大写意国画荷花

荷花种类很多，分观赏和食用两大类。原产亚洲热带和温带地区，中国早在周朝就有栽培记载。我整理了国画荷花，希望大家喜欢!

国画荷花展示

国画荷花1

国画荷花2

国画荷花3

国画荷花4

国画荷花5

　关于荷花的命名

莲花、芙蕖、芬陀利花、水芝、水芸、水目、泽芝、水华、菡萏hàndàn古人称未开的荷花为菡萏，即花苞、水旦草、芙蓉、水芙蓉、玉环、六月春、中国莲、六月花神、藕花、灵草、玉芝、水中芙蓉、水宫仙子、君子花，天仙花、红蕖、溪客、碧环鞭蓉、鞭蕖、金芙蓉、草芙蓉、静客、翠钱、红衣、宫莲、佛座须等。

一、以其外形特征命名：荷花：李时珍《本草纲目》解释说：“莲茎上负荷叶，叶上负荷花，故名。”芙蓉：亦称“夫蓉”。汉辞典《尔雅》解释道：“芙蓉之含敷蒲也。”另《说文解字》云：“未发为菡萏，已发为芙蓉。”李时珍也说，芙蓉就是“敷布容艳之意”，难怪汉代文学家司马相如把他的妻子卓文君比作是出水的芙蓉。

二、以其生长习性命名：水芝、水花、水芸、水旦、水目、泽芝：由于荷花是多年生宿根水生植物，故古人将其归为水草类，取名多为“水”字起头。三国文学家曹植在他的《芙蓉赋》中称赞到“览百卉之英茂，无斯华之独灵”，把荷花比喻为水中的灵芝。

三、以荷花圣洁高雅的气质命名：君子花、凌波仙子、水宫仙子、玉环等。据《北梦琐言》记载：唐代元和年间806-820年苏昌远居吴中今苏州，邂逅一位素衣粉脸女郎，赠给他一枚玉环，不久，他发现自己庭院的水池中有荷花盛开，花蕊中也有一枚同样的玉环，但“折之乃绝”，后人由此又称荷花为玉环。

四、古时江南风俗，阴历六月二十四日为荷花生日，荷花因而又有“六月花神”的雅号。

五、为了表达对荷花高洁形态的赞赏，以金芙蓉和草芙蓉比喻荷花品性的难得。

六、溪客、静客都是强调荷花的生长环境和安静娴雅的状态。而翠钱则是新荷的雅称，红衣是荷花瓣的别称，宫莲是莲花瓣的美称，佛座须是莲花蕊的别名。[1]

渊源

“荷”被称为“活化石”，是被子植物中起源最早的植物之一。在人类出现以前，大约十万年前，地球大部被海洋、湖泊及沼泽覆盖。当时，气候温溼，高达数十米的蕨类植物遍布地球各个角落。大部分种子植物无法生存，只有少数生命力极强的种子植物生长在这个恐龙，蕨类植物称霸的地球上。其中，有一种今天人们称为“荷花”的水生植物，经受住了大自然的考验，在中国的阿穆尔河今黑龙江、黄河、长江流域及北半球的沼泽湖泊中顽强地生存下来。大约过了一亿多年，原始人类开始出现。人类为了生存，采集野果充饥，不久便发现这种“荷花”的野果和根节即莲子与藕不仅可以食用，而且甘甜清香，味美可口。渐渐地，“荷花”这一人类生存的粮食来源便深深地印刻在人们的祖先——原始人类的心中，成为人类生存的象征。[2]

一直到公元前五六千年的新石器时代，随着农耕文化的出现，人类对荷花开始了进一步的了解。当时的人类为了生活上对水的需求，一般都定居在河岸湖畔或有天然泉水的沼泽地带，而这些地带恰是野生荷花主要的分布区域。从出土文物看：在河南省郑州市北部大河村发掘的“仰韶文化”房基遗址，发现室内台面上有炭化粮食和两粒莲子，经测定，距今有五千年的历史。人类在不断的生产劳动中，对朝夕相处的荷花的生长习性、生存环境等积累了丰富的感性认识，为中国古老的荷花文化的产生发展奠定的良好的基础。[2]

古植物学家徐仁教授，曾于20世纪70年代在柴达木盆地发现荷叶化石，历史至少有1000万年。1973年在浙江余姚县距今7000年前的“河姆渡文化”遗址出土的文物中，发现有荷花的花粉化石;同年又在河南郑州市距今5000多年前的“仰韶文化”遗址中发现两粒炭化莲子。西周初期公元前Ⅱ世纪，古人食用蔬菜约40余种，藕是其中之一。《峪经》中有“腮有荷华”之句，意指中国大地上凡有沼泽水域的地方，都生长著荷花。中国是世界上栽培莲花最多的国家之一。[3]

