笔墨中国作品写什么内容

"笔墨中国"是一个广义的概念，可以指代涵盖中国传统文化、艺术、文学、历史等方面的作品。它旨在通过文字和绘画等表现形式，展示中国的文化底蕴、价值观念和思想精华。

具体来说，"笔墨中国"的作品可以涵盖以下内容：

中国传统文化：这包括儒家思想、道家哲学、佛教文化、古代诗词、古籍文化、礼仪习俗、传统艺术形式（如京剧、中国画、书法、剪纸等）等。

中国历史和传统价值观：作品可以探讨中国的历史事件、人物故事、古代帝王与政治制度、传统道德观念和价值取向等。

自然山水和风物：中国自然山水风光独具特色，"笔墨中国"的作品可以通过描绘山川河流、花草树木、四季变化等来表达中国自然景观的美丽和寓意。

人物形象与故事：作品可以描绘中国历史上的英雄人物、文人墨客、民间传说中的神仙和妖怪等形象，以及通过故事情节展示人物的品格、情感和生活哲学。

文化符号与象征：作品可以运用中国的文化符号、象征和意象，如龙、凤、麒麟、瑞兽、莲花、寿字等，来表达中国传统文化的独特魅力和深远内涵。

总体而言，"笔墨中国"的作品旨在以独特的视角和艺术手法，呈现中国传统文化的精髓和魅力，同时也可以体现艺术家对于中国传统文化的理解、思考和表达。这些作品可以是文学作品、绘画作品、摄影作品、艺术展览等多种形式的艺术表达。

笔墨中国

琴棋书画、笔墨纸砚、鸟兽鱼虫、魑魅魍魉、江河湖海、日月星辰、春夏秋冬、锅碗瓢盆、喜怒哀乐、酸甜苦辣

1、琴棋书画

解释：弹琴、弈棋、写字、绘画。常以表示个人的文化素养。

出自：清·张南庄《何典》第七回：“不拘描龙绣凤，件件皆精，琴棋书画，般般都会。

释义：不仅仅女红精通，琴棋书画，什么都会。

用法：作主语、宾语、谓语和定语；多用于女性。

2、笔墨纸砚

拼音[ bǐ mò zhǐ yàn ]

解释中国独有的文书工具，即文房四宝。

3、春夏秋冬

拼音[ chūn xià qiū dōng ]

解释地球一年的四个季节，是地球围绕太阳运行所产生的结果。

4、喜怒哀乐

解释：喜欢、恼怒、悲哀、快乐。泛指人的各种不同的感情。

出自：战国 子思《礼记·中庸》：“喜怒哀乐之未发谓之中，发而皆中节谓之和。”

释义：喜怒哀乐的情感没有发生，可以称之为“中”；喜怒哀乐的感情发生了，但都能适中且有节度，可以称之为“和”。

语法：联合式；作主语、宾语；表现人的心情

5、酸甜苦辣

解释：指各种味道。比喻幸福、痛苦等各种境遇。

出自：现代 叶圣陶《微波》：酸甜苦辣，各种滋味搅和在一起，索性任情地倾吐。

语法：联合式；作谓语、宾语；形容人生

1谁知道关于国画的知识

国画教学 国画工具与材料 笔毛笔以其笔锋的长短可分为长锋、中锋和短锋笔，性能各异。

长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋、短锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜。又根据笔锋的大小不同，毛笔又分为小、中、大等型号。

画山水各种型号都要准备一点，一般“小山水”小狼毫、“大山水”大狼毫各备一支，羊毫笔”小白云”、“大白云”各备一支，再有一支更大的羊毫“斗笔”就可以了。新笔笔锋多尖锐，只适于画细线，皴、擦、点擢用旧笔效果更好。

有的画家喜欢用秃笔作画，所画的点、线别有苍劲朴拙之美。 制笔和选笔有四个标准，即「尖、齐、圆、健」四德，「尖是笔锋合拢后顺畅而尖，尖则点划不失其锋，「齐是锋毫齐平，齐则易於变化，「圆是笔毫本身圆整，圆则书写时圆劲不分叉，「健是笔毫具有适度的弹性，健则坚固耐用。

中国的毛笔不同於西洋的油画笔，中国毛笔是圆锥状，油画笔是扁平的刷子，近似我国排笔。笔的性质决定於制作的技术与所采用的比毫种类，供作画用的毛笔大致可分为硬毫、软毫及介於两者之间的兼毫三大类。

硬毫笔主要用狼毫（黄鼠狼的尾尖毛制成），以有用貂、鼠、马、鹿、兔毛制成，硬毫的笔性刚健，适合画线条，常见的「兰竹」、「小精工」、「小红毛」、「叶筋 笔」、「衣纹笔」、「书画笔」等，日本笔有「山马笔」、「面相笔」、「勾勒笔」等。软毛笔主要用羊毛制成，也有用鸟类羽毛制造的，性质柔软，含水性强，适合作大面的渲染用，常见的软毫有「大鹤颈」、「白圭笔」、「染笔」、「大鹅」、「纯羊毫提笔」、等，日本笔则有「彩色笔」、「隈取笔」等。

