨,

女声的和声烘托出了悠远的气氛,非常适合小女生来听,

也许以后会作为 浪漫经典被时常演奏。在淡淡的悲哀中,

下面紧跟着就是萧邦著名的“c大调革命练习曲”chopin's

‘revolutionary’ etude in c minor)。萧邦创作的一

系列练习曲都非常出色,而这首“革命”更是个中翘楚。

1830年11月,波兰爆发了震惊世界的华沙革 命,远在他乡

的萧邦因为不能回国一起与祖国人民战斗而感到激愤,十

个月后革命被沙俄军队血腥镇压,更使萧邦感到义愤填膺,

同时又 对自己不能出力而感到悔恨万分,于是他把全部的

感情都溶入了这首练习曲中。整个曲目都始终贯穿着愤怒

激越与悲痛欲绝的气氛,气势 逼人,由于作品的风格非

常强烈,所以改编也不大,除了鸡肋般的加上了舞曲节奏

的鼓点,主要的风格体现还都是在钢琴上面。这也是古典

作品的一大特色,尽管有时候很好与流行元素配合,但是

独特的个性依然无法被流行元素所掩盖。 下面两首又是

tonci huljic的作品。先是“古巴”(cubana),前一首

曲目的激情依然继续了下来,不过风格换成了拉丁派的热

情,原创曲目就 能更多的考虑和其他元素的配合,就不会

显得多余或者不合拍,幸好整张专辑除了“野蜂飞舞”我

认为编排的有点失败以外,其他都没出 现过头重脚轻的情

况。然后是“克罗地亚狂想曲”(croatian rhapsody),

是一首很有点气势的作品,tonci huljic做这种流行味道浓厚的曲目很拿手。

接下来的“男爵夫人之舞”(dance of the baroness)

则是出自另一位克罗地亚钢琴家弗拉诺帕拉奇(frano

parac)之手,生于1948年,拿过很多奖项,78年起在萨格

勒布音乐学院带课。本人非常喜欢这首曲子,这也是专辑

中唯一一首纯钢琴演奏曲目,完全没有其他配器在里面,

可以彻底的享受一下钢琴的魅力。这首曲子贯穿着华丽与

莫明的悲哀,快结尾时的一段音 调听上去好象舞者轰然

倒地一样,整个曲子不长但是结构严谨,虽然变化不多,

但是营造出的氛围非常好。作为压轴曲目,本作大概纯粹

是为了展现马克西姆的演奏技巧罢了,不过这没有影响

到曲目的优秀。

最后的“古巴,古巴”(cubana,cubana)是作为附加曲

目出现的,是专辑中“古巴”的重新混音版。以上评论牵涉

到古典曲目做了比较大量的介绍,是为了给不熟悉古典的乐

迷增加更多欣赏的乐趣,带着这些有趣的背景来重新欣赏

马 克西姆的演奏,一定能有更多的感触。

传播古典音乐

专辑很快就要在欧洲地区上市,随后也肯定会往美国发

展。整张专辑中其实包容了很多流行风格,目的就是能达到

“跨界”的效果。当问到马克西姆对这张专辑的期望时,我

们以他的回答作为本文的结束:“首先这没有关于钱的问

题,我开古典演奏会以及巡演挣到的钱已经足够多了。这张

专辑所力图表现的就是关于突破与实验的问题。我总 是想

尝试些新的,不同的东西。我所衷心希望的就是能把古典音

乐传播给所以年龄段的,

更多的听众。这是我的梦想。”

<变奏曲>

在EMI Classics旗下发行了个人第二张作品,专辑名称为

‘变奏曲’,其中包括了古典与流行旋律的选曲,于英国

和克罗埃西亚两地、 与多位国际知名制作人与创作者共同

录制,其中包括:Youth、Tonji Huljic以及Tolga Kashif

等,且包含了这位年轻的克罗埃西亚钢琴家自己的创作,

他所创作的这首曲子,主要是以帕格尼尼的主题旋律作依

据,与其 他共同收录在这张专辑中的热门古典曲目相伴,

包括:李斯特的‘死之舞’、穆索斯基的‘展览会之画’、

以及史克里亚宾的‘升D 小调钢琴练习曲’等。

1、拉赫曼尼诺夫的四首钢琴协奏曲中,没有升C小调的,“拉二”(即第二钢琴协奏曲)是C小调。

Piano Concerto No2, Op18 (Rachmaninoff, Sergei)