自公元前11世纪起，中国从漫长的奴隶制社会进入了封建制时代——西周。荷花也在这时期里从湖畔沼泽的野生状态走进了人们的田间池塘。《周书》载有“薮泽已竭，既莲掘藕。”可见，当时的野生荷花已经开始作为食用蔬菜了。到了春秋时期，人们将荷花各部分器官分别定了专名。中国最早的字典，汉初时的《尔雅》就记有：“荷，芙蕖，其茎茄，其叶，其本密，其画菡，其实莲，其根藕，其中菂，菂中薏。”对荷花的了解已有一定的概念。[3]

荷花以它的实用性走进了人们的劳动和生活，同时，也凭借它艳丽的色彩，幽雅的风姿深入到人们的精神世界。中国最早的诗歌集《诗经》中就有关于荷花的描述“山有扶苏，隰与荷花”，“彼泽之陂，有蒲有荷”。荷花作为观赏植物引种至园池栽植，最早是在公元前473年，吴王夫差在他的离宫即苏州灵巖山为宠妃西施赏荷而修筑的“玩花池”。春秋时期青铜工艺珍品“莲鹤方壶”通高118厘米，故宫博物院馆藏则从美术方面，反映了荷花对时代精神所起的重要作用，这件工艺珍品取材于真实的自然界，荷花花纹概括形象，龙和螭跃跃欲动。可见，荷花被神化的龙、螭及仙鹤一样，成为人们心目中崇高圣洁的象征。[3]

秦汉之前，诸侯割据，战争频繁，劳动人民处于水深火热之中，秦始皇于公元前221年统一中国，结束了混战局面。在这个统一大帝国里，荷花文化得到了全面发展，逐步渗透到农业、经济、医学、宗教、艺术等各个领域。[3]

汉朝是中国农业空前发展的一个时期，也是对荷花的栽培发展发生了重要的作用。汉以前，中国的荷花品种均是单瓣型的红莲。到了魏晋，出现了重瓣荷花。[3]

西汉开始，中国的官私营商业迅速发展，丰富了各地区的商品种类，对荷花的传播分布有着重要意义。江陵、合肥、成都等地的特产——莲藕均通过这些中心商市进入北方，从根本上扩大了荷花的分布区域，使北方人民进一步认识荷花，了解荷花，从而极大的提高了荷花的栽培技艺。北魏贾思勰的《齐民要术》记有“种藕法”：“春初掘藕根节，头著鱼池泥中种之，当年即有莲花。”;又有“种莲子法”：“八月九日取莲子坚黑者，于瓦上磨莲头令皮薄，取墐土作熟泥封之，如三指大，长二寸，使莲头平重磨去尖锐，泥干掷于池中重头泥下，自然周皮，皮薄易生，少时即出，其不磨者，皮即坚厚，仓卒不能也。”可见，当时南北两岸的中原地区荷花的栽培技术已是相当高超了。[3]

中国的医学从秦汉起开始了新的发展。汉朝“神农”在尝遍百草后，总结出一套治病良方，即《本草经》，又称《神农本草经》，其中就有莲藕药用保健功能的描述。东汉谯县华佗，是中国医学史上著名的神医，他在手术前，先给病人饮麻沸散，使其失去知觉，刳割腹背后缝合伤口，最后涂敷以藕皮等制成的膏药，四五天后便可愈合。荷花遂成为中国医药宝库中不可多得的一枝奇葩。[3]

西汉时期，乐府歌辞逐渐盛行，由此产生了众多优美的采莲曲谣。其中有《采莲曲》又称《采莲女》、《湖边采莲妇》等，歌舞者衣红罗，系晕裙，乘莲船，执莲花，载歌载舞，洋溢着浓烈的生活气息，是中国广大人民最喜爱的民间传统歌舞之一。

南北朝时期又发展有千瓣并蒂荷花。[3]

隋唐以后，荷花的栽培技艺进一步提高，有关荷花的诗词、绘画、雕塑、工艺等荷文化内容更加丰富多彩;在饮食文化中，荷花已进一步成为人们养生保健的名贵补品。同时荷花凭借它的色彩艳丽、风姿绰约进入了私家园林。如长安城外东南隅有秦汉时宜春苑，隋朝建都长安后，更名为芙蓉园;南宋都城临安今杭州市的曲院风荷。尤其是经过贞观之治后，荷花的应用越来越广泛，成为工艺美术家创造的灵感来源。如隋唐时期的瓷器、铜镜等的装饰多采用莲花花纹;金银器上，尤其是盘边缘，多饰以富丽的莲瓣纹，整个风格华丽而真实。宋代的染纺业较唐代有更高的发展。著名女画家兼工缂丝的朱克柔创作的荷花缂丝图案，“古淡清雅”、为一时之绝作。明清的木版年画多采用“连莲贵子”、“连莲年有余鱼”等荷花吉祥图案，来表达人们的思想愿望。在中国花文化中，荷花是最有情趣的咏花诗词物件和花鸟画的题材;是最优美多姿的舞蹈素材;也是各种建筑装饰、雕塑工艺及生活器皿上最常用最美的图案纹饰和造型。荷花不愧为中国的传统名花。[3]