兼毫笔是用羊毫与狼毫（或兔毫）相配制成，性质在刚柔之间，如「七紫三羊」、「白云笔」、「纯紫尖毫」，日本笔有「则妙」、「玉兰」、「长流」等 好的毛笔都有一些共同的特点：圆、齐、尖、健，使用起来才能运转自如。画笔用后应及时清洗干净，避免墨汁干结损坏笔毫。

墨常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。

挑选墨首先看其色，墨色发紫光的最好，黑色次之，青色又次之，呈灰色的劣墨不能用；然后听其音，好墨扣击时其声音清响，研磨时声音细腻，劣质的墨声音重滞，研磨时有粗糙响声。磨墨要用清水，用力均匀，按顺时针方向转慢磨，直到墨汁稠浓为止。

作画用墨要新鲜现磨，存放过久的墨称为宿墨，宿墨中有浓缩后的渣滓，用不好有脏黯之。现在北京、天津等地生产的书画墨汁（如一得阁），使用方便，已为许多书画家所用，但墨汁中胶重，最好略加清水，再用墨锭研匀使用。

墨色更佳。 纸中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。

中国画用的纸其它画种不同，它是青檀树作主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。宣纸又分为生宣、熟宣和半生熟宣。

熟宣纸是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，遇水不化开，但和其它纸张的效果也不一样；可作整细致的描绘，可反复渲染上色，适于画青绿重彩的工笔山水。生宣纸是没有经过矾水加工的，特点是吸水性和渗水性强，遇水即化开，易产生丰富的墨韵变化，能收到水晕墨章、浑厚化滋的艺术效果，多用于写意山水画。

熟宣用画容易掌握，但也容易产生光滑板滞的毛病；生宣作画虽多墨趣，但渗透迅速，不易掌握。故画山水一般喜欢用半生半熟宣纸。

半生熟宣纸遇水慢慢化开，既有墨韵变化，又不过分渗透，皴、擦、点、染都易掌握，可以表现丰富的笔情墨趣。可以代替宣纸作画的纸还有东北的高丽纸、四川的夹江宣纸、江西的六吉纸等等，其性能接近于半生半熟的宣纸。

砚砚台我国最有名的砚是歙砚和端砚。歙砚产于安徽歙县，端砚产于广东高要县。

好的砚台。一般书画选择各地产的砚台可以了，选择砚台主要择其石料质地细腻，湿润，易于发墨，不吸水。

砚台使用后要及时清洗干尽，保持清洁，切忌曝晒、火烤。砚的优劣，对墨色有很大的影响、最理想的是广东肇庆出产的端溪砚，或安徽的砚，都是石坚致细润，发墨快，墨也磨的细，且能贮墨甚久不易乾，但良质的砚价格昂贵，本省二水出产得螺溪石砚品质亦佳，但不宜选购树脂加石粉灌出来的塑胶品选择砚台虽然以石质细润为佳，但过於光滑（如台湾大理石砚），亦不容易发墨。

砚台的形状也有多种款式，以墨海一型最便利，储墨多，使用后可盖上盖子，以免墨水乾涸。经过一段时间后，残墨积的太多，应先用水浸泡，再洗除墨垢，保持砚台清洁。

颜料 我国的绘画发展到唐代，以重彩设色为主流，自从宋代水墨画盛行以来，在文人标 淡雅的趋势下，色彩的运用有逐渐衰退的倾向；然而习画者应该对传统的绘画颜料有所认识，作多面性的发展，或与水墨作更佳的结合。传统的颜料两大类。

矿物性颜料从矿石中磨炼出，色彩厚重，覆盖性强，常用的有： （一）石绿：通常呈粉未状，使用时须兑胶，石绿根据细度可分为头绿、二绿、三绿、四绿等，头绿最粗最绿，依次渐细渐淡。 。

2国画知识：学习国画必须具备哪些知识

学习国画必须具备哪些知识 国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。

下面来看看国画知识：国画的学习步骤是什么。一、必须练好基本功 书画中的基本功较多，但最基本的基本功，就是画交叉线、圆线和波浪线。

为什么要画交叉线、圆线和波浪线？中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。

单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。

这是以线立骨最基本的具体体现。点击看大图 学网 国画知识：国画的学习步骤是什么？二、“临摹入手”是必经之路 国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。

它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。

如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。

它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。

如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。

只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。

有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。

对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。古往今来，所有的国画大师均是从 “临摹入手”，才得以成为一代大师的。

临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。

临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。三、选择临摹范画十分重要 “临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。

总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。

根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张以上，才能真正基本初步掌握临摹技巧。点击看大图 国画知识：国画的学习步骤是什么？四、线条是中国画的根本 笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。

狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。 “画是无声的音乐”！就是指好的画一笔一划就象一个一个动人的音符，组成美妙动人的质韵乐章。

有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备；有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。