For 2 Pianos

http://imslpinfo/files/imglnks/usimg/c/c6/IMSLP03553-Rachmaninov-Op18arr2p4hpdf

2、拉赫曼尼诺夫倒是有一首升C小调的前奏曲。

Rachmaninoff, Sergei

Prélude in C-sharp minor "The Bells of Moscow"

http://imslpinfo/files/imglnks/usimg/0/02/IMSLP00333-Rachmaninoff_-_Fantasy_Pieces_2pdf

中国歌唱艺术的发展 一、夏商周时期

在远古时期,原始音乐的形式是歌、舞、乐三位一体的,其中歌唱和舞蹈居于重要地位,节奏也非常突出。原始音乐与劳动生活有着密切的联系,如我们的祖先在共同劳作时为减轻扛木负重的疲劳而喊出“邪许邪许”的声调和节奏,类似号子的劳动呼声;又如传说中黄帝时期反映狩猎生活的《弹歌》中的“断竹,续竹,飞土,逐肉”,《吕氏春秋 古乐篇》中反映原始农牧生活的组歌“八阕”等。在这一时期还出现了《云门》、《咸池》和《韶》三部乐舞,但由于原始社会的生产力低下,物质生活贫乏,对自然界的一些现象还无法解释,因此他们的音乐都带有较浓的神秘色彩。而原始歌舞中音乐也较简单,歌唱只是配合着舞者的投足和击乐器的节奏而呼喊着声调,这种歌唱只是处于自然人声的状态。

夏商时期,我国进入了奴隶社会,民间音乐和巫乐被引入宫廷王室,并出现了专业性舞者和乐工,还有专门的乐师,如师涓,这就表明在这个时期已经开始出现了音乐教育的萌芽。在这个时期,音乐成了统治阶级用作享乐和祭祀的工具,并出现《大夏》和《大濩》两部代表性的乐舞。

周代产生了礼乐制度和分为职业音乐教育和学校音乐教育的教育机构,这使得民间音乐和宫廷音乐都有很大的发展,并产生了《大武》这部乐舞。在歌唱中除五声音阶外,加入了变徴、变宫,形成了六声或七声音阶,以及移宫换调手法,丰富了声乐艺术的表现力。

二、春秋战国时期

春秋战国时期的歌曲形式更为多样,除古代留传下来的大量民歌汇集而成的《诗经》外,还有楚国南部民间祭祀时唱的《九歌》和屈原加工创作的《楚辞》,以及中国说唱音乐的远祖《成相篇》。这些歌曲不仅在曲调、调式、结构、风格上有所不同,而且在演唱上达到了先秦时期的最高水准。春秋时孔子在齐国看了表演之后,连赞“尽美矣,又尽善也”,感动得“三月不知肉味”。《列子 汤问》中所诉秦青那震撼树林,使天上的浮云不再飘荡的歌声的传说和韩国女歌手韩蛾在齐国歌唱,那“余音饶梁,三日不绝”的故事,这些让我们清楚地知道,没有良好的嗓音、歌唱技巧和艺术处理,是达不到如此境界的。

三、秦汉时期

秦统一六国后,设立了庞大的音乐机构乐府,并搜集、整理各国的民间音乐,对音乐的发展起到了一定的作用。两汉、三国、两晋、南北朝时期,除大力发展乐府民歌的加工、编创、演唱外,还出现了鼓吹曲、横吹曲、相和歌、清商乐、长篇叙事歌曲、百戏、自弹琵琶演唱、歌舞音乐等形式。随着这些形式的兴盛,佛教音乐的传入、律制的发展等,逐渐形成了我国传统声乐的激越、婉约、清畅、舒展、低吟、念唱等多种演唱风格。另外这个时期还出现了重要的音乐家李延年、乐律学家何承天以及一些琴曲家。