自北宋周敦颐写了“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的名句后，荷花便成为“君子之花”。据史书记载：远在2500多年前，吴王夫差曾在太湖之滨的灵巖山离宫今江苏吴县为宠妃西施欣赏荷花，特自修筑“玩花池”，移种野生红莲。可说是人工砌池栽荷的最早实录。至今南北各地的莲塘比比皆是。湖南就是中国最大的荷花生产基地。每逢仲夏，采莲的男女，泛著一叶轻舟，穿梭于荷丛之中，那种“乱入池中看不见，闻歌始觉有人来”的情景多么美妙。至于旅游赏荷的去处就更多了。诸如济南大明湖、杭州西湖、肇庆七星巖等都可看到连片荷花的芳容。

有关国画荷花推荐：

　　篇一：中华传统文化——国画

　　中华传统文化—国画我们中国是四大文明古国之一，她有着悠久的历史、渊源的文化。在五千年的历史长河中，给我们留下一座巨大的宝库，宝库里有着许多的“宝藏”。有精美的民间工艺，如剪纸、陶瓷等；有古老的民间艺术，如戏剧、国画等；有独特的风俗习惯，如元宵节闹花灯等……但是，我对民族艺术国画情有独钟。

　　《清明上河图》是一幅水墨画，也是一幅名扬中外的国画，是北宋时期画家张择端画的。这幅画很长，有528厘米呢！它宽24。8厘米。画的是北宋都城汴梁热闹的场面。《清明上河图》已经有八百多年的历史了，现在还安然无恙地在北京故宫博物

　　张择端画这幅画下了很大的功夫，光画上的人物就有五百多个，有从乡下来的农民，有走江湖的医生，有撑着船的船工，有做各种买卖的生意人，有摆小摊的摊贩，有留着长胡子的道士，有官吏和读书人……三百六十行，每一行的人都画上了。

　　那里的街市可热闹了，街上有挂着各种各样招牌的店铺、作坊、酒楼、茶馆……里面热闹极了。走在街上的，是来来往往、形态各异的人：有的骑着马，有的赶着小毛驴，有的小孩在欢快地放风筝，有的挑着担子，有的推着那时的独轮车，有的悠闲地街头溜达……画面上的人有的还不到一寸，但我们能看清楚人们都在干什么。

　　我国的民族艺术真是有趣！咱们中国真不愧是四大文明古国之一！哦，我忘记了，我们可不要只观看不发扬呀，我们要把祖国流传下来的东西发扬光大！

　　篇二：中华传统文化——国画

　　我们收集了我国的文化——国画。有的收集关于国画的、有的收集国画的`资料、有的收集国画的内容和工具。

　　我知道画国画的工具和材料有：毛笔、墨水、宣纸、颜料、绢……题材可分为：人物、山水、花鸟。技法可分为：工笔和写意。

　　国画，历史悠久，其中，内容丰富多彩。大多的国画反映了当时的历史事件、历史人物和风土人情，我们目前保留最完整的人物画最多，画面内容最丰富的就是北宋画家张择端的《清明上河图》，它已有八百多年的历史了，人物之多，千姿百态。这幅画给后人留下了很大的想象空间，展现了作者精湛的绘画技艺，这也是这幅画的永久价值历史所在。

　　国画除人物画之外，还有山水画、水墨画、工笔画等……像著名的画家齐白石创作的花鸟鱼虫，活灵活现，给人们逼真的感觉，而他所画的虾，仿佛轻轻一碰就会游走一样。大师用他那高超的技艺给我们展示了生活之外的另类世界。

　　国画，中国传统文化，它把中国的艺术展现给世人，是祖先留下的宝贵财富。

　　篇三：传统文化——国画

　　中国传统文化历史悠久、渊源流长，有剪纸、刺绣、戏剧、陶瓷、皮影戏、国画等等，其中我最喜欢的就是国画了。

　　今天我来为大家介绍介绍国画。国画就是用颜料在宣纸或是宣绢上绘画，是东方艺术的主要形式。国画又称为“中国画”，古时称为“丹青”，我国传统绘画主要是指以毛笔、墨、国画颜料等画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。题材可分为人物、山水花鸟等，技法可分工笔和写意，它的精神内核是“笔墨”。国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”。

　　中国的国画大师的作品中我最欣赏齐白石画的虾、徐悲鸿画的马。我的画画老师张老师在二年级暑期开始教我学国画，张老师说：“国画，是我们中国的国宝，你要努力学习国画，把国画这种传统文化传承下去。”