用笔有“三忌”，宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。

用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。别外，还其禁忌如“枯、弱、光滑、草率等等是也。

五、国画的技巧 不可否认，做任何事情都有技巧。国画技巧有二：第一就是多画，正可谓“熟中生巧”！第二才是技巧理论。

就是将教科书上的理论技巧倒背如流，也不一定会画；只要天天临摹几张样画，就是没学过一句理论技巧也会画的。为什么这样说呢？有人为证。

画坛巨匠。

3什么叫中国画

中国画就是中华民族创立的一种绘画艺术，已有2000多年的历史了， 形成了独特的民族风格和东方艺术魅力。

中国画的工具、材料、技法和美 学意蕴都与其他画种有别。中国画的颜料以墨为主，以矿石颜料设色为辅， 用各式毛笔在特制的宣纸或绢素上绘画。

中国画的基本画法可分为工笔和 写意两大类。 在题材上有人物、山水、花鸟三大类。

中国画的风格是不求形 似而求神似，“贵情思而轻事实”，要 求“意在笔先，画尽意在”。中国画的基本技法就是用笔、用 墨、用水、用色。

随着时代的发展，各种画派在不断地推陈出新。中国画 也吸取了一些新的技法，探索各种创 作方法，使这一古老的画种有了更加 丰富多彩的面貌。

另外，中国画与中国书法、诗文 及篆刻紧密结合，相互影响，形成一种诗书画印合为一'体的独特艺术，极 大地提局了中国画的艺术价值。一幅 中国画必然有诗，它包括诗词、文赋、佳句、感想、落款等，总称为题跋。

这些题跋是用书法来表现的，书法的优劣，直接影响到画面质量。 书法题 跋是中国画构图的一部分，可起调节、衬托画面的作用。

印在国画中起到丰 富画面、提起精神之作用，可谓“万 墨丛中一点红”。印章除与画面内容相呼应外，本身也有很髙的艺术价值。

4中国画技法有哪些

笔墨中国画术语，亦作中国画技法的总称。

技法上，“笔”通常指钩、勒、皴、擦、点 等笔法；“墨”指烘、染、破、泼、积等墨法。理论上，强调笔为主导，墨随笔出，相互依 赖映发，完美地描绘物象、表达意境，以取得形神兼备的艺术效果。

常用的笔墨技法有白描、勾勒、没骨和渲染等。 白描有线无色。

用墨线勾描物象，不着颜色修饰，多画人物、花卉。 勾勒有线有色。

画出轮廓后再着色，多画工笔花鸟。其中用笔顺势为勾，逆势为勒。

没骨无线有色。不用墨线勾勒，直接以彩色描绘物象，多画山水。

渲染用水墨或颜色强化物象的明暗色彩，使其明显。如画云来表现明月，画背景以显现、突出要表达的东西。

此外，中国画技巧还有破墨、泼墨、积墨、钩研、点苔、折枝、十八描等。

5国画的精髓是什么

首先，国画的底子应该是书法，而不是素描，切记切记。

其次，国画的韵味源自古典书卷之气，而非现代时尚之气，凡是提出中国画的现代化的，都不是纯粹的国画，那是徐悲鸿为始作俑的一批人，引进西方美术教学方式以后的才出现的，并且，当时引起的目的在于纠正并协助中国画的传统化教学，所谓“中学为体，西学为用”的思想。另外，在素描的高级学府——前苏联——俄罗斯，素描也不是这么画的，去了一次，从最基本的东西重起炉灶革新了一次。

绝对不要以透视关系、明暗对比来考量国画。 临摹画作一定要持之以恒，不要今天临习这家明天临习那家，这样是没用的，哪个名家，都有超出常人之处，细细体会，细心摹画，临习时对象的选择也很重要，首先不要入手先临摹风格过于跋扈的、奇崛的，要自平和入手，然后，根据自身兴趣，选择特定风格临习。

切忌浅尝辄止，无论临习哪家，都要钻研一番，等到真正懂了以后，或者确确实实不再感兴趣以后，再换别家。 笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。

狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。 1、用笔《古画品录》中六法：骨法用笔。

是指用笔要有力度，有骨气，心随笔转，意在笔先。具体说来即提，按，顺，逆正，侧，藏露，快，慢等。

用笔要觉着、痛快，讲究提按、顺逆、快慢、转折、正侧、藏露等变化。 山水画运笔有中锋、侧锋、藏锋、露锋、逆锋、顺锋等方式。

中锋运笔，垂直，行笔时锋尖处于墨线中心，用中锋画出的线条挺劲爽利，多用于勾勒物体的轮廓。侧锋运笔，手掌向左偏倒，锋尖侧向左边，由于是使用笔毫的侧部，故笔线粗壮而毛辣，多用于山石的皴擦。

藏锋运笔，笔锋要藏而不露，横行“无往不复”，竖行“无垂不缩”，古人称之为“一波三折”，画出的线条沉着含蓄，力透纸背，常用以画屋宇、舟、桥的轮廓，也用于山石的勾勒，树干的双勾。露锋则使点画的锋芒外露，显得挺秀劲健，画竹叶、柳条便是露锋运笔。