四、隋唐时期

隋、唐的音乐在我国音乐史上是一个繁荣昌盛的时期。在宫廷出现了燕乐,歌舞音乐是其重要组成部分。它包括隋时以器乐形式为主的七部乐、九部乐,唐时的坐部伎和立部伎,以及综合器乐、歌唱和舞蹈的歌舞大曲、法曲等艺术形式。声乐艺术在此时也达到了相当的高度。宫廷设立了专门的音乐机构,隋时期的教坊、唐时期的梨园,这些都是专门训练燕乐表演的机构,培养了许多优秀的乐工乐伎。据传教坊乐工任智方的四个女儿均以善歌著称。或“吐纳凄婉,收敛浑沦”,声音含蓄且又饱满;或“容止闲和,旁观若意不在歌”,声音自然清雅,毫无紧张之感;或“发声遒润,虚静似从空中来”,声音结实而圆润,用假声清唱时,歌声犹似自天边传来。由此可知,中国传统声乐很注重声音所表现的艺术意境。唐代段安节在其《乐府杂录》中还阐述了一些符合发声原理的可贵见解,如“善歌者必先调其气,氤氲自脐间出,至喉乃噫其词,即分抗坠之音,既德其术,即可致遏云响谷之妙也”。他指出好的歌手要善于控制和运用呼吸,从腹部起,配合发声吐字,使歌声圆润结实,含蓄饱满,优美动听。在唐代还出现了许多出色的歌手,如永新、念奴、韦青、何满子、张红红等。随着唐代雅乐的逐渐衰微,在民间出现了曲子、变文、散乐、歌舞戏和参军戏等艺术表现形式。同时由于唐代工尺谱的出现,乐律的繁复,调性、调式转换在歌曲中运用,这就对歌唱艺术提出更为严格的要求,唐代诗人元稹曾以“能唱犯声歌”的诗句赞赏歌手们的转调技术。

五、宋、元时期

宋、元时期,市民音乐文化出现并蓬勃发展,出现了供市民音乐活动的瓦子勾栏、茶坊、酒肆、歌楼等场所。曲子、唱赚、散曲、说唱音乐、戏曲、宗教音乐以及各民族歌舞的多元格局,促成了多风格的民族民间演唱技术的进一步发展。曲子是在民间歌曲基础上发展起来的一种艺术歌曲,它突破了五、七言律诗、绝句的规格,使新诗歌的节奏、声韵等在音乐中获令人赏心悦目的表现效果,展示出中国传统艺术歌曲在句式、结构、音调变化、平仄规律、节奏张弛等方面的新姿态。南宋词人姜夔的《白石道人歌曲》等歌曲创作对于我们研究传统歌曲表现技巧和风格非常有价值。在说唱音乐中它包括鼓子词、诸宫调、陶真和货郎儿,这些都促进了我国民间音乐和声乐的发展。而宋、元时期的戏曲有杂剧和南戏之分,宋杂剧分为以对白为主的滑稽戏和以歌舞为主的歌舞戏。到了元代,杂剧达到了高度成熟阶段,出现了被誉为“元曲四大家”的关汉卿、马致远、郑光祖、白朴,另外还有曲作家王实甫、乔吉甫。南戏也被成为“传奇”,演唱上没有一人主唱的定规,剧中角色根据需要可随时演唱,并创造了对唱、轮唱、合唱等演唱形式。在我看来,这个时期的戏剧可以说是中国的歌剧。另外在理论和创作方面,《词源》作者张炎之父张枢,每写一首歌词,必请一位歌唱家试唱,然后根据音谱和演唱的需要再作修改,由此可见宋代词人对诗词、音律和音乐作品本身及演唱技术的结合的重视。而张炎在他《词源》的《讴曲要旨》、《音谱》、《拍眼》中对歌唱方法、咬字、节奏处理等技术问题进行了具体的分析,提出了“腔平字侧莫参商,先须道字后还腔”的演唱要旨,这与我们现在所说的 “字正腔圆”是相通的。另外在元人芝庵撰写的《唱论》这部我国古代关于歌唱艺术比较全面的理论著述中指出了:歌唱咬字和声腔要“字真、句笃、依腔、贴调”,“声要圆熟,腔要彻满”;发声要克服“枯嗓、囊鼻、摇头、歪口、合眼、撮唇、撇口、咳嗽”等不良动作和毛病。