中国是一个有着悠久历史的文明古国，在广袤的960万平方公里的土地上，200多万年的大溪人已坚实的迈开了中国历史的步伐。几百万年来，我们的祖先在中国这块美丽富饶的土地上，辛勤耕耘，艰苦奋斗，前赴后继，创造了光辉灿烂的历史与文化。现在人类学、考古学以无比丰富的成果证明，中国文明早已不能仅用“上下五千年”来概括了。中国文明远比五千年悠久得多。我国现在已知的最早的陶器，就诞生于距今八千多年的的河北、河南、江西众多原始文化中。代表着人类文化叫高级形态的文字、绘画、雕刻等艺术，有越来越多的考古资料和研究无可辩驳的证明，早在六千年前的仰韶文化中，以及大量早期岩画即已诞生，在四千多年前的龙山文化中得到发展，三千多年前的商代已经成熟。

所以，将我国书画发展概括、中国书画史，必从六千多年前讲起。漫漫历史长河，渊源流长，我国古往今来浩如烟海的文化典籍中，有关书画史志的文献，车载斗量，难以计数，仅现在读者们较易见到的近代学者所著中国书法史、中国绘画史之类的著作，亦不胜枚举，且大多数为数十万计上百万言的“大部头”。

如前所述，中国文字产生于六千年前。那时，仰韶文化的人们已在陶器上刻划文字，是为“书”。既有文字刻写，就已有一定的“点横撇捺”之幸运顿挫的方法艺术，是为“法”。书法之艺术，从诞生起。各种彩陶文化的精美绘画，众多的岩画，已用当时的艺术观点，记叙了我们祖先的生产、生活、思想、情感，绘画已经趋于成熟。我们讲求中国书画史，本应从这里开篇。但这样讲来，一是时间跨度太长，即使略而又略的讲下了，也万言难止，非所能容许。二是这些资料史实，需要我们来鉴定的彩陶绘画、岩画难得进入寻常读者家和文物市场。

为了便于叙述，书与画分开介绍。先讲书法。我国文字发展到商代，以甲骨文为代表，即已相当成熟了，完全具备了汉字形、音、义诸要素，龟甲兽骨上那些细小刚健文字，就是当时的书法作品。大批从事巫术占卜的知识分子—贞人，就是那时的书法家，有许多还留下了姓名。上周时期我国的奴隶制经济文化得到空前的发展，文字及书法亦进入一个新阶段，最重要的就是刻写、铸造在青铜器上的文字，即所谓“金文”，书体是大篆，古拙苍劲，气势雄浑。这种书体，至今还为书法爱好者所钟爱，不少书家还竭力追慕临学，亦饶有情趣。秦汉时代，以小篆和隶书的形成最为重要。小篆相传为秦相李斯所创，实际上是秦代为了统一文字达到“书同文”，将商周以来的各国流行之不同体式的大篆加以改造去取而成。小篆较大篆笔画简约，笔法自如，书法仍具苍劲雄浑之美。相传撰写小篆的书法家有李斯、赵高等。隶书也产生于秦代，相传为狱吏程邈所创，亦是将大篆增减损益而成，便于人们易学易写快写。隶书字体规整，笔划点捺横竖分明，工稳沉静，历代至今不少书家功隶书者众，是书法艺术中一个重要的种类。汉代还有一种“解散隶体”草草而成字体，即汉代古草（草书之初始者,又称章草），不过远不如小篆隶书重要。

到后来，把写字这件事，不单是作为记事行文的工具，而当成了一门艺术潜心研究，经年累月挥毫不辍，又上升为哲理进行探讨，有一大批把字写得来极具时代精神和个人品格，又具形神兼备的艺术品质，可称为“书法”作品的，当代魏晋时期。所以有人说危机南北朝时期是我国书法艺术首次成熟的时期，更有人说它是我国书法艺术的“鼎盛时代”。这时期书法艺术的显著特色，一是书体有了很大变化，逐步从篆、隶、章草中脱变出来，形成了真书、行书、今草书。我国书法艺术发展到这一时期，真、草、篆、隶、行五种书体已经全部具备。此后时代各领风骚的书法大师，均是在此五种书体上发挥而已。特色之二是这一时期，产生了一大批书艺超群，其书法作品千百年来一直为学书者楷模范本的大书法家，如三国时期的钟繇、皇象，两晋时期的卫夫人，东晋时的陆机，王羲之、王献之父子，王珣，南朝的羊欣、王僧虔等等。王羲之的成就、名望尤其突出，被称为我国书法艺术的圣人即“书圣”。他的书法作品中，唐代初年即已珍贵若拱璧，太宗李世民生前大力搜求，死后竟将王书《兰亭序》殉葬。王羲之《兰亭序》唐代大书法家几乎都有临本。北宋晚期宣和内府所藏临本即有243件之多，可见世人珍爱之深。三是魏晋南北朝时期，我国书法艺术理论业已形成体系，出现了一批书法理论家和书学著作。如西晋卫恒的《四体书势》，南宋梁代虞龢的《论书表》，售肩吾的《书品论》，袁昂的《古今书评》，梁武帝萧衍与陶弘景的《论书启》。《论书启》是陶弘景宇梁武帝君臣之间就书法艺术问题的奏折、批答，由后人汇编而成的书法论著，从中可见当时书法风气之盛。