逆锋运笔，笔管向前右倾倒，行笔时锋尖逆势推进，使笔锋散开，笔触中产生飞白，这种点、线具有苍劲生辣的笔趣，树干、山水的勾勒、皴擦都可运用。顺锋运笔与逆锋相反，采用拖笔运行，故画出拇条轻快流畅，灵秀活泼，勾云、画水常用此法。

中国画运笔方法十讲究，从古至今，积累了丰富的经验，如黄宾虹先生提出的“五笔”之说，“五笔”即“平、圆、留、重、变。”所谓“平”，是指运笔时用力平均，起讫分明，笔笔送到，既不柔弱，也不挑剔轻浮，要“如锥画沙”。

所谓“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要“如折钗股”。所谓“留”，是指运笔要含蓄，要有回顾，不急不徐，不浮不滑，不放诞犷野，要“如屋漏痕”。

所谓“重”即沉着而有重量，要如“高山坠石”，不能象“风吹落叶”，即古人说的“笔力能扛鼎”的意思。所谓“变”，是指用笔有变化，或用中锋或用侧锋，要根据表现对象的不同而变化，不能执一。

二是指运笔要互相呼应，“意到笔不到，笔断意不断。”笔线的形式概括起来无非是画线时求得粗、细、曲、直、刚、柔、轻、重的变化和对比，使之为所描绘的对象“传神写照”。

山水画的线条的提倡：枯而能润，刚柔相济，有质有韵。 枯而能润上乘用笔应有“干裂秋风，润含春雨”之妙。

“太湿则无笔，太枯则无墨”，所以，必须学会运用枯、润这一对矛盾，使一对矛盾统一起来。哪么这种笔线是怎样画出来的呢？李可染先生说得非常清楚：“笔内含水不要太多，这样运笔则苍；行笔涩重有力，就能把水份挤出来，这样运笔铡润。”

刚柔相济是指笔线形式要达到既不柔弱又不刚直的完美境界。刚和柔，又是用笔上的一对矛盾。

不会运用这对矛盾，往往不是失之“刚”，就是失之“柔”。著名画家黄宾虹、李可染、陆俨少先生把刚柔这对矛盾处理得非常的好，是我们学习的典范。

陆俨少的画中，山石的勾勒，树、苔的点擢，苍劲雄健，势挟雷霆风雨；而云、水的笔线则轻盈容与、婀娜多姿。刚柔相济，产生极强的形式美的世术魅力。

有质有韵是指肉容与形式的统一。质，是客观物象的形体实质。

在绘画上，无论画得多好的线条，如果脱离了制要表现的对象，就成为没有价值的笔墨游戏了。韵，是线条运动的韵味、韵律、节奏。

“画是不声的音乐”就是指好的画之一笔一划就象一个个动人的音符，组成了支美妙的动人乐曲。有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备；有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。

中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。用笔“三忌”宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”

所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。

别外，还其。

　　中国画的传统表现技法有很多，包括山水、人物、花鸟画的基本绘画技法。

　　中国画技法最显著的特点就是以墨线为基础，用以表现物象的轮廓、明暗、质感，同时通过墨线还可表达作画者的思想和精神。中国画的墨线本身就具有一种独立的美学价值。

　　笔墨

　　笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。

　　1、用笔 《古画品录》中六法：骨法用笔。是指用笔要有力度，有骨气，心随笔转，意在笔先。具体说来即提，按，顺，逆正，侧，藏露，快，慢等。用笔要觉着、痛快，讲究提按、顺逆、快慢、转折、正侧、藏露等变化。 山水画运笔有中锋、侧锋、藏锋、露锋、逆锋、顺锋等方式。

　　2、中锋运笔，垂直，行笔时锋尖处于墨线中心，用中锋画出的线条挺劲爽利，多用于勾勒物体的轮廓。侧锋运笔，手掌向左偏倒，锋尖侧向左边，由于是使用笔毫的侧部，故笔线粗壮而毛辣，多用于山石的皴擦。

　　3、藏锋运笔，笔锋要藏而不露，横行“无往不复”，竖行“无垂不缩”，古人称之为“一波三折”，画出的线条沉着含蓄，力透纸背，常用以画屋宇、舟、桥的轮廓，也用于山石的勾勒，树干的双勾。露锋则使点画的锋芒外露，显得挺秀劲健，画竹叶、柳条便是露锋运笔。

　　4、逆锋运笔，笔管向前右倾倒，行笔时锋尖逆势推进，使笔锋散开，笔触中产生飞白，这种点、线具有苍劲生辣的笔趣，树干、山水的勾勒、皴擦都可运用。

　　5、顺锋运笔与逆锋相反，采用拖笔运行，故画出拇条轻快流畅，灵秀活泼，勾云、画水常用此法。

　　中国画运笔方法十讲究，从古至今，积累了丰富的经验，如黄宾虹先生提出的“五笔”之说，“五笔”即“平、圆、留、重、变。

　　1、”所谓“平”，是指运笔时用力平均，起讫分明，笔笔送到，既不柔弱，也不挑剔轻浮，要“如锥画沙”。

　　2、所谓“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要“如折钗股”。

　　3、所谓“留”，是指运笔要含蓄，要有回顾，不急不徐，不浮不滑，不放诞犷野，要“如屋漏痕”。所谓“重”即沉着而有重量，要如“高山坠石”，不能象“风吹落叶”，即古人说的“笔力能扛鼎”的意思。