六、明、清时期

明、清时期传统音乐中的说唱、民歌、戏曲、歌舞音乐、器乐都已形成了自身特有的体系。说唱音乐中有南方弹词和北方鼓词,在戏曲的发展中出现了四大声腔即海盐腔、高亢激越的余姚腔、弋阳腔,和转音若丝的昆山腔,在昆山腔的发展过程出现了两个重要的人物,一个是魏良辅对昆山腔的改革,另一个是梁辰鱼把他的作品《浣纱记》配上昆山腔搬上舞台,促进了昆山腔的流行,奠定了昆山腔的地位。随后在清代中期出现了行当分明、个性独特的京剧板腔。在民歌方面,歌曲极为丰富,一些文人积极从事民歌的收集、整理、出版,如冯梦龙选编的《挂枝儿》《山歌》收集歌词800余首。另外还有声乐派琴家留下的为数不多的琴歌,明代也有专门的谱集,如《浙音释字琴谱》等。这些艺术形式大都存有乐谱,并且歌声也被沿袭传承了下来,为我们研究中国声乐艺术传统经验提供了可考可知可感的依据。明代中期,朱载育首创十二平均律理论,但当时未得到运用,可随着近代西洋音乐的传入,其理论对于发展现代声乐器乐艺术具有重大的科学价值。在声乐理论上,明中期的戏曲音乐家魏良辅《曲律》中的“曲有三绝:字清为一绝;腔纯为二绝;板正为三绝。”对“字正腔圆”的美学原则作了较为精练的概括。清代徐大椿在其声乐论著《乐府传声》中,不仅分析了咬音吐字、五音四呼的歌唱原理以及创造戏曲角色以“得曲之情为尤重”的道理,而且提出了“如必字字句句皆同于古人,一则莫可考究,而则难于传授,况古人之声已不可追,自吾作之,安知不有杜撰不合调之处?即使自成一家,亦仍非真古调也。”这种关于如何对待传统唱法的见解,时代不同,人的审美情趣和追求也会有所变化,我们的歌唱也就不必一味模仿古人,况且古人之声已不可追,总不能造出某种古调古风,这就需要我们在研究传统的基础上有所创新和发展,以符合今天听众的需求。

到了晚清,随着西洋音乐通过宫廷外交和各国传教士出传入,20世纪前半叶在我国兴起了不同于此前中国传统的新音乐并得到迅猛发展。开始阶段以学堂乐歌为中心。以梁启超为代表的改良派文人,慷慨激昂,大声疾呼:“盖欲改造国民之品质,则诗歌音乐为精神教育之要体;今日不从事教育则已,苟从事教育则唱歌一科,实为学校中万不可缺者;举国无一人能谱新乐,实为社会之羞也。”从而导致了国内许多学堂开设 “乐歌课”,学校唱歌成为当时社会文化生活中的一股新风。学堂乐歌以唱歌课为主,歌词、音乐创作方式等都与传统歌曲不同。同时大量的留学生像曾志忞、沈心工、李叔同等音乐家回国,投入到学堂乐歌的音乐教学中去,并译配编创了一些新式歌曲和音乐教育论著,为提高我国音乐教育的水平和促进我国音乐文化的发展作出了贡献。

七、20世纪

20世纪20年代,出现了专业性的音乐学院,即上海国立音专,并且设立了声乐系,聘请外籍教师和留学生进行美声教学,推动了我国声乐艺术的进步。在声乐上近代创作的声乐作品是新音乐文化的主体。近代声乐的发展经过了学校音乐和抗日救亡歌咏的两次洗礼,在学校音乐中出现了儿童歌曲、学校歌曲、集体歌唱曲和以黎锦晖创作为代表的歌舞表演曲和歌舞剧。在抗战时期出现了抗日歌曲。到了30-40年代出现了群众歌曲,并且在这一时期我国已培养出了一大批经过正规训练的声乐演唱人才,如黄友葵、喻宜萱、郎毓秀、周小燕、高芝兰、林俊卿、黎信昌。他们经常开独唱音乐会和从事声乐教学,为这一时期的声乐作品的传播和提高创造了条件,并推动了我国声乐的进一步发展。同时还出现了一大批音乐家,他们也为我国的音乐事业的发展作出了贡献。这一时期在音乐形式上出现了独唱曲,如萧友梅的《问》、赵元任的《教我如何不想他》、青主的《我住长江头》、黄自的《玫瑰三愿》等;新型叙事歌曲如聂耳的《铁蹄下的歌女》、贺绿汀的《嘉陵江上》等;合唱歌曲如萧友梅的《春江花月夜》、冼星海的《黄河大合唱》等;清唱剧如黄自的《长恨歌》;**戏剧歌曲如任光的《渔光曲》、聂耳的《风云儿女》、《夜半歌声》等;还有就是歌剧,如延安的新秧歌剧和我国具有里程碑的歌剧《白毛女》。这些作品中的大部分都运用到了我们现在声乐教学的教材中,成为中国歌曲教学不可缺少的一部分。