魏晋南北朝时期书法艺术的巨大成就，还体现在这时期留给我们一大批举世无双的书法艺术珍品，许多皆为我国艺术瑰宝，价值连城。兹列其重者略举如下：

钟繇《贺克捷表》（唐代拓本），《荐季直表》，《墓田丙舍帖》、《力命帖》、《还示帖》、《调元帖》等，均为拓本或后人摹写本。钟氏真迹，早在南朝已渺难寻觅了。

皇象《天发神苙碑》、《谷朗碑》，摹本《急就章》等。

陆机的《平复帖》、《望想贴》，均为墨迹。

王羲之的《兰亭序》，前以叙及，均为唐宋名家摹本或勾填本。然个大名家摹本，书法艺术本身藻丽多姿，极为珍贵。《快雪时晴帖》（唐人勾填本），《行书千字文》（有人认为乃唐人集王羲之之字本），《万岁通天帖》等。

王献之《鸭头九帖》（真伪无定论）、《中秋帖》（宋代米芾临摹）、《二十九日帖》。

王珣《伯远帖》真迹，任晋代书法作品中唯一一件无争论的晋人真迹。

具陈重远著《古玩指南与鉴赏》记，王献之《中秋帖》，王珣《伯远帖》这两件国宝，为现存仅有的两件晋人墨迹，宋以来一直收藏宫中，清末流入民间，明国初被古玩店学徒出身的袁世凯大总管郭世五收购，抗战胜利后，曾一度落入宋子文之手。后因朱敏该国民主人士张伯驹在报上揭露此事，宋只得将其退还郭世后人。其后于50年代初，被人典当给香港一家英国银行。张伯驹激昂此事报告给周恩来总理，周总理十分重视保护文物，迅速派专人赴香港在典当期满前，用重金将两件国赎回。

唐代是我国封建政治经济和文化得到巨大发展的时代，文化艺术中的诗歌、绘画、书法、音乐、舞蹈，均放射出辉煌的光彩。书法艺术在唐代发展到又一个高峰，主要特点是真、草、隶、篆、行个体书法均得到发展，又以行书与草书取得的成就特别巨大，影响我国书法艺术极为深远；各种书体都涌现了一大批名家高手，他们的书法作品无论碑帖均有无可争议的真迹传世，极大地丰富了我国书法艺术宝库；各种书体的体书风格，体现出“盛唐气象”。“真书书家大多脱胎于王羲之，但又秉承魏晋以来墨迹与碑版的双重传统，渐从萧散妍丽的王家书派中脱颖而出，风格转呈严谨雄劲，法度森严。行草书家，特别是草书家亦渐有步大、小王（指王羲之、王献之父子）而趋于飞动纵逸。虽篆书无多大发展，亦能述秦汉遗法，星辰或严谨紧劲，或遒劲圆活的新风”。杨仁恺先生主编的《中国书画》中这段话，较好的概括了唐代书法艺术的特点。

隋唐五代主要书家和重要碑帖墨迹有

隋代智永的《真草千字文》，藏日本小川简斋家。

唐代欧阳询的隶书《宗圣观记》，真书《化度寺衪禅师舍利塔铭》，真书《九成宫醴泉铭》等碑刻；墨迹有草书《千字文》，行书《千字文》和《史事帖》。虞世南的《孔子庙堂碑》（宋元重刻），《汝南公主墓志铭》等。褚遂良的《伊阙佛龛碑》、《孟法师碑》、《雁塔省教序》、《房玄龄碑》、《通州圣教序》等碑刻，还有传世墨迹《枯树赋》、《倪宽赞》等，多为后人所作。薛稷的《信行禅师碑》等，以上四人，号称“欧、虞、褚、薛初唐四大家”。

唐代最著名的草书书法家有张旭和怀素。张旭的代表作为传世墨迹《古诗四贴》。怀素流传下来的作品较多，著名的墨迹有《自叙帖》、《苦芦帖》、《小千字文》等。

真书在唐代得到空前发展，取得前所未有的成就，对后世真书发展影响特别巨大，尤其初学书法的人，必从真书学起，而学真书必临习“颜、柳”。颜即颜真卿，其存世主要作品有碑刻《多宝塔感应碑》、《东方画赞碑》、《郭家庙碑》，《麻姑仙坛记》、《中心颂》、《元次山碑》、《送璟碑》、《颜勤礼碑》、《颜氏家庙碑》，墨迹《自告身书》，《竹山堂联句》等。柳公权的碑刻主要有《金刚经》、《玄秘塔碑》，《神策军碑》及《李晟碑》等。传世墨迹有《蒙招贴》历代有名。

唐、五代著名书法家和他们的书作名品还有很多，如孙过庭及其《书谱》，陆柬之及其《陆机文赋》，钟绍京及其《转轮王经》，李邕及其《云麾将军碑》，徐浩及其《不空和尚碑》，贺知章及其《孝经》，李阳冰及其《城隍庙碑》，史惟及其《大智禅师碑》，蔡友邻及其《尉迟回庙碑》，韩择木及其《告华狱文》。