　　4、所谓“变”，是指用笔有变化，或用中锋或用侧锋，要根据表现对象的不同而变化，不能执一。二是指运笔要互相呼应，“意到笔不到，笔断意不断。

　　”笔线的形式概括起来无非是画线时求得粗、细、曲、直、刚、柔、轻、重的变化和对比，使之为所描绘的对象“传神写照”。山水画的线条的提倡：枯而能润，刚柔相济，有质有韵。枯而能润上乘用笔应有“干裂秋风，润含春雨”之妙。“太湿则无笔，太枯则无墨”，所以，必须学会运用枯、润这一对矛盾，使一对矛盾统一起来。哪么这种笔线是怎样画出来的呢？李可染先生说得非常清楚：“笔内含水不要太多，这样运笔则苍；行笔涩重有力，就能把水份挤出来，这样运笔铡润。” 刚柔相济是指笔线形式要达到既不柔弱又不刚直的完美境界。刚和柔，又是用笔上的一对矛盾。不会运用这对矛盾，往往不是失之“刚”，就是失之“柔”。

　　执笔

　　中国画的墨线本身就具有一种独立的美学价值。所以，中国画中怎样用笔是画好中国画必须首先解决的问题。中国绘画执笔同于书法，虽然各人喜好不同，执法也无定式，但初学必须要掌握基本要领。拿毛笔时用大指、食指把住笔杆，呈“龙眼”或“凤眼”状，中指紧随食指把住笔杆。执住笔后，一般笔杆不超过食指的第一指节。指实、掌虚、腕平、五指齐力，运转收放要自然。书法执笔较严谨，绘画执笔较灵活，可直掌可横卧，执笔可略高一些，笔锋转动才能灵活，腕、肘、肩、身互相配合，动转方能得力。

　　用笔“三忌”宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。另外，还其禁忌如枯、弱、光滑、草率等等是也。中画画家历来就有“书画同源”、“书法通于画法”的理论。要避免上述的三忌，最好的办法就是练习书法，真、篆行、草都练一点，才能掌据各种用笔的技巧。要克服笔病，一要增强腕力，做到“笔为我使”。二要顺应自然，不矫揉造作。三要在行笔这前做到“胸有成竹”。 用墨有光彩、讲层次，求变化。对墨的要求，清、润、沉、和。清，层次分明。润，墨色滋润。沉，不浮躁。和，相互融和。泼墨法：用笔毛饱蘸浓淡相宜的水和墨，大胆落于纸上。积墨法：由淡和深（待墨干后）层层添加。 破墨法：先画一种墨，未干时再破以不同的墨，可以浓破淡、淡破浓、水破墨、墨破水、色破墨、墨破色。

《女史箴图》中人物形象的笔墨神采，那么和其他中国画的人物画形象的不同在于人物的容貌的描绘。

1、魏晋之前的人物画大都不太注重描绘人物的容貌,而顾恺之则用极其细腻的线条描绘了宫廷女性的神韵,他用笔非常轻盈优美,因此后人用“高古游丝描”来形容这幅名作。

2、《女史箴图》中女性的着装多以白色为主，饰以红色飘带、裙尾或外裙，风格简单典雅；人物表情非颦非笑，她们的目光所及处如果不是画中人物就一定是落在某虚无处，从不投向画外，只余内敛与自持。

3、《女史箴图》蕴涵了妇女应当遵守的道德信条，但是对上层妇女梳妆妆扮等日常生活的描绘，真实而生动地再现了贵族妇女的娇柔、矜持，无论身姿、仪态、服饰都合乎她们的身份和个性。

《女史箴图》简介：

1、《女史箴图》是中国东晋顾恺之创作的绢本水墨设色绘画作品，原作已失传。此图是依据西晋文学家张华所写的《女史箴》一文而作，原文12节，故画作也为12段。

2、《女史箴图》主要描绘女范事迹，有汉代冯媛以身挡熊，保护汉元帝的故事；有班婕妤拒绝与汉成帝同辇，以防成帝贪恋女色而误朝政的故事；其余每节也都是描写则雹上层妇女应有的道德情感，带有一定的说教性质，旨在用历代贤妃的故事来告诫宫廷妇顷盯棚女需遵守妇德。

3、 《女史箴图》现存两个后世摹本，唐代摹本为绢本设色，因年代久远仅剩9段，收藏于大英博物馆，为非永久展示品；南宋摹本为纸本墨笔，更完整，比唐雀则代摹本多2段画面，收藏于北京故宫博物院。