至于浪漫时期,怀尔德选择的曲目是莫什科夫斯基版的华格纳《爱之死》(选自歌剧《崔斯坦与伊索德》),不是一般人所熟即的李斯特改编版。有趣的是,莫什科夫斯基的乐谱出版时,上面还题有献给李斯特的字样。怀尔德在音乐会上半场还演奏三首拉赫曼尼诺夫极其优秀的孟德尔颂、林姆斯基一高沙可夫管弦乐改编曲[span]厄尔·怀尔德作品,以及改编自克莱斯勒小提琴曲的作品。这三首曲子部是拉赫曼尼诺夫为自己而改编(通常当做安可曲)。从这些乐曲中可窥见拉赫曼尼诺夫个人化的作曲技法,特别是他改编自朋友、同事与伙伴克莱斯勒作品所流露出的乡愁情怀。

独奏会曲目还包括一首李斯特昔日对手塔尔贝格的作品。塔尔贝格不是根据歌剧里的某一曲调来改编(就像莫什科 夫斯基的华格纳《伊索德的爱之死》),而是从罗西尼歌剧里挑出三段主题,经过修改装饰后成为这首巧妙的歌剧《塞米拉蜜德》大幻想曲。塔尔贝格利用这种手法成功的改编过不少歌剧,收录的《唐巴斯瓜雷》幻想曲(录音室录音)就是另一个例子。

萧邦对于李斯特改编他六首波兰歌曲的意见已经无从得知。这些歌曲直到萧邦逝世前八年部没有出版,李斯特则是在1861年开始着手改编。在《我的欢乐》这首曲子里,李斯特的改编颇有萧邦的味道,令人好奇原曲的面貌不即为何。

怀尔德自己也改编乐曲,而且无论在品质或数量上都很优秀,就像柴可夫斯基《天鹅湖》小天鹅之舞。怀尔德的改编相当淘气机敏,恰如其份的传达出乐曲的气质。

波兰作曲家与钢琴家舒尔兹--艾弗勒写过很多变奏曲、八度练习曲与钢琴曲,但是最著名的只有他改编自约翰.史特劳斯《美丽的蓝色多瑙河》的《阿拉贝斯克演奏曲》。更早的时候,陶西格也曾经把约翰.史特劳斯的圆舞曲改编成钢琴曲,舒尔兹--艾弗勒无疑是受到陶西格的影响。早年演奏这首曲子最著名的是约瑟夫.列文涅。可惜的是,列文涅在录音的时候有稍做删减;怀尔德在独奏会里则是演出完整的版本。

巴拉基列夫在1869年完成的炫技曲《伊斯拉美》是一首展现钢琴家扎实技巧的作品,而他根据葛令卡歌剧《为沙皇献身》改编的幻想曲则可视为《伊斯拉美》的前身。

1830年代,巴黎许多钢琴家都以沙龙为演出根据地,赫兹是其中最主要的钢琴家之一。他的《灰姑娘》主题变奏使用各种不同艰难的演奏技巧。

在维也纳的时候(第一次世界大战爆发前),戈多夫斯基根据约翰·史特劳斯的圆舞曲写成《艺术家的生涯》交响变奏曲,把改编曲的概念带往史无前例的高峰。这首乐曲的结构成熟,和声美到令人沉醉。除此以外,戈多夫斯基还把史特劳斯的旋律与对位结合在一起。这首《艺术家的生涯》交响变奏曲有独特的力量,对于演奏家而言也是一大挑战。