宋代社会城市经济发达，士人阶级队伍庞大，文化艺术十分繁荣，抒发竟有一些帝王后妃倡导乃至身体力行（如北宋太宗赵光义、徽宗赵佶，南宋高宗赵构，北宋仁宗曹皇后，南宋宁宗杨皇后等，尤赵佶的瘦金体独具特色，造诣很高，对元明清书法有一定的影响）教隋唐五代有新的发展。由于社会文化发展的特点，宋代书法艺术，真、草、隶、篆、行五体书中，真书、篆书成就不大，草书、隶书较前人亦少有较大发展。宋代书法艺术成就最为突出者，是以“宋四家”即“苏黄米蔡”为代表的行书。宋代行书，不仅突破“二王”风格，亦越出唐代“颜柳”规范，形成一种潇洒纵逸、轻快活泼，恣肆放达，以意为书的全新书风，可称为书法艺术中的“行书豪放派”，对清以至近现代书坛影响极为深远。

“宋四家”中的苏即著名文学家苏轼，其最著名的代表作品有行书《黄州寒食诗》，《洞庭春色赋》，楷书《赤壁赋》等。黄即黄庭坚，代表作品有《草书诸座上贴》，行书《松风阁诗》、《诗送四十九侄贴》等。米即米芾，更是一位留下大量墨宝的书法大家，其代表作品有行书《苕溪贴》，《向太后挽词》，《行书三扎》、《蜀素帖》等等。蔡，从书法艺术功力上讲，应为蔡京，因他为恶名昭著的佞臣，人品为世人不齿，而以北宋名臣蔡襄代之。其代表作品有行书《自书诗卷》，行书《南都贴》、《十扎卷》等。这里所列，仅是他们流传至今的大量墨宝中的点滴。由于它们均善书而又勤奋，当时之时名气已经很大，一些人有四海为官，时人求其书作者众，请其书写碑石者亦多，故他们的书法作品的墨迹碑刻相当丰富，全国许多地方都可见到，国外一些大博物馆也有收藏。

宋代文风很盛，士人物不能书，且书法艺术水平均很见功力，即使当时一些无名小卒缩写应酬文字，其书法艺术水平，即可令今天一些刚学了几年字能涂鸦几笔便自命不凡的“书法家”们汗颜。宋代那些明载青史的书法家的成就更应一提。李建中及其《行书同年贴》、《土母贴》，欧阳修及其《行书爱贴》、《自书诗》，文彦博及其《行书三扎卷》，司马光及其《中和贴》，范仲淹及其《行书二扎》，《道服赞》，陆游及其《自书诗卷》朱熹及其《行草书诗扎》，魏了翁及其《文向贴》，文天祥及其《谢诸无座右辞》，等等。这些人虽然素以文章气节或高官经世重于世，其书法艺术也是造诣很高，其书法作品无不珍同拱璧。

宋代书法留给后世的还有一项重要遗产，就是宋代官私所刻的各种帖书。前文已述，宋代文风盛，帝王后妃喜爱书法者众，他们的爱好影响士大夫，进而形成全社会的时尚。从太宗赵光义集古圣贤书法名家墨迹刻成《淳化阁帖》始，整个宋代公私刻帖不断，最著名的有徽宗赵佶临刻《大观帖》，米芾刻《宝晋斋法帖》，。由于宋代以来历史变迁，这次峨帖本千余年天灾人祸，损失几尽，残存的原刻拓本以稀少如凤毛麟角。

宋代书法艺术不如晋唐那样光耀夺目已如上述。到南宋时法艺术更不引人注目，显一种衰退之势，没有产生如苏黄米蔡那样的能彪炳书史的大书法家。我国书法艺术大展到了元代，又才有所起色。以赵孟頫、鲜于枢等为代表的元代书法家，对晋唐书法进行认真严肃的研究，艰苦的探索，竭力追摹晋、唐志书法艺术传统，形成了自己的时代风格。不过由于元代历史不长，统治者的文化倡导不如唐宋，所以书法成就不及唐宋巨大，书体以行、楷书、草书有较大发展，水平亦高。

赵孟頫是元代最有影响的的书法家，其书法以行楷为主，亦有部分草书，代表作有：楷书《丹巴碑》、《神福观记》，行书《洛神赋》，《前、后赤壁赋》，草书《千字文》，等等。赵孟頫的书法在我国书法师商承前启后，对明清书坛影响巨大，名望极高追随者众。