笔墨春秋是成语。意思是指文学艺术的发展历程和演变变化。其中“笔墨”指的是书写、绘画等艺术的表现形式，而“春秋”则代表着时间的变迁和历史的演进。因此，笔墨春秋这个成语既描述了文学艺术的发展历程，也反映了社会历史的变化和进步。

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解析:

五代、北宋的山水画多用绢，钩勒精细，刻画严谨，用墨则层层渲染，凝重恬静；元代山水画多用纸，利于干笔皴擦，“不为法缚，意超象外”，墨法则干、湿并用，变化莫测，一片莽莽苍苍。可以说，中国山水画的技法，融洽宋、元，已然大成。元以后，明清两朝，山水画明显逊于宋元，没有了宋元山水画的那种历史文化的厚重感。

即对那种奇峰突兀、色彩夺目、大气磅礴的长岭巨壑有一种无法抗拒的神往之思，尤其北宋徽宗时煊赫千古的王希孟“千里江山图》更令余魂牵梦绕。此图墨色深厚，使石青石绿光艳照人，神采飞动，成为大青绿山水亘古难逾的巅峰。余习画时的范本彩色印刷质量较差，画面小且模糊不清，也许正是那种“含蓄”，使青绿山水更有一种神秘感。及至后来细想起来，当时对青绿特别感兴趣，多半是因为青绿山水构图恢弘，章法多变且比较理性，法度森严又古雅朴蕴，加之石青石绿与旧绢帛色彩对比强烈，极具感染力。幼时美好的感觉始终萦绕在余之心头，一直没有放弃对青绿山水的追求，时常临摹或是搞些小幅的创作，但对青绿的认识，总是停留在对古人的学习与继承上，没有想过要如何去发展创新。在山水画成宗独立的1500佘年间，青绿山水应该是发展与成熟较早的一种创作样式。由魏晋到唐宋，逐步达到了青绿山水画的创作的顶峰，两宋画坛涌现出一大批青绿名手，除已提及的王希孟外，尚有董源、王诜、赵伯驹、钱选、赵孟颛等一大批画家。 宋元以降，笔墨在山水画创作中所占据的核心地位日渐明显，文人士大夫的艺术追求与北宋有了很大的不同。其实，早在北宋时期以苏轼、米芾为代表的文人学士的“主张清新与天工”、“得之象外”，“萧散简远”等，就与青绿格法相背离，但苏东坡潜意识中仍存在着青绿为正宗的想法。由于文人画的观念影响，促使画家们在创作中融合各种风格之长，于是，青绿与水墨两种风格的山水，经王诜、赵令穰等人的手，竞奇妙地融合起来，形成对后世影响较大的小青绿。元代水墨画的崛起，对青绿山水尤其大青绿的发展是个不小的打击。文人士大夫认为工笔青绿多是民间工匠所为，不能代表山水画的主流而渐为不齿。水墨山水的变革对山水画的发展具有划时代的影响，但也不同程度地扼杀了青绿山水的未来，大青绿从此一蹶不振。尽管明清及近代仍有青绿大家，但多半都是兼涉青绿，如文征明、沈周、仇英、董其昌等等，其创作也多为小青绿，只有仇英作大青绿。大青绿走向没落已是不争的事实。 阻碍青绿山水发展的原因是多方面的，但其制作性强，工序复杂，对颜料要求高等也是很关键的因素。明清以来，文人士大夫的创作占据了画坛的主导地位，那种任意放达，写胸中逸气，不受羁绊的超脱思想与青绿的内在抵触显而易见。青绿的格法与平淡天真、率意自我的创作思维格格不入，一味追求装饰韵昧而忽略笔墨的重要作用，这对视笔墨为第一位的水墨创作来说是很难相容的。但无论怎样，青绿山水的种种优势，使历代山水画家都很难将其丢弃，小青绿的出现便是水墨与大青绿之间的折衷。小青绿既兼顾青绿山水的精华，又融合了水墨山水的一些特点。所以，明清以来的青绿也多是小青绿画法。这种画法更能体现出山水画传统的博大深厚与兼容并存，同时也显示了创作思维的变化对创作样式的影响。整个山水画的历史也都是随着时间的推移，在各种观念影响及外来艺术的冲击下，不断调整、融合的结果，从而达到一种中庸、中正、安和的理想境界。中国的山水画所追求的状态，从本质上讲就是这种境界的理想定位。这是中国的山水画能够统领中国美术史1000余年 的真正原因。 绘画艺术的发展具有延续性和不确定性，很难把握其在特定时期会出现什么特定的面貌，这就为青绿山水重塑辉煌提供了可能性。如何增强青绿山水的文化内涵，使之既具有严谨而合理的程式美，又能生发出水墨意韵，达到一种法度与个性相通共融、相映生辉、相映成趣的高妙境界，从而体现出中国山水画真正的光辉与精华，这将是有志于青绿山水画创作的画家们的永恒追求。