收录的怀尔德改编自盖希文歌曲的《七首名家练习曲》。怀尔德早年以演出盖希文的钢琴与管弦乐曲闻名,他把这七首盖希文最著名的歌曲旋律巧妙的改编成兼具技巧与想象力的钢琴浪漫曲,砚今已经有许多钢琴家演奏怀尔德这部作品。

周老师讲,声音有五个方面可以引起联觉:音高、音强、速度与节奏、发音速度、紧张度。

周老师用很多段音乐为大家举例,非常生动,比如高音像薄荷糖,低音像巧克力,声音强会让人想到“深沉”,声音弱会让人想到“轻浅”。我们对声音有着很多共通的感受,这就使音乐像一门每个人天生就懂的语言,因为有了联觉,作曲家、演奏者,就有可能把自己的感受传递给听众。

作曲家通过联觉,组织声音来表现他想要表现的东西,听众也通过联觉来解释音乐。联觉可以说是一道桥梁,作曲家运用联觉,把自己的情绪感受转化为音乐,听众听到音乐后,由听觉引起自身其他感觉,从而产生情绪感受。

贝多芬有首曲子叫《月光》,据说是他散步时遇到一个小女孩给他的灵感,但实际这是假的,是小报记者随手编的故事,《月光》这个名字也并非贝多芬命名,是后人编撰。周老师在课堂上对比了同名为《月光》的贝多芬与德彪西的两首曲子,明显德彪西的曲子轻盈微凉,像是月光,而贝多芬的曲子更像是在月光下散步见到的朦胧夜景。周老师说,如果你实在认为曲子和曲名对应不上,很有可能是取名字的人的问题。

这里引出一个关于和谐的思考,因为我们有联觉,所以当一个整体中,出现某个事物给人的感觉与整体不统一,就会感到不和谐。周老师举例某品牌的新品手机,外形非常典雅灵巧,但是推广口号是“兽性大发”,推广上“兽性大发”几个大字上方又有一行小字“以人为本”。这个推广从头到尾都别别扭扭,违反人们天然的联觉感受,“典雅”、“兽性”、“人本”,这种无法共鸣的拙劣的不和谐,很难引发路人购买的兴趣。

所以我们在生活中,什么方面感觉非常别扭、不和谐,可以仔细思考一下,说不定就是哪里出了问题,直觉先于头脑做出反应。我自身经常感到潜意识比意识更早的发现问题,如果能静下来感受一下,解决令潜意识焦虑的问题,通常能够避免后续更大麻烦。

周老师曾经开玩笑说,朋友们吃饭都让他点菜,因为他学过配器,点菜够和谐。其实周老师讲课也非常和谐,节奏特别好,收放自如,学生在学习知识,也在推翻很多刻板印象。一堂课下来,内容、节奏、方式,协调统一,让人想到梯田、油菜花海、松涛,是舒服的感觉。

#音乐何需懂##周海宏#

发布于 2 年前著作权归作者所有

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1、1578年——英国生理学家威廉·哈维出生。

2、1776年——法国数学家索菲·热尔曼出生。

3、1809年——俄国作家果戈理出生。

4、1815年——普鲁士王国首相,德意志帝国第一任总理俾斯麦(1898年逝世) 诞辰。

5、1861年——日本第21任内阁总理大臣加藤友三郎出生。

6、1873年——俄裔美籍著名作曲家、钢琴家谢尔盖·瓦西里·拉赫玛尼诺夫出生。

7、1898年——悲剧性的天才人物,威廉·詹姆斯·席德斯,他被估计智商超过250。

8、1908年——美国心理学家亚伯拉罕·马斯洛出生。

9、1920年——日本演员三船敏郎出生。

10、1929年——捷克作家米兰·昆德拉出生。

11、1946年——中国大陆演员冯恩鹤出生。

12、1952年——中国著名男导演田壮壮出生。

13、1953年——巴里·索南菲尔德,美国著名男导演。代表作《黑衣人》等。

14、1955年——罗伯托·普鲁佐,意大利足球运动员出生。

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