鲜于枢时名仅次于赵孟頫的元代书法家，亦以行书，楷书为主，草书也精。主要作品有：楷书《老枝道德经》卷，行草书《王荆公杂诗》卷，楷书《御史箴》卷，《草书千字文》卷，等等。元代其他重要书法家还有：邓文原，其代表作章草书《急就章》卷等；康里夔夔及其草书《颜鲁公述张旭法记》、《渔父辞》等；张雨及其《唐人绝句》等，郭昪及其行书《咏青玉荷盘诗》卷，杨维桢及其行书《鬻字窝铭》轴、草书《梦游海棠城诗》，吴睿及其《离骚经、千字文》全卷，以及大批能画亦善书而以画名重的艺术家，如王蒙、倪瓒、黄公望、吴镇所谓“元四家”等等。

明代的书法艺术，可以说是百花齐放，真、草、隶、篆、行个体均有一定成就。从风格流派讲，上学魏晋碑体、二王、颜柳，几近学谦超长孟頫的都有，形成一些艺术流派。大画家又是书法家的现象，比元朝更盛。明代书坛也出了一些对后世影响较大的有成就的书法家，更留下远较前代丰富的书法艺术珍品。

同前代不同的是，明代书法艺术的发展，阶段性较鲜明，各种书体各有自身的发展脉络和杰出代表。

明代前期的书法，以真书的成就最大，其次为草书，代表人物有所谓三宋（宋克、宋广、宋璲）和二沈（沈度、沈粲），以宋克名望最大。这时的真书，有一种圆润平生，主要流行在翰林、中书舍人中，多用作奏章、行文中的书法，称为“台阁体”，由于皇室提倡，盛行一时，并影响到整个清代书坛。其代表人物是沈度、姜立纲等人。这时期的草书也各有成就，以宋广、解缙为代表。

明代中期书法，以行书成就较大，楷书以承前期余势，有些发展，主要是矫正了曾经盛行的'“台阁体”那种比较呆滞的书法。行、楷书的代表人物有祝允明、文征明、王宠、陈道复，以沈周、唐寅等。他们都是声名赫赫的大画家，又是卓有成就的书法家。我国书画艺术本来同出一源，许多理论、方法相同，艺术规律一致，所以从来习画者大多善书，习书法者又有不少能画。在他们那里，书画集于一身了。也因如此，人们在讨论书、画，往往同时进行，各种辞书介绍人物技艺等，也书画并称。此期草书亦有成就，风格狂纵，以张弼、张俊、祝允明为代表。

明代晚起书法,以出现了多种书体各领风骚,均有重大成就又有杰出代表书家这种现象为特点行书楷书以董其昌为代表,草书以刑侗、傅山、为代表，篆书以赵宦光为代表。还有张瑞图的行草书，倪元路、黄道周似草似隶的隶书等等，以董其昌的影响最大。

明代书法家数量众多，出前文一提到的一些流派及时代的著名这而外，还应提到的书法家有：钱溥、钱博、陈献章、程南云、李东阳、吴宽、文彭、徐谓、米万钟等。由于明朝较今较近，才不过五六百年，传世书法作品很丰富，不胜枚举，只能从略了。

清代是具现代最近的一个封建时代，清末具近不到百年，其书法艺术对今天的人说来，不很算古，流传至今的情人书法作品，易于寻觅。清代书法的重要特征是：中期以前帖字占优，中晚期碑学流行，书法艺术有重振雄风之势，涌现了一大批名垂书史的书法家。如清初的傅山、朱耷（八大山人）、石涛等人的纵逸狂放的草书或行草书，极有时代烙印，极有个性。

乾隆、嘉庆时期，因乾隆帝的影响，赵书书法有一度成为官僚士大夫临摹的样本，其主要代表又张照、董皓、汪由敦等。此时除赵字外，以“钟王”、“颜柳”、“苏米”为师者也大有人在，如翁方纲、刘墉、铁宝、梁同文、王文治、钱澧、姚鼐等等。更有世称“扬州八怪”的一笔书画家，不满当时统治书坛的赵、董贴学，大胆创新，写出有个性，有新意的书法作品。如黄慎的草书，汪士慎的隶书、郑板桥的“六分半书”、金农的“漆书”。

从清初傅山开始“反贴倡碑”，直到清中叶嘉庆时碑学芳形成阵势，晚清书法更是碑学的天下，一大批书法家，从传世碑帖和新出土的汉碑版书中汲取营养，书法艺术日已精进，书坛逐渐充满活力。这是其重要的书法家有：邓石如、伊秉绶、丁敬、黄易、桂馥、陈鸿寿、包世臣、何绍基、赵之谦、吴熙载、吴昌硕等等。特别要提到的是邓石如，他真、草、隶、篆无不精绝，书法艺术成就，人称“清代第一”。何绍基、赵之谦也是清代书坛很有地位的书法大师。

中国画的民族性也就是中国画的“中国”性。任何体现民族性的东西都是有生命力的，正如人们说的那样：民族的就是世界的，越是民族的东西就越具有世界性。中国画的传统是先辈们探索、总结、继承和发展的结果，是中华民族艺术的精华。