红与黑 赏析2008-10-25 11:53 《红与黑》有一个副标题“一八三零年年代记”，是一部描写法国七月革命前夕，统治者剧烈交替的变动时代中，一位平民青年野心的书。作家曾对此做过解释，说是要描写王朝复辟时期的“社会风气”。这表明他的意图是反映社会现实，小说的内容具有鲜明的政治性。因此，小说发表的时候曾被指责为“政治书籍”。它也是一部将贵族、僧侣、大资产阶级三者激烈竞争的社会反动性，作一彻底批判的巨著。在主角于连的野心受挫，于狱中所完成之内心救赎中，皆明显地表示出作者透视历史的现实主义，以及他超越历史的浪漫主义。经过一段时间的阅读这本书，我想从一下几个方面谈谈《红与黑》：

一、对历史与人性的尖锐观察和迷惑不解。

法国现实主义小说奠基者司汤达的《红与黑》深藏着象征性的艺术生命力。《红与黑》自一八三〇年诞生于惊心动魄的法国大革命之后，已经具有了纪念碑式的历史性意义。通常，人们都以为书中的“红”，是象征拿破仑时代军人(军服)的荣耀，或是共和主义的热情；而“黑”则是表示王政复辟时代，拥有势力之僧侣阶级的黑衣。然而，也有人说红与黑是决定命运的轮盘，而这轮盘正象征着人生的游戏。“红与黑”将生命与死亡、自己与他人、理性与感性、理想与现实、爱情与阴谋都结合成一体，在这种状态中，讨论真理、爱情、死亡、美，看到欲望与人性的冲突、个人的迷惑与历史的奇异，发现历史的精神进程。当“红与黑”的象征意义漫溢出堤坝、流向朦胧诱人的艺术旷野时，在其流过的痕迹上，可以采摘到缤纷的艺术果实，一个生动、丰富、深藏、含蓄、流荡着想象性和感染力的《红与黑》艺术空间在雾色中展现出来。

司汤达曾说：我一定要为二十世纪写作。《红与黑》已超越了“一八三〇年纪事”，司汤达写下副标题“一八三〇年纪事”时，也许不仅是提醒人们这是真实的历史叙述，更含有深意的是：暗示人们其中隐藏的历史与生命的超越性。同时又显示了司汤达坚定不移的理想主义信仰：“红与黑”代表了人类精神生存的艰辛和矛盾性。

二、《红与黑》的人物形象塑造。

在人物塑造的手段上，司汤达使用了超出同时代作家所能及的心理深度的挖掘。以深刻细腻的笔调充分展示了主人公心灵空间，广泛运用了独白和自由联想等多种艺术手法挖掘出了于连深层意识的活动。

于连是《红与黑》的主人公，是一个出身卑微的木匠的儿子，他曾杩竦某绨菽闷坡兀 韧 刖 纭：罄吹/SPAN>维里埃城市长家当家庭教师，又做巴黎侯爵的秘书，由于他的神学造诣与谨言慎行，渐渐得到别人的重视；甚至获得市长夫人与侯爵千金的爱情……然而在拘谨的表象下，年轻人的心却充满对英雄的崇拜，对贵族的憎恨，以及想出人头地的野心。他一步步走向名利之路，也不时和自己内心的矛盾交战……

作者并且通过多方面的展示人物性格向我们展示一个个有血有肉的人物，我们还是以于连为代表来分析一下：“追求”幸福的“热情”和“毅力”、对阶级差异的反抗所表现出近乎英雄的气概就是其动人的血肉。作者用淡化物质描写而突出心灵跟踪的手法强化的，正是于连处在青年的冲动下追求“英雄的梦想”经历，这是对那个社会形态的反抗，也是对碌碌无为、虚度青春的反抗。

三、独具匠心的心理描写。

《红与黑》表现了司汤达高度的心理分析的技巧，尤其是在中心任务于连形象的塑造中，细致的心理描写对于刻画这一人物的复杂性格起着重要的作用。其中最突出的是写于连同拉莫尔**的恋爱过程中的矛盾和写他被捕后在狱中对生活的回顾和沉思的那些部分。作家细致的写出了于连对拉莫尔**的最初的爱情心理的复杂性，这里既有平民自尊心和个人虚荣心的满足，也有对贵族的警惕；既有爱情成功的欢乐，也有受冷遇时的痛苦。作家的这种高超的心理描写技巧，使他的主人公的形象刻画的丰满、鲜明、完整，大大地提高了人物的真实性。司汤达细腻地描写人物在特定情境下的心理状态，分析他们感情与欲望的细微变化，使读者得以进入人物的内心世界。你将不仅仅知道故事表层的结果，更洞察造成此一切结果背后的原因，因而获得更深的冲击与感动。作者正是用了这种手法让我们感觉到人物就在我们的身边。其实作者在无意之中也开启了现在的一种文学的题材即现在所说的意识流文体。

四、“头脑的爱情”和“心灵的爱情”之差别。

对于于连的爱情，我们同样怀着强烈的兴趣。因为于连的成功幸福既而毁灭都与他的爱情紧密联系着的。他的两个恋人——德�6�1瑞纳夫人和拉莫尔**伴着短暂而奋斗的一生，所以不妨分别来看看于连与两个恋人的恋情。于连和德�6�1瑞纳夫人的爱情始于于连对她的诱惑。起初，他只是在履行所谓的“责任”，这是一种对贵族老爷的报复，一种虚荣的满足。他趁德�6�1瑞纳市长放假，于连想：“我一定要在这个女人身上得手，”“那样如果有一天我发迹了，有人指责我赶过家庭教师这样下等的职业，我就可以告诉他，是爱情把我抛到这个职位上的。”但他对德�6�1瑞纳夫人的爱，特别是在他生命的最后，不能不让人感到真情。作者的故事构造得极巧妙。当于连步上仕途时，他用尽心机去获取德�6�1瑞纳夫人的心，并想用此来证明自己的能力和提高自身的价值，可最后他才明白德。德�6�1瑞纳夫人是他的终生至爱但是德�6�1瑞纳夫人的善良、淳朴、温柔深深地打动了于连。一段时间，他疯狂地爱上了德莱纳夫人。可惜这颗爱心又很快被种种野心占有了，直至最后才又复燃，爆发。而于连和拉莫尔**的爱情更多的是一种征服和反征服的关系，谁征服了对方，就会让对方受到情感上的折磨。

最终，于连还是投入了德�6�1瑞纳夫人的怀抱而拒绝了拉莫尔**。这多少让人要为后者鸣不平，毕竟她置自己的名誉而不顾，毕竟他不顾一切地为于连的获释而奔走。但这种爱却不是自然的流露。而于连对德�6�1瑞纳夫人的爱却是自然地。同她在一起，于连会感到自由平等和独立。这也是司汤达本人所说的“头脑的爱情”和“心灵的爱情”之别吧。于连的取舍正是司汤达本人的取舍。

五、变态社会中的个人“奋斗史”。

一千个读者就有一千个哈姆雷特。就我以为，说于连是个个人主义野心家固然不错，但不如说他是个追求幸福而又不幸走上歧途的人更为确切些。自然这种歧途不是简单地采取了某种有背社会道德的手段，而是来自他心灵更深处的矛盾本质。

于连的野心膨胀过程是故事最表面也是最直接的线索。当于连步上仕途时，他用尽心机去获取德�6�1瑞纳夫人的心，并想用此来证明自己的能力和提高自身的价值，可最后他才明白德�6�1瑞纳夫人是他的终生至爱。后来的拉莫尔**是在开始时主动追求于连的。但是又经过多次的反复，曾使于连感到神魂颠倒。当拉莫尔**确认自己爱上于连的时候，于连在临死之前却说只有德�6�1瑞纳夫人才会真心待他的孩子。在于连的攀升过程也少不了这些女人们的帮助，可是在最后他的摔倒也是因为女人。作者在《红与黑》中塑造了于连，可是更塑造的于连背后的时代，在上层社会中，人人都重视荣誉，可是又过着奢侈的颓废的生活，青年们都缺乏勇气。社会的各种党派都在积极而又秘密的活动着。

掩卷沉思，我觉得司汤达通过《红与黑》这本书不但为我们展示了一个病态爱情的悲剧，也为我们展示了在红道势力和黑道势力统治下的法国社会的黑暗和丑恶。年轻有为的青年于连表面上看是被毁于病态的爱情，实际上是被毁于当时病态的法国社会。

司汤达说过：“一个人的幸福不取决于智者眼中的事物的表象,而取决于他自己眼中的事物的表象。”入狱之前的于连是在社会这根“竹竿”上攀登，以他人的眼睛看待事物，所以他要“三十岁当上司令官”，或者当上年薪十万的主教；他要受到巴黎美妇人的青睐，以诱惑和征服贵族女人为“责任”；他要挤进上流社会，要按照给他十字勋章的政府的意旨行事并且准备干出满足而沾沾自喜，甚至真的以为自己本是个大贵人的私生子；凡此种种，都是“智者眼中的事物的表象”，即他人的承认，社会的承认，也即所谓“抱负”和“野心”之类。于连并非不能成功，他其实已经成功了，即使他犯罪入狱之后，他仍有可能逃跑，他的上诉仍有可能被接受，他若抛弃尊严表示屈服仍有可能做德�6�1拉莫尔侯爵的女婿……这就是说，福利莱神甫言之有理，于连在法庭上辩护的确是一种“自杀”的行为。然而,看看于连在狱中的表现，读者不能不认为，于连的“成功”并没有给他带来幸福,反而是他的失败促使他走上幸福之路。

红与黑是象征赌盘上的黑点红点，而轮盘则象征人生的游戏等。我认为红色还可以象征于连的追求人生意义,而黑色就代表社会中形形色色为了自己的利益而拼命奔波，却不理解自己存在真正意义的生存状态吧！这一部批判现实主义并没有将主人公于连图解成一个追求功利的符号，相反，作者却给予了他深切的同情，通过人对欲念的执着追求不到的痛苦来批判那个时代特定的社会现实这也是《红与黑》流传至今魅力长存的原因。