中国画这一中华民族特有的古老画种，之所以叫“中国画”肯定有“中国”属性。相对于西洋画来说，传统的中国画是用中国特产的毛笔、徽墨、宣纸、丹青、歙砚为材料工具，用造型、设色等表现手段在平面上创造的可视形象。这是中国画狭义定义。中国画广义定义应该是起源于中国由国人所独创，使用特殊材料工具和特殊表现手段，在平面物体上创造出的可视现象，即称之为“中国画”。它有着悠久的历史、优秀的传统，它博大精深，对全世界人民都具有很强的吸引力，是世界文化艺术宝库中的珍宝。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，虽长宽比例是“失调”的，但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。西洋画一般是用焦点透视，这就像人，固定在一个点上看风景一样，有些风景看得到，有的被遮挡住了看不到。中国画就不一样了，它不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画，张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”;观者既能看到城内，又可看到郊野;既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船;既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。传统中国画一开始就以“传神”、“气韵”为最高标准，继之谈“道”及个人气质的表现。中国画讲究教化功能，追求悦情养性，强调澄怀观道、天人合一的理想境界。

中国画以鲜明的民族特征在发生发展,而中国民族文化又具有很强的地域性，这种地域性又很大程度上决定了民族性。中国文化具有很强的包容性和开放性。在古代灿烂的历史中，许多外来文化都被中国文化吸收了。在美术方面，中国画在它的发展过程中也汲取过多方的养分，如印度佛教壁画、民间彩绘等等，但它的思想根基是源于中国的儒家佛家和道家的思想体系。“吴带当风”、“曲线盘铁”等线描法，就有印度佛教绘画的痕迹。而“没骨法”就是从波斯传过来的，同样被我们吸收利用了。还有明代的人物写真画也受到西方明暗素描关系的影响，有了“波臣派”，这种影响一直到清代。因此从中国画的特点去探究中国画的民族特征,这对于我们进一步创新和发展中国画具有重要的指导意义。

随着东西方文化的交流日益增强，两种文化体系相互之间的交融和碰撞也日益频繁，艺术上的相互参照和借鉴也不可避免,不可否认，对外来艺术的借鉴和学习让中国画有了长足的发展。但是由于种种原因也让一部分中国画家的创作作品迷失自我，认为中国画传统的东西太落后了，该破旧立新了，更有甚者认为传统的东西是“土得掉渣”、羞于出手的;画家和理论家们也对中国画的发展方向各持不同见解：有提倡保持东方绘画特色的，有主张全盘西化的，有主张交融发展的，有人主张宽容，有人主张排他……各持其说，莫衷一是，给人好坏莫辨的感觉。

中国画是我们民族智慧的结晶，是宝贵的文化遗产，我们要对中国传统艺术充满信心，不要受那些偏激的理论和观点的干扰和误导，并且要以积极的姿态从传统绘画中发现艺术规律及表现手法。因为这些艺术规律和表现是与中华民族的生活习惯紧密联系在一起的，是极有价值的，也是需要发扬光大的。近年来，吴冠中先生关于中国画中“笔墨等于零”的说法、张仃先生“要守住中国画创作的底线”的呼声，以及关山月先生“没有笔墨中国画等于零”的呐喊，都是围绕着中国画的发展何去何从展开的激烈辩论。不可否认，时代对中国画的影响是巨大的，当下中国画的发展方向，不以人的意志为转移，它正随着时代的步伐，挣脱以往较为统一、呈现丰富多彩的面貌、多元化的方向迅速发展，这也是中国画从传统向现代转型过程中所产生的必然现象。从长远来看，这种现象将会极大地丰富中国画的发展容量和创作含量。

中国画创新离不开传统, 作为中国画，离开了传统，就没有了根基，就割断了历史与现实联系的血脉。传统能以恢弘的气度,融合中外,贯通古今,同时,它始终体现我们民族的精神和时代的脉搏。发展传统不但要吸收其他画种的优点,更要保存自身的精髓、保持画种的延续性。临摹前人的优秀作品,向遗产学习，这是一种学习和继承传统的学习方法。学习中国画必须要了解它的文化背景与历史的沿革,明白其理，析其规律。传统是经过历史的筛选与验证后成为经典,其中包含了历代卓有成就的艺术大师对传统精华的继承与创新。要继承传统,但又不是一味地原样照搬,要随着时代的发展去发展与创新传统。在创新之前先要接受传统法则的规范和制约,而后又要设法摆脱、放弃传统法则的规范和制约,去寻找传统新的内容,只有这样才能有所发展、有所创新。

放弃民族特征的创新就是彻底否定中国画本质，更是彻底否定中国画的民族性。只有坚持民族传统，在继承传统笔墨技巧的基础上，运用现代思维，新材料和新方法不断创新，努力将自己的现代审美情感和意识融入到创作中去，体现一种新的现代中国画创作理念和当代性的美学思想。从而使中国画艺术最终成为东方文化的艺术代表，与西方艺术共同辉煌于世界艺术